La Radio del Coach de la Birra
#YConCervezaEsMejor
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Carlos Segura
Amante de la Pizza, la Cerveza
Fútbol y #Rocanrol
Libre pensador, Cervezariano
Libre pensador y libre bebedor
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toma y deja tomar, ley de la birra
RISE Presenta su nuevo sencillo “Hard To Leave You”
«Hard To Leave You» es un sencillo musical enérgico lanzado por la banda RISE en colaboración con el artista stayMellow
RISE es un proyecto musical enfocado en revivir el rock melódico con sintetizadores de los años 80.
Su identidad combina bases de rock rápido, guitarras eléctricas nítidas y sintetizadores nostálgicos, emulando el sonido clásico de la era del casete y el synth-rock.
RISE es una dinámica banda de cuatro miembros originaria de Liverpool, Inglaterra. Conocidos por sus actuaciones enérgicas y su sonido distintivo, RISE está causando sensación en la escena del rock.
La banda cuenta con:
Sam Kinley (también conocido como stayMellow) al bajo y voz, Paul Kinley a los teclados y coros, Alex Mahoney a la batería, Brian Petch a la guitarra
RISE crea una poderosa mezcla de rock a alto tempo, impulsada por ganchos vocales melódicos y una mezcla perfecta de sintetizadores y guitarras. Esta combinación única le da a RISE un sonido instantáneamente reconocible que se inspira en el rock melódico con guiños ocasionales a influencias del rock progresivo.
MILÁN ANUNCIA EL OSCURO SENCILLO CINEMATOGRÁFICO DE ROCK «MANNEQUINS» – UNA EXPLORACIÓN DE LA ILUSIÓN DEL ÉXITO
PRAGA, REPÚBLICA CHECA – 24 DE JULIO DE 2026
El artista independiente de rock cinematográfico Milan regresa el 31 de julio de 2026 con «Mannequins», el tercer single de su próximo álbum. Cambiando la vulnerabilidad emocional íntima de su anterior lanzamiento, «My Friend», por un enfoque temático más oscuro y pesado, el nuevo tema desmonta las fachadas pulidas de riqueza, estatus y perfección.
«Mannequins» es una crítica directa a la ambición moderna. La pista explora el vacío oculto de vidas vividas tras cristales polarizados, examinando el punto exacto en el que los sueños se intercambian por posesiones materiales y desaparece la conexión humana genuina.
Sonoramente, la producción refleja este descenso. Milan ancla la pista con un piano inquietante, sintetizadores y cuerdas, antes de que el arreglo estalle en un clímax masivo y agresivo de rock alternativo. El peso instrumental se sostiene con la impactante interpretación vocal de Elsbeth Rehder (EHLE), que da vida a la narrativa lírica de «intercambiar sueños» y «siete pecados muertos».
La edición en audio va acompañada de un videoclip muy estilizado que traduce los temas líricos de la canción en tensión visual. Montado por Milan, el vídeo presenta una fotografía austera y de alto contraste de Martin Szlapka y Mohammad Toobaee. La narrativa visual está impulsada por la coreografía contemporánea de Kamila Kwietniewska, interpretada junto a las bailarinas Ela Wilczynska y Marcela Haladuda, capturando a la perfección la encarnación física del concepto de «mannequin».
En esa época, “punk” era un término coloquial que se usaba en Estados Unidos para referirse a alguien sin valor, joven o débil.
Aunque el término “punk” está fuertemente asociado con la explosión musical de mediados de la década de los 70, su primer uso en la música ocurrió varios años antes. De hecho, según afirma Far Out Magazine, la primera vez que la palabra “punk” apareció en una canción grabada fue en 1960, en el tema “Lumberjack” deJohnnyCash. Escrito por Leon Payne, y producido por Don Law y Al Quaglieri, el track formó parte del sexto álbum de la leyenda del country, Ride This Train, y en él Cash canta: “Boy, ask a whistle punk I don’t know”, en referencia al joven ayudante en labores forestales.
