La Radio del Coach de la Birra #YConCervezaEsMejor

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Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

10 canciones icónicas de bandas que no fueron cantadas por su vocalista principal

La identidad de una banda está marcada por muchos factores, pero uno de los más determinantes es la voz de su cantante. Aunque algunos grupos logran reinventarse con un cambio de vocalista, en la mayoría de los casos, la voz principal se convierte en el sello que define su éxito. Sin embargo, existen excepciones memorables: canciones interpretadas por integrantes que no son los vocalistas principales.

10 temas icónicos de bandas que no fueron cantados por su cantante habitual.

The Police – «On Any Other Day»

Esta canción de The Police no está cantada por Sting y es una de las tres compuestas e interpretadas por el baterista Stewart Copeland. Si bien Sting no asumió la voz principal, sí aportó los coros.

Weezer – «Cold Dark World»

Cuando en 2008 Weezer lanzó su Red Album, estaba claro que la banda apostaba a la experimentación. Aunque Rivers Cuomo es el vocalista principal, en la segunda mitad del disco decidió ceder protagonismo y dejar que cada miembro interpretara una canción. “Cold Dark World” fue una de ellas y estuvo a cargo del bajista Scott Shriner.

Nirvana – «Marigold»

Dave Grohl comenzó a desarrollarse como cantante con Foo Fighters, aunque durante sus años en Nirvana ocupó el puesto de baterista y también aportó en los coros. Para el lanzamiento de In Utero, la banda incluyó en el lado B una canción llamada “Marigold” que, para sorpresa de los fans, estaba interpretada por Grohl.

Queen – «’39»

Este tema de estilo folk fue escrito e interpretado por Brian May, guitarrista de la banda. Si bien Queen tenía como sello distintivo la potente e inconfundible voz de Freddie Mercury, en esta oportunidad cedió la voz principal a May, quien demostró tener un estilo propio y completamente diferente al de su compañero.

The Beach Boys – «Sail On, Sailor»

El origen de esta canción no está claro en lo que respecta a sus compositores. Si bien sería una idea original de Van Dyke Parks y Brian Wilson, también participaron Jack Rieley, Tandyn Almer y Ray Kennedy, aunque Wilson se negó a participar de la grabación. Así, el tema está interpretado por Blondie Chaplin, quien fue parte de la banda durante un breve período.

The Rolling Stones – «Happy»

Keith Richards es conocido por ser uno de los más grandes guitarristas del rock and roll, pero también se ha animado al canto, tanto en discos solistas como en algunas canciones de The Rolling Stones. Este es el caso de «Happy», que también está compuesta por él y se volvió una de las más icónicas de Richards, la cual interpreta en vivo con frecuencia.

Foo Fighters – «Cold Day in the Sun»

Además de haber sido un baterista excepcional con Foo Fighters, el fallecido Taylor Hawkins fue un destacado cantante y lo demostró en proyectos paralelos, tales como NHC, The Coattail Riders, en sus discos solistas e incluso en los shows en vivo de Foo Fighters. De hecho, en el disco acústico In Your Honor interpretó «Cold Day in the Sun», canción que también compuso.

Red Hot Chili Peppers – «Pea»

Este es uno de los temas más curiosos de One Hot Minute (1995), ya que no solo está cantado por el bajista Flea, sino que además está instrumentado únicamente con bajo y voz. Se trata de una suerte de blues paródico, de menos de dos minutos de duración, en el que el bajista se define como un guisante y despliega una larga lista de insultos.

Blur – «Coffee And TV»

Este tema fue compuesto por el guitarrista Graham Coxon -habla de su lucha contra el alcoholismo- y también fue él quien lo interpretó en la grabación, en lugar de Damon Albarn, vocalista de la banda, que solo aportó coros. La canción es una de las más exitosas del disco 13, gracias también a su original videoclip, y mostró la faceta de Coxon como cantante.

Pink Floyd – «Have a Cigar»

El tema incluido en Wish You Were Here, disco de cinco canciones dividido de manera equitativa entre David Gilmour y Roger Waters, no fue interpretado por ninguno de los dos. Para esta canción, que inicia el lado B del álbum, contaron con la participación del cantante estadounidense Roy Harper.

El punk por dentro: 5 documentales para entender su verdadera fuerza

Durante décadas, el punk fue reducido a una sucesión de imágenes representativas: desde las crestas y las remeras rotas hasta el mosh y las canciones de dos minutos de duración. Esa simplificación terminó opacando lo más importante del movimiento: su funcionamiento interno. Detrás del ruido y la velocidad existió siempre una red compleja que congregó a personas, espacios y decisiones que permitieron que la escena no solo creciera, sino que se sostuviera en el tiempo.

