Vampire Duwop Presenta «Let’s Go Where Eagles Dare»
¡Vampire Duwop ha tomado una canción clásica de punk rock de los Misfits y la ha convertido en un dúo mortal!
Skeema y Otsikheta son vampiros inmortales en camino a Skyworld tras la destrucción de su planeta natal, la madre tierra.
El año es 54.443 d.C. y la Tierra se ha convertido en un cinturón de asteroides que rodea al Sol. Su memoria está prácticamente perdida. Las últimas canciones de la Tierra siguen siendo llevadas por Skeema y Odelle, vampiros eternos viajando por el espacio más allá de la velocidad de la luz.
Lux The Lion Presenta su nuevo sencillo «Bonnie & Clyde»
«Bonnie & Clyde» nació sin querer, un domingo por la tarde junto al piano. Y quizá precisamente por eso fue tan honesta. Cuando empiezan a aparecer los mechones blancos, mucha gente empieza a vivir con una pregunta silenciosa: ¿y si hubiera sido diferente? ¿Y si me hubiera ido? ¿Y si me hubiera quedado? ¿Y si hubiera elegido a esa persona, esa ciudad, esa vida?
Para Lux El León, esta pregunta no nace necesariamente de la insatisfacción. «A veces es solo ese pequeño bicho el que nos muerde la cabeza», dice el artista. «Dentro de cada vida también hay una vida que no ocurrió.»
De este lugar nace «Bonnie & Clyde»: una canción sobre caminos, impulsos, amor y pequeños universos paralelos que todos visitan en silencio. La canción no habla exactamente de la huida en el sentido literal. Habla de ese deseo casi adolescente, pero a la vez muy adulto, de encontrar a alguien que no complique el salto.
«Siempre he preferido gente como: ¿vamos? Vamos», resume Lux. «Sin convertir el deseo en un informe. Sin reunión emocional. Solo una llamada diciendo: prepárate, paso.»
La letra se basa en imágenes sencillas: lluvia, café en el jardín, olor que invade, bolsas listas, alguien esperando en la puerta. Poco a poco, esta intimidad crece y se convierte en una mitología privada. Bonnie y Clyde, Priscila y Elvis, Hades y Perséfone, María y Lampião aparecen como espejos de una idea central: cada relación intensa crea su propia leyenda.
El instrumental de «Bonnie & Clyde» se grabó en Brasil, mientras que las voces se grabaron en el estudio Blim de Lisboa. La banda sonora presenta un arreglo completo para voces, guitarra, teclados, bajo y batería, una estructura que apoya la sensación de movimiento constante de la canción, como si la música siempre estuviera en movimiento hacia algún lugar.
Lux El León es un músico autodidacta y toca desde que era niño. No se gana la vida profesionalmente con la música, al menos no en el sentido convencional, pero le gusta pensar que algunas canciones buscan insistentemente una forma de nacer en este mundo.
«No sé si elegimos todas las canciones», dice. «Algunos parecen elegirnos. Bonnie & Clyde surgió así: sin querer, hice otra historia. Una canción sobre nosotros dos.»
Al final, la bandera crece como la imagen de una inundación: alguien llega, llena el mundo, cambia el clima y obliga a la vida a ser repoblada. Es romántico, pero no dulce. Es ligero, pero no superficial. Es una canción sobre lo que podría haber sido y sobre la belleza de seguir queriendo ir.
Laji George Presenta su nuevo sencillo “Sittin Here Thinkin”
Laji George es una artista de alt-rock afincada en Nueva York cuya música late con la intensidad cruda del grunge de los 90, manteniéndose profundamente arraigada en la narración auténtica y la conexión humana. Inspirado principalmente por los gigantes de Seattle Eddie Vedder y Chris Cornell, George entrelaza texturas ásperas de guitarra con inesperados matices de soul y blues que recuerdan a Otis Redding, Etta James y Chuck Berry. Su filosofía artística se centra en tender puentes a través de un rock honesto y lleno de alma, que habla a la experiencia real en lugar de a tendencias vacías.