Este dato ubica al oriundo de Kingsland como el primer artista en usar el término en una letra publicada, aunque no con la connotación rebelde que tendría años después. En esa época, “punk” era un término coloquial que, desde principios del siglo XX, se usaba en Estados Unidos para referirse a alguien sin valor, joven o débil. En los años siguientes, el término volvió a aparecer ocasionalmente en piezas musicales: Ella Fitzgerald usó la palabra en su canción “I’ll Be Hard to Handle”, con la frase “Just remember, I think you’re a punk”.
En 1969, un joven Ed Sanders grabó una canción llamada “Street Punk”. Un año más tarde, en una columna para el Chicago Tribune, describió su música como “punk rock – redneck sentimentality”, siendo este el primer uso documentado de la expresión “punk rock”. Finalmente, en 1976, los Ramones incluyeron el tema “Judy Is a Punk” en su álbum debut, convirtiéndola en la primera canción en tener “punk” en su título y en relacionarla claramente con el movimiento que todos conocen.
A propósito del estreno de La odisea, película basada en el poema clásico de Homero, vale la pena revisar otros films que se adentran en el mundo de la mitología griega, ya sea de manera libre o utilizándola como punto de partida.
Willem Dafoe, Robert Pattinson And Me… en El faro.
A propósito del estreno de La odisea, película basada en el poema clásico de Homero, vale la pena revisar otros films que se adentran en el mundo de la mitología griega, ya sea de manera libre o utilizándola como punto de partida.
El sacrificio del ciervo sagrado
2017 – Dir. Yorgos Lanthimos
Duración:121 minutos.
Reparto:Nicole Kidman, Colin Farrell, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Sujlic, Alicia Silverstone.
Mito griego en el que se basa: Mito de Agamenón e Ifigenia. Agamenón es víctima de una maldición familiar y termina atentando contra su familia.
Dónde verla: Apple TV.
Steven es un eminente cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un chico de 16 años huérfano de padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo.
Together
2025 – Dir. Michael Shanks
Duración: 102 minutos.
Reparto: Alison Brie, Dave Franco, Damon Herriman, Sunny S. Walia, Jack Kenny, Mia Morrissey.
Mito griego en el que se basa: Mito del andrógino, que expresa que los humanos nacieron originalmente con cuatro piernas y brazos y luego fueron separados, por lo que viven buscando su otra mitad.
Dónde verla:Prime Video.
El film sigue a una pareja con problemas en su relación que decide mudarse al campo. Allí, la dupla descubre una cueva con una fuerza sobrenatural: al beber agua de aquel lugar, comienzan a experimentar transformaciones físicas y emocionales que reflejan su codependencia.
El faro
2019 – Dir: Robert Eggers
Duración: 110 minutos.
Reparto:Willem Dafoe, Robert Pattinson.
Mito griego en el que se basa:Mitos de Prometeo (quien desafía a los dioses y les roba el fuego para dárselo a los humanos) y Proteo (dios marino que podía anticipar el futuro).
Dónde verla: Prime Video.
Un farero en la Nueva Inglaterra de 1890 empieza a sospechar que su experimentado compañero está peligrosamente desquiciado, pero él mismo esconde algunos secretos.
La górgona
1964 – Dir: Terence Fisher
Duración:83 minutos.
Reparto: Peter Cushing, Christopher Lee, Richard Pasco, Barbara Shelley, Michael Goodliffe.
Mito girego en el que se basa: Mito de las górgonas, aquellos seres que pueden convertir a los hombres en piedra con solo mirarlos.
Dónde verla:No disponible en streaming.
Una serie de asesinatos han tenido lugar en el pueblo de Yandorf y, en todos los casos, la víctima se ha convertido en piedra. Después de que Sacha, una joven del lugar, aparezca muerta de la misma manera, las sospechas recaerán sobre su amante. Cuando el grupo que la busca encuentra su cuerpo sin vida colgando de un árbol, piensa que él es la mente maligna que está detrás de los crímenes.
Prometeo
2012 – Dir. Ridley Scott
Duración: 123 minutos.
