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Carlos Segura
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El quinteto interpretó un total de cinco canciones, intercambiando entre material de su nuevo disco y piezas más conocidas.
Dave Grohl en el Tiny Desk Concert de Foo Fighters.
Por primera vez en su historia, los Foo Fighters visitaron las oficinas de NPR para hacer su debut en el ciclo Tiny Desk Concert. El quinteto interpretó un total de cinco canciones, intercambiando entre material de su nuevo disco y piezas más conocidas, en una presentación que, pese al formato íntimo, no resignó energía.
El show abrió con «Spit Shine«, uno de los cortes más enérgicos de Your Favorite Toy, el disco que la banda viene presentando desde principios de año. Le siguió «Learn to Fly«, manteniendo el espíritu acústico que caracteriza al formato.
El tercer tema fue «Child Actor«, canción que el grupo había interpretado hace poco en Saturday Night Live UK. Antes de tocarla, Dave Grohl aprovechó para hacer un chiste sobre esa presentación y contó que, por no haberse cortado el pelo antes del show, terminó aspirando su propio cabello y emitió un sonido que comparó con el de un gato con una bola de pelo. «¡No me atraganté!», celebró al terminar el tema.
El set cerró con dos clásicos de The Colour and the Shape (1997), el segundo disco de estudio de Foo Fighters: «My Hero«, cuyo estribillo fue coreado por el público presente, y «Everlong«, cierre habitual de sus shows en vivo. Entre tema y tema, Grohl también aprovechó para mencionar dos de sus Tiny Desk favoritos: los de Washington Trouble Funk y Juvenile.
Foo Fighters.
La banda se encuentra en un momento de intensa actividad
El Tiny Desk llega en un momento de intensa actividad para la banda. En las últimas semanas, los Foo Fighters se presentaron en el programa de Stephen Colbert, dieron un show en el Irving Plaza de Nueva York, participaron en la serie web Track Stary encabezaron el festival Welcome to Rockville en Florida. Su próximo paso será su gira de estadios este año junto a Queens of the Stone Age, que arranca en agosto.
Estos discos terminaron convirtiéndose en obras cumbres y referencias clave para escenas enteras.
Sex Pistols.
La historia de la música está llena de artistas que construyeron carreras extensas, con una discografía inabarcable. Sin embargo, también existe otro tipo de músicos y proyectos que, por distintos motivos, publicaron un solo disco de estudio e igual lograron marcar a generaciones enteras.
Lejos de quedar como meras curiosidades, varios de esos discos terminaron convirtiéndose en obras cumbres y referencias clave para escenas enteras. Algunos redefinieron géneros, otros adquirieron estatus de culto con el paso de los años, pero todos comparten la característica de ser la única obra oficial en el catálogo de los artistas.
A continuación, recopilamos cinco artistas y bandas que dejaron un solo disco brillante.
1. Sex Pistols – Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols (1977)
Pocas veces un único disco alcanzó un nivel de impacto cultural tan inmediato como Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols. Editado en pleno auge del punk británico, el disco condensó el nihilismo y la provocación de una generación desencantada con la Inglaterra de fines de los 70. Canciones como «Anarchy in the U.K.» y «God Save the Queen» transformaron a los Sex Pistols en un fenómeno político y mediático mucho más grande que su propia existencia como banda.
2. Jeff Buckley – Grace (1994)
Publicado tres años antes de la muerte de Jeff Buckley, con el tiempo, Gracese convirtió en una de las obras más influyentes de los años 90. El disco mezcló folk, rock alternativo, jazz y una sensibilidad contagiosa sostenida por la voz maravillosa de Buckley. Aunque inicialmente tuvo una recepción comercial discreta, canciones como «Last Goodbye», «Lover, You Should’ve Come Over» y su versión de «Hallelujah» adquirieron un peso enorme en décadas posteriores.
