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Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

Qué ver en HBO Max: 4 series similares a Rick and Morty

Si estás viendo la novena temporada de Rick and Morty y ya estás pensando en qué otras series similares puedes encontrar en la plataforma, a continuación te ahorramos el trabajo y te recomendamos cuatro producciones animadas.

                                                                    Rick & Morty. & Me

Si estás viendo la novena temporada de Rick and Morty y ya estás pensando en qué otras series similares podés encontrar en la plataforma, a continuación te ahorramos el trabajo y te recomendamos cuatro producciones animadas que podés ver.

The Venture Bros.

Episodios: 84.

Origen: Estados Unidos.

Cuenta las aventuras y desventuras de dos adolescentes, Hank Venture y Dean Venture: su «súper científico» padre, Thaddeus «Rusty» Venture; y el guardaespaldas de la familia, el agente del gobierno Brock Samson. La serie homenajea y parodia el estilo de las viejas series de acción de Hanna-Barbera, especialmente Jonny Quest.

Un show más: Las cintas perdidas

Episodios: 9.

Origen: Estados Unidos.

Mordecai y Rigby son los amigos que trabajan y viven en un parque local. De alguna manera, sus trabajos mundanos siempre se convierten en un caos surrealista, para disgusto de su jefe y sus compañeros. Desde colarse en el luau de un amigo hasta buscar el lugar más dulce para echarse una siesta, evitar el trabajo se convierte rápidamente en frustrar desastres surrealistas… de la forma más divertida y entretenida.

Smiling Friends

Episodios: 27.

Origen: Estados Unidos.

Las vivencias de los empleados de una empresa que se dedica a hacer felices a los demás, en un bizarro pero colorido mundo.

Efectos colaterales

Episodios: 10.

Origen: Estados Unidos.

Marshall y Frances, excompañeros de laboratorio, revelan una conspiración en la que están implicadas las grandes farmacéuticas y el gobierno para extraer un hongo que podría contener la solución para curar todas las enfermedades del mundo.

5 canciones fundamentales de la psicodelia

La psicodelia irrumpió en la música popular a mediados de los años 60 como una respuesta directa a los cambios culturales, sociales y químicos de la época.

Pink Floyd
Pink Floyd

La psicodelia irrumpió en la música popular a mediados de los años 60 como una respuesta directa a los cambios culturales, sociales y químicos de la época. Bandas que hasta entonces se movían dentro de estructuras convencionales, empezaron a experimentar con nuevas texturas sonoras, efectos de estudio y la incorporación de elementos electrónicos, con intención de trasladar a la música las sensaciones asociadas al consumo de sustancias como el LSD.

Esto no se limitó a un estilo o una escena en particular, sino que tuvo epicentros tanto en Londres como en San Francisco, y encontró en el estudio de grabación una herramienta tan importante como los propios instrumentos. De esa etapa surgieron discos y canciones que redefinieron los límites del rock y sentaron las bases de géneros que vendrían después.

5 canciones fundamentales de la psicodelia.

The Beatles – «Strawberry Fields Forever»

Editada como single doble junto a «Penny Lane» en febrero de 1967, «Strawberry Fields Forever» marcó un quiebre en la producción de The Beatles. Compuesta por John Lennon, la canción combinó dos tomas grabadas en tonalidades y tempos distintos, unidas mediante manipulación de velocidad de cinta, además de mellotron, instrumentos de viento y cuerdas procesadas.

Pink Floyd – «Echoes»

Incluida en el álbum Meddle (1971), «Echoes» es una composición de más de 23 minutos que ocupa la totalidad del lado B del disco. Construida a partir de un característico sonido de submarino generado con un piano procesado a través de un amplificador Leslie, la pieza atraviesa múltiples secciones instrumentales y vocales, y es considerada un punto de inflexión hacia el rock progresivo dentro de la obra de la banda.