Reparto: Noomi Rapace, Michael Fassbender, Guy Pierce, Idris Elba, Logan Marshall-Green, Charlize Theron.
Mito griego en el que se basa: Mito de Prometeo, quien roba el fuego del Olimpo para dárselo a los humanos como símbolo de conocimiento.
Dónde verla: Disney+, Netflix.
Finales del siglo XXI. Un grupo de científicos y exploradores emprende un viaje espacial de más de dos años en la nave Prometheus a un remoto planeta recién descubierto, donde su capacidad física y mental será puesta a prueba. El objetivo de la misión es encontrar respuesta al mayor de los misterios: el origen de la vida en la Tierra.
Para algunos puede sonar presuntuoso o autorreferencial, pero cuando una banda menciona su nombre en una canción suele haber diferentes razones detrás: desde una forma de presentarse ante el público o de buscar que no la olviden, hasta una autoparodia o incluso una suerte de manifiesto.
Kurt Cobain (Foto: Frank Micelotta Archive) / The Clash (Foto: Michael Putland).
Para algunos puede sonar presuntuoso o autorreferencial, pero cuando una banda menciona su nombre en una canción suele haber diferentes razones detrás: desde una forma de presentarse ante el público o de buscar que no la olviden, hasta una autoparodia o incluso una suerte de manifiesto.
10 canciones que mencionan el nombre de la banda que las interpreta.
Illya Kuryaki and the Valderramas – «Abarajame»
Siguiendo la tradición del hip hop y la música urbana, la banda utiliza el recurso de mencionar su nombre hacia el final del tema. Este megahit de los argentinos va decreciendo en intensidad hasta culminar con la repetición del nombre del grupo, convertido en una especie de mantra.
Black Eyed Peas – «Hey Mama»
En este éxito de su era dorada, el grupo —caracterizado por su fusión de géneros— presenta distintas secciones interpretadas por cada uno de sus vocalistas, quienes aportan sus estilos particulares. En cuanto a la letra, se trata de una expresión de erotismo con referencias sexuales entre las que se cuelan reflexiones políticas, además de menciones tanto al grupo como a sus integrantes.
Anthrax – «I’m the Man»
Desde el comienzo, este tema deja en claro que es una declaración frente a la industria y sobre su propia trayectoria. Al ser considerada pionera dentro del rap metal, es comprensible que la canción se plante como una definición del lugar que ocupan y como un enfrentamiento con su entorno: «Ahora somos Anthrax y no aguantamos nada, y no nos importa escribir éxitos», expresa la estrofa inicial.
Iron Maiden – «Iron Maiden»
El nombre de la banda de heavy metal proviene de un instrumento de tortura medieval conocido en español como «la doncella de hierro». La canción narra la historia de una entidad demoníaca y menciona dicho instrumento —que funciona también como metáfora del propio grupo— al sentenciar: «No se puede luchar contra Iron Maiden».
Tally Hall – «Welcome to Tally Hall»
En este tema, Tally Hall presenta formalmente a la banda, sus orígenes, sus integrantes y su estilo. Así, mientras repasan su historia con humor, recuerdan cada tanto: «Bienvenidos a Tally Hall», como si se tratara de un universo en sí mismo.
Metallica – «Whiplash»
En este caso, la mención del nombre del grupo llega a modo de declaración de principios. En un track enérgico que suele formar parte de sus shows en vivo, la letra expresa: «No vamos a parar, no vamos a renunciar, porque somos Metallica». De este modo, dejan asentado el espíritu perseverante y potente que ha signado la carrera de la banda de metal más exitosa de la historia.
Beastie Boys – «(You Gotta) Fight For Your Right (To Party)»
En este megahit, la banda aprovecha para dejar en claro su nombre, una excelente estrategia para un tema con alta rotación radial cuyos oyentes no siempre conocen al intérprete. De manera elegante e ingeniosa, expresan: «Tu madre entró y dijo: ‘¿qué es ese ruido?’. Oh, mamá, solo estás celosa, son los Beastie Boys».
The Clash – «This Is Radio Clash»
La rebeldía y la oposición al poder son temáticas centrales del punk en general y de The Clash en particular. En esta canción, la banda habla sobre una emisora de radio pirata que funciona como manifiesto. Resulta significativo que esta radio imaginaria lleve por nombre Clash, posicionando el nombre del grupo como bandera de dicha rebelión.
Nirvana – «Paper Cuts»
Perteneciente al álbum Bleach, esta canción muestra el costado más crudo del grupo. En una de sus secciones, Kurt Cobain comienza a repetir «I said so» para luego pronunciar el nombre de la banda y reiterarlo varias veces hacia el final. El tema habla sobre una persona cautiva y secuestrada, como una metáfora de lo sofocante que puede ser estar profundamente enamorado; por ello, la palabra «Nirvana» funciona tanto como referencia al grupo como al concepto espiritual del fin del sufrimiento.
Motörhead – «Motörhead»
Este es otro ejemplo en el que una banda aprovecha una canción para definirse frente al público y marcar su postura. «Somos Motörhead, nacidos para perder, vivimos para ganar», expresan con convicción, demostrando que, lejos de abrumarse por sus orígenes poco privilegiados, convierten esa realidad en una fortaleza.
Recordamos a la artista inglesa con algunos datos que quizá no sabías sobre ella.
Amy Winehouse
Parece mentira, pero ya pasaron 15 años desde la trágica muerte de Amy Winehouse. La cantante y compositora se unió así al «club de los 27 años» al fallecer a esa edad por intoxicación etílica luego de literalmente beber hasta el final. Por fortuna, su legado sigue más que vigente hoy y sus canciones todavía suenan en todas partes del mundo como un testimonio de una mujer tan talentosa como atormentada por sus conflictos internos. A continuación, recordamos a la artista inglesa con algunos datos que quizá no sabías sobre ella.
La «mujer perfecta»
El diseñador de modas Karl Lagerfeld adoraba su sentido estético y la consideraba «la mujer perfecta» debido a su originalidad, sus tatuajes y su peinado extravagante. De hecho, también se sabe que ella se peinaba hacia arriba para compensar un poco su baja estatura (medía 1.59 m) y lucir más imponente frente a su audiencia. Su «beehive» le sumaba cerca de 15 centímetros más de altura.
Admirada por sus colegas
Amy también fue admirada por músicos como Paul McCartney, quien hoy dice que lamenta no haber hecho más por ella en su momento, y Bryan Adams, quien compuso para ella «Flower Grown Wild», canción publicada en 2008 que habla sobre la batalla de Winehouse contra sus adicciones.
Trabajó como reportera
Ella siempre fue un espíritu rebelde, pues a sus 11 años se perforó la nariz por primera vez y soñaba con ser estrella del skate, y a los 15 años dejó la escuela para siempre y se dedicó de lleno a su faceta artística. Sin embargo, más adelante uno de sus primeros trabajos sería como reportera de espectáculos para el canal World Entertainment News.
Compuso «Rehab» en muy poco tiempo
En cuanto a su faceta como creadora, Amy fue bastante prolífica y escribía canciones constantemente, aunque era muy exigente al momento de elegir con cuál quedarse. Algo curioso es que «Rehab», su mayor hit, fue compuesto por ella junto a Mark Ronson en menos de seis horas.
Su tema favorito de todos los tiempos
La londinense era una gran melómana y solía admirar más a músicos de otras épocas, y de ahí sale toda su impronta vintage y su afán por revivir corrientes como el soul y el jazz. Pero su tema favorito de todos los tiempos era «So Far Away» de Carole King, canción que precisamente sonó durante su funeral para despedirla de este mundo.
Comenzar una canción con el estribillo puede ser una excelente idea para enganchar al público o dejar en claro el mensaje del tema.
Blur. Foto: Facebook de Blur.
Lo más habitual en una canción de rock es que el estribillo llegue luego de una introducción y de una o dos estrofas. Sin embargo, esta no es una regla inamovible y comenzar una canción con el estribillo puede ser una excelente idea para enganchar al público o dejar en claro el mensaje del tema. A continuación, 5 canciones que comienzan con el estribillo.