3. The La’s – The La’s (1990)
El debut homónimo de The La’s es uno de los discos más llamativos del pop británico de finales del siglo XX. Liderada por Lee Mavers, la banda presentó melodías clásicas inspiradas en los años 60 con cierta melancolía que anticipó parte del britpop posterior. «There She Goes» terminó convirtiéndose en una de las canciones más reconocibles de la música inglesa, aunque Mavers quedó descontento con la producción final del álbum.
4. Mother Love Bone – Apple (1990)
Antes de la explosión mundial del grunge, Mother Love Bone aparecía como una de las bandas con mayor potencial de la escena de Seattle. Apple, publicado pocos meses después de la muerte del cantante Andrew Wood por sobredosis, mostró una identidad abrasiva que mezclaba hard rock y glam. Posteriormente, integrantes del grupo formarían Pearl Jam, lo que terminó convirtiendo al disco en una pieza clave para entender la transición entre el hard rock de los 80 y el grunge.
5. Neurotic Outsiders – Neurotic Outsiders (1996)
Formado por músicos provenientes de Guns N’ Roses, Duran Duran y Mötley Crüe, Neurotic Outsiders nació casi como un proyecto paralelo entre amigos. Sin embargo, su único disco de estudio terminó registrando una química impensable entre el hard rock, punk y cierto espíritu hedonista heredado de los años 70.
3. The La’s – The La’s (1990)
El debut homónimo de The La’s es uno de los discos más llamativos del pop británico de finales del siglo XX. Liderada por Lee Mavers, la banda presentó melodías clásicas inspiradas en los años 60 con cierta melancolía que anticipó parte del britpop posterior. «There She Goes» terminó convirtiéndose en una de las canciones más reconocibles de la música inglesa, aunque Mavers quedó descontento con la producción final del álbum.
4. Mother Love Bone – Apple (1990)
Antes de la explosión mundial del grunge, Mother Love Bone aparecía como una de las bandas con mayor potencial de la escena de Seattle. Apple, publica
El especial ‘The Punisher: One Last Kill’ de Marvel llega por fin a Disney+ y los fans quieren saber a qué hora se estrena exactamente.
El especial de The Punisher: One Last Kill llega por fin a Marvel para darle todo el protagonismo al antihéroe de Jon Bernthal. El actor regresa una vez más a su personaje tras los eventos de la primera temporada de Daredevil: Born Again. Además, sabemos que aparecerá en Spider-Man: Brand New Day, por lo que este proyecto propio podría servir de puente para unificar todo el universo neoyorkino del UCM. Pero, ¿a qué hora se estrena The Punisher: One Last Kill en Disney+?
«Mientras Frank Castle busca un sentido más allá de la venganza, una fuerza inesperada lo arrastra de nuevo a la lucha», reza únicamente la sinopsis oficial del proyecto. Y es que el secretismo con el título es máximo. Lo último que sabemos de Frank es que las Fuerzas Anti-Vigilantes del alcalde Wilson Fisk le atraparon. Sin embargo, en una última escena, lograba escapar de la prisión. Ahora, el especial The Punisher: One Last Kill retomará la historia del personaje a partir de ese punto.
En cuanto a dónde podrá verse, a diferencia de otros títulos, aquí no depende para nada del territorio. En Estados Unidos, España, Latinoamérica y en el resto del mundo, The Punisher: One Last Kill estará disponibles únicamente en Disney+. La plataforma alberga los derechos de todo el Universo Cinematográfico de Marvel, toda vez que Netflix perdió los derechos de sus series de la saga The Defenders. Con su paso a la Casa del Ratón, la plataforma de streaming de Mickey Mouse pasó a ser el único hogar del Castigador y el resto de personajes con los que compartía mundo.
Hora de estreno de The Punisher: One Last Kill
Acerca de la hora de estreno de The Punisher: One Last Kill, en Estados Unidos se emitirá el martes 12 de mayo a las 6:00 pm P.T. En España y Latinoamérica, llegará a Disney+ en la conversión horaria de cada país:
España: 2:00h am del miércoles 13 de mayo.