Actualmente centrado por completo en completar su próximo álbum «Out of Line», George se ha apartado de las actuaciones en directo desde su último concierto con la banda Pseutopia en Summerfest, canalizando toda su energía en el estudio. Trabaja principalmente entre su estudio casero y el espacio del productor Jonah Brockman, donde priorizan capturar una energía pura y auténtica sobre la perfección pulida. Como músico y narrador, George representa una voz refrescante en el rock moderno, una que valora la artesanía, la emoción genuina y la fuerza silenciosa de la garra de la clase trabajadora.
«Sittin Here thinking» se lanza el 6 de agosto de 2026 como un sencillo clave del próximo álbum de George, «Out of Line.» Nacida de la amistad de George con un veterano de la Marina y un instalador de tubos sindicalizados, la pista captura los momentos contemplativos tras un duro día de trabajo—ese espacio donde la reflexión se encuentra con la resiliencia.
Lo que distingue a este lanzamiento es su intrépida mezcla de géneros: el productor Jonah Brockman ayudó a George a unir elementos grunge pesados con texturas folk y blues, incluso incorporando acordeón para crear una vibra soul terrenal y distintiva que desafía las convenciones. En lugar de depender solo del volumen, la canción obtiene su fuerza del lirismo introspectivo y la honestidad cruda, demostrando que el rock puede impactar fuerte sin saturar los sentidos. El vídeo que lo acompaña, rodado alrededor del puerto de Nueva York/Nueva Jersey entre acero industrial y arenilla en los muelles, refuerza visualmente el homenaje de la canción a la clase trabajadora estadounidense. Este sencillo contemplativo pero poderoso marca el tono auténtico e intransigente de todo el álbum de George: un disco diseñado para unir a los oyentes a través de la verdad compartida en lugar de dividirlos con artificios.
Cuéntanos sobre los principales colaboradores de este proyecto.
Como todas las demás canciones de este álbum, el principal y único colaborador en «Sittin’ Here thinking'» es mi productor, Jonah Brockman. Dar vida a esta canción fue sin duda más complicado porque entrelaza sutiles elementos folk y blues junto a ese pesado aire grunge de los 90. Nuestro proceso empezó con la grabación de una demo casera tosca, y Jonah fue fundamental para mezclar esos estilos tan distintivos: equilibrando las bases acústicas terrenales y bluesy con una energía alt-rock cruda para crear una liberación cohesionada que mantiene intacto su corazón crudo.
¿Quién influyó en este lanzamiento?
Aparte de que la historia principal está anclada en la vida real de un veterano de la Marina, instalador de tuberías sindicalizado y verdadero amigo, mis principales referentes siempre son los gigantes del grunge: Eddie Vedder y Chris Cornell están permanentemente grabados en mi ADN. Pero en esta pista concreta, si escuchas con atención bajo la superficie, notarás esas raíces más profundas que se asoman. Hay matices distintivos de Otis Redding, Etta James y Chuck Berry entretejidos directamente en la aspereza y el ritmo. Es ese sonido crudo de Seattle chocando de frente con el soul clásico y el rock ‘n’ roll, dando a toda la canción un corazón más pesado y terrenal.
¿Cuál es la historia detrás de este lanzamiento?
En el fondo, «Sittin’ Here thinking'» nació de una conexión real y un profundo respeto por la rutina diaria. La historia se remonta a una época de mi vida en la que trabajé junto a un veterano de la Marina, un instalador de tuberías sindicalizado y un verdadero amigo. Pasar tiempo con alguien con ese nivel de determinación, ética de trabajo y experiencia vital dejó una huella duradera en mí. La canción surgió de ver esa reflexión silenciosa tras un largo día de trabajo duro—capturando lo que se siente simplemente sentarse, procesar la vida y encontrar un momento de paz en medio del ruido. Filosóficamente, se relaciona perfectamente con cómo veo la música en su conjunto: trata sobre la conexión humana, el amor y superar las divisiones artificiales que se siembran para mantener a la gente luchando. No estoy aquí para predicar ni dar lecciones a nadie. Quería escribir algo basado en la crudeza del mundo real que diera a la gente una razón para detenerse, reflexionar y sentirse un poco más unida a través de un rock alternativo honesto y lleno de alma.
