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«Lonely» comenzó con un riff de bajo sin trastes. El arreglo, las armonías, las voces y la letra surgieron a partir de ese único riff. Es una canción sobre la pérdida de comunicación y comprensión, y sobre la soledad que puede ser el resultado de eso.
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El artista de indie rock y rock latino, Ivan Dancourt, nacido en Perú y residente en Vancouver, está listo para el lanzamiento de su tan esperado cuarto sencillo, «Detrás de tu Mirada», el 20 de septiembre de 2024. Conocido por su cautivadora mezcla de influencias del rock latino e indie, el nuevo lanzamiento de Ivan promete llevar a los oyentes en un viaje emocional hacia las complejidades del amor, la añoranza y los sentimientos no expresados que se ocultan tras la mirada de un ser querido.
«Detrás de tu Mirada» explora los sentimientos muchas veces inexpresables que surgen al intentar comunicar el amor y la conexión. Con letras emotivas y melodías conmovedoras, la canción aborda el reto universal de encontrar las palabras adecuadas para expresar la intimidad, mientras revela los misterios y las historias que existen detrás de cada mirada.
Ivan Dancourt
“A menudo siento que las mejores canciones cobran vida cuando me aparto y dejo que las palabras fluyan a través de mí. Con Detrás de tu Mirada, el coro y la melodía llegaron primero, seguidos de las letras que parecían canalizar las emociones que quería expresar sin pensar demasiado. Esta canción captura esos momentos en los que las palabras no son suficientes y los ojos dicen las verdades que no podemos decir.” –
El sencillo cuenta con Ivan en guitarra, bajo, teclados y voz, junto a las destacadas actuaciones de Glenn Welman en la batería y la asistencia en la producción de Andy Schichter en Park Sound Studios en North Vancouver, BC. La canción fue masterizada por Andrew Downton en Railtown Mastering en Vancouver, dándole un paisaje sonoro pulido y rico, que es tanto atemporal como moderno.
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Detrás de tu Mirada marca una progresión en la evolución artística de Ivan, mostrando su versatilidad para abordar diferentes temas emocionales. Mientras que sus sencillos anteriores—Vibrando, Sueños y El Camino—se centraron en temas de crecimiento personal y descubrimiento, esta nueva pista explora las complejidades del amor y la vulnerabilidad emocional. Con influencias musicales que van desde The Cure hasta New Order, Ivan mezcla una vibra moderna de rock indie con la resonancia emocional profunda del rock latino.
Próximos proyectos Después del lanzamiento de Detrás de tu Mirada, Ivan está emocionado de anunciar un remix del tema, que será lanzado próximamente.
Detalles de promoción y lanzamiento Para apoyar el lanzamiento, Ivan estará ejecutando campañas en redes sociales y promoviendo la canción a través de un video con letra en su canal de YouTube. Se invita a los fans y a los nuevos oyentes a escuchar la canción desde el 20 de septiembre en Spotify, Apple Music y todas las principales plataformas de streaming.
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Sobre Ivan Dancourt Ivan Dancourt ha hecho un nombre propio con una creciente audiencia en México, Argentina, Chile, Perú y España. Su sencillo debut, Vibrando, alcanzó cerca de 7,000 reproducciones en Spotify, abriendo puertas para sus lanzamientos posteriores. Su segundo sencillo, Sueños, ha conectado con oyentes de Argentina, Colombia y Chile, alcanzando 3,000 reproducciones, mientras que El Camino ha continuado con este éxito, ganando seguidores dedicados en toda América Latina.
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Sus últimas canciones, Human, Artificial Love, World of Mine son un verdadero punto culminante, mostrando el talento de Stefan como compositor y productor discográfico que hace un álbum conceptual.
Stefan tiene una nueva canción a la venta ahora, The Abyss, ambas tomadas de su próximo álbum World of Mine. Es el 4º single y le da un poco de giro.
«The Abyss» combina varias influencias para crear un sonido verdaderamente único. Con elementos de Rock, Darkwave, Synth-Pop, Alternativo e incluso Punk que se unen, los oyentes disfrutan de una experiencia musical que es a la vez familiar e innovadora. Por un lado, la canción cuenta con sintetizadores pesados de múltiples capas combinados con guitarras pesadas en vivo en coro sobre las melodías principales pegadizas que combinan instrumentación electrónica y orgánica en vivo. Una producción compleja con muchos detalles, y mucho amor se ha puesto en la creación de canciones, la grabación, la producción, la mezcla y la masterización.