México, Guatemala, Honduras, El Salvador, Nicaragua, Costa Rica: 19:00h.
Perú, Colombia, Panamá, Ecuador: 20:00h.
Venezuela, Chile, Bolivia, República Dominicana, Puerto Rico: 21:00h.
Paraguay, Argentina, Brasil, Uruguay: 22:00h.
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A esa hora, el especial The Punisher: One Last Kill llegará a Disney+. El título aterriza en la plataforma exactamente una semana después del final de la temporada 2 de Daredevil: Born Again. Se trata de uno de los proyectos más esperados por los fans, puesto que el Castigador es uno de los personajes más queridos. Las expectativas están por todo lo alto y se espera que el especial goce de grandes dosis de violencia y acción para hacer justicia a su protagonista.
De The Clash a Minor Threat, cinco discos publicados en los 80 que representan un mapa de lo que el punk fue en esa época.
The Clash – Combat Rock (1982)
El punk nació como un grito de urgencia a mediados de los 70, pero fue en los 80 donde encontró su forma más madura. Mientras las listas de éxitos se llenaban de synth-pop y baladas new wave, una corriente alterna de bandas rechazaba de plano ese escapismo para poner sobre la mesa las tensiones reales de una época marcada por la Guerra Fría, el thatcherismo y las políticas de Reagan.
La idea de que el punk murió cuando Johnny Rotten dejó los Sex Pistols en 1978 no resiste ningún tipo de análisis. Lo que sí murió fue una versión del género: la más mediática, tal vez, y la más visceral en términos estéticos. Lo que vino después fue, en muchos sentidos, más interesante, con grupos que conservaron el espíritu DIY y la confrontación política, pero le agregaron complejidad musical e influencias del reggae, el jazz o el funk, junto a una voluntad de experimentar que el punk más basal nunca tuvo.
En los Estados Unidos, ciudades como Washington D.C. y Los Ángeles se convirtieron en epicentros de escenas hardcore que definirían la música alternativa por décadas. En el Reino Unido, los sobrevivientes de aquel primer punk negociaban con desigual fortuna su lugar en el nuevo panorama musical. A continuación, cinco discos publicados en los 80 que representan un mapa de lo que el punk fue en esa época.
Dead Kennedys – Fresh Fruit for Rotting Vegetables (1980)
Pocas bandas enarbolaron la identidad política del punk con la coherencia de Dead Kennedys. Liderado por el cantante y compositor Jello Biafra, el grupo de San Francisco debutó con este disco que mezclaba la velocidad del hardcore con humor político. Sus letras apuntaban contra el gobernador de California, la industria inmobiliaria y la indiferencia de Occidente ante el genocidio camboyano, entre otros objetivos.
Bad Brains – Bad Brains (1982)
Nacidos también en Washington D.C., los Bad Brains le dieron al hardcore punk una particularidad difícil de encasillar. El cuarteto, formado originalmente como banda de jazz fusión en los 70, era una de las pocas agrupaciones afroamericanas y rastafaris en el circuito hardcore estadounidense. Su disco debut mama la parte más cruda del género, con toques de hard rock, metal y dub, generando una síntesis nunca antes vista.
Minor Threat – Minor Threat (1984)
Ian MacKaye y Minor Threat son inseparables de la historia del hardcore de Washington. Este LP -una compilación de los dos primeros EPs de la banda- condensa 12 canciones en apenas 17 minutos y establece todo el manifiesto sonoro e ideológico del grupo con una eficiencia implacable. Editado de manera autogestionada a través de Dischord Records, el sello que el propio MacKaye fundó, el disco también es un modelo de independencia que influiría en innumerables bandas durante las décadas siguientes.
Descendents – Milo Goes to College (1982)
El disco debut de los Descendents expandió el género hacia lugares que ninguno de sus contemporáneos había explorado. Milo Goes to College combina cierta agresividad con canciones de amor absurdas, crítica social y una energía melódica que prefiguraba el pop punk de los 90, aunque con una rugosidad que el género rara vez alcanzaría.