Cuéntanos qué hace que este lanzamiento destaque y por qué es significativo
Lo que hace que «Sittin’ Here thinking'» destaque no es el volumen puro, sino la honestidad cruda. Es una canción grunge contemplativa e introspectiva que cambia la pura pesadez por una narrativa profunda, una melodía llena de alma y letras que realmente tienen peso. La canción se toma su tiempo, dejando que esos matices bluesy y texturas inspiradas en Seattle respiren mientras la narrativa ocupa el protagonismo. Como single, es una pieza clave del rompecabezas para mi próximo álbum, Out of Line. Resalta un tipo diferente de fortaleza: mostrar que la música rock no necesita apagar los altavoces para golpearte directamente en el pecho. Marca un tono reflexivo y auténtico para el disco, demostrando que una canción impulsada por la reflexión silenciosa y la emoción genuina puede hacer una declaración tan poderosa como un muro de amplificadores.
Where did the recording take place?
Como en todas las canciones de Out of Line, la grabación tuvo lugar justo donde ocurre la magia: dividida entre mi estudio casero y el de mi productor Jonah Brockman. Hay algo sagrado en grabar en un espacio íntimo y enfocado: mantiene el ego fuera de la sala y nos permite perseguir energía auténtica pura, emoción pura y cero concesiones. Donde realmente dimos vida al significado visual y la dureza fue en el vídeo. Rodamos partes justo alrededor del puerto de Nueva York/Nueva Jersey—un fondo impregnado de acero industrial, energía en el muelle y sudor real. Ese escenario no fue elegido por casualidad; Fue elegido específicamente para honrar la verdadera tenacidad y el esfuerzo cotidiano de un instalador sindicalizado de tubos y de la clase trabajadora cotidiana. Ancla todo el lanzamiento en la vida real, reflejando el alma, la fuerza y la honestidad que inspiraron la canción en primer lugar.
¿Qué fue lo único en el proceso de grabación?
Lo que realmente dio identidad a esta canción fue incorporar un acordeón para captar esa vibra terrenal y folk-rock soul. Mezclar un acordeón junto a guitarras con tintes grunge y voces llenas de alma está definitivamente fuera de lo habitual, y ajustar el equilibrio exacto para que encajara con el resto del arreglo—sin saturar la pista—fue el mayor obstáculo en la mezcla. Pero cuando encajó, le dio a la canción una textura completamente única. Más allá de esa adición dinámica, mantuvimos el proceso puro y directo: grabamos con verdadera intención en el estudio, mantuvimos los instrumentos sonando naturales y dejamos que Jonah trajera sus técnicas de producción de precisión para asegurar que cada elemento tuviera espacio para respirar.
¿Tienes alguna actuación reciente o próxima que destacar?
Mi último concierto fue subiendo al escenario con mi banda Pseutopia en el Summerfest el verano pasado. Desde ese concierto, he estado concentrado en el estudio, completamente concentrado en dar vida a este álbum en solitario. Actualmente estoy en las primeras fases de reservar una serie de conciertos para principios del próximo año como parte de la promoción del álbum una vez terminado. Estoy reservando las fechas en directo hasta que el disco esté 100% completo, así que cuando vuelva a subir a ese escenario, llegaré con un set completamente terminado de material nuevo en bruto. ¿Podrías compartir una frase memorable sobre este lanzamiento o tu trayectoria como artista? «Al final del día, no intento sermonear a nadie—solo quiero escribir música que capture la verdadera dureza humana, conecte con la gente y nos recuerde lo que nos une en lugar de lo que nos separa.»
-¿Hay algo más que sea valioso que los comisarios sepan?