Green Day – «Minority»
Este es un hit inoxidable de la banda y presenta una declaración punk frente al mundo y la sociedad: «Quiero ser la minoría, no necesito tu autoridad». Esta consigna es el centro de la canción y por eso se repite en el estribillo, el cual también da comienzo al tema. Si bien la canción tiene una breve introducción de guitarra acústica, inmediatamente da lugar al estribillo.
ABBA – «Dancing Queen»
El hecho de que esta canción comience con su estribillo es uno de los aspectos que la volvió icónica. Pasa casi un minuto de canción hasta que escuchamos la estrofa por primera vez. Es tal la fuerza de este estribillo que, al ubicarlo al inicio, el oyente espera con ansias volver a escucharlo más adelante para corearlo a viva voz.
Tears for Fears – «Shout»
El estribillo de esta canción podría repetirse como un mantra y, aun así, no cansar a los oyentes. Con destellos de post-punk y una atmósfera oscura, esta composición es un verdadero clásico de los años 80 que representa el sonido característico de la banda. La elección de comenzar con el estribillo deja en claro que es el corazón del tema, mientras que las estrofas quedan subordinadas a él y se presentan como una suerte de espera hasta que vuelva a sonar.
Stevie Nicks – «Edge of Seventeen»
Además del riff de guitarra tan característico que da inicio al tema, la artista decidió ponderar el estribillo, al cual conocemos en una primera instancia solo con guitarra y voz. Más adelante en la canción, reaparece con la banda completa y toma aún más cuerpo y potencia.
Blur – «Song 2»
Esta canción es el ejemplo de cómo una obra puede salir más que bien y ser un éxito tanto musical como comercial. Si bien surgió como una forma de los integrantes de Blur de reírse de la movida del rock alternativo, terminaron por crear uno de los mayores hits de su carrera. Entre los aspectos más eficaces de su fórmula se encuentra el inicio directo con el estribillo. Al puro estilo grunge, las estrofas se perciben más calmas para que el estribillo resulte profundamente enérgico.
En el marco del reciente estreno de La odisea, aqui tienes una lista con 10 epopeyas de la Antigüedad en el cine.
Russell Crowe en Gladiador (2000)
En el marco del reciente estreno de La odisea, aqui tienes una lista con 10 epopeyas de la Antigüedad en el cine. Se trata de films épicos ambientados en ese período que, en su mayoría, son grandes producciones históricas y de acción.
10. Mulan
1998 – Dir. Tony Bancroft, Barry Cook
Disney entregó esta aclamada pieza de corte feminista durante la década de 1990 para narrar la historia de una mujer que se alista en el ejército con el fin de pelear por su nación y salvar a su padre. Su trama convierte a Mulan en una reivindicación de la valentía, la fuerza y el papel de las mujeres en el combate.
9. La vida de Brian
1979 – Dir: Terry Jones
Brian nace en un pesebre de Belén el mismo día que Jesucristo. Un cúmulo de desgraciados y disparatados equívocos lo lleva a tener una vida paralela a la del verdadero Hijo de Dios. Sus pocas luces y el ambiente de decadencia y caos absoluto en el que se halla sumergida la Galilea de aquellos días lo hacen atravesar, de la mano de su madre, de una feminista revolucionaria y del mismísimo Poncio Pilatos, su propia versión del calvario.
8. El príncipe de Egipto
1998 – Dir. Brenda Chapman, Simon Wells, Steve Hickner
A cargo de DreamWorks, esta película animada es una adaptación del Libro del Éxodo centrada en narrar la historia de Moisés. Con una banda sonora superlativa, el film posee un dramatismo profundo que se impone sobre la acción para narrar el enfrentamiento entre dos hermanos en medio del intento de liberación de todo un pueblo.