The Clash – Combat Rock (1982)
Combat Rock, el último gran disco de The Clash, es también uno de sus más ambiciosos. Lejos del sonido más crudo de su debut homónimo de 1977, Combat Rock integra punk, new wave, funk, hip hop y reggae en un conjunto que refleja tanto la curiosidad musical de Joe Strummer y Mick Jones como las tensiones internas que terminarían por disolver la banda. El álbum produjo dos de los temas más reconocibles del grupo, «Should I Stay or Should I Go» y «Rock the Casbah», sin sacrificar la coherencia política que siempre fue su marca distintiva.
La serie se basa en la novela de 1980 Man on Fire, escrita por AJ Quinnell, que ya ha sido llevada al cine en dos oportunidades.
Yahya Abdul-Mateen ll en la serie Hombre en llamas.
El pasado 30 de abril llegó a Netflix la serie Hombre en llamas, un thriller estadounidense que ofrece acción, drama y una historia poderosa que ha sido llevada al cine en diversas oportunidades.
Sinopsis de Hombre en llamas
«Hombre en llamas narra la historia de John Creasy, un mercenario de las Fuerzas Especiales, experto en sobrevivir incluso en las situaciones más extremas. Sin embargo, ahora lucha contra un trastorno de estrés postraumático severo y sus demonios internos. En su intento por empezar de cero, se encontrará de nuevo en el fuego (metafórico) y tendrá que luchar con más ahínco que nunca» (vía Netflix).
Reparto
Yahya Abdul-Mateen ll (Aquaman) como John Creasy.
Billie Boullet (La peor bruja) como Poe Rayburn.
Alice Braga (Ciudad de Dios) como Valeria Melo.
Scoot McNairy (True Detective) como Henry Tappan.
Bobby Cannavale (The Watcher) como Paul Rayburn.
Yahya Abdul-Mateen ll en Hombre en llamas.
Libro y adaptaciones
La serie se basa en la novela de 1980 Man on Fire, escrita porAJ Quinnell, que ya ha sido llevada al cine en dos oportunidades: en 1987, con el film francés del mismo nombre, y luego en 2004, con el exitoso thriller protagonizado por Denzel Washington y Dakota Fanning. Ahora, Netflix propone un desarrollo más extenso de esta historia, con un fuerte contenido dramático.
Críticas
Al ser una historia ya conocida, la nueva serie de Netflix tenía el desafío de intentar sorprender a sus suscriptores. Según la crítica, lo ha logrado, en gran parte, por la construcción del protagonista y la actuación de Abdul-Mateen II.
Así lo destacan desde Micropsia Cine: «Sin ser una gran serie, Hombre en llamas funciona relativamente bien por el peso y la gravedad que Abdul-Mateen II le da a su personaje». En la misma línea, IGN dice: «El papel de John Creasy, interpretado por Yahya Abdul-Mateen II, aporta el suficiente peso emocional y fuerza física para contrarrestar lo trillado de la historia».
Desde Variety tienen sus reservas: «Es sólida y cuenta con interpretaciones muy capaces, pero carece de la intriga y el corazón que convirtieron a su predecesora inmediata en una de las favoritas de los fans«.
Entre las críticas más entusiastas se encuentra la de CBR: «Sintonizarla no será ni mucho menos un error, e incluso las personas a las que no les gusta la acción podrán apreciar cómo Abdul-Mateen II aporta un nuevo estilo al personaje de Creasy».
Muchas veces, inventar palabras permite transmitir sensaciones difíciles de encasillar, construir universos propios o incluso impulsar la identidad sonora de una canción.
The Beatles.
En la historia del rock, el lenguaje no siempre funcionó como algo estable. Muchas veces se deforma, se rompe o directamente se inventa desde cero. Podría decirse que, en ese gesto creativo, hay algo que trasciende una simple licencia compositiva.