En el fondo, soy músico, ante todo. Cada vez que entro en el estudio, mi objetivo inmediato es hacer que la canción suene lo más musicalmente genial, auténtica y completa posible. Pero para mí, la música es solo la mitad de la ecuación: siempre trata sobre la historia, el mensaje y la vida real. Este lanzamiento no trata de perseguir tendencias ni de encajar en una caja preempaquetada; Se trata de capturar la experiencia humana genuina, la reflexión y la dureza silenciosas de la gente trabajadora. Más allá de las texturas alt-rock inspiradas en Seattle y los matices folk blues, hay un deseo subyacente de usar la música como un puente para conectar a las personas a través de la verdad compartida y la emoción real. Cuando los comisarios escuchen esta canción, espero que escuchen una canción que honre tanto el arte de la composición clásica como el corazón de la narración honesta y real.
Grumbeaux Presenta su nuevo sencillo “Were Those Just Birds?”
Nick Cave se encuentra con Angles of Light en esta exploración oscura y surrealista de lo que es habitar un mundo donde la gente se ríe o se carcajea de forma absurda—¿o eran solo pájaros, haciendo todo lo posible por ser escuchados?
«¿Were Those Just Birds?» se estira tensando una gama de emociones—miedo, asombro, vergüenza—antes de que un rayo de luz atraviese para redimirse. Cuando te encuentras con la portada de la fotógrafa estadounidense Josephine Sacabo, el efecto es profundamente conmovedor y diferente a cualquier cosa que hayas visto antes.
Más un proyecto de estudio que una banda de gira, Grumbeaux puede dedicar medio año a una canción, a menudo empezando por plantar algo sencillo en la tierra, como glockenspiel y voz, y luego escuchar lo que brota.
Como dijo Rick Moody en Salmagundi Magazine, Grumbeaux es «[una] mezcla de material antiguo con influencias folk que suena gótico, progresivo, glam y punk, todo a la vez, con especial atención a la sección rítmica de una manera que ya nadie la hace… realmente excepcional… exaltado y seguro… música que surge de una aniquilación del yo, en el pasado, en el presente y para siempre.»
O, como escribió Ron Hart en SPIN, Grumbeaux «suena como si Calvin Johnson y Primus se unieran para rendir homenaje al difunto Kris Kristofferson deconstruyendo su canción emblemática y reconstruyéndola con vísceras de sobra.»
Después de que el editor jefe Ricardo Durán le dijera a Grumbeaux que habían «inscrito [su] lista personal de descubrimientos favoritos», ROLLING STONE en español añadió una canción de Grumbeaux a su lista de «25 canciones nuevas para actualizar tu lista de reproducción.»
Beto Berdi lanza «Do It By Yourself»: Rock duro agresivo con un mensaje de libertad total
Porto Alegre, 4 de agosto de 2026
El artista Beto Berdi presenta oficialmente su nuevo tema «Do It By Yourself», un tema de hard rock enérgico y agresivo que canaliza la actitud cruda y la potencia del sonido clásico de finales de los 80 y principios de los 90. Inspirado claramente en Guns N’ Roses, Skid Row y Aerosmith, el tema también lleva el peso e intensidad del heavy metal de los 80.
Con riffs potentes, voces potentes y una producción intensa, «Do It By Yourself» es un llamado a la autonomía de forma contundente. La canción invita al oyente a salir de las normas sociales, hacer las cosas a su manera y nunca vender su alma solo para parecer «mono». La letra es directa y sin disculpas:
«Hazlo tú solo, hazlo a tu manera, hazlo como quieras, pero nunca pares.»
Según Beto Berdi:
«Esta canción trata de no pedir permiso. Se trata de libertad de pensamiento y acción. Quería algo crudo, pesado y real — un tema que se sintiera como una bofetada y un empuje hacia adelante al mismo tiempo.»
«Do It By Yourself» marca un momento de afirmación en la carrera del artista. La canción se añadirá al repertorio en directo inmediatamente después de su lanzamiento, y se convertirá en uno de los momentos de mayor energía de sus conciertos.
Awake & Dreaming anuncian «Cold Shoulder»: un himno para lo inaudible
El cuarto sencillo del álbum debut Inevitable mira todo lo que va mal en el mundo y se niega a dejar que nada de eso nos impida bailar. Mezclado por el ganador del premio Juno del 9× Jay Dufour, masterizado por João Carvalho (Rush, The Tragically Hip). A la venta el 31 de julio de 2026, con las reservas anticipadas del álbum el mismo día.