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Un paisaje sonoro único e interesante proporciona una salida sonoramente agradable. Las vibraciones de sintetizador de los 80 moldeadas con voces indie/rock añaden una sensación dinámica con un amplio tono y textura.
Es una exploración de géneros, y una buena exploración no te golpea en la cara. Sea cual sea el género que te guste, apuesto a que puedes encontrar algunas influencias escuchando la pista. «The Abyss» trae voces claras y precisas y una gran melodía y un coro impulsado por la adrenalina: a los fanáticos del synthpop de principios de los 80 les encantará este, pero al mismo tiempo se mantiene al día con el rock electrónico y el punk.
Escúchalo en Youtube o Spotify.
Puedes obtener más información sobre Stefan viendo su entrevista aquí, o seguir a Stefan en Facebook, TwiZer, YouTube, Instagram y Spotify.
Este lanzamiento es un ejemplo realmente perfecto de la visión creativa y la estética musical del artista, realmente dando en el blanco con un tono fantástico y una producción de sonido realmente enorme que desarrolla la historia de un álbum, single en ese momento, preguntándose a dónde nos va a llevar el viaje. Si bien Stefan describió su propia percepción del álbum, aún no revela a dónde nos llevará la historia. De acuerdo con una entrevista realizada, vivimos en un mundo donde el tiempo y la concentración son limitados, por lo tanto, un soltero en ese momento. Pero a medida que los oyentes se familiarizan, hacer que alguien se siente y escuche una historia de un álbum completo es lo que define una artesanía de calidad.
Con sus melodías apasionantes, líneas de sintetizador texturizadas y voces poderosas, esta pista seguramente conectará con los fanáticos de estos legendarios ar1sts y más allá. Si eres fanático de artistas como Depeche Mode, David Bowie, entonces «The Abyss» es una canción que debes poner en tu radar.
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Aferrarse a una relación condenada al fracaso hasta que las uñas comiencen a agrietarse es un sentimiento que muchos de nosotros podemos reconocer con demasiada facilidad. Pero nadie puede transmitir la sensación de colgar de un alto precipicio del corazón como Avalon Stone, la rockera pesada post-grunge consistentemente asombrosa que ha representado tal predicamento con un estilo típicamente vertiginoso en su nuevo single, «Cliffhanger».
Dibujando una imagen de inminente caída libre romántica que es a partes iguales desesperación y acrofobia, Stone se coloca en una posición en la que simplemente no hay ningún lugar a donde ir, ya sea hacia arriba o hacia abajo.
You step toward me
I take another one back
Cant see the water below
But I hear the waves crash
Broken by battle
Bruised to the bone
Will I end up on this bed of stone
Cliffhanger
Waiting for the fall
Do I let go or hang on
Cliffhanger
Clinging to the wall
Didn’t know I’d been here so long
En un enfoque paradójico de los arreglos musicales que se ha convertido casi en sinónimo de su genio, Stone ha elegido expresar ese profundo malestar de una manera que es cualquier cosa menos ambivalente. Si ralentizas un poco «Cliffhanger», sus dramáticos cambios de acordes y su melodía en tono menor podrían convertirla en una canción clásica de antorcha. En su lugar, ha elegido el camino de no hacer concesiones, manteniendo la canción como un rockero contundente impulsado por los ritmos contundentes del baterista Tyler Shea y el bajista Donovan McKinley y el rifferama del guitarrista Caleb Bourgeois. El ingrediente clave, por supuesto, es la propia marca registrada de Stone, la voz de Fiona-Apple-si-pudiera-patearte el trasero, que eleva la pista a las mismas alturas borrascosas sobre las que está cantando. Para cuando suena el coro con infusión de oxígeno, te sientes como si estuvieras escuchando el número principal de una película de James Bond que nadie ha llegado a escribir todavía.
Todo está en un día de trabajo para este nativo de Kitchener-Waterloo, Ontario, que a los 10 años asistió a un campamento de School of Rock y se desempeñó profesionalmente durante un año. Después de haber dejado de lado una educación universitaria para seguir una carrera a tiempo completo en la música, ha pasado la siguiente casi década tocando en más de 300 escenarios en Ontario y los EE. UU., En todo, desde conciertos en bares hasta apariciones en festivales que han atraído a multitudes de 15,000 personas o más.