Muchas veces, inventar palabras permite transmitir sensaciones difíciles de encasillar, construir universos propios o incluso impulsar la identidad sonora de una canción. Desde el nonsense heredado de la literatura hasta la experimentación psicodélica y el pop más lúdico, el rock siempre supo apropiarse de ese recurso con resultados memorables.
A continuación, cinco canciones de rock que incorporan palabras inventadas como parte esencial de su letra.
The Beatles – «Ob-La-Di, Ob-La-Da»
Incluida en el White Album (1968), esta canción de Paul McCartney se apoya en una frase inventada que funciona como eje del estribillo: «ob-la-di, ob-la-da«. Según distintas versiones, McCartney la tomó del slang de un conocido (el músico nigeriano Jimmy Scott), quien la usaba con el sentido de «la vida sigue», como bien dice la letra del tema.
The Police – «De Do Do Do, De Da Da Da»
Editada en 1980 dentro del disco Zenyatta Mondatta, esta composición de Stingse apoya en una secuencia de sílabas sin significado real(«de do do do, de da da da») que, sin embargo, cumplen su función y resultan pegadizas. Lejos de ser un recurso vacío, la canción propone una reflexión sobre la comunicación y la simplicidad del lenguaje.
Steve Miller Band – «The Joker«
Publicada en 1973, esta canción se convirtió en un clásico del rock estadounidense. En su letra, Steve Miller se define como un «joker”, «smoker» y “midnight toker”, pero también introduce uno de los términos inventados más recordados del género: «pompitous of love». Sin un significado concreto, muchos lo asocian con términos como pompous (pomposo), pious (piadoso) o incluso omnipotent (omnipotente).
Queen – «Bohemian Rhapsody«
Publicada en 1975 dentro de A Night at the Opera, y considerada una de las mejores canciones de Queen y de la historia del rock, esta obra de Freddie Mercury mezcla rock, ópera y balada en una estructura inusual para el género. En su segmento más teatral aparecen referencias como «scaramouche» y «fandango», términos reales que dentro de la canción no tienen ningún tipo de significado, sino más bien una función estética.
Phil Collins – «Sussudio«
Publicado en 1985 como uno de los singles más exitosos del LP No Jacket Required, «Sussudio» es un caso paradigmático de palabra inventada que termina definiendo una canción entera. El término, según reconoció Phil Collins, surgió de manera espontánea mientras improvisaba sobre una caja de ritmos: necesitaba una palabra provisoria con cierta musicalidad y “sussudio” encajó perfectamente en el fraseo.
La letra de las canciones suele contener significados que, muchas veces, no se muestran tan claros para los oyentes.
The Police and ME
La letra de las canciones suele contener significados que, muchas veces, no se muestran tan claros para los oyentes. Los autores pueden volcar experiencias personales, relatos ficticios, mensajes políticos o incluso contenidos condenables que no siempre se interpretan de manera adecuada.
Lo cierto es que el uso de metáforas, los recursos poéticos y las interpretaciones de fans y críticos que se vuelven populares hacen que muchas canciones cobren sentidos que no tienen nada que ver con su origen. A continuación, 3 canciones con significados ocultosy mensajes que pocos entendieron.
Joni Mitchell – “Little Green»
A pesar de que no se expresa de manera explícita, Joni Mitchell habría volcado en esta canción una traumática experiencia de su vida privada: el momento en que tuvo que dar en adopción a su hija por no tener los medios para mantenerla.
En la letra, la artista habla del instante en que debe firmar los papeles de adopción con la nueva familia: «Firmas todos los papeles con el nombre de la familia / Estás triste y lo sientes, pero no te avergüenzas / Pequeña verde, que tengas un final feliz». La existencia de la hija de Mitchell no se conoció hasta 1993, aunque nació en la década del 60.
The Beatles – “Blackbird”
Paul McCartney compuso esta canción en 1968, inspirado en la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos en Estados Unidos. Tras leer sobre los disturbios raciales y, en particular, el episodio de Crisis de Little Rock, en el que los tribunales federales ordenaron la desegregación del sistema escolar de Arkansas, McCartney sintió la necesidad de escribir una canción que pudiera transmitir esperanza a quienes atravesaban tiempos difíciles. De hecho, el “mirlo” que da título al tema sería una alegoría de una mujer negra en su lucha por el derecho a estudiar.
