La Radio del Coach de la Birra #YConCervezaEsMejor

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Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

4 canciones que todos reconocen al instante, pero casi nadie puede cantar completas

Hay canciones que se instalan en la memoria de manera selectiva. El estribillo queda grabado para siempre, se canta en estadios y se reconoce en los primeros segundos, pero las estrofas que lo preceden permanecen en un punto ciego. A continuación,

4 canciones que todos reconocen al instante, pero casi nadie puede cantar completas.

Kansas – «Carry On Wayward Son» (1976)

El estribillo de esta canción es uno de los más reconocibles del rock clásico. Pero las estrofas que lo rodean cuentan una historia mucho más rica: la del propio Kerry Livgren, guitarrista y compositor de la banda oriunda de Topeka, Kansas, quien escribió el tema en la casa de sus padres dos días antes de que la banda entrara al estudio a grabar Leftoverture. «Fue una canción de autoaliento», explicó Livgren en una entrevista de 1984. «Me estaba diciendo que siguiera buscando y que encontraría lo que buscaba».

Queen – «We Are The Champions» (1977)

Incluida en News of the World y lanzada como sencillo en octubre de 1977, «We Are the Champions» es hoy prácticamente un himno universal de la victoria deportiva que suena al final de cada competencia. Pero las estrofas que anteceden al coro muestran a Freddie Mercury cantando sobre haber pagado sus deudas, haber cumplido condenas, haber cometido errores y haber seguido adelante a pesar de todo. El propio Brian May reconoció que, cuando escucharon la canción por primera vez, la sensación inicial fue de incomodidad: «Nuestra sensación inicial era que era algo muy engreído», dijo en Rolling Stone. Sin embargo, Mercury se salió con la suya y creó una de las obras más populares de las últimas décadas.

Deep Purple – «Smoke on the Water» (1972)

Todo el mundo conoce el riff y el estribillo de «Smoke on the Water», pero sus estrofas no corren con la misma suerte. Estas funcionan como una crónica periodística del desastre que sufrió la banda cuando llegó a Montreux, Suiza, a grabar Machine Head en diciembre de 1971. El 4 de diciembre, durante un concierto de Frank Zappa and the Mothers of Invention en el Casino de Montreux, alguien del público disparó una bengala hacia el techo y provocó un incendio en el lugar. Deep Purple observó el siniestro desde un restaurante cercano mientras el humo cubría el lago Lemán. Eso llevó a Ian Gillan a escribir una letra que documenta el caos de aquel episodio.

Pink Floyd – «The Happiest Days of Our Lives» (1979)

Esta canción dura apenas un minuto y cincuenta segundos y funciona como introducción a «Another Brick in the Wall (Part 2)» en The Wall. La mayoría del público la asocia directamente con el coro que le sigue —»We don’t need no education»— pero sus propias líneas contienen una de las imágenes más perturbadoras del álbum. Roger Waters canta sobre los maestros que humillaban a sus alumnos en el sistema escolar británico de la posguerra, y cierra con un giro irónico: en el pueblo era sabido que, cuando esos maestros volvían a casa por la noche, sus esposas «gordas y psicópatas los golpeaban hasta casi quitarles la vida».

El video que repasa los mejores momentos de la carrera de Tom Cruise

La carrera de Tom Cruise es una de las más admirables de Hollywood. A lo largo de décadas, el actor ha demostrado su capacidad para adaptarse a diversos roles y encarnar personajes de gran exigencia física, otros de profundidad dramática y algunos de comedia romántica. Ante esto, Warner Bros. publicó una retrospectiva en homenaje a su trayectoria.

Este video, de poco más de tres minutos de duración, se presenta como la antesala del teaser de Digger, la nueva película de Alejandro González Iñárritu que se estrenará el 1 de octubre en Argentina y que está protagonizada por Cruise.

El avance comienza con un repaso por los 40 años de carrera del actor, en el que se observan pequeños fragmentos de sus películas más icónicas, entre las que se cuentan Misión imposibleTop GunEntrevista con el vampiroEl último samuráiMagnoliaRain ManJerry Maguire y Cuestión de honor, entre muchas otras.

Tom Cruise en Misión imposible: Sentencia mortal, parte 1 (2023)
Tom Cruise en Misión imposible: Sentencia mortal, parte 1 (2023). Foto: Christian Black – © 2023 Paramount Pictures.

El teaser se podrá ver en cines

Este teaser se proyectará en cines antes de la película Supergirl, que llegará a las salas el próximo jueves 25 de junio. Esta retrospectiva no solo permite tomar dimensión de su carrera y su talento, sino que cobra un sentido narrativo en el que la tenacidad, la valentía y una personalidad única ya no son solo características de los personajes que Cruise ha representado a lo largo del tiempo, sino también de su propia persona.

“Esto aún no acaba… Todo lo que eres, todo lo que has hecho te trajo hasta aquí”, expresa la frase final que da pie al teaser de Digger junto con el hit de Dire Straits «Money for Nothing». En el adelanto de la película solo se pueden ver unas cuantas imágenes de Cruise enfrentándose a una multitud, en una producción presentada como «una comedia de proporciones catastróficas».

Como parte de esta campaña de promoción, la leyenda que acompaña al tráiler de la retrospectiva reza: «Nunca confiamos tanto en un hombre», con lo que la elección de Iñárritu para este nuevo personaje se justifica en la trayectoria de Cruise.

En lo que respecta a Digger, la sinopsis adelanta: «El hombre más poderoso del mundo provoca un desastre y se embarca en una misión para demostrar que es el salvador de la humanidad». Cruise comparte elenco con Sandra Hüller, Jesse Plemons, John Goodman, Riz Ahmed y Aaetheria Angel, entre otros.

Por qué se canceló la película de Madonna

En una nueva entrevista con la revista InterviewMadonna reveló que su esperada biopic fue cancelada debido a una pelea con Universal Pictures. En 2021, el estudio había ganado una licitación entre varias productoras para hacer una película sobre la vida de la cantante, con ella misma en el proyecto como co-guionista y directora.

«Se suponía que iