La Radio del Coach de la Birra #YConCervezaEsMejor

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Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

7 Covers alucinantes de «Across the Universe» de The Beatles

Across the Universe” es una de las tantas joyas que se pueden encontrar dentro del catálogo de The Beatles. Escrita por John Lennon en 1967 e incluida en el álbum Let It Be (1970), la pista estuvo inspirada en la meditación trascendental y un momento de introspección personal.

Con una melodía sencilla cargada de imágenes cósmicas y espirituales, la canción captura la esencia poética de Lennon con frases como “Words are flowing out like endless rain into a paper cup” («Las palabras fluyen como lluvia sin fin en una taza de papel»).

 

A lo largo de los años, diferentes figuras del cuarto arte ofrecieron sus propias versiones de “Across the Universe”, cada una aportando su impronta y algo distintivo del track original. Por eso, a continuación te invitamos a descubrir algunos de los mejores covers de esta obra de los Beatles.

Estas son las mejores y más famosas versiones de este clásico:

Las más icónicas y aclamadas

Fiona Apple (1998):

Considerada por muchos críticos de Far Out Magazine como la mejor versión existente. La grabó para la banda sonora de la película Pleasantville. Su interpretación es minimalista, íntima y con una calidez vocal que capta perfectamente la atmósfera de ensueño del tema original.

David Bowie (1975):

Incluida en su famoso álbum Young Americans. Le dio un giro completamente diferente con un estilo más soul y glam rock. Un dato curioso que destacan los fanáticos en Reddit es que el propio John Lennon tocó la guitarra rítmica y aportó coros en esta grabación porque le encantaba el enfoque de Bowie.

Rufus Wainwright (2002):

Una hermosa versión con arreglos de cuerdas y piano grabada para la banda sonora de la película I Am Sam. Se convirtió en un éxito radial y ayudó a que nuevas generaciones descubrieran la canción.

Versiones alternativas y contemporáneas

Aurora (2019):

La cantante noruega realizó una versión etérea y sumamente espiritual en vivo para el programa australiano Like A Version de la radiodifusora triple j. Su interpretación destaca por texturas vocales que elevan el sentido místico del tema.

Jim Sturgess (2007):

Interpretada para la película musical homónima Across the Universe, dirigida por Julie Taymor. Esta versión se apoya en un crescendo orquestal muy emotivo que acompaña el clímax del filme.

Bandas del mundo del rock y metal también han dejado su huella.

Seether (2008)

Seether la adaptó hacia el rock alternativo acústico.

Scorpions (2011):

Los alemanes Scorpions la incluyeron en su álbum de covers Comeblack.

The Devils

EL «BLUES ROCK DIABÓLICO Y SUCIO» DE COPENHAGUE REVIENTA EL TERMÓMETRO CON «HOT DAY IN HELL»

Si la rutina te tiene con la garganta seca y el alma en pena, deja de quejarte, ve directo a la barra y pide que te sirvan una buena pinta bien helada. El demoledor cuarteto danés Blues Rock Despiadado de Copenhague acaba de liberar su salvaje nuevo sencillo titulado «Hot Day In Hell», un cañonazo extraído de su reciente álbum que quema más que el asfalto del mismísimo averno. #YconCervezaEsMejor

La banda promociona sin filtros su propuesta como un auténtico «blues rock diabólico y sucio», términos que se reconocen al primer segundo de reproducir el track. Olvídate del blues de salón: aquí hay guitarras con sobredosis de distorsión, una base rítmica criminal y una actitud cruda y callejera hecha por y para los borrachos de la vieja escuela. Es la banda sonora perfecta para musicalizar esas noches de pláticas irreverentes y jarras vacías.

El incendiario single ya se encuentra disponible en las principales plataformas digitales. Si estás listo para sufrir un golpe de calor de alto voltaje y sacudirte las malas vibras, dale play a «Hot Day In Hell» ahora mismo a través de su cuenta oficial en Spotify.

¡Sube los decibelios al límite, ríndete al fuego de este blues maldito y recuerda siempre que quemarse en el infierno #YconCervezaEsMejor!

THE DIABLOS BLUES ROCK DESPIADADO DE COPENHAGUE

Recién salidos, The Devils ofrecen una visión cruda e intransigente del blues rock, tocando como si todo estuviera en juego. No tratan el blues como una tradición — lo ven como una necesidad: un grito a nivel de estómago, sin filtros y sin red de seguridad.

La forma clásica de 12 compases se desgarra y reconstruye mediante repeticiones casi trance, grooves sucios e intensidad palpitante. Esta no es música que quiera sonar bonita. Quiere sentirse — en el cuerpo, en la sangre, en el espacio entre las personas.

En directo, la banda es una fuerza empapada en sudor. El vocalista Søren Bruun lleva su voz a través de un micrófono clásico de Green Bullet, empujándola hasta que se agrieta y quema con un filo agudo y lo-fi. Detrás de él, el guitarrista Lars Diers, el bajista Christian Balder y el batería Magnus Søderberg crean un muro de sonido giratorio — pesado, hipnótico y impulsado con un impulso implacable.

En 2026, The Devils regresaron con tres sencillos grabados en directo en el estudio — sin overdubs, sin trucos de estudio, solo los cuatro tocando el disco tal y como sucedía. «Ain’t Got Enough» (junio 2026), «No Real Pain» (julio 2026) y «The Boogie Got Me» (agosto 2026) lideran el camino para un nuevo álbum que saldrá en septiembre de 2026.

¡Sube el volumen al máximo, ríndete al fuego del averno y recuerda siempre que quemarse en el infierno #YconCervezaEsMejor!

AMONGST LIARS

Alternative rockHard rockIndie rockMetal/Heavy metalPost punkPunk RockRock & Roll/Classic Rock

AMONG LIARS REGRESAN CON UN NUEVO SENCILLO Y VÍDEO ‘UNDERNEATH THE SURFACE’

Los hard rockers alternativos británicos AMONG LIARS regresan con su nuevo y apasionante sencillo y vídeo, Underneath The Surface, lanzado el viernes 11 de septiembre.

¡Tras el éxito de su anterior sencillo Repair Myself, que supuso un potente regreso para la banda y contó con el apoyo de Kerrang! Radio, Primordial Radio, Total Rock y destacados medios y creadores de tendencias del rock, AMONG LIARS entran ahora en un capítulo más oscuro y pesado. Underneath The Surface lleva su sonido más allá, manteniendo las influencias de rock alternativo y metal moderno que son centrales en su identidad. Guitarras potentes, elementos electrónicos y una sección rítmica intransigente se combinan para ofrecer un tema que refleja una banda en constante evolución.

Formado en 2021, el cuarteto está formado por Leo Burdett (guitarra/voz principal), Ross Towner (bajo), Brummeo (sintetizador/teclados) y Adam Oarton (batería). Inspirados en Royal Blood, Bring Me The Horizon y Queens of the Stone Age, AMONG LIARS han desarrollado un sonido distintivo entre rock alternativo, hard rock y metal moderno.

2026 marca un capítulo nuevo y significativo, con el guitarrista Leo Burdett dando un paso adelante como vocalista principal de AMONG LIARS. El cambio ha traído una intensidad renovada y un enfoque creativo más agudo, con Underneath The Surface estableciendo la nueva identidad y dirección más pesada de la banda. Hablando sobre el sencillo, Leo dice: «Se trata de encontrar la fuerza para reiniciar cuando las cosas no han salido como quieres. Ya sean relaciones, errores, contratiempos o la vida en general, es un recordatorio de que puedes poner un límite bajo todo, empezar de cero y darle otra oportunidad si merece la pena.»

Conocidos por sus actuaciones en directo ajustadas e intransigentes, AMONG LIARS han compartido escenario con Ayron Jones, Theory of a Deadman, Dead Posey y Juliet’s Not Dead, forjándose una reputación como un grupo en directo poderoso y enérgico. Con Repair Myself reavivando su impulso, AMONG LIARS miran firmemente hacia adelante. Underneath The Surface captura a una banda que abraza el cambio y se adentra con confianza en territorios más pesados.

Mama No Likey

Rock & Roll/Classic Rock

MAMA NO LIKELY CONVIERTE EL DESAMOR EN EMPODERAMIENTO CON SU NUEVO SENCILLO LOS ÁNGELES, CA.

La banda de rock de Los Ángeles Mama No Likey regresa con su nuevo sencillo, «Light Up The Night», una balada de rock moderno que transforma el desamor en una declaración de resiliencia, libertad y autoestima.

En esencia, «Light Up The Night» trata sobre el momento en que el desamor deja de definirte.

La oscuridad que rodea la canción al principio va dando paso gradualmente a la luz—no porque alguien más aparezca para proporcionarla, sino porque la narradora descubre que la luz ya estaba dentro de ella.

«Light Up The Night» continúa un año activo para Mama No Likey, la pareja de composición y producción de Los Ángeles formada por Will Haupricht y Troy Gale. En lugar de trabajar con un cantante principal permanente, el dúo ha colaborado cada vez más con diferentes vocalistas, permitiendo que cada canción encuentre una voz que mejor sirva a su carácter individual.

Para «Light Up The Night», esa voz es Maddi Lasker.

El resultado es una canción sobre descubrir algo inesperado tras un desamor: a veces la bendición oculta en la oscuridad es descubrir tu propia luz.

Sobre Mamá No Likely

Mama No Likey es un proyecto de rock moderno con base en Los Ángeles fundado por el batería y compositor Will Haupricht y el guitarrista/compositor Troy Gale. Inspirados en múltiples fundamentos del rock y abrazando la producción contemporánea, la banda se centra en ganchos memorables, narrativas potentes y canciones que revelan un significado más profundo bajo sus relatos inmediatos.

Trabajando con el productor Philip Paulsen y un creciente elenco de vocalistas y músicos invitados, Mama No Likey sigue lanzando música original que abarca rock enérgico, temas influenciados por el blues y baladas cinematográficas de rock.

HBO Max: Cuándo se podrá ver Supergirl

Luego de su paso por los cines el pasado junio, Supergirl llega al streaming este mes. El film de DC tendrá como hogar HBO Max para acercarse a nuevas audiencias y así remontar lo que fue un fracaso de taquilla para el estudio. El film arribará a la plataforma este 10 de septiembre.

Se trata de una película dirigida por Craig Gillespie y protagonizada por Milly AlcockMatthias SchoenaertsEve RidleyDavid KrumholtzEmily BeechamDavid Corenswet y Jason Momoa que muestra una versión novedosa de la superheroína, marcada por la oscuridad y los traumas del pasado.

La sinopsis adelanta:

«En su vuelo inaugural hacia el nuevo Universo Cinematográfico DC, Supergirl revela el origen de la nómada interplanetaria Kara Zor-El, conocida como Supergirl, prima de Kal-El, Superman. Testaruda, astuta y frecuentemente imprudente, Supergirl irradia un heroísmo completamente suyo. Cuando un adversario inesperado y despiadado ataca cerca de casa, Kara se une con reluctancia con una compañera inesperada. Juntas, emprenden un viaje épico e intergaláctico, luchando por equilibrar la necesidad de venganza con la búsqueda de justicia —y salvar la vida de Krypto, el mejor amigo de Kara. Finalmente, Supergirl probará que hacer el bien puede ser difícil… y no siempre es agradable».

Milly Alcock en el póster de Supergirl
Milly Alcock en el póster de Supergirl.

Qué dijeron las críticas

Las críticas del film mostraron una recepción dispar. Aunque existió consenso en destacar el trabajo de Alcock, las opiniones se dividieron respecto de la narrativa, el desarrollo de los personajes y la capacidad de la película para diferenciarse dentro del género de superhéroes, que parece cada vez más saturado.

Uno de los comentarios más elogiosos llegó desde USA Today. El medio definió la producción como «una película de venganza intergaláctica que renueva con audacia los tópicos habituales gracias a una protagonista hastiada y autodestructiva». También hubo comentarios positivos desde Collider, donde sostuvieron que se trata de «una película fantástica que consolida la solidez de la recién relanzada DCU como franquicia».

Sin embargo, no todas las opiniones fueron favorables. Desde Variety fueron lapidarios al describirla como «una película distópica de superhéroes tan insulsa que resulta superhorrible». En una línea similar, desde The Hollywood Reporter consideraron que «la última aventura de superhéroes de DC se queda estancada en piloto automático».

South Park cambia su nombre a South America

Los creadores de South ParkTrey Parker y Matt Stone, volvieron a utilizar la política estadounidense como inspiración para el humor. Esta vez, la serie anunció que pasará a llamarse South America, en respuesta a la decisión del presidente Donald Trump de ordenar el cambio de nombre del lago Ontario a «Lake America» para su uso oficial en Estados Unidos.