Un público aún mayor se aferró a los primeros singles de su álbum debut, Chained, una exploración vigorizantemente madura e inquebrantable de la oscuridad interior y la liberación esperada que se lanzará por completo este invierno. Esas cualidades han estado en abundancia en sencillos anteriores como «Forget You», un retrato engañosamente desafiante de una relación tóxica que ha registrado más de 200,000 transmisiones en todo el mundo; «Harder», un triste reconocimiento de los efectos paralizantes de la depresión; y «Shaking Me Up», que retrataba a dos personas amplificando los peores rasgos del otro: ira incontrolable y profunda tristeza.
Enfrentarse a las emociones difíciles es un reto del que Stone se ha negado sistemáticamente a rehuir. Respondió a la desorientación y alienación generalizadas de la pandemia de 2020 organizando una serie de conciertos al aire libre socialmente distanciados que se convirtieron en una popular transmisión en vivo. Eso, a su vez, le dio la idea de Music for Mental Health Canada, una organización sin fines de lucro que recauda dinero a través de eventos como Rock the Halls, una plataforma para que los músicos locales interpreten arreglos originales y personalizados de canciones navideñas. Esté atento a las fechas de este año.
Lo siguiente en su calendario de conciertos es el 18 de octubre en Sarnia y un espectáculo de Halloween el 25 de octubre en el mundialmente famoso club El Mocambo en el centro de Toronto, sitio de un compromiso histórico de 1977 que resultó fundamental en el rejuvenecimiento de los Rolling Stones. Avalon Stone, por supuesto, no necesita una inyección en el brazo en este emocionante punto de su génesis creativa. Puede que cante a los cliffhangers, pero la trayectoria de su carrera está a la vista:
hacia adelante y hacia arriba, hacia cielos cada vez más amigables. ¿Por qué molestarse en mirar hacia abajo?
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Una banda de psych/blues/rock muy diverso de Chicago.
La banda ofrece un sonido de hard rock arenoso en la canción, en la que un hombre profesa su amor por su mujer antes de pasar por algún tipo de borde cataclísmico. Las imágenes de accidentes de tren se utilizan en todo momento. Siguiendo los pasos del lanzamiento casi metálico de «Broken Glass», Baby Doll debería continuar atrayendo a una facción de hard rock a la base de fanáticos de Rosetta West, que se ha expandido dramáticamente en todo el mundo desde el lanzamiento de su álbum «Labyrinth» a principios de este año.
Baby Doll es una canción de rock cruda sobre un hombre que le declara su amor a una mujer antes de llegar al borde del desastre. Los accidentes de trenes se utilizan como metáfora. Baby Doll es la segunda canción de un lanzamiento reciente y ganó mucho interés orgánico después de que la gente escuchara la canción principal (Broken Glass).
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Influencias del rock latino, el pop moderno y la música electrónica se fusionan para crear este sonido único. «Hit me with the needle» es el segundo lanzamiento de esta colaboración germano-argentina. Ben conoció a Javier mientras viajaba por Argentina. Así nació una amistad y la idea de trabajar juntos.
La letra de la canción trata sobre una pelea entre dos hombres y una mujer. Ben los vio discutiendo mientras esperaban su autobús. Uno de ellos gritaba todo el tiempo: «golpéame con la aguja».
«Esta frase se me quedó grabada en la cabeza», dice Ben y lo inspiró a escribir esta canción.
Actualmente está trabajando en su álbum debut y espera volver a colaborar con Javier y Santó.
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Ben Trapp es un guitarrista y compositor de Nürnberg, Alemania. Estudió guitarra en el GIT/Musicians Institute de Los Ángeles, y tocaba con «Live ‘n Breathe», una banda de rock con sede en Washington D.C.
De vuelta a Alemania en 2012 fundó su propia escuela de guitarra «Guitar Trapp». Más tarde, en 2021, nació su propia editorial «Trapp Verlag». Allí, Ben publicó su primer libro, un método de enseñanza para que los niños aprendan a tocar el ukelele.
Después de tocar con varios artistas en Europa, actualmente se encuentra trabajando en su álbum debut con músicos de Argentina.
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Resuena con aquellos que han experimentado la pérdida y el reencuentro con ellos mismos. El mensaje de la canción enfatiza la importancia de aprovechar el presente para forjar un futuro más brillante.