El punk se construyó como un sistema colectivo y comunitario. Casas que funcionaban como centros culturales, sellos independientes convertidos en nodos de distribución global, circuitos para tocar transmitidos de banda en banda y una ética de cooperación que reemplazó la falta de recursos por organización. Para ejemplificar este punto, recopilamos cinco documentales que proponen una lectura distinta del género. No se detienen únicamente en canciones o figuras del movimiento, sino que observan al punk como un entramado de trabajo, conflictos, comunidad y desgaste.

A Fat Wreck

2016 – Dir: Shaun Michael Colón

El documental sigue la historia de Fat Wreck Chords, el sello fundado por Fat Mike de NOFX. Más que la biografía de su creador, la película examina cómo un sello punk puede transformarse en infraestructura: coordinar giras, editar discos, sostener una comunidad de bandas y, al mismo tiempo, enfrentar las críticas de «haberse vendido». El film expone las contradicciones de mantener una ética DIY cuando el crecimiento obliga a tomar decisiones comerciales que impactan directamente en la identidad de una escena.

One Nine Nine Four

2009 – Dir: Jai Al-attas

Centrada en el quiebre que significaron los años 90, la película analiza el momento en que el punk y el hardcore ingresaron a la cultura mainstream. Lejos de ser un relato triunfalista, el documental se enfoca en las redes previas que hicieron posible esa explosión: sellos independientes, radios universitarias, promotores locales y circuitos de lugares para tocar. El resultado es una reflexión sobre cómo la visibilidad masiva reconfigura las dinámicas internas de una escena y pone en tensión su autonomía.

American Hardcore

2006 – Dir: Paul Rachman

A través de archivo y testimonios, el film -basado en el libro American Hardcore: A Tribal History– reconstruye el desarrollo del hardcore estadounidense entre 1980 y 1986. Más que una línea temporal de bandas, ofrece una mirada sobre el funcionamiento regional del movimiento: giras autogestionadas, fanzines, redes de intercambio y escenas locales conectadas por necesidad más que por ambición.

Another State of Mind

1984 – Dir: Adam Small, Peter Stuart

Filmado durante la gira de 1982 de Youth Brigade y Social Distortion, el documental registra el punk en su forma más vulnerable y real: kilómetros de ruta, cuentas que no cierran, autos que se rompen en el medio de una gira y una dependencia absoluta de la solidaridad entre desconocidos. La película funciona como un retrato crudo del sistema DIY en acción, mostrando cómo la comunidad es el verdadero motor que mantiene viva a la escena.

The Decline of Western Civilization Vol. 1

1981 – Dir: Penelope Spheeris

Este clásico de Penelope Spheeris documenta la primera ola punk de Los Ángeles en pleno crecimiento. Además de registrar presentaciones históricas, el film evidencia la reacción social, mediática y política frente al movimiento. La exposición pública aparece como una fuerza ambigua, ya que amplifica la escena pero también acelera sus conflictos internos y su desgaste.

Los 10 mejores discos de hard rock de la década del 80 según especialistas

Durante los 80, el hard rock alcanzó su apogeo. La década estuvo marcada por un sonido demoledor y un despliegue estético que iba de lo callejero a lo glam, acompañando a una generación que buscaba tanto la contundencia sonora como el espectáculo visual. Desde estadios repletos hasta videoclips girando incansablemente por MTV, el género encontró el terreno fértil para expandirse y conquistar al público masivo.

Para comienzos de la década, el sonido del rock and roll setentero todavía estaba presente, con bandas que encontraban sus raíces en el blues y el heavy más clásico. Sin embargo, el hard rock se reinventó con un sonido más pulido, pensado para el consumo mainstream, sin perder la energía ni la irreverencia que lo caracterizaba. El exceso, en todos los sentidos, fue parte de este nuevo ADN.

Por otro lado, el género también se diversificó. Mientras algunos grupos empujaban hacia el costado del glam y lo melódico, con baladas y temas lentos, otros mantenían un pie firme en la robustez del metal, dando lugar a fusiones que ampliaron las fronteras de lo que podía ser el hard rock. Esa tensión entre rudeza y accesibilidad fue, justamente, lo que le dio dinamismo a la década.