«Voy a bailar en la calle mientras se quema.»
WATERLOO, ON — En el corazón de «Cold Shoulder» hay una llamada y respuesta. Nuestro protagonista se burla: «venga, dame la espalda», repetido por voces que ya han tenido suficiente: «venga, danos la espalda.» Ese grito provoca una revolución. Awake & Dreaming anuncian «Cold Shoulder», 3/08/26, 11:25 AM Nota de prensa: Awake & Dreaming – «Cold Shoulder» (Nuevo Sencillo) https://awakeanddreaming.com/press-releases/cold-shoulder.html 1/5 Sasha Kristoff lidera al público el cuarto sencillo de su álbum debut Inevitable, que sale el 31 de julio de 2026, con reservas anticipadas el mismo día.
La canción pasa sus dos primeros minutos bajo presión. Sintetizador, guitarra, bajo y batería deliberadamente sujetos y encubiertos mientras los versos miran en ambas direcciones. Abajo, ante un mundo sedado por sus pantallas: «haz lo que te dice tu tele, es más fácil si adormeces el dolor.» Mirando hacia arriba, a los artistas que lo dirigían: «¿es solitario estar ahí arriba en la cima? Sonríe y saluda, sonríe y saluda.» A las 2:20 la caída finalmente suelta a la banda, un faro para girar alrededor. Susurros que acechan lo que se ha desatado. A los 2:52 el puente inicia el cántico, «Voy a bailar en la calle mientras arde», cantado en rondas que apilan multitud, líder, órgano, sintetizador y guitarra eléctrica hasta que la última lo arrasa todo. Pandemonio. Luego se detiene bruscamente: la banda se corta y una voz termina la línea sola. 89 BPM. Un menor. 4:25.
No hay ninguna clase magistral en él. Nadie en la canción lanza un puñetazo; La rebelión es una fiesta callejera montada delante de personas decididas a no mirar. Desafío sin desesperación, alegría como acto de rebelión: el mundo se encoge de hombros, y la canción responde con un canto que puede oír a través de las paredes.
El cántico ya ha sido probado en una sala. Al repasar el set de La Mocambo de la banda con Rough Trade esta primavera, LoudTO de Toronto vio a Sasha Kristoff animar a un público con entradas agotadas a corear junto a lo que el medio llamó una «canción de protesta», en un conjunto de «temas de rock alternativo-llenos de rebeldía y esperanza.»
«Cold Shoulder» fue mezclada por Jay Dufour, ganador de 9 premios Juno, gracias a 18 sencillos que alcanzaron el #1 en Billboard (July Talk, Finger Eleven, Billy Talent), y masterizada por João Carvalho (Rush, The Tragically Hip, Alexisonfire, Death From Above 1979). Producido por Awake & Dreaming y escrito por Sasha Kristoff y Stefan Schneider, el single llega como la mezcla del álbum, tal y como aparecerá en Inevitable.
Este otoño, Awake & Dreaming llevan el álbum de gira. La gira de lanzamiento de Inevitable comienza el 17 de septiembre en Windsor y se extiende hasta el 10 de octubre, pasando por Ontario y Quebec con paradas como Hamilton, Guelph, Ottawa y Montreal.
«Cold Shoulder» fue mezclada por Jay Dufour, ganador de 9 premios Juno, gracias a 18 sencillos que alcanzaron el #1 en Billboard (July Talk, Finger Eleven, Billy Talent), y masterizada por João Carvalho (Rush, The Tragically Hip, Alexisonfire, Death From Above 1979). Producido por Awake & Dreaming y escrito por Sasha Kristoff y Stefan Schneider, el single llega como la mezcla del álbum, tal y como aparecerá en Inevitable.
Este otoño, Awake & Dreaming llevan el álbum de gira. La gira de lanzamiento de Inevitable comienza el 17 de septiembre en Windsor y se extiende hasta el 10 de octubre, pasando por Ontario y Quebec con paradas como Hamilton, Guelph, Ottawa y Montreal.