La medida impulsada por Trump llegó en medio de las tensiones comerciales entre Estados Unidos y Canadá e inmediatamente generó repercusiones. Según se informó, plataformas como Apple Maps y Google Maps ya empezaron a mostrar esta nueva denominación para los usuarios estadounidenses, algo que el equipo detrás de South Park decidió aprovechar para lanzar una nueva provocación.

«Inspirados por la valentía y el patriotismo de Apple y Google, estamos cambiando el nombre de South Park a SOUTH AMERICA«, expresaron en un comunicado difundido en las redes oficiales del programa. En el mismo texto, los responsables de la serie también apuntaron contra Paramount, compañía madre de la serie animada, con una referencia a Skydance y a la nueva estructura de propiedad de la compañía tras la fusión entre Paramount Global y Skydance Media.

El comunicado se suma a una serie de críticas y humoradas que South Park viene desarrollando alrededor de la figura de Trump. Durante su última temporada, la producción fue incluso más severa con sus críticas hacia el mandatario, convirtiéndolo nuevamente en uno de los principales objetivos políticos de sus episodios. La temporada 29 se estrenará el 16 de septiembre y continuará con su habitual sátira política.

10 Temas que transcurren en un bar

El bar es un espacio que habilita infinitas posibilidades: desde el escenario de una gran historia cinematográfica hasta la detención del tiempo, las peleas, las confesiones e incluso el amor. Por ello, estos recintos han sido materia prima no solo para el cine, sino también para la música. A continuación, presentamos

10 canciones que transcurren en un bar.

Red Hot Chili Peppers – «Animal Bar»

En este tema de los Red Hot cobra una fuerte presencia el bajo, cuya línea melódica se construye a partir de un riff que se repite de forma magnética, mientras la batería mantiene un pulso constante que explota en el estribillo. Por su parte, la letra reflexiona sobre el ciclo de la vida y la renovación. En el plano real, el Animal Bar existe y está ubicado en Karumba, Australia, aunque se trata de un paraje casi escondido y de difícil acceso.

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – «Masacre en el puticlub»

Esta canción narra una situación de descontrol y enfrentamientos dentro de un prostíbulo. A lo largo de la letra, el Indio Solari describe las diferentes y disparatadas escenas de violencia que se producen en el lugar, abordándolas desde una óptica cómica y grotesca. Tanto en lo narrativo como en lo musical, el tema posee un marcado componente cercano a lo circense.

La Portuaria – «El bar de la calle Rodney»

En este éxito, la banda comandada por Diego Frenkel homenajea al bar Rodney, un emblema de la cultura rock en la Ciudad de Buenos Aires que ha sido frecuentado por grandes figuras de la música nacional e internacional, incluyendo a Rod Stewart y David Byrne. El tema se despliega como un relato urbano en el que el yo poético viaja en el tiempo al sentarse a una mesa, ideal para divagar, charlar con desconocidos y contemplar el discurrir de las horas

Billy Joel – «Piano Man»

Esta es una de las obras más reconocidas del compositor y posee una fuerte raíz autobiográfica, ya que plasma su propia experiencia trabajando como pianista en un local nocturno. De este modo, la letra va retratando el ecosistema típico de un bar: los clientes habituales que se acercan a la barra, los tragos, las anécdotas compartidas y el rol del músico dentro del recinto. A pesar de ser un éxito masivo, Joel confesó en su momento: «Creo que probablemente es la peor cosa musical que he escrito».

«Lobo hombre en París» – La Unión:

Inspirada en un cuento de Boris Vian, la acción comienza en el «bar del liceo» donde Dennis, el lobo convertido en hombre, acecha a su presa.

«Al calor del amor en un bar» – Gabinete Caligari:

Tema emblemático del pop-rock español de los 80 que retrata la calidez del bar como refugio frente a la soledad exterior.

«La cantina» – Andrés Calamaro:

Fiel a su estilo bohemio, el argentino le canta a la melancolía, los recuerdos y los amigos que se encuentran entre copas.

«Closing Time» – Semisonic:

Captura el ambiente exacto de la última ronda, las luces encendiéndose y el momento en que el barman te dice que es hora de volver a casa.

«One for My Baby (and One More for the Road)» – Frank Sinatra:

Un clásico del jazz donde un hombre despechado le cuenta todas sus penas al barman (Joe) mientras este limpia los vasos a altas horas de la noche.