7. El hombre del norte
2022 – Dir. Robert Eggers
Esta fue la primera apuesta de gran escala en la carrera de Robert Eggers, un director emparentado directamente con el género de terror. Sobre ella, Eric Olsen escribió para Indie Hoy: «Lo que distingue a The Northman de otras películas históricas sobre reyes y guerreros quizás sea su profundo respeto por la mitología y cosmovisión de la época que busca retratar. Incluso en sus momentos más gráficos y crudos, Eggers deja lugar para que florezca lo inexplicable».
6. 300
2006 – Dir. Zack Snyder
Esta épica resultó una verdadera novedad dentro de este tipo de cine porque toma la estética del cómic para replicarse en la pantalla y mantiene la estructura clásica de una épica antigua. Este film cuenta la epopeya del rey Leónidas al enfrentarse con su ejército de 300 espartanos a un ejército multitudinario y se trata de una pieza sangrienta, atravesada por la estética pop y fuertemente influenciada por las tendencias cinematográficas de su momento.
5. Troya
2004 – Dir. Wolfgang Petersen
Basada en el poema épico griego La Ilíada, esta película logró ser un verdadero fenómeno y un éxito de taquilla al momento de su estreno; sin embargo, no fue un film que haya trascendido ante la crítica. De todos modos, se trata de una gran apuesta en términos de producción y cine de acción, además de reunir a un elenco repleto de estrellas, como Brad Pitt, que evoca a la Época de Oro de Hollywood.
4. Ben-Hur
1959 – Dir. William Wyler
Esta obra épica de casi cuatro horas de duración está ambientada en la provincia romana de Judea y se convirtió en su momento en la película más cara de la historia; además, logró una altísima recaudación en taquilla y obtuvo 11 premios Oscar. Protagonizado por Charlton Heston, Stephen Boyd, Jack Hawkins, Hugh Griffith y Haya Harareet, el film narra la historia de dos amigos —uno judío y otro romano— que se enemistan durante los tiempos de Cristo.
3. Espartaco
1960 – Dir. Stanley Kubrick
Si de producciones grandilocuentes se trata, esta premiada obra de Stanley Kubrick es una de las fundamentales. Se trata de un film monumental que narra la historia de un gladiador que logra organizar a sus compañeros para enfrentarse a la tiranía en la Antigua Roma. En términos de drama, vestuario, acción y escala de producción, esta épica es una pieza imperdible.
2. Hércules
1997 – Dir. Ron Clements, John Musker
Esta película forma parte del Renacimiento de Disney, un periodo de renovación para el estudio que no atravesaba un gran momento desde su Época de Oro. El film fue un enorme éxito gracias a la calidad de su animación, una banda sonora exquisita y una historia fascinante ambientada en la Antigua Grecia, centrada en el mito de Hércules y su camino para convertirse en héroe y vencer a Hades. La obra combina con maestría romance, acción, comedia, números musicales y fascinantes pasajes de la mitología griega.
1. Gladiador
2000 – Dir. Ridley Scott
A pesar de que su secuela dejó un sabor agridulce entre los fanáticos, este film de Ridley Scott es una pieza imprescindible en el cine de épica histórica. Ambientada en la Antigua Roma, narra la historia de venganza de Máximo, un general que deseaba regresar a su hogar y rechazar el poder, decisión que desencadena la tragedia de su familia. Russell Crowe interpreta aquí uno de los papeles más emblemáticos de su carrera, desplegando destreza física y una gran potencia dramática.
A lo largo de las últimas décadas, distintas bandas de rock, punk, grunge y música alternativa han recurrido a la figura del perro para ilustrar sus trabajos, apelando tanto a fotografías espontáneas como a puestas en escena más elaboradas.
Blur – Parklife
Muchas veces, las portadas de los discos funcionan como un pequeño vistazo de la obra: anticipan un clima, condensan una identidad o quedan grabadas en la memoria colectiva por motivos que trascienden a la propia música.
Dentro de ese universo de imágenes memorables, los perros ocupan un lugar particular, ya sea como protagonistas absolutos de la tapa o como parte de una escena más amplia que termina definiendo el carácter visual del álbum.
A lo largo de las últimas décadas, distintas bandas de rock, punk, grunge y música alternativa han recurrido a la figura del perro para ilustrar sus trabajos, apelando tanto a fotografías espontáneas como a puestas en escena más elaboradas.