«Cold Shoulder» es el cuarto sencillo de su álbum debut Inevitable, previsto para el verano de 2026, con una gira de lanzamiento por Ontario y Quebec en septiembre y octubre. La banda ha recibido veintitrés críticas de prensa de veintiún medios de siete países, además de un estreno en Spill Magazine. La revista británica AnalogueTrash calificó su trabajo como «impecablemente a prueba de futuro»; La revista Foxfire escribió que están «creando momentos a los que la gente querrá volver»; y Rockermag elogió su «capacidad para crear música que sea a la vez reflexiva y de impacto inmediato.»
The Refusers Enciende una tormenta con un nuevo himno de protesta «Fat Cats»
Seattle, WA – El rock siempre ha estado en su mejor momento cuando desafía a la autoridad, y The Refusers continúan esa tradición con el lanzamiento de su explosivo nuevo single, «Fat Cats.» Impulsado por guitarras abrasadoras, un órgano Hammond B3 atronador y letras sin complejos, el tema es un grito de guerra para cualquiera que sienta que el sistema está amañado contra la gente corriente.
Extraído del próximo álbum de 14 temas de la banda, Buck The System, «Fat Cats» aborda la desigualdad de riqueza, la corrupción política y la codicia corporativa. La canción pinta un cuadro vívido de un mundo donde el poder y el privilegio siguen floreciendo mientras los trabajadores quedan a cargo de la carga.
«La gente está cansada de ser ignorada, manipulada y dejada atrás», dice el compositor y líder Michael Belkin. «Ya sean políticos rompiendo promesas, corporaciones que sustituyen a los trabajadores por IA, o multimillonarios ganando más poder mientras los trabajadores luchan, hay una sensación creciente de que el sistema ya no sirve al pueblo.»
Impulsado por el inolvidable estribillo, «Los plutócratas celebran, contando sus pilas, mientras las masas se esfuerzan, rompiéndose la espalda», «Fat Cats» transmite su mensaje con la intensidad del hard rock clásico, manteniéndose firmemente arraigado en el clima social actual.
The Refusers han construido su reputación sobre una composición intrépida que se niega a rehuir temas controvertidos. Su sonido característico combina riffs pesados de guitarra Gibson Les Paul que retumban en amplificadores Marshall con la potencia inconfundible de un órgano Hammond B3, creando un sonido de rock moderno que es a la vez atemporal y confrontativo. Cada canción sirve como un desafío sin complejos al statu quo.
El próximo álbum de la banda, Buck The System, es más que una colección de canciones: es un manifiesto. El tema que da título al álbum sirve como declaración de intenciones de la banda, llamando a los oyentes a la acción con la poderosa declaración: «Inundad las calles, un millón de puños, un millón de ritmos. Pueden levantar sus muros en altura. Los arrancaremos del cielo.»
El álbum también incluye el provocador próximo sencillo «Conspiracy Theory», que explora la desinformación y la manipulación mediática con letras que incluyen: «Te dicen lo que necesitas saber, esconden el resto para robarse el protagonismo. Alimentar mentiras a través de cada pantalla, crear pesadillas a partir de tus sueños.»
La composición de Belkin se basa en la experiencia directa navegando por la cultura corporativa y las estructuras de poder. Graduado en la Universidad de California, Berkeley, abrazó el principio definitorio de la institución: Cuestionar el statu quo, una filosofía que sigue moldeando su escritura. Sus letras arrojan luz sobre los mecanismos del poder mientras dan voz a la creciente frustración pública con las instituciones políticas, económicas y sociales.
Originarios de Seattle, The Refusers cuentan con Michael Belkin (compositor, guitarras, voz principal), Steve Newton (bajo, coros), Tom Basher (batería) y Jordan Pitre (órgano Hammond). La banda ha cultivado una comunidad apasionada de más de 228.000 seguidores en Facebook, conectando con fans que aprecian la música que combina rock contundente con narrativas socialmente conscientes.