The Jimi Hendrix Experience – «Are You Experienced»

Publicado en 1967, el single homónimo del disco debut de The Jimi Hendrix Experience redefinió el uso de la guitarra eléctrica dentro del rock psicodélico. A través de efectos como el wah-wah, el fuzz y la grabación en reversa, Hendrix construyó un lenguaje sonoro propio que combinaba virtuosismo instrumental con exploración de texturas.

Jefferson Airplane – «White Rabbit»

Lanzada en 1967 dentro del álbum Surrealistic Pillow, «White Rabbit» fue escrita por Grace Slick y se convirtió en uno de los himnos de la contracultura de San Francisco. La canción, estructurada sobre un crescendo constante inspirado en el bolero, utiliza imágenes de Alicia en el país de las maravillas como metáfora de la experiencia psicodélica.

Tame Impala – «Let It Happen»

Publicada en 2015 como corte de apertura de Currents, «Let It Happen» representa la actualización de la psicodelia a través del ojo y las manos de Kevin Parker, líder de Tame Impala. La canción, de más de siete minutos de duración, cuenta con sintetizadores, samples y efectos de glitch con una base rítmica bailable, trasladando la tradición psicodélica de los años 60 al lenguaje de la producción electrónica moderna.

5 tapas de discos donde los artistas decidieron aparecer de espaldas

De Bruce Springsteen a Paul McCartney, repasamos cinco discos cuyas portadas muestran personas de espaldas.

Bruce Springsteen - Born in the USA (1984)
Bruce Springsteen – Born in the USA (1984)

Muchas bandas y artistas eligen aparecer en las portadas de sus álbumes como una forma de vincular su identidad con la del disco o, simplemente, de darse a conocer. Sin embargo, otros optan por alternativas menos convencionales, como aparecer de espaldas, una decisión claramente contestataria. A continuación,

5 discos cuyas portadas muestran personas de espaldas.

Paul McCartney – Back in the U.S. (2002)

Este álbum en vivo es uno de los más destacados de la carrera del ex Beatle. En la portada puede verse a Paul McCartney de espaldas, haciendo la seña de «OK» con la mano mientras sostiene una bandera estadounidense. El disco recopila actuaciones en distintas ciudades de Estados Unidos e incluye versiones en vivo de grandes éxitos de The Beatles y de su carrera solista.

Paul McCartney - Back in the U.S.
Paul McCartney – Back in the U.S.

Sublime – Sublime (1996)

El tercer disco de la banda de ska punk es uno de los más populares y, en parte, se debe a lo icónico de su portada. En ella se ve al cantante Bradley Nowell de espaldas, luciendo un tatuaje con letras góticas en el que se lee el nombre del grupo. El diseño fue obra de Opie Ortiz, quien ya había colaborado con la banda realizando distintos logos.

Sublime - Sublime
Sublime – Sublime

Bruce Springsteen – Born in the USA (1984)

Esta es una de las portadas más icónicas de la historia y fue obra de la fotógrafa de Rolling Stone, Annie Leibovitz. La imagen muestra a Bruce Springsteen de espaldas, vestido de rojo, blanco y azul, frente a un telón de fondo con franjas de la bandera estadounidense.

Además, hay una historia conmovedora detrás de la gorra que asoma del bolsillo trasero de Springsteen. Pertenecía al padre de Lance Larson, amigo de Bruce, y, tras su fallecimiento, Larson se la entregó al músico. The Boss decidió incluirla en la portada del disco como homenaje, después de prometerle a su amigo que su padre estaría presente hasta el final del proyecto.

Bruce Springsteen - Born in the USA
Bruce Springsteen – Born in the USA

Foo Fighters – There is Nothing Left to Lose (1999)

Este es uno disco clave dentro de la discografía de la banda y, desde la simpleza, su portada también contribuyó a su popularidad. En la misma vemos una foto en blanco y negro que retrata la nuca de una persona -aparentemente Dave Grohl- que lleva un tatuaje del logo de la banda. Se trata de una fotografía que tiene un tratamiento retro que le da un look rockero y despojado.

