Robert Kleeman Presenta su nuevo sencillo “Supersonic”
Un himno de pop alternativo lleno de urgencia y alegría
HOUSTON, TX – Aug
El artista y educador de escuelas públicas Robert Kleeman anuncia el lanzamiento de «Supersonic», un himno pop alternativo de alta energía construido sobre baterías a escala de estadio, voces elevadas y un mensaje que se niega a apagarse ante la oscuridad del mundo. Grabado en el Studio 713 de Houston, el tema captura tanto la urgencia emocional como el impulso musical explosivo.
THE SOUND
«Supersonic» avanza con un impulso brillante y estribillos de sala grande, entregando una oleada de energía sin sacrificar profundidad. La producción se inclina hacia la inmediatez: percusión de alto impacto, un tempo que nunca afloja y un gancho vocal diseñado para encendecer. Perfecto para oyentes que buscan impacto, elevación y claridad emocional.
LA HISTORIA
En esencia, «Supersonic» trata de recuperar la felicidad en tiempos opacos. El catálogo de Kleeman explora a menudo la ansiedad, la incertidumbre y la turbulencia social de Estados Unidos; aquí cambia deliberadamente la perspectiva. La canción no niega la pesadez del mundo —simplemente se niega a dejar que ocupe cada rincón emocional. Ese contraste le da a la canción su carácter liberador.
LA GRABACIÓN
Kleeman grabó la batería y la voz en Studio 713 el mismo día que enfrentó un desafío personal importante, incrustando esa urgencia en cada toma. El resultado es un himno que se siente a la vez espontáneo y meticulosamente elaborado.
«Supersonic» sitúa a Robert Kleeman en un nuevo pico creativo: optimista, accesible y hecho para emocionarse. Con su estribillo de tendencia colectiva y producción expansiva, la canción se erige como una declaración de que la alegría también puede ser un acto de resistencia.
The Mallees son una explosiva fuerza indie-rock que surge de Portsmouth, Inglaterra, compuesta por Jonah Keown-Halley en voz y guitarra rítmica, Ibrahim Bukhari en batería y Jake Jones en guitarra solista, coros y bajo. Inspirados en gigantes del rock alternativo como Foo Fighters, Nirvana, Fontaines D.C., Blur, My Bloody Valentine, Pixies y The Smiths, el trío crea un sonido que une la energía post-grunge cruda con sensibilidades melódicas contagiosas. Su enfoque colaborativo de composición ya les ha valido actuaciones en festivales destacados como Victorious Festival y Ice Breaker Festival, estableciéndolos como figuras a seguir en la escena indie-rock británica. Con su espíritu de grabación DIY —sesiones divididas entre Little Piggy Studios en Havant y grabaciones en dormitorio— The Mallees mantienen un toque auténtico y sin pulir que habla directamente a su generación.
«Save You», lanzado el 4 de septiembre de 2026, es un himno de rock alternativo de alta energía que captura el turbulento viaje de empoderamiento personal durante las transiciones cruciales de la vida. Impulsado por un trabajo de guitarra ardiente, batería dinámica y líneas de bajo melódicas que contraequilibran, el tema ofrece un impulso explosivo post-grunge templado con melodías juguetonas y inspiradoras y un final instrumental elevado. Líricamente, «Save You» afronta la cruda realidad de que el rescate no proviene de fuentes externas, replanteando este aislamiento como la liberación definitiva: posees la fuerza para lanzarte a lo desconocido y salvarte a ti mismo. Escrita durante un periodo de incertidumbre y vulnerabilidad, la canción sirve como himno para cualquiera que navegue espacios liminales, enfrente la duda y avance hacia el crecimiento personal. Es una declaración poderosa que debería resonar profundamente en la juventud actual, ofreciendo tanto catarsis como inspiración.
Preguntas y respuestas
Cuéntanos sobre los principales colaboradores de este proyecto.
Jonah Keown-Halley (voz y guitarra rítmica), Ibrahim Bukhari (batería) y Jake Jones (guitarra principal, coros y bajo) escribieron la canción juntos. Todos forman parte de la banda de indie-rock de Portsmouth The Mallees.
¿Quién influyó en este lanzamiento?
Foo Fighters, Nirvana, Fontaines DC, Blur, my bloody valentine, pixies, The Smiths
¿Cuál es la historia detrás de este lanzamiento?
«Save You» es un tema de rock alternativo de alta energía que equilibra el explosivo impulso post-grunge con melodías contagiosas y juguetonas. Impulsada por un trabajo de guitarra ardiente, una batería dinámica y líneas de bajo melódicas que contraequilibran, la canción ofrece un sonido crudo y enérgico coronado por un final instrumental inspirador. Escrita durante una transición vital crucial, la canción captura la tensión de adentrarse en lo desconocido—navegando la incertidumbre, la vulnerabilidad y el optimismo cauteloso. Líricamente, «Save You» explora la cruda realidad de que nadie viene a rescatarnos, pero replantea ese aislamiento como un empoderamiento supremo: tienes la fuerza para dar el salto, salir de tu zona de confort y salvarte a ti mismo. Es un himno para cualquiera que navegue espacios liminales, enfrente al miedo y la duda, y avance hacia el crecimiento personal y la transformación.
Cuéntanos qué hace que este lanzamiento destaque y por qué es significativo
Save You como canción es un himno rock poderoso que debe hablar e inspirar a la juventud de la generación actual.
¿Dónde se realizó la grabación?
Las voces y la batería en Little Piggy Studios en Havant y las guitarras se grabaron en el dormitorio de Jake.
¿Qué fue lo único en el proceso de grabación?
La batería y la voz se grabaron en Little Piggy Studios en Havant y las guitarras en el dormitorio de Jake. Así es como The Mallees grabaron todas sus canciones.
¿Tienes alguna actuación reciente o próxima que destacar?
No hay conciertos próximos por circunstancias personales. Pero contamos con numerosos conciertos destacados a nuestro espaldo, como festivales victoriosos y festivales rompehielos
TWB lanza su nuevo sencillo «Everything Turns Around», un giro hacia la resiliencia
Princeton, WV — TWB, la banda de personajes de IA conocida por su sonido frío y cinematográfico y su temática sin concesiones, ha lanzado su último single,
«Todo cambia.» El tema marca un cambio de tono para la banda: tras abordar la complicidad, la responsabilidad sistémica y el duelo en los lanzamientos recientes, TWB centra su atención en la resiliencia; el punto en que la presión deja de acumularse y empieza a romperse.
«Everything Turns Around» mantiene intacta la contención característica de la banda: sin melodrama, sin resolución fácil, mientras abre espacio para algo más cercano a la esperanza. El arte del single mantiene esa misma idea visualmente, construida alrededor de una fría paleta azul carbón y un tratamiento de texto con distorsión de agua que sugiere turbulencias que se asentan en movimiento hacia adelante.
«No hacemos sentimentalismo, y esta canción no es una excepción», dijo Matthew Ahumada, el líder de TWB. «No se trata de que las cosas se pongan fáciles. Se trata del giro; el momento en que sigues de pie y el peso empieza a moverse en lugar de simplemente sentarse sobre ti.»
TWB se basa en la transparencia: con la excepción del vocalista Matthew Ahumada, todos los demás miembros de la banda son personas de IA, y cada lanzamiento revela claramente su creación asistida por IA. El director creativo humano de la banda supervisa la dirección de composición, producción e identidad visual en todos los lanzamientos, tratando la colaboración con IA como una parte declarada de la identidad de la banda y no como algo que ocultar.
«Everything Turns Around» ya está disponible en todas las principales plataformas de streaming.
Sobre TWB
TWB es una banda de personas con IA compuesta por cuatro personas con IA — Sienna Knox (bajo/voz), Evan Cross (guitarra), Ryan Vale (teclados) y Jace Nolan (batería) — bajo la dirección de un solo director creativo humano y vocalista, Matthew Ahumada. El trabajo de la banda se define por el peso cinematográfico, la precisión sobre la sentimentalidad y una transparencia radical sobre su proceso asistido por IA. Lanzamientos recientes incluyen los álbumes Evolution y Complicit, y el sencillo independiente «Still in the Room.»
Gus Ormo Presenta su nuevo sencillo “GUS ORMO» se su nevo nuevo álbum «AGAPE”
El pianista y compositor venezolano Gus Ormo ha lanzado su nuevo álbum instrumental titulado “Ágape”, una producción minimalista centrada en el concepto del amor incondicional que destaca por el sencillo “Claroscuro”. El material discográfico, que incluye colaboraciones con destacados maestros de la música, ya se encuentra disponible en las principales plataformas de streaming global. Puedes seguir al artista en sus redes oficiales como @gus_ormo para más información.
A diferencia de sus trabajos anteriores, este lanzamiento destaca por ser un álbum instrumental enfocado en el piano, concebido como un viaje íntimo y profundo que busca conectar con las emociones esenciales del oyente bajo la premisa de que ni el amor ni la música necesitan palabras.
TBM Project Presenta su nuevo sencillo “Angels & Demons”
TBM Project fue fundado por Thorsten Behrs en 2023. Hasta entonces, solo habían producido temas instrumentales con influencias rockeras. Luego tuvo la idea de escribir una canción con voces. Fue entonces cuando recordó a su amigo de sus primeros días en la banda, nada menos que Henning Basse, que ya había alcanzado un éxito internacional considerable con Metallium, Gamma Ray y Firewind.
Tras «The Fallen Angel», «I’ll Don’t Take You Home Tonight» y «Humans» (que se lanzará el 5 de diciembre de 2025), el cuarto sencillo ya está en proceso y el álbum debut está previsto para finales de 2026.
Stefan «Church» Kirch ya ha demostrado su valía como bajista y, con suerte, también aparecerá en el álbum debut. Como es habitual en un proyecto, probablemente habrá uno o dos músicos invitados internacionales de vez en cuando. El objetivo es escribir muchas más canciones melódicas de heavy rock y metal y, quién sabe, quizás incluso interpretarlas en directo.
Alternative Rock / Alternative Metal / Modern Rock
FROZENROOM capturan la emoción de estar vivo en su nuevo álbum A Rush of Life
Tras casi dos décadas en la escena suiza de rock alternativo y metal, FROZENROOM lanzan A Rush of Life, un álbum de siete temas marcado por la amistad, el crecimiento musical y una pasión inquebrantable por hacer música juntos.
Abriendo con Euphoria, el disco captura de inmediato lo que hay en el corazón de A Rush of Life: la sensación de liberarse, dejar atrás la oscuridad y abrazar la intensidad de estar realmente vivo. Impulsado por un rock potente, texturas atmosféricas de sintetizador y melodías elevadas, el tema reúne matices profundos del sonido de FROZENROOM y prepara el escenario para un álbum construido sobre energía, emoción y contraste.
Desde su formación en 2007, FROZENROOM se ha hecho un hueco propio en el panorama del rock suizo. En lugar de seguir tendencias o limitarse a un solo género, el trío siempre ha abrazado el contraste. Las guitarras pesadas se encuentran con ganchos memorables, los arreglos intrincados chocan con composiciones auténticas, mientras que las influencias del rock, metal y pop se colan de forma natural en la música de la banda.
Esa apertura recorre A Rush of Life. Desde los pesados riHs y la energía himno de The Fire hasta la nostálgica atmósfera synth-pop de los 80 de Coming Home y el sonido potente pero atmosférico de Euphoria, el álbum se mueve con confianza entre mundos musicales diHerent sin perder su identidad.
Lo que ha permanecido sin cambios a lo largo de los años es la filosofía de la banda. FROZENROOM no escribe canciones por fórmula. En cambio, sus canciones crecen de forma orgánica tocando juntos, escuchando, reaccionando y confiando en el proceso creativo. Con el paso de los años, su enfoque ha cambiado de producir más música a crear música mejor. Menos presión. Más libertad. Más honestidad.
El resultado no es una reinvención, sino la versión más honesta de FROZENROOM hasta la fecha.
Más rica en sonido y más amplia en alcance musical que los lanzamientos anteriores, A Rush of Life equilibra euforia y pesadez, intensidad y vulnerabilidad. Sus siete canciones capturan momentos y emociones inherentes, pero comparten el mismo espíritu subyacente: el deseo de sentir, avanzar y abrazar la vida en todas sus contradicciones.
«Nos conocemos desde que éramos adolescentes, y de alguna manera seguimos aquí – escribiendo, tocando y creciendo juntos. Mirando atrás, es increíblemente gratificante darse cuenta de que nuestra música ha crecido junto a nosotros. A Rush of Life refleja dónde estamos hoy, tanto a nivel personal como musical. Probablemente sea el disco más abierto y honesto que hemos hecho nunca.»
Casi dos décadas después de que empezaran a hacer música juntos, FROZENROOM suena tan curioso y hambriento como siempre. A Rush of Life no trata de mirar atrás. Se trata de estar presente: de la amistad, el crecimiento y la emoción que viene de sentirse realmente vivo.
PARA LANZAMIENTO INMEDIATO (VIERNES 28 DE AGOSTO), ANDY JANS-BROWN LANZA UN NUEVO SENCILLO INTO THE BLUE.
Hay momentos en la vida en los que quedamos atrapados dentro de nuestro propio clima. Una sola preocupación se expande hasta llenar todo el horizonte. Perdemos perspectiva. Olvidamos respirar. Luego, de vez en cuando, algo nos eleva lo suficiente por encima de las nubes para recordar que la tormenta nunca fue todo el cielo. La mayoría de nosotros hemos sentido esto al menos una vez volando.
La aeronave atraviesa las nubes, la turbulencia empieza a calmarse y, de repente, el mundo se abre. La señal del cinturón se apaga. La luz del sol entra por las ventanas de la cabina. Nada ha cambiado abajo, pero todo se siente diferente.
Es este cambio silencioso de perspectiva el que está en el corazón de Into the Blue, el nuevo sencillo del quinto álbum de estudio de Andy Jans-Brown, Airport Departure Lounge, con Cameron Spike-Porter que se lanzará el viernes 28 de agosto.
Construido en torno a la simple imagen de un pasajero que se eleva por encima del clima, Into the Blue se convierte en una meditación sobre esos raros momentos en los que la vida se reorganiza en silencio. Nada ha cambiado fuera, pero de alguna manera todo parece diferente.
Desde treinta mil pies, las ciudades brillan con una belleza inesperada, los problemas se reducen a lo reducido y la frontera entre el miedo y la libertad comienza a disolverse. La vista desde arriba nos recuerda que nuestras vidas suelen ser más grandes que las tormentas por las que pasamos.
Comienza con la frase: «Tengo un libro en el bolsillo, comprado en el aeropuerto, titulado ‘What Lies Ahead When There’s No Future'», la canción hace un guiño a la filosofía contemporánea mientras se niega a rendirse ante el pesimismo. A veces el horizonte siempre estuvo ahí. Simplemente olvidábamos levantar la vista.
Musicalmente, la canción refleja su propio ascenso. Impulsado por la batería propulsora de Grant Gerathy y las guitarras elevadas de Cameron Spike-Porter, Jans-Brown ofrece una de sus interpretaciones vocales más sentidas, equilibrando la vulnerabilidad desgastada con una resiliencia silenciosa. La canción finalmente se convierte en un exuberante solo de guitarra; un momento de liberación que se siente menos como una escapatoria que como una trascendencia, una catarsis ganada a través de la resistencia.
El arreglo captura la sensación de atravesar las nubes hacia un cielo abierto, mientras que sutiles cambios armónicos evitan continuamente lo esperado.
Como gran parte de Airport Departure Lounge, Into the Blue habita el espacio entre la salida y la llegada, el miedo y la maravilla, el duelo y el sentido. Nos recuerda que la perspectiva nunca es fija. A veces el mundo no se ha vuelto más ligero; simplemente hemos recordado una mejor forma de verlo.
Quizá cada viaje sea, al final, un viaje de vuelta hacia nosotros mismos. A través del gris vamos. Hacia el azul.
SOBRE ANDY JANS-BROWN
Andy Jans-Brown es un compositor, cineasta, dramaturgo y artista multidisciplinar australiano cuya obra explora los paisajes emocionales que nos conectan. A lo largo de una carrera de más de tres décadas, ha construido un cuerpo de trabajo distintivo definido por el lirismo poético, la narración cinematográfica y una profunda curiosidad por las fuerzas sociales y psicológicas que moldean la vida contemporánea.
Su quinto álbum de estudio, Airport Departure Lounge (junio de 2026), ha sido ampliamente elogiado por su reflexiva exploración de la incertidumbre, la esperanza y los espacios liminales entre la salida y la llegada. Sigue a los aclamados álbumes dobles Letting Go! (2012), Sunshine Avenue (2014), Hell is Light (2018) y Falling (2024), consolidando aún más a Jans-Brown como una de las voces independientes más distintivas de Australia.
Ha compartido escenario con artistas como Nick Cave and the Bad Seeds, Phil Jamieson, Portugal. The Man y The Preatures.
In 2018, Jans-Brown released Hell is Light, an ambitious project combining a double album with a feature film exploring addiction, recovery and redemption in coastal Australia. The film received Best Film, Best Director and Best Original Soundtrack at the 2019 Pinnacle Film Awards before screening at the Blow-Up International Arthouse Film Festival in Chicago.
Junto a su práctica creativa, Jans-Brown es un actor, creador teatral y educador artístico consumado. Desde 2023, es gerente de proyectos para One Vision Productions, mentorizando a jóvenes de las Primeras Naciones para crear música y películas originales que fomenten el orgullo cultural, la resiliencia y la autoexpresión.