A continuación, presentamos un repaso por los discos más emblemáticos de cada año de la década del 80 según Loudwire. Desde AC/DC hasta Bon Jovi y Jane’s Addiction, estos álbumes reflejan la evolución de una escena que hizo de la intensidad y la espectacularidad su sello distintivo.

1980: AC/DC – Back in Black

1981: Rush – Moving Pictures

1982: Misfits – Walk Among Us

1983: Def Leppard – Pyromania

1984: Van Halen – 1984

1985: Heart – Heart

1986: Bon Jovi – Slippery When Wet

1987: Guns N’ Roses – Appetite for Destruction

1988: Jane’s Addiction – Nothing’s Shocking

1989: Nine Inch Nails – Pretty Hate Machine

Love Ghost

Electronic – Rock/Punk

Love Ghost Presentan el sencillo “Rock Me Amadeus”

Rock Me Amadeus: Con Love Ghost volviéndose más internacional, han decidido reinventar el clásico de Falco «Rock Me Amadeus» con su toque industrial de rock oscuro. Esta versión reinventa por completo una canción pop-rock de los 80 que fue divertida en algo más oscuro e industrial, pero también preservando el brillo pop que tenía el original. Si eres fan de Rammstein o Marilyn Manson, esta canción es para ti.

De Finnegan, Seeker Bell of Love Ghost: «La primera vez que vi a Amadeus no fue en un cine ni en la tele, fue en el sótano de una iglesia en Los Ángeles. Un amigo me había arrastrado a una noche improvisada de cine donde un proyector estaba colocado contra una pared agrietada, sillas plegables alineadas en filas y el olor a incienso aún flotaba en el aire tras la misa de ese mismo día. La película cobró vida mientras Mozart tomaba la pantalla. Siempre he estado obsesionado con la idea de un genio que roza la locura; Mozart, tal y como se retrata en Amadeus, era salvaje, brillante, incomprendido y muy adelantado a su tiempo. Falco también lo entendía. Con Rock Me Amadeus, no solo estaba haciendo una canción pop; canalizaba esa misma brillantez maníaca y replanteaba a Mozart como un rebelde que pertenecía tanto a la calle como a la sala de conciertos. Conecto con eso porque siempre me he sentido dividido entre mundos. Versionar esta canción fue mi forma de adentrarme en esa línea genealógica: el fantasma de Mozart, filtrado a través de Falco, llevado hacia mi propia voz.»

Rock Me Amadeus es el segundo sencillo del próximo álbum «Anarchy and Ashes».

Love Ghost combina rock alternativo, grunge, metal, pop-punk, acústico, hard rock y otros géneros. Líricamente, las canciones tienen un toque emo y poético, abordando a menudo de frente el trauma y los retos de la salud mental. Seleccionados para Rockpalast (emitido en toda Alemania), han tocado en directo en 4 continentes. Actuaron en The Los Angeles Warp Tour con Wiplash en 2025. En México, han colaborado con artistas como Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko, El Burger y muchos otros. A nivel mundial han colaborado en canciones con The Skinner Brothers (Reino Unido), Rico Nasty y en un álbum completo con SKOLD. Han recibido respaldos de la revista Rolling Stone (más de 10 veces), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out México, la revista Clash, Lyrical Lemonade y muchas otras.

Sr. Falla de Origen

Post-Punk / New Wave

Sr. Falla de Origen Presentan el álbum “Tiempos De Papel” (2025)

Sr. Falla de Origen, una agrupación de Post-Punk y New Wave originaria de Valencia, Venezuela. 

Formada en 2020 bajo la visión de Jhonnith Chirivella, la banda ha consolidado una propuesta sonora que rescata la esencia melancólica y experimental de la Europa del Este y el sonido emblemático de los años 80. Con una trayectoria que incluye tres EPs y su álbum de larga duración, Tiempos de Papel, la banda explora líricas que van desde el descontento social hasta la nostalgia, logrando una identidad sólida y una estética única en la escena actual.»

El EP «Tiempos De Papel» contiene nueve temas con liricas inspiradas en la introspección, descontento social, amor, desamor, nostalgia y referencias culturales que dialogan directamente en su ciudad natal Valencia. Con una atmósfera “fría y negativa”, como lo definen sus propios integrantes, el álbum busca ser un canal emocional auténtico, reflejando vivencias personales y colectivas.