Foo Fighters - There is Nothing Left to Lose
Foo Fighters – There is Nothing Left to Lose

Echo and the Bunnymen – Heaven Up Here (1981)

Para su segundo disco, la banda de post-punk optó por una imagen que representara el frío y la melancolía que caracterizan a sus canciones. La fotografía fue tomada por Brian Griffin en la costa de Gales durante la grabación del álbum y muestra a los cuatro integrantes del grupo abrigados, de espaldas y mirando hacia el horizonte mientras el sol se pone, las pequeñas olas llegan hasta ellos y las gaviotas invaden el cielo.

Echo and the Bunnymen - Heaven Up Here
Echo and the Bunnymen – Heaven Up Here

A 41 años de Live Aid: El concierto que dio origen al Día Mundial del Rock

Hoy se celebra el Día Mundial del Rock y repasamos la historia del show que le dio origen.

Freddie Mercury de Queen en el show en Live Aid
Freddie Mercury de Queen en el show en Live Aid

Hoy se celebra el Día Mundial del Rock en homenaje al famoso recital Live Aid, realizado hace exactamente 41 años a beneficio de países africanos como Somalia y Etiopía, ya que por entonces estaban atravesando una delicada crisis de hambruna. Dicho concierto todavía es recordado como el más masivo de la historia, pues se llevó a cabo en dos sedes de manera simultánea: el estadio Wembley de Londres (Inglaterra) y el estadio John F. Kennedy de Filadelfia (Estados Unidos).

En total, esa jornada tuvo una audiencia de 3 mil millones de espectadores y 16 horas de transmisión ininterrumpida a más de 72 países. El organizador de este recital fue Bob Geldof, cantante y compositor irlandés que consiguió reunir a artistas que estaban en el pico de su popularidad como Queen, Madonna, Paul McCartney, Elton John, Bob Dylan, Led Zeppelin, Mick Jagger, Tina Turner y Eric Clapton, entre muchos otros.

En vista de la preocupante situación que se vivía en el denominado «Cuerno de África», donde no era posible siquiera conseguir agua potable, Geldof fundó el movimiento Band Aid Trust con la finalidad de recaudar recursos para ayudar a sus habitantes. Aunque inicialmente pensó que no muchos se sumarían a esa propuesta, finalmente consiguió que se sumaran 50 artistas de primera línea.

Asimismo, dentro de los asistentes a esa jornada se encontraron figuras de la talla de Lady Diana y el Príncipe Carlos, quienes por entonces llevaban apenas tres años de casados. El Live Aid se convirtió en un recital tan mítico que inspiró años más tarde muchas iniciativas similares que se pusieron en marcha para colaborar con diferentes causas solidarias en todo el mundo.

Una de ellas fue la que lideró Michael Jackson tras escribir el tema «We Are The World», y otra el «Concierto para la ciudad de Nueva York» que realizó McCartney junto a muchos colegas para homenajear a las víctimas y los rescatistas del ataque a las torres gemelas en 2001.

Las 5 mejores películas de Sam Neill

El fallecimiento inesperado del actor neozelandés impactó al mundo del cine, que despide a una figura fundamental de la pantalla grande y la televisión desde su debut en la década de 1970.

Sam Neill
Sam Neill.

Sam Neill murió hoy a los 78 años. El fallecimiento inesperado del actor neozelandés impactó al mundo del cine, que despide a una figura fundamental de la pantalla grande y la televisión desde su debut en la década de 1970. A continuación, repasamos las cinco mejores películas de su extensa trayectoria.

Possession

1981 – Dir. Andrzej Zulawski

Neill demostró que podía formar parte tanto de los grandes éxitos de taquilla de Hollywood como de producciones de culto. En este film de terror que coprotagoniza junto a Isabelle Adjani, el actor interpreta a un hombre desconcertado ante los repentinos e inexplicables cambios en la conducta de su esposa, de quien se está divorciando. Si bien los mayores elogios suelen ser para Adjani, Neill resulta un excelente contrapeso para este drama psicológico y de horror.

Jurassic Park

1993 – Dir. Steven Spielberg

Esta es la película más icónica de su carrera. Neill interpreta al doctor Alan Grant, un paleontólogo invitado a certificar la seguridad de las instalaciones de la Isla Nublar antes de su apertura al público. La estética de este personaje se convirtió en la imagen más representativa del actor y el éxito masivo del film lo catapultó a la popularidad global.

La lección de piano

1993 – Dir. Jane Campion

Aunque interpreta a un antagonista implacable, este título es uno de los más destacados de su filmografía. La película cuenta la historia de una mujer muda que llega a Nueva Zelanda para cumplir con un matrimonio arreglado, pero en su nuevo hogar entabla una intensa relación con otro hombre del lugar. Neill asume el rol del esposo, un colono posesivo y autoritario que completa el triángulo protagónico de este aclamado drama.

En la boca del miedo

1994 – Dir. John Carpenter

Otra de las grandes incursiones de Neill en el cine de terror es este título, en el que interpreta a John Trent, un investigador de fraudes de seguros que debe seguir el rastro de un exitoso escritor desaparecido a través de las pistas ocultas en sus propias novelas de horror.

La caza del Octubre Rojo

1990 – Dir. John McTiernan

En este thriller de suspenso y espionaje ambientado en la Guerra Fría, Neill comparte elenco con grandes figuras del cine como Sean Connery y Alec Baldwin. El actor interpreta al capitán de fragata Vasily Borodin, un papel que se convirtió en uno de los más reconocidos y celebrados de su filmografía.

Ringo Starr: 5 datos sorprendentes de su vida más allá de The Beatles

Narrador de programas infantiles, pionero en arte digital y dueño de un estilo de batería único: el costado menos conocido de Ringo Starr.

Ringo Starr
Ringo Starr.

Ringo Starr es mucho más que el otrora baterista de The Beatles: su estilo único, su manera de tocar con naturalidad y precisión, y su sentido del humor hicieron que se ganara un lugar propio dentro de la banda, convirtiéndose en una figura imprescindible del rock.

Al tratarse de una persona de 86 años y de uno de los músicos más respetados de todos los tiempos, su vida y carrera esconden curiosidades que pocas veces llegan al gran público y que revelan mucho, tanto de su vida privada como de la que muestra en entrevistas, conciertos y demás.

Por eso, en esta nota repasamos cinco datos poco conocidos de Ringo Starr, que van desde su faceta como narrador de programas infantiles hasta su relación con el arte digital, su familia y su manera particular de grabar batería.

1. Fue la voz original de Thomas y sus amigos

Entre 1984 y 1986, Ringo Starr se desempeñó como narrador del programa infantil Thomas and Friends (conocido por estas latitudes como Thomas y sus amigos), antes de que el rol fuera ocupado por George Carlin y luego Alec Baldwin. También apareció durante dos temporadas como Mr. Conductor en el spin-off Shining Time Station.

2. Es un artista visual

Desde joven, Starr mostró interés por el arte, el drama y la mecánica. En los años 90 empezó a experimentar con arte creado por computadora, aprovechando el tiempo mientras estaba de gira. Hasta hoy sigue vendiendo sus creaciones en las que combina creatividad con técnicas modernas.

3. Su álbum Ringo contó con todos los Beatles

El disco Ringo de 1973 incluyó la colaboración de sus tres ex compañeros: JohnLennon, Paul McCartney y George Harrison. Aunque nunca tocaron juntos en un mismo tema, varias canciones los involucraron. Por ejemplo, “I’m the Greatest” contó con Starr, Lennon y Harrison, mientras que George también ayudó a componer “Photograph” y Macca aportó su voz en «Six O’Clock».

4. Está casado con una «Bond Girl»

Starr está casado con Barbara Bach, actriz conocida por su papel en la película de James Bond, The Spy Who Loved Me (1977), dirigida por Lewis Gilbert y protagonizada por Roger Moore. Además de ese rol icónico, Bach compartió pantalla con Ringo en la película Caveman (1981) y también participó en Give My Regards to Broad Street (1984) junto a McCartney.