A continuación, un repaso por seis tapas de discos donde los perros son protagonistas:
The Distillers – The Distillers (2000)
Álbum debut de la banda de punk liderada por Brody Dalle, editado en el año 2000 bajo el sello Hellcat Records. El disco marcó el inicio de la carrera del grupo dentro de la escena punk rock californiana de finales de los 90 y principios de los 2000, con un sonido crudo e influenciado por el hardcore y el punk clásico.
The Distillers – The Distillers (2000)
Kate Bush – Hounds of Love (1985)
Hounds of Love es el quinto álbum de estudio de Kate Bush. La obra está estructurada en dos partes: el lado A, titulado Hounds of Love, integrado por canciones de formato pop más tradicional; y el lado B, The Ninth Wave, una suite de tintes conceptuales. Incluye el sencillo «Running Up That Hill», tema que décadas después tuvo un gran resurgimiento a partir de su inclusión en la serie Stranger Things.
Kate Bush – Hounds of Love (1985)
Blur – Parklife (1994)
Parklife es el tercer álbum de estudio de Blur y está considerado una de las piezas fundamentales del movimiento britpop de la década de 1990. El disco incluye temas emblemáticos como «Girls & Boys», «End of a Century» y la canción homónima «Parklife», que cuenta con la participación vocal del actor Phil Daniels. Su publicación consolidó a Blur como una de las agrupaciones más relevantes del panorama musical británico.
Blur – Parklife
Beck – Odelay (1996)
Odelay es el quinto álbum de estudio de Beck y contó con la producción del dúo Dust Brothers. La obra combina elementos de folk, hip hop, rock alternativo y música electrónica, y es reconocida como una de las producciones más influyentes e innovadoras del circuito alternativo de los años 90.
Beck – Odelay
Alice in Chains – Alice in Chains (1995)
Este tercer disco de estudio homónimo de la banda de Seattle es popularmente conocido como «el disco del perro de tres patas» por la fotografía de su portada. Editado en 1995, el álbum se registró en un contexto atravesado por las adicciones de sus integrantes —en particular la del vocalista Layne Staley—, lo que se tradujo en un sonido considerablemente más denso, lento y oscuro que el de sus trabajos previos dentro del grunge.
Alice in Chains – Alice in Chains (1995)
Machine Girl – U-Void Synthesizer (2020)
U-Void Synthesizer es el quinto álbum de estudio del proyecto Machine Girl. El trabajo fusiona digital hardcore, punk, grindcore, rave e industrial, e incluye colaboraciones de artistas como Guayaba, LustSickPuppy y RAFiA. Su arte de tapa responde a la línea estética del proyecto, que desde sus comienzos suele incorporar figuras e ilustraciones caninas en sus portadas.
Se cree que hay más de 2000 covers de «Yesterday», clásico de The Beatles, por lo que hoy te acercamos cuatro de los mejores.
The Beatles.
Desde su lanzamiento el 6 de agosto de 1965 como parte del álbum Help!, “Yesterday” se convirtió en uno de los hits más grandes de toda la discografía de TheBeatles. Este track sombrío y conmovedor sobre un amor perdido nació de un sueño que tuvo PaulMcCartney. “Se me cayó de la cama”, le dijo el legendario bajista a la revista Rolling Stone. “Tenía un piano junto a mi cama, y debí de soñarlo porque me caí de la cama, puse las manos sobre las teclas y tenía una melodía en la cabeza. Estaba ahí, todo completo. No podía creerlo. Salió demasiado fácil”.
En lo que respecta al apartado lírico, Paul admitió que esta canción trataba sobre la muerte de su madre, con letras como «¿Por qué tuvo que irse? No lo sé, no lo diría». El impacto que “Yesterday” tuvo en la cultura popular fue tal que hoy en día es una de las canciones más versionadas de la historia. De hecho, se cree que hay más de 2000 covers de la misma, por lo que hoy te acercamos cuatro de los mejores.