Una producción musical independiente realizada por Jhonnith Chirivella y Diego Silva, y composición musical de Sr. Falla De Origen, grabado en los estudios Caste Campo, San Diego, Carabobo. El arte está inspirado en el sur de Valencia y fue creado por Ginebra de González y Víctor González, aportando una identidad gráfica que complementa el tono introspectivo del disco. Destaca también la participación especial de Robert Sequera, amigo cercano de la banda, quien colabora en el solo de guitarra del tema Introspección, incluido como bonus track.



Tracklist «Tiempos de Papel»:

  1. TDS STMS JDDS
  2. Tiempos De Papel
  3. SQFML
  4. Volvió A Pasar
  5. Da Para Na’
  6. Al Menos Apaga La Luz Al Irte
  7. TúUu
  8. El Tiempo No Lo Cura Todo
  9. Introspección (Bonus Track)

.

El 28 de febrero vien el lanzamiento del nuevo sencillo y videoclip, Azul.

Esta es la canción más pegadiza de los años 80

La década de los 80 fue clave para la música, ya que dejó un legado tan diverso como inolvidable. Fue por aquellos años que se popularizaron los sintetizadores, hubo cientos de baladas épicas, coros que quedaron grabados en los corazones y estribillos que todavía hoy se cantan sin mirar la letra. Entre tantas melodías icónicas, hubo una que se convirtió en la más pegadiza de esa década, según un estudio de la Universidad de St Andrews, en Escocia.

Publicado en 2016, el análisis buscaba dar con las pistas que más se le pegan a la gente y para eso utilizaron la siguiente ecuación: «Receptividad + (previsibilidad menos sorpresa) + (fortaleza melódica) + (1.5 veces repetición rítmica) = una melodía que se queda en tu cabeza». En palabras de los investigadores, esta fórmula puede entenderse como un «gusano auditivo» musical que necesita de cinco componentes cruciales para existir. Según Bede Williams, esto incluye: sorpresa, previsibilidad, repetición rítmica, potencia melódica y, lo más importante, que los oyentes sean receptivos a la creación a un nivel básico.

La canción más pegadiza de los 80

Tras el análisis, se llegó a la conclusión de que el track más pegadizo de toda la década de los 80 es “I’m Gonna Be (500 Miles)” de The Proclaimers. Lanzada en 1988, esta canción de los gemelos escoceses Charlie y Craig Reid se convirtió en un himno inmediato gracias a su energía, su ritmo y un estribillo que contagia.

Sin embargo, “I’m Gonna Be (500 Miles)” quedó en el cuarto puesto entre las obras musicales más pegadizas de todos los tiempos, solo por detrás de “We Will Rock You” de Queen, “Happy” de Pharrell Williams y “We Are The Champions”, también de Freddie Mercury y compañía.

Por otro lado, el top ten lo completan las siguientes pistas: “YMCA” de Village People, “Bohemian Rhapsody” de Queen, “The Final Countdown” de Europe, “Living On A Prayer” de Bon Jovi, el villancico “Jingle Bells” y “Who Let The Dogs Out?” de Baha Men.

5 miniseries de suspenso en Netflix para ver de un tirón

En Netflix, el suspenso está a la orden del día: el catálogo está lleno de historias cargadas de misterio y giros inesperados que invitan a mirar producciones de un tirón. Desde thrillers psicológicos y policiales hasta relatos más oscuros y con una cuota de humor, estas miniseries te van a atrapar desde el primer capítulo.

Antracita

Episodios: 6.

Duración: 50 minutos aprox.

Origen: Francia.

Un antiguo caso se destapa cuando un reportero desaparece y su hija acaba en un pequeño pueblo de montaña atormentado por una secta, el secretismo y la muerte.

Él y Ella

Episodios: 6.

Duración: 45 minutos aprox.

Origen: Estados Unidos.

Anna, afincada en la sofocante Atlanta, vive recluida y cada vez se aleja más de sus amigos y de su carrera como presentadora de las noticias. Pero cuando se entera, por casualidad, de un asesinato en Dahlonega, el tranquilo pueblo donde creció, Anna recobra su vitalidad y se sumerge en el caso en busca de respuestas. Al detective Jack Harper le sorprende su implicación y la convierte en un objetivo de su propia investigación. Toda historia tiene dos versiones: la de él y la de ella, lo que significa que siempre hay alguien que miente.

La bestia en mí

Episodios: 8.

Duración: 50 minutos aprox.

Origen: Estados Unidos.