5. Sus partes de batería suelen grabarse en una sola toma

Ringo prefiere registrar sus partes de batería en vivo con la banda, evitando a toda costa la típica práctica de repetir tomas. Este enfoque se remonta a sus sesiones con George Martin, mientras formaba parte de The Beatles, cuando tenía que tocar rápido para no agotar la cinta y, al mismo tiempo, lograr capturar la espontaneidad de los momentos de improvisación.

El disco que Kiss lanzó como último recurso y terminó siendo un éxito

«Si este iba a ser nuestro último proyecto, salgamos con todo».

Kiss
Kiss.

A mediados de los 70, Kiss tenía un problema muy concreto: si bien llenaba recintos con sus fieles seguidores, no vendía muchos discos. La banda, formada en Nueva York en 1973 por Paul Stanley, Gene Simmons, Ace Frehley y Peter Criss, había construido su reputación sobre la base de sus actuaciones en vivo, caracterizadas por los ya históricos looks y maquillajes de los músicos, sangre falsa y explosiones que dejaban al público sin aliento. Pero, a la hora de trasladar esa energía al estudio, algo se perdía.

Sus tres primeros trabajos de estudio, Kiss (1974), Hotter Than Hell (1974) y Dressed to Kill (1975), apenas rozaron el top 100 del Billboard 200. «Nunca creí que ninguno de nuestros primeros tres discos capturó la intensidad de lo que la banda era«, reconoció Stanley. «Era un problema porque la gente venía a vernos y muchos de ellos no compraban nuestros álbumes«. El abismo entre lo que Kiss era sobre el escenario y el nivel de ventas de sus discos estaba hundiendo comercialmente a la banda.

Kiss
Kiss

Por eso, en 1975 el grupo tomó una decisión arriesgada: lanzar un álbum doble en vivo. «Alive! fue el último intento desesperado de una banda que no había despegado con los primeros tres discos», reconoció Simmons en una entrevista con MusicRadar en 2012. Y fue más lejos al agregar: «Decidimos lanzar no solo un LP en vivo, sino uno doble. Si este iba a ser nuestro último proyecto, salgamos con todo«.

Alive!, publicado el 10 de septiembre de 1975 y grabado principalmente en el Cobo Hall de Detroit, cambió todo. El disco vendió más de cuatro millones de copias solo en Estados Unidos y también salvó a su sello, Casablanca Records, que estaba al borde de la quiebra. El sencillo en vivo de «Rock and Roll All Nite» se convirtió en el primer gran éxito radial de Kiss, que al año siguiente publicó Destroyer, un LP producido por Bob Ezrin con grandes canciones como «Detroit Rock City».

Premios Emmy 2026: La lista completa de nominados

Los galardones, que reconocen cada año lo mejor del mundo de las series, tendrán su ceremonia de entrega el próximo 14 de septiembre, y la encargada de la presentación será Mariska Hargitay.

Premios Emmy
Premios Emmy

En el día de hoy se conocieron los nominados a los premios Emmy 2026. Los galardones, que reconocen cada año lo mejor del mundo de las series y la televisión, tendrán su ceremonia de entrega el próximo 14 de septiembre, y la encargada de la presentación será Mariska Hargitay.

En esta nueva edición, series como The Diplomat y The Pitt tuvieron un gran protagonismo en la categoría de drama. Por su parte, en comedia, Widow’s Bay se encuentra entre las más nominadas, con candidaturas en categorías como Mejor serie de comedia, Mejor actor y Mejor actor de reparto.

En lo que respecta a las series limitadas, la nueva entrega de Beef competirá por el premio mayor junto a The Beast in Me, All Her Fault, DTF St. Louis y Love Story: John F. Kennedy Jr and Carolyn Bessett.

A continuación, la lista de los principales nominados a los premios Emmy 2026.