Aldo Buzzi ha estado presente en la escena musical y artística de la ciudad de Nueva York y sus alrededores durante algún tiempo. Tocó en los primeros días de la escena punk y new wave en clubes de la ciudad como el club Mudd, Interferon, Earths End, The Peppermint Lounge, entre muchos otros lugares famosos de esa época. Dos bandas distintas que Aldo había formado y con las que había tocado fueron The Lampshades y Vinyl Flesh. The Lampshade produjo un 45 que se grabó en el estudio Radio City Music Hall en 1981 llamado «Not Sold Separately». Muchas influencias a lo largo de los años han llevado la música en tantas direcciones que han expandido el valor artístico y la creatividad de Aldo. Abandonó la escena a fines de los 90 y principios de los 2000, por lo que puedes imaginarte por qué. En los últimos 10 años, Aldo ha recuperado su impulso, creatividad y mojo en solitario, por lo que la música se volvió divertida y emocionante una vez más.
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Gable Bradley creció en una familia que muchos considerarían marginada. Por un lado, estaban los Bradley, que eran gente trabajadora que conducía motocicletas y que ocasionalmente causaba algún que otro altercado los fines de semana. Por otro lado, los Vance eran gente del mundo del espectáculo, feriantes itinerantes que viajaban de un lugar a otro. O como lo expresó tan sucintamente Ray Wylie Hubbard, «gente nocturna que le quitaba dinero a la gente diurna». Gable creció en Hot Springs, Arkansas, donde abundan las historias escabrosas sobre generaciones de personajes pintorescos como mafiosos y atletas profesionales que descansaban y se relajaban en los balnearios locales. El hecho de que llevara su propio espíritu inquieto y sin ley a la carretera para entretener a la gente parece casi inevitable.
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Su primera colección completa de canciones que se publica y que representan la música más auténtica que ha hecho hasta la fecha. Creció rodeado de música country y rock: en la feria de su abuela había un joven Johnny Cash en su época, mientras que él recuerda que le emocionaban los Lynyrd Skynyrd y AC/DC que salían de los altavoces de los coches deportivos de su padre y sus tíos. En una industria que a menudo quiere que los artistas se ajusten a las normas creativas de un género específico, Gable siempre ha intentado sintetizar las tradiciones de las dos ramas de su árbol genealógico. El hecho de que no sea la enésima iteración de algún artista que triunfó hace unos años ha hecho que el mundo de las grandes discográficas no haya sabido exactamente qué hacer con él, a pesar de estar lo suficientemente interesado como para invitarle a comer lo suficiente como para alimentar a la mitad de Hot Springs.
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Para lograr su visión artística, Gable tuvo que buscar un socio creativo que compartiera sus valores y supiera cómo apoyarlos. El legendario productor Marti Frederickson fue la respuesta. Finalmente, Gable supo que había encontrado un compañero de carrera con el que podía expresarse plenamente como artista. Famosos por trabajar con artistas de muchos géneros (Aerosmith, The Struts, Carrie Underwood), pasaron meses hablando de la vida y la música mientras escribían junto al creador de éxitos de Music Row, Danny Myrick. La culminación de esta colaboración se titula acertadamente Lawless, a place absent of rule, y es una declaración de principios verdaderamente definitiva.
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La muerte es el fin inevitable hacia el que todo ser humano se dirige. Llevando el tema al ámbito de la música, la muerte siempre ha sido un tópico que muchos artistas abordaron. De hecho, hay algunos de ellos que, yendo un paso más allá, predijeron su propio deceso. Es por eso que hoy queremos contarte sobre 5 leyendas del cuarto arte que anticiparon su fallecimiento.
Años antes de lanzar Are You Experienced, Jimi Hendrix grabó una canción titulada “The Ballad of Jimi” que cuenta la historia de un hombre llamado como el músico que iba a morir en cinco años. El violero aseguró que su pista estaba inspirada en la vida de su mejor amigo, quien llevaba su mismo nombre y tocaba la guitarra eléctrica.
En el track, Hendrix canta “Many things he would try, For he knew soon he’d die/ Now Jimi’s gone, he’s not alone. His memory still lives on/ Five years, this he said. He’s not gone, he’s just dead” (“Intentaría muchas cosas, porque sabía que moriría pronto/ Ahora que Jimi se ha ido, no está solo. Su memoria sigue viva / Cinco años, esto dijo. No se ha ido, solo está muerto”), palabras que anticiparon su muerte, el 18 de septiembre de 1970, por asfixia.
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Dos años antes de ser baleado en Las Vegas, en 1996, Tupac Shakur habló con Entertainment Weekly y anticipó su muerte. En ese diálogo se le consultó dónde le gustaría estar dentro de 15 años, a lo que contestó: “¿En el mejor de los casos? En un cementerio. No en un cementerio rociado con cenizas ahumadas por mis amigos. ¡Quiero decir, ese es el peor de los casos! ¡En el mejor de los casos, multimillonario, siendo dueño de toda esta mierda!”, agregó.