«Whiskey in the Jar» – Thin Lizzy

«Whiskey in the Jar» es otra obra de arte indispensable para esta lista, interpretada de forma magistral por Thin Lizzy (y adaptada de una canción tradicional irlandesa del siglo XVII). Aunque gran parte de la acción ocurre en las montañas, el corazón y el desenlace de la historia están completamente ligados a las tabernas.

7 canciones dedicadas al lunes

El lunes está lejos de tener una buena reputación en la cultura popular. Sin embargo, a lo largo de la historia de la música, decenas de artistas le escribieron canciones al día que da comienzo a la semana hábil.

Desde el blues hasta el post-punk, el primer día de la semana laboral inspiró algunas de las pistas más recordadas de la historia, como es el caso de los siguientes temas, que lo abordan desde ángulos muy distintos.

Fleetwood Mac – “Monday Morning” (1975)

El track que abre Fleetwood Mac, el álbum que marcó el debut de Lindsey Buckingham y Stevie Nicks en la banda, fue escrito por el primero antes de unirse al conjunto, y su sonido acústico contrasta con la producción más elaborada del resto del disco. El álbum, producido por el propio Buckingham junto a Richard Dashut y Ken Caillat, llegó al número uno en Estados Unidos y vendió más de cinco millones de copias.

Duran Duran – “New Moon on Monday” (1984)

Lanzada como tercer single de Seven and the Ragged Tiger, la canción llegó al número nueve en el UK Singles Chart y al cuarto puesto en el Billboard Hot 100. La letra, escrita por los cinco integrantes de la banda, mezcla referencias a la Resistencia francesa con imágenes románticas que Duran Duran nunca se molestó en explicar demasiado.

The Mamas & The Papas – “Monday Monday” (1966)

Escrito por John Phillips y lanzado en marzo de 1966, el tema llegó al número uno en el Billboard Hot 100 y ganó el Grammy a la Mejor Interpretación de un Dúo o Grupo con Vocalista.

New Order – “Blue Monday” (1983)

El single más exitoso de la historia del formato de doce pulgadas, con más de 700.000 copias vendidas en el Reino Unido. Lanzado en marzo de 1983, “Blue Monday” surgió de la necesidad práctica de New Order de tener una canción que pudiera sonar en vivo sin que Bernard Sumner tuviera que dejar de tocar la guitarra. La letra habla de un lunes que sale mal, con una mezcla de resignación y humor que define el estilo del grupo.

Wilco – “Monday” (2002)

Incluida en Yankee Hotel Foxtrot, uno de los LP más influyentes del rock alternativo de los 2000, “Monday” es uno de los momentos más tranquilos del álbum. Jeff Tweedy la escribió durante las sesiones del disco, que terminaron en un conflicto abierto con Reprise Records: el sello rechazó el álbum terminado, lo que empujó a Wilco a publicarlo gratis en internet en 2001 y después lo licenció a Nonesuch Records, que lo publicó en abril de 2002.

 

Grandes canciones en español

«Lunes por la madrugada» – Los Abuelos de la Nada (1985):

Un clásico del rock argentino interpretado por Miguel Abuelo que transmite melancolía, misterio y desvelo durante las primeras horas del día.

«Lunes otra vez» – Sui Generis (1973):

Charly García y Nito Mestre retratan a la perfección la rutina urbana y el reinicio cíclico de la rutina laboral y escolar.

5 canciones que le dieron nombre a una película

La relación entre la música y el cine va mucho más allá de las bandas sonoras. En más de una ocasión, directores y guionistas tomaron el título de una canción como punto de partida para nombrar una de sus películas, ya sea porque la letra capturaba exactamente el tono de la historia que querían contar o porque el nombre en sí tenía una resonancia que ninguna otra frase podía igualar.

Es por eso que hoy te queremos contar sobre cinco temas musicales que le dieron nombre a un largometraje. Algunos de estos casos son bien conocidos; otros, no tanto. Pero en todos hay una conexión entre la música y el séptimo arte que vale la pena rastrear.

Bobby Vinton – “Blue Velvet» (1963)

El director David Lynch tomó el título de su película de 1986 directamente de la canción de Bobby Vinton, grabada originalmente en 1963. En el film, el tema aparece en la escena de apertura mientras la cámara recorre un suburbio norteamericano de apariencia perfecta, antes de revelar la oscuridad que se esconde debajo.