Mejor serie de drama

The Diplomat

The Gilded Age

A Knight of the Seven Kingdoms

Paradise

The Pitt

Pluribus

Slow Horses

Your Friends and Neighbors

Mejor actriz en una serie de drama

Carrie Coon – The Gilded Age

Chase Infinity – The Testaments

Keri Russell – The Diplomat

Rhea Seehorn – Pluribus

Zendaya – Euphoria

Mejor actor en una serie de drama

Sterling K. Brown – Paradise

Gary Oldman – Slow Horses

Mark Ruffalo – Task

Rufus Sewell – The Diplomat

Noah Wyle – The Pitt

Mejor actor de reparto en una serie de drama

Patrick Ball – The Pitt

Billy Crudup – The Morning Show

Shawn Hatosy – The Pitt

Gerran Howell – The Pitt

Jack Lowden – Slow Horses

Tom Pelphrey – Task

Carlos-Manuel Vesga – Pluribus

Mejor actriz de reparto en una serie de drama

Taylor Dearden – The Pitt

Fiona Dourif – The Pitt

Allison Janney – The Diplomat

Katherine LaNasa – The Pitt

Sepideh Moafi – The Pitt

Julianne Nicholson – Paradise

Karolina Wydra – Pluribus

Mejor serie de comedia

Abbott Elementary

The Bear

Hacks

Margo’s Got Money Troubles

Nobody Wants This

Only Murders in the Building

Shrinking

Widow’s Bay

Mejor actor en una serie de comedia

Yahya Abdul Mateen II – Wonderman

Steve Carell – Rooster

Matthew Rhys – Widow’s Bay

Jason Segel – Shrinking

Martin Short – Only Murders in the Building

Mejor actriz en una serie de comedia

Quinta Brunson – Abbott Elementary

Ayo Edebiri – The Bear

Elle Fanning – Margo’s Got Money Troubles

Liza Kudrow – The Comeback

Jean Smart – Hacks

Mejor actor de reparto en una serie de comedia

Colman Domingo – The Four Seasons

Paul W. Downs – Hacks

Harrison Ford – Shrinking

Nick Offerman – Margo’s Got Money Troubles

Stephen Root – Widow’s Bay

Michael Urie – Shrinking

Tyler James Williams – Abbott Elementary

Mejor actriz de reparto en una serie de comedia

Dale Dickey – Widow’s Bay

Hannah Einbinder – Hacks

Janelle James – Abbott Elementary

Kate O’Flynn – Widow’s Bay

Michelle Pfeiffer – Margo’s Got Money Troubles

Megan Stalter – Hacks

Jessica Williams – Shrinking

Mejor serie limitada o antología

All Her Fault

The Beast in Me

Beef

DTF St. Louis

Love Story: John F. Kennedy Jr and Carolyn Bessett

Mejor actor en una serie limitada, antología o película

Riz Ahmed – Bait

Jason Bateman – Black Rabbit

Charlie Hunam – Monster: The Ed Gein Story

Oscar Isaac – Beef

Matthew Rhys – The Beast in Me

Mejor actriz en una serie limitada, antología o película

Claire Danes – The Beast in Me

Sally Field – Remarkably Bright creatures

Carey Mulligan – Beef

Sarah Pidgeon – Love Story: John F. Kennedy Jr and Carolyn Bessette

Sarah Snook – All Her Fault

Mejor dirección para una serie de comedia

Abbott Elementary, “Ballgame”

The Bear, “Bears”

The Chair Company, “Life Goes By Too F**king Fast, It Really Does.”

Hacks, “Hacks (Finale)”

The Ms. Pat Show, “Give It Arrest”

Widow’s Bay, “Welcome to Widow’s Bay!”

Mejor escritura/guion para una serie de comedia

Abbott Elementary, “Team Building”

The Chair Company, “Life Goes By Too F**king Fast, It Really Does.”

The Comeback, “Valerie Does It All”

Hacks, “Hacks (Finale)”

Jury Duty Presents: Company Retreat, “Mergers and Acquisitions”

Widow’s Bay, “Welcome to Widow’s Bay!”