The Police – “Every Breath You Take”
Esta es una de las canciones más famosas de The Police, liderada por Sting, y también uno de los himnos románticos de los años 80. Sin embargo, si no nos dejamos llevar por la melodía y el característico riff de guitarra, se advierte que el yo poético no es más que un acosador que amenaza con seguir cada paso de la persona amada y observarla incluso cuando respira. A pesar de que la letra es bastante clara, durante años se la ha mal interpretado como una tierna canción de amor.
El film, con fecha de estreno programada para el próximo 17 de julio, se anticipa como uno de los más esperados del año.
Robert Pattinson en el tráiler de La Odisea.
Christopher Nolan presentó un nuevo tráilerdeLa Odiseadurante una visita al programa The Late Show with Stephen Colbert, el cual brinda más detalles sobre su versión y adaptación del poema épico de Homero.
Cuándo llega a los cines
El film, con fecha de estreno programada para el próximo 17 de julio, se anticipa como uno de los más esperados del año, cuyo potencial de convocatoria ya quedó claro meses atrás cuando agotó varias de sus funciones en formato IMAX.
La trama de La Odisea
Matt Damon protagoniza la película como Odiseo, el rey de Ítaca que intenta volver a casa junto a su esposa Penélope (interpretada por Anne Hathaway) tras años de ausencia en la Guerra de Troya. En su camino se interponen algunas de las amenazas más conocidas de la mitología griega.
El elenco se completa con Tom Holland, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Zendaya, Charlize Theron, Jon Bernthal, Benny Safdie, John Leguizamo, Elliot Page, Mia Goth y Samantha Morton, entre otros.
Por qué Nolan encaró este proyecto
En la entrevista con Colbert, Nolan explicó por qué eligió este proyecto como sucesor de Oppenheimer: «No se había hecho a gran escala… ese es el tipo de vacío que uno busca como cineasta«. El director adelantó que la estructura narrativa de la película no es lineal. «Comenzamos en Ítaca. Comenzamos con el ‘Canto de Odiseo’. Todos saben que la Guerra de Troya terminó hace diez años. ¿Dónde está él? No ha vuelto. Se fue hace 20 años. Y las cosas no están del todo bien en su reino», concluyó.
Basada en la exitosa novela homónima de Rufi Thorpe, publicada en 2024, esta historia llegó a la pantalla chica de la mano de A24 y Apple TV.
Elle Fanning en una escena de Margo tiene problemas de dinero.
Días atrás, Apple TV estrenó la miniserie Margo tiene problemas de dinero. Su principal atractivo es el elenco, repleto de estrellas de clase A de Hollywood y de distintas generaciones, pero también presenta una historia atractiva, anclada en la actualidad y en una situación límite.
De qué trata y quiénes actúan
Basada en la exitosa novela homónima de Rufi Thorpe, publicada en 2024, esta historia llegó a la pantalla chica de la mano de A24 y Apple TV. Como creador, director, showrunner y guionista figura David E. Kelley, ganador de múltiples premios Emmy y conocido por Big Little Lies y Anatomy of a Scandal, entre otras.
La sinopsis oficial de la serie reza:
«Margo tiene problemas de dinero es un audaz, conmovedor y cómico drama familiar que sigue a Margo, una reciente desertora universitaria y aspirante a escritora, hija de una exmesera de Hooters y un exluchador profesional, mientras se ve obligada a salir adelante con un bebé recién nacido, una creciente pila de deudas y cada vez menos formas de pagarlas».
El elenco principal está encabezado por Elle Fanning, quien interpreta a Margo; Michelle Pfeiffer como la madre de la protagonista; Nicole Kidman y Nick Offerman. El reparto se completa con Greg Kinnear, Michael Angarano,Rico Nasty y Lindsey Normington.