Desde la trágica muerte de su hijo pequeño, la escritora de éxito Aggie Wiggs no es ni la sombra de lo que era: se ha apartado de la vida pública y es incapaz de escribir. Todo cambia cuando Nile Jarvis, un conocido y poderoso magnate inmobiliario —que en su día fue el principal sospechoso de la desaparición de su mujer— compra la casa de al lado. Entre el horror y la fascinación, Aggie se embarca en una búsqueda obsesiva de la verdad, persiguiendo los demonios de Jarvis mientras intenta escapar de los suyos, en un peligroso juego del ratón y el gato que podría acabar en tragedia.

La señal

Episodios: 4.

Duración: 1 hora aprox.

Origen: Alemania.

Cuando una astronauta desaparece sin dejar rastro durante una misión, su marido sale en busca de respuestas mientras asume la responsabilidad de criar solo a su hija.

Agatha Christie: Las siete esferas

Episodios: 3.

Duración: 52 minutos aprox.

Origen: Reino Unido.

Inglaterra, 1925. En una lujosa fiesta en una casa de campo, una broma parece haber salido terriblemente —y mortalmente— mal. La tarea de resolver el misterio recaerá en la menos esperada de las detectives: la vivaz e inquisitiva Lady Eileen «Bundle» Brent, quien deberá desentrañar una escalofriante conspiración que cambiará su vida y pondrá al descubierto los secretos más oscuros de la alta sociedad inglesa.

5 canciones que glorifican al rock and roll

Durante más de medio siglo, el rock and roll fue declarado muerto incontables veces. Cada generación parece despedirlo con un nuevo epitafio: desde la muerte de Buddy Holly en 1959 hasta la irrupción del punk y el grunge, movimientos que prometieron destruirlo para reinventarlo. Sin embargo, una y otra vez el género resurge con una energía inquebrantable, desafiando su propia extinción.

Lo que mantiene vivo al rock no es sólo su sonido, sino su actitud y su filosofía: una mezcla de rebeldía, enojo, ironía y fe en la música como una fuerza transformadora. Parece una llama que se resiste a apagarse y permanece encendida aunque pasen los años, los artistas, y las modas.

A lo largo de las décadas, muchos artistas se propusieron capturar ese espíritu en canciones que, más que homenajear al rock, lo celebran. A continuación.

5 himnos que no sólo hablan sobre el rock and roll, sino que lo encarnan.

5. The Rolling Stones – «It’s Only Rock ’n’ Roll (But I Like It)» (1974)

Mick Jagger y Keith Richards compusieron este clásico como una declaración de principios: el rock no necesita justificación. En plena era del glam y los excesos, los Stones respondieron a la crítica con ironía y desparpajo. Grabada junto a Ronnie Wood antes de su ingreso oficial a la banda, la canción se convirtió en una de las joyas de su catálogo.

4. Kiss – “God Gave Rock and Roll to You II” (1991)

Inspirada en la versión original de Argent (1973), Kiss transformó «God Gave Rock and Roll to You II» en su propio himno. Lanzada en la banda sonora de Bill & Ted’s Bogus Journey, la canción se convirtió en un manifiesto: un lenguaje universal que une generaciones. Fue, además, el último video en el que apareció el baterista Eric Carr antes de su fallecimiento.

3. Joan Jett & The Blackhearts – «I Love Rock ’n’ Roll» (1981)

Convertida en uno de los mayores clásicos femeninos del género, la versión de Joan Jett (original de The Arrows, 1975) redefinió la actitud del rock desde la mirada de una mujer que no pedía permiso para ocupar el centro de la escena. Su icónico estribillo hicieron del tema una declaración generacional.

2. Neil Young – “Hey Hey, My My (Into the Black)” (1979)

En un momento en que muchos daban al rock por acabado, Neil Young escribió una elegía feroz y lúcida. «Es mejor arder que apagarse lentamente», cantó, resumiendo el dilema de una generación que se resistía a volverse irrelevante. El tema sirvió como espejo para músicos posteriores y consolidó a Young como el «Padrino del grunge”.

1. AC/DC – «Let There Be Rock» (1977)

Con un Bon Scott en estado de gracia, AC/DC narró el nacimiento del género con tono casi bíblico («que se haga la luz, que se haga el sonido…») mientras las guitarras de los hermanos Young parecieron relámpagos. «Let There Be Rock» es una celebración del ruido, la guitarra y el rock and roll.

5 canciones que se volvieron famosas gracias a una serie

Las canciones muchas veces están asociadas al momento o al lugar en el que las escuchamos. Si fue en una película, posiblemente siempre nos remitan a esa escena de la que fueron parte. Pero una canción también puede haber saltado a la fama gracias a su aparición en una serie y su consecuente repetición.