Mejor reality de competencia

Dancing With the Stars (ABC)

RuPaul’s Drag Race (MTV)

Survivor (CBS)

Top Chef (Bravo)

The Traitors (Peacock)

Javier Bardem revela las bandas de metal que escuchó para su papel en Cabo de miedo

El español interpreta a Max Cady, un asesino que sale de prisión en busca de venganza contra quienes lo metieron tras las rejas.

Javier Bardem como Max Cady en Cabo de miedo
Javier Bardem como Max Cady en Cabo de miedo.

Javier Bardem es uno de los protagonistas de Cabo de miedo, la serie basada en la icónica película de Martin Scorsese. El español interpreta a Max Cady, un asesino que sale de prisión en busca de venganza contra quienes lo metieron tras las rejas. Para interpretarlo, reveló que se inspiró en algunas bandas de metal.

Al igual que en Sin lugar para los débiles, Bardem se pone en la piel de un temible villano. Con una risa macabra y una expresión imperturbable, Cady se presenta como exconvicto dispuesto a todo. Y la estética de su personaje es muy importante para convencer al espectador de lo que es capaz.

En un diálogo con Kerrang, Bardem reveló cuáles fueron las bandas que lo inspiraron para construir a este temible personaje:

«Escuché cinco canciones en particular. Dos de Linkin Park: ‘Given Up’, con el gran Chester [Bennington] —ya fallecido—, y ‘Up From the Bottom’, del último álbum, From Zero. Creo que [Emily Armstrong] es una cantante increíble; realmente logró revitalizar el sonido. Esas dos canciones expresan muy bien la frustración y la lucha por renacer de las propias cenizas, algo con lo que Max se identifica. También escuché temas de Slipknot, Falling In Reverse y Bad Omens. Soy muy malo para recordar los títulos de las canciones, pero las tuve en la cabeza todo el día antes de hacer nada y me ayudaron a entrar en el estado de ánimo adecuado».

Fan del heavy metal, el español comentó: «No es que utilice la música, es que no puedo vivir sin ella. Es lo que escucho: cuando conduzco, cuando me llevan, antes de dormir… Sí, escucho Slipknot para dormir. Para mí, el metal es… una forma de vida. […] Creo que puedo escuchar cualquier cosa, porque respeto profundamente la música y a los músicos. Pero lo que hace latir mi corazón es el metal».

Primer tráiler de Cabo de miedo, la serie basada en la icónica película de Martin Scorsese
Primer tráiler de Cabo de miedo, la serie basada en la icónica película de Martin Scorsese.

Cabo de miedo está disponible en Apple TV

Cabo de miedo es la una nueva adaptación de la novela de John D. MacDonald titulada The Executioners (1957), y llegó a la plataforma Apple TV el pasado 5 de junio. Además de Barden, la serie cuenta con las actuaciones de Amy Adams y Patrick Wilson como la pareja de abogados que metió en prisión a Cady y ahora teme represalias.

La serie de 10 episodios tiene muchas similitudes con el film de Scorsese. Nick Antosca, creador de la producción, ha mantenido algunas tomas casi idénticas —como la de Cady abriendo los brazos y mostrando sus tatuajes—; y conservó el ambiente del río y el clima húmedo, una atmósfera clave para el desarrollo de la historia.

Las 6 mejores películas de ciencia ficción de los últimos seis años

La ciencia ficción permite combinarse a la perfección con otros géneros cinematográficos: el terror, el drama, la sátira social y más. Así, en los últimos años hemos sido testigos de interesantes estrenos que demuestran que se trata de un género con infinitas posibilidades.

 
Timothée Chalamet en Dune: Parte Dos
Timothée Chalamet en Dune: Parte Dos. Foto: NIKO TAVERNISE/WARNER BROS.
 

La ciencia ficción permite combinarse a la perfección con otros géneros cinematográficos: el terror, el drama, la sátira social y más. Así, en los últimos años hemos sido testigos de interesantes estrenos que demuestran que se trata de un género con infinitas posibilidades. A continuación, las 6 mejores películas de ciencia ficción de los últimos seis años, una por cada año.