Michelle Pfeiffer y Ellen Fanning en Margo tiene problemas de dinero (2026).
Qué dicen las críticas
La mayoría de las opiniones son positivas para esta serie que combina drama y comedia. Desde Micropsia Cine aseguran que la nueva serie «funciona. O al menos a mí logró convencerme gracias a su espíritu amable, sincero y, fundamentalmente, lleno de empatía hacia el mundo que retrata». Con una reseña más optimista, The Guardian la describe como «inteligente, sexy y atrevida».
Por su parte, The Telegraph asegura que Margo tiene problemas de dinero «es televisión de prestigio con un reparto estelar, pero no tan divertida como la novela en la que se basa». Otros Cines describe lo nuevo de Apple TV así: «El resultado es muy simpático y atractivo, sobre todo por la convicción y ductilidad con que cada actriz y actor construye sus personajes«.
Las series de animación tienen un lugar privilegiado en Netflix, pero no todas logran el aval de la crítica. Te enlistamos tres que valen la pena.
Panteón, disponible en Netflix.
Las series de animación tienen un lugar privilegiado en Netflix, pero no todas logran el aval de la crítica. A continuación recomendamos 3 series animadas con excelentes comentarios que te van a interesar.
Panteón (2022)
Episodios: 16.
Origen: Estados Unidos.
Creador: Craig Silverstein.
Mejores críticas: «Retrato de un mundo que cambia rápidamente, documentando la carnicería emocional que queda a su paso, con un efecto apasionante, preocupante y, en última instancia, bastante conmovedor» (The Hollywood Reporter); «Con suficiente tiempo y paciencia, su vasta red de ideas superpuestas podría solidificarse en una historia de ciencia ficción profundamente satisfactoria» (Variety); «Una buena animación y personajes convincentes ayudan a presentar razones para continuar más allá del piloto» (IGN).
Maddie es una adolescente que sufre acoso escolar y que recibe una ayuda online de forma misteriosa. El desconocido dice ser su padre David, fallecido recientemente, cuya consciencia ha sido subida a la Nube con un escáner cerebral destructivo. David es el primero de un nuevo tipo de ser: un Uploaded Intelligence, pero no será el último, al desencadenarse una conspiración global que amenaza con una nueva clase de guerra mundial.
Long Story Short (2025)
Episodios: 10.
Origen: Estados Unidos.
Creador: Raphael Bob-Waksberg.
Mejores críticas: «De alguna manera, esta es una serie que necesitamos ahora mismo: inteligente, abierta, empática y sin un ápice de sentimentalismo» (Boston Globe); «Su estilo de animación es sencillo, pero su sencillez es engañosa, y sus toques de creatividad pueden llegar a ser mágicos» (Financial Times); «Una emocionante comedia familiar animada ‘hecha por humanos'» (El Periódico).
Long Story Short sigue a una familia a lo largo del tiempo. A través de los años, acompaña a los hermanos Schwooper desde la infancia hasta la edad adulta y viceversa, narrando sus triunfos, decepciones, alegrías y compromisos.
Carol y el fin del mundo (2023)
Episodios: 10.
Origen: Estados Unidos.
Creador: Dan Guterman.
Mejores críticas: «Lo que la distingue y la hace superior a cualquier punto de referencia es la forma en que desgrana grandes observaciones sobre la vida misma» (Collider); «Resuena con todos los terrores médicos, meteorológicos y políticos que animan la actual oleada de entretenimientos apocalípticos, pero no pretende asustarte ni darte lecciones» (The New York Times); «Es un alegato conmovedor y creativo para reconstruir la sociedad, antes de que sea demasiado tarde» (IndieWire).
Con un misterioso planeta precipitándose hacia la Tierra, la extinción es inminente para los habitantes del mundo. Mientras la mayoría se siente liberada para perseguir sus sueños más salvajes, una mujer callada y siempre incómoda permanece sola, perdida entre las masas hedonistas.