5 canciones que se volvieron famosas gracias a una serie.

Alabama 3 – «Woke Up This Morning»Los Soprano

Pocas introducciones de series se han vuelto tan icónicas como la de Los Soprano. En ella vemos a Tony, el protagonista, viajando en auto desde Nueva York hacia Nueva Jersey mientras fuma un habano y pasa por algunas de las locaciones clave de la historia de manera pensativa, como si estuviera planeando algo malo o ya lo hubiera hecho. Para esta secuencia, la canción es perfecta, ya que habla de una mujer que mató a su marido.

The Rembrandts – «I’ll Be There For You»Friends

Esta canción se convirtió en un símbolo de la amistad, y eso es porque fue escrita para ser la cortina musical de Friends. Con solo escuchar la introducción de este tema, podemos imaginarnos a los seis amigos bailando y bromeando entre ellos. La canción fue escrita por los propios creadores de la serie —aunque la primera opción había sido «Shiny Happy People», de R.E.M.— y se convirtió en un hit, al igual que la sitcom.

Carole King – «Where You Lead»Gilmore Girls

Este tema, incluido en el icónico álbum Tapestry, fue el elegido para la comedia romántica dosmilera Gilmore Girls. Se trata de una versión con la letra revisada, interpretada por la propia Carole King junto a Louise Goffin, y fue elegida como canción de apertura, por lo que llegó a millones de jóvenes de todo el mundo.

Tom Waits – «Way Down In The Hole»The Wire

Este tema de 1987 fue elegido como cortina para The Wire, la aclamada serie de los años 2000. Si bien la canción se utiliza en todas las temporadas, en cada una es interpretada por un artista diferente: The Blind Boys of Alabama en la primera, Tom Waits en la segunda, The Neville Brothers en la tercera, DoMaJe en la cuarta y Steve Earle en la quinta.

Nick Cave & The Bad Seeds – “Red Right Hand”Peaky Blinders

Este tema de 1994 marcó un cambio en la composición de Nick Cave, quien buscaba desafiarse con nuevas estructuras musicales. La canción se hizo conocida masivamente tiempo después gracias a Peaky Blinders, serie que la utilizó para sus comienzos, y previamente también había aparecido en Scream.

Bonus trackLisa Kudrow – «Smelly Cat»

El personaje de Phoebe Buffay en Friends es una excéntrica cantante cuya canción predilecta es «Smelly Cat». Este tema fue compuesto para la serie y aparece en diversas oportunidades a lo largo de sus 10 temporadas. Tan icónico se volvió para los fans que Taylor Swift invitó a Lisa Kudrow a cantarlo en vivo.

10 canciones sobre la pizza para festejar su día

Hoy, 9 de febrero, se festeja el Día Internacional de la Pizza, esa comida emblemática que trascendió fronteras, se adaptó y logró conquistar paladares en todo el mundo con una configuración simple y efectiva.

Se dice que la pizza tal como se la conoce hoy en día (con masa, salsa y muzza), se popularizó en el siglo XIX en Nápoles, y desde entonces no dejó de evolucionar y ganar adeptos, convirtiéndose en un símbolo de la clase trabajadora.

La pizza es cultura, y cada una de sus versiones refleja la idiosincrasia de cada uno de los pueblos que la adoptaron como suya. En sus sutiles diferencias radica un sinfín de razones que la llevaron a ser lo que es: inmigraciones, disponibilidad de la materia prima y la necesidad de innovar.

Al igual que la música, esta comida puede tener miles de variantes. Puede ser simple, sin vueltas y al grano como el punk, o tener cientos de capas y texturas encima como el rock progresivo. La pizza y la música están íntimamente relacionadas, y a lo largo de los años se han publicado una infinidad de canciones dedicadas a este noble plato.

Desde System of a Down hasta Nathy Peluso10 canciones que hablan sobre la pizza.

Las Piñas – «Pizza»

Nathy Peluso – «Gimme Somme Pizza»

Bubis Vayins – «Pizza de arroz»

Alfredo Casero – «Pizza conmigo»

Memphis la Blusera – «Moscato, pizza y fainá»

System of a Down – «Chic ‘N’ Stu»

Frank Zappa – «The Blue Light»

The Aquabats – «Pizza Day»

Kid Mess – «Pizza»

Attila – «Pizza»

La Cuca Señorita Cara de Pizza