El hombre invisible

2020 – Dir. Leigh Whannell

Este remake del clásico de Universal de 1933 introduce la ciencia ficción con la potencia que permite la época. Si en la original nos encontramos con un hombre que halla la fórmula de la invisibilidad y la trama se centra en su transformación en asesino, el film de 2020 pone el foco en el personaje de Cecilia Kass (Elisabeth Moss), la «viuda» del hombre invisible, quien decide enfrentarlo y recorrer un peligroso y extraño camino mental para descubrir la verdad sobre su pareja.

Duna

2021 – Dir. Denis Villeneuve

En 2021, el podio fue indiscutido para la adaptación de Villeneuve sobre la obra de Frank Herbert, una propuesta ambiciosa que cumple con todos los casilleros de una buena producción de ciencia ficción. En la lista de lo mejor de Indie Hoy de 2021, Juampa Barbero escribió: «La nueva adaptación redobló la apuesta de sus antecesoras a fin de mimetizar la consistencia literaria en dos entregas continuas. Llega el final, pero no termina: la primera parte de Dune es una experiencia narcótica que provoca un despertar sensorial durante dos horas y media de pura intensidad».

¡Nop!

2022 – Dir. Jordan Peele

Con ¡Nop!, Peele mostró una nueva faceta al inclinarse hacia la ciencia ficción y alejarse del terror. Se trata de una película altamente ambiciosa por sus múltiples referencias a la historia del cine y la televisión, por su complejidad dramática imbricada con la comicidad y su ridiculización de la cultura pop. Si bien el film se nutre de varios géneros, aborda, a grandes rasgos, un homenaje al séptimo arte y una parodia de la locura por las imágenes y el sensacionalismo televisivo. La historia se centra en dos hermanos que descubren un OVNI en el campo donde crían y entrenan caballos especiales para Hollywood. La trama acude a la ciencia ficción y sus conexiones con Steven Spielberg e incluso llega a parodiar a Werner Herzog con la figura de este director de fotografía loco y entregado físicamente en pos de un cine extremo.

Trenque Lauquen

2023 – Dir. Laura Citarella

Desde el cine argentino, Citarella se destacó en 2023 con una película de gran envergadura. No solo por su extensa duración de más de cuatro horas, sino por una historia que, artesanalmente, va tejiendo los hilos detrás de la misteriosa desaparición de una mujer. El film comienza como un drama pero, lentamente, va mutando hacia la ciencia ficción; no solo sorprende al espectador, sino que también ofrece un abordaje del género desde lo localista.

Duna: Parte Dos

2024 – Dir. Denis Villeneuve

La segunda parte de Duna fue, para algunos, superior a la primera. La historia no perdió contundencia y el director canadiense supo sacar ventaja de un gran presupuesto y tecnología de última generación. Lisardo Quevedo escribió para la lista de lo mejor del 2024 de Indie Hoy: «Una película visualmente espectacular, una música magnífica y una historia que acompaña de la mejor manera, ya que hay una cantidad tan prolífica de una variedad de subtramas y conflictos, que de alguna manera podría ser un caos, pero que convergen en una sola intersección para crear un mundo completamente fantástico. El film cautiva con su gran escala, su mundo y sus personajes minuciosamente desarrollados, sumergiendo a los espectadores en el intrincado y vibrante mundo ficticio de Arrakis». 

Bugonia

2025 – Dir. Yorgos Lanthimos

El director griego coquetea constantemente con la ciencia ficción y, en su más reciente film, aborda el género con dedicación y lo combina con comedia negra y teorías conspirativas. Bugonia cuenta la historia de una exitosa CEO que es secuestrada por un dúo de conspiranoicos que aseguran que es un alien. Aquello que nos parece cotidiano, el realizador lo expone desde lo improbable, y así logra el distanciamiento necesario para llevar a cabo su crítica social. Así como sus personajes están automatizados por sus objetivos, la película se presenta fría y calculada —otro aspecto que define la obra de Lanthimos—, aunque no por ello menos disparatada y afilada en su sátira.