Ben E. King – “Stand by Me” (1961)

El director Rob Reiner bautizó a su film de 1986 en honor al clásico de Ben E. King, grabado originalmente en 1961. La canción aparece al final de la película, interpretada por el propio King, como cierre de una historia sobre la amistad en la infancia que comparte el mismo espíritu que la letra: alguien pidiéndole a otro que no lo deje solo.

Roy Orbison – “Oh, Pretty Woman” (1964)

El director Garry Marshall tomó el título de su comedia romántica de 1990 de la canción que Roy Orbison grabó en 1964 junto a Bill Dees. La elección no fue casual: la letra habla de un hombre que ve pasar a una mujer hermosa por la calle y no puede dejar de mirarla, una imagen que captura a la perfección el espíritu de la historia de amor entre Richard Gere y Julia Roberts.

Prince – “Purple Rain” (1984)

Prince escribió “Purple Rain” específicamente para su película homónima, dirigida por Albert Magnoli y estrenada en 1984. La canción y el film fueron concebidos en paralelo: la historia de un músico que lucha por encontrar su lugar mientras carga con un pasado familiar difícil es inseparable de esa balada, que cierra la película con una de las actuaciones en vivo más recordadas de la historia del rock.

ABBA – “Mamma Mia!” (1975)

La canción que ABBA lanzó en 1975 terminó dando nombre a un musical del West End que debutó en Londres en 1999 y que se basó íntegramente en el catálogo de la banda. La versión cinematográfica llegó en 2008, dirigida por Phyllida Lloyd y protagonizada por Meryl Streep, Amanda Seyfried y Pierce Brosnan. Fue uno de los musicales más taquilleros de la historia y generó una secuela en 2018.

Las 5 mejores canciones de Andrés Calamaro según Indie Hoy

Andrés Calamaro es uno de los músicos más prolíficos del país. Además de formar parte de bandas emblemáticas como Los Abuelos de la Nada y Los Rodríguez, desarrolló una carrera solista repleta de canciones en las que destaca su talento para la composición, lo que lo posiciona como uno de los artistas más influyentes de la música en español. A continuación, y en el día de su cumpleaños, elegimos las 5 mejores canciones de Andrés Calamaro.

«Loco»

En este corte del álbum Alta suciedad (1997), Calamaro experimenta con un sonido que fusiona el rock con una guitarra de aire funk, la elegancia de los vientos y un estribillo cercano al R&B. La letra plantea un trasfondo existencialista en el que el yo poético observa el discurrir de los días hasta llegar a una conclusión sobre la finitud humana: «Yo soy un loco que se dio cuenta que el tiempo es muy poco».

«La parte de adelante»

Honestidad brutal (1999) contiene una extensa lista de composiciones del músico. Entre ellas se encuentra «La parte de adelante», que sintetiza su estilo de escritura: juegos de palabras, cadencia de tango, la influencia de Bob Dylan, picardía erótica y la entrega a los amores desgarrados. «Soy vulnerable a tu lado más amable, soy carcelero de tu lado más grosero, soy el soldado de tu lado más malvado, el arquitecto de tus lados incorrectos», reza el comienzo de este tema popular e infaltable en la obra de Calamaro.

«Pasemos a otro tema»

Dentro del disco Nadie sale vivo de aquí (1989) se encuentra esta canción sobre el desencuentro amoroso. Las historias de ruptura y de ausencias recorren frecuentemente las letras del músico, y este tema aborda con sencillez y eficacia el impacto de una separación: «La casa está vacía y fría, la ropa en el pasillo me da la razón: ella me abandonó».

«Alta suciedad»

El tema que da título a su álbum de 1997 es una mirada sobre la sociedad de fin de siglo. Musicalmente se inscribe en la faceta más rockera del artista —con un riff inicial muy reconocido—, mientras que la letra presenta una crítica a los sectores de poder y a la hipocresía política de los años 90 a través de referencias e ironías. Con referencias divertidas y arriesgadas, esta es una de las letras más combativas del músico y un clásico del cancionero de rock nacional.

«Cuando no estás»

Incluida en el disco Bohemio (2013), es una de las piezas más románticas de su obra. Con una poesía que varía entre lo coloquial y lo metafórico, condensa la profundidad de la angustia que genera la ausencia del ser amado. En este tema, Calamaro aplica con maestría su talento para las melodías pop inolvidables combinadas con un costado folk y el vaivén entre la autodestrucción y la ternura: «Cuando no estás la casa vacía pregunta: ¿Cuándo volverás? Y escribo versos crueles conmigo».