En un momento en que la confianza pública en los líderes políticos, los sistemas económicos y las instituciones sigue siendo puesta a prueba, «Fat Cats» llega tanto como canción de protesta como banda sonora para quienes exigen rendición de cuentas. Con Buck The System, The Refusers reafirman el papel duradero del rock como voz de resistencia, ofreciendo canciones ruidosas, valientes e imposibles de ignorar.
«Fat Cats» ya está disponible en todas las principales plataformas de streaming.
Acerca de The Refusers
The Refusers es una banda de hard rock con base en Seattle conocida por sus letras intransigentes, su poderosa musicalidad y su crítica valiente al poder político y corporativo. Combinando influencias del rock clásico con la urgencia moderna, la banda ofrece música que desafía las convenciones mientras inspira a los oyentes a cuestionar la autoridad y pensar por sí mismos. Su próximo álbum, Buck The System, captura el espíritu de rebeldía para una nueva generación.
Jeff Vidov Presenta su nuevo sencillo » Signs of life»
El compositor y pianista canadiense Jeff Vidov (pronunciado Vee-daw-v) ha estado lanzando nuevos sencillos de su próximo álbum de rock/pop en 2 CDs en 2025, un proyecto gigantesco en marcha desde hace años. Su decimosexto nuevo sencillo es “SIGNS OF LIFE” y fue precedido por sus últimos sencillos “Triangle”, “LOVE”, “New York I’m coming to you”, ¿” Can u get the vibe from me baby?», «State of Innocence», «All nite long», «Running in Place» y «Oh mi da dey di», todos grabados en su estudio de grabación en Toronto con músicos canadienses y algunos internacionales. Las canciones de Jeff son 100% canadienses Can-con-MAPL, son Socan/BMI, no tienen letras explícitas, y han sido lanzadas para su compra/streaming en todas las plataformas musicales, y cada una tiene un vídeo en el canal de Youtube de Jeff. Los últimos 9 sencillos de Jeff recibieron una gran difusión en la radio TERRESTRE de todo el mundo en decenas de emisoras y mucha cobertura mediática en internet.
El compositor y pianista canadiense Jeff Vidov (pronunciado Vee-daw-v) ha estado lanzando nuevos sencillos de su próximo álbum de rock/pop en 2 CDs en 2025, un proyecto gigantesco en marcha desde hace años. Su decimosexto nuevo sencillo es “SIGNS OF LIFE” y fue precedido por sus últimos sencillos “Triangle”, “LOVE”, “New York I’m coming to you”, ¿”Can u get the vibe from me baby?», «State of Innocence», «All nite long», «Running in Place» y «Oh mi da dey di», todos grabados en su estudio de grabación en Toronto con músicos canadienses y algunos internacionales. Las canciones de Jeff son 100% canadienses Can-con-MAPL, son Socan/BMI, no tienen letras explícitas, y han sido lanzadas para su compra/streaming en todas las plataformas musicales, y cada una tiene un vídeo en el canal de Youtube de Jeff. Los últimos 9 sencillos de Jeff recibieron una gran difusión en la radio TERRESTRE de todo el mundo en decenas de emisoras y mucha cobertura mediática en internet.
Jeff Vidov llamó la atención por primera vez al ganar el Premio SOCAN por su primera obra orquestal «AWAKEN» en 1994 y obtuvo su licenciatura como becario en la prestigiosa Eastman School of Music (una de las mejores escuelas de música de EE. UU.) y su máster en la Manhattan School of Music, además de recibir clases particulares con los compositores ganadores del Pulitzer Christopher Rouse y Joseph Schwantner. Jeff es un pianista/compositor/director de coro/músico de sesión/organista de iglesia/director de teatro musical/compositor y profesor de cine y televisión en Toronto, y ha tenido una carrera de 27 años en la ciudad donde nació.