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Hay dos canciones que parecen predecir la muerte de Jeff Buckley: una es una creación suya, mientras que la otra pertenece a su padre, Tim Buckley. En “Dream Brother”, el estadounidense repite la misma frase tres veces: “Asleep in the sand with the ocean wash over” (“Dormido en la arena, con el océano lavándome”).
Así, sin saberlo, el cantautor y guitarrista predijo su muerte con una precisión escalofriante, ya que el 29 de mayo de 1997 se ahogó mientras nadaba en el Wolf River Harbor, un canal del río Mississippi. La cosa se vuelve aún más tenebrosa si se tiene en cuenta que en su track “Song of The Siren”, Tim canta: “Swim to me, swim to me/ Let me enfold you/ Here I am, here I am/ Waiting to hold you” (“nada hacia mí, nada hacia mí/ Déjame envolverte/ Acá estoy, acá estoy/ Esperando para abrazarte”.
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Al igual que el ya mencionado Hendrix, la cantante británica pasó a formar parte del infame club de los 27 en 2011, después de ser encontrada muerta tras haber consumido una gran cantidad de alcohol. Con una vida llena de excesos, Amy Winehouse fue tapa en todos los diarios del Reino Unido. Entre todos los medios que cubrieron los pasos de la cantante, uno pudo sentarse a dialogar con Alex Foden, amigo íntimo de la artista, quien dijo: “Amy siempre me dijo que pensaba que moriría joven y que sabía que se convertiría en parte del club de los 27”.
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El ícono del reggae siempre “mostró una extraña habilidad para pronosticar eventos futuros con una precisión sorprendente, lo que llevó a su madre a afirmar que su hijo tenía el poder de predecir el futuro”. Así fue que, cuando tenía 24 años, Bob Marley entró en un bar y les dijo a sus amigos: “Sé que me voy a morir a los 36”.
En julio de 1977, el músico descubrió que se le había formado un melanoma lentiginoso acral, una forma de cáncer de piel poco común, en su pie derecho. A pesar de las recomendaciones médicas, Marley decidió seguir adelante con sus shows programados y no someterse a ninguna operación para extirparse el dedo que presentaba la anomalía.
Para 1980, el cáncer se había extendido y la leyenda jamaiquina se vio obligada a viajar a Alemania para comenzar un tratamiento experimental. Sin embargo, Marley nunca pudo concretar su visita al país europeo, dado que el 11 de mayo de 1981 fue encontrado muerto durante una escala en Miami, con 36 años cumplidos tres meses atrás.
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«Passion of the scorned»
Mientras que su tema anterior exploraba las batallas internas con la tentación, «Passion of the Scorned» cambia el guión, ahondando en la voz seductora del Diablo, justificando los errores que cometemos. Las intrincadas composiciones de Luke y sus inquietantes melodías continúan ampliando los límites creativos, consolidando a Deflecting Ghosts como una fuerza en ascenso en la escena del rock alternativo.
Biografía del artista | Luke Fitzgerald
Luke Fitzgerald es un multiinstrumentista y cantautor afincado en Kansas conocido por su innovador enfoque de la música. Con una base en la guitarra clásica, Luke mezcla rock, metal y melodías intrincadas para forjar un sonido distintivo. Es la fuerza creativa detrás de tres proyectos principales: su trabajo individual, la banda EveriKnee, y su proyecto en solitario, Deflecting Ghosts.
En EveriKnee, Luke escribe, canta y toca la guitarra, creando música adaptada para actuaciones en vivo. Deflecting Ghosts, sin embargo, le permite un control creativo total, ya que escribe, toca y graba todos los instrumentos, explorando composiciones más complejas y en capas. Su último lanzamiento, «Passion of the Scorned», es una oscura continuación de «Lost My Mind», empujando los límites de su visión artística.
El trabajo en solitario de Luke abarca una variedad de estilos, desde piano instrumental hasta pistas de guitarra, todas disponibles en plataformas de transmisión. Con múltiples EP, singles y videos musicales a su nombre, Luke continúa cautivando al público mientras solidifica su presencia en la escena del rock alternativo. Ya sea al frente de EveriKnee o superando los límites creativos con Deflecting Ghosts, Luke Fitzgerald sigue siendo una voz convincente y en evolución en la música moderna
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