Ya sea escribiendo canciones, dirigiendo películas o creando teatro, la obra de Andy Jans-Brown explora los espacios tranquilos donde la perspectiva cambia y las personas se reencuentran. En lugar de ofrecer certezas, su obra invita a la curiosidad; confiar en que la belleza, el significado, la complejidad y la conexión a menudo se revelan no cuando finalmente tenemos todas las respuestas, sino cuando nos dispuestos a mirar con los ojos abiertos.
Aunque puede que no descubramos un mundo nuevo. Quizá encontremos el camino de vuelta a este.
De mente. Es un track de Punk-Rock, Alternativo en español con guitarras al frente y una letra que cuestiona las divisiones sociales actuales. su sonido va en la línea de proyectos viscerales y melódicos como, Las pelotas, La vela puerca o No te va gustar, entre otros.
Jerestop es un proyecto de rock en español que comenzó de forma independiente pero que gradualmente fue formando un equipo creativo profesional, colaborando con músicos, productores e ingenieros vinculados a la escena musical argentina.
Originally from Buenos Aires, Jeremías discovered writing during his teenage years as a therapeutic tool for channeling and transforming his emotions. Through this creative process, some of his writings naturally evolved into songs, marking the start of his musical journey. His passion led him to experiment with various genres—such as alternative rock, grunge, and punk—reflected in projects like, Parada Obligatoria (2009–2011) in La Plata, where he explored the essence of classic rock, and R.I.P. (Rock Independiente Patagónico) in Neuquén (2015–2020), which focused on a more visceral, rebellious sound.
En 2021, inició su carrera en solitario bajo el nombre artístico Jerestop, abrazando nuevos sonidos y texturas musicales que combinan elementos de rock experimental con matices indie y electrónicos. Su evolución artística ha sido una búsqueda constante de innovación, consolidándole como un creador versátil con un estilo distintivo y auténtico.
Sus tres primeras producciones se crearon en la ciudad de Neuquén antes de trasladarse a Canadá, donde reside actualmente.
Paul Hodes and The Blue Buddha Band Presenta su nuevo sencillo “Swimmin’ With The Sharks”
Valley Entertainment y Big Round Music anuncian el lanzamiento del vídeo lírico y el sencillo «Swimmin’ With The Sharks» en el álbum «The Heartland» de Paul Hodes y The Blue Buddha Band. La canción fue escrita, producida y grabada por Hodes, un excongresista de Estados Unidos. La letra apunta directamente a la corrupción en la política actual, con un estilo irónico, animado y guiado por la guitarra, que recuerda a clásicos del rock y escritores como Warren Zevon y Bob Dylan. El vídeo, disponible en el canal de YouTube Valley Entertainment
destaca a figuras destacadas en la jerarquía política y no se corta con rodeos. Como exmiembro del Congreso por New Hampshire, Hodes sabe perfectamente de qué canta. La canción es una pasada y justo a tiempo para la temporada electoral de Estados Unidos.
James Wesley Haymer Presenta su nuevo sencillo “Coming and Going”
Si Tom Petty y Keith Richards tuvieran un bebé, lo llamarían «Coming and Going». Una canción de rock arrogante y desgastada por la carretera, construida en torno al dilema de siempre: ¿es mejor el mal amor que no tener amor alguno?
Tiene ese groove suelto y vivido, un poco de suciedad en los bordes y un gancho que parece que ha estado yendo de copiloto por una autopista de dos carriles durante años. El narrador sabe que este amor es un problema, pero alejarse podría doler aún más.
«Entrando y saliendo» es para cualquiera que alguna vez haya sabido que debía irse, pero que se quedó de todos modos.
James Wesley Haymer nació en Nueva York y, cuando tenía doce años, su familia se subió al descapotable Cadillac y se dirigió a la soleada California, donde formó Silverspoon, producido por el mánager de gira de los Beatles, Mal Evans. Un año después, el grupo contribuyó a la banda sonora de Helter Skelter, la película de Charles Manson, grabando cuatro canciones de los Beatles.
Tras la disolución de la banda, él y el teclista de Silverspoon, Blair Aaronson, formaron Two Guys from Van Nuys, un dúo al estilo Dylan que era habitual en el café Bla Bla en Studio City y que había tenido grabaciones con Dave Mason y Mike Love de los Beach Boys.
Por insistencia del exmiembro de Silverspoon, Chas Sandford, él y su familia se mudaron a la zona de Nashville y compraron una antigua granja de finales del siglo XIX. Construyó un pequeño estudio casero donde escribió y grabó cuatro álbumes en solitario: See You Around, Field Recordings, Boomtown y Timing is Everything. Su nuevo álbum, Still Moving se publicó en 2024 y se puede encontrar en jameswesleyhaymer.com