Como compositor, Jeff ha compuesto y grabado la banda sonora COMPLETA para 13 películas y 2 programas de televisión canadienses y 2 producciones teatrales, así como obras clásicas/de concierto para orquesta, grupos de cámara y numerosas obras en solitario y dúo. Muchos de ellos formaron parte de su set de 4 CDs publicado en 2006, que contenía sus grabaciones para piano solo de las Variaciones Goldberg de Bach y obras para piano solo de Chopin, Haydn y Brahms. Como pianista clásico, Jeff ha interpretado gran parte del repertorio, incluyendo numerosos conciertos para piano de Beethoven, Mozart, Brahms, Mendelssohn, Saint Sean e Liszt, y ha acompañado a numerosos cantantes de ópera e instrumentistas. Como director y acompañante de coro, Jeff también ha interpretado gran parte del repertorio coral clásico, de Broadway Y ROCK con numerosos coros en Toronto y ha sido director/pianista en piezas de 35 miembros de Resa, y director adjunto/director de banda/acompañante/entrenador vocal del coro rock de 130 voces NEWCHOIR, y pianista para los cantantes de Hart House en la Universidad de Toronto. Jeff ha dirigido musicalmente coros, espectáculos de cabaret, musicales y más. Como pianista de jazz, Jeff ha actuado y grabado con numerosas big bands en Toronto, incluyendo la GTA big band, Swing shift y Sheraton big band, además de pequeños combos de jazz. En la Orquesta de Corktown (cuerda) de Toronto, Jeff es llamado para tocar el piano y principalmente el clavecín para el repertorio mayoritariamente barroco durante 13 años. Jeff también es organista de iglesia y recientemente fue director musical/organista/director de coro de una iglesia anglicana en Scarborough; puedes ver sus improvisaciones para órgano de su próximo álbum de improvisaciones de órgano en 2CD en su canal de Youtube, así como su interpretación de la tercera sinfonía de Saint Seans, que es un concierto para órgano con orquesta. Como organista de iglesia, Jeff ha tocado en muchas iglesias de Toronto; es propietario de H. of C recording Studios en Toronto, donde graba sus bandas sonoras de películas, música pop/rock/jazz y realiza grabaciones remotas de coros y grupos clásicos en el área de Toronto.
Jeff ha compuesto cientos de canciones de pop/rock/jazz/blues/teatro musical y destaca en la composición de canciones y letras, además de haber ganado premios por sus canciones de música popular.
Kiss, Mary, Kill! es el EP debut de la artista emergente de rock alternativo Mary Malu, lanzado oficialmente el 27 de marzo de 2026 bajo el sello Head Bitch Music. El proyecto destaca por su estilo enfocado en la narrativa cinematográfica y el concepto de la «feminidad oscura» (dark feminine).
El proyecto destaca por su estilo enfocado en la narrativa cinematográfica y el concepto de la «feminidad oscura» (dark feminine).
Mary Malu es una artista, productora y guitarrista alternativa afincada en Nueva York, conocida por combinar imágenes cinematográficas, moda alternativa y música autoproducida. Su contenido ofrece una mirada interna a la vida de una artista independiente: desde la producción de discos y actuaciones impulsadas por la guitarra hasta looks creativos inspirados en el rock, el pop y la estética del Y2K.
Junto al contenido musical, Mary comparte vídeos largos en YouTube sobre manifestación, creatividad y las realidades de seguir una carrera poco convencional. A través de su serie Operation Rockstar – en curso documenta los hitos, desafíos y victorias de construir una carrera musical en tiempo real, creando una comunidad comprometida que se compromete tanto con el viaje como con el destino.
The Kiss Abyss Presenta su sencillo “Neither Nor and Never”
«Neither Nor and Never» es la canción más popular de la banda independiente de rock y folk The Kiss Abyss. El tema forma parte de su álbum homónimo lanzado originalmente en mayo de 2019. Ha ganado un notable resurgimiento en blogs de música alternativa y plataformas independientes a inicios de 2026 debido a su sonido distintivo.
Rock alternativo con una atmósfera gótica y una producción que destaca por su «sensación arenosa» en los oídosHay cosas en la roca que son eternas.
Aunque no estén en popularidad, los riffs duros, la guitarra pesada y tener algo que decir deberían estar siempre en el corazón del rock and roll.
Aunque no están en popularidad, los riffs duros, la guitarra pesada, la energía y tener algo que decir deberían estar siempre en el corazón del rock and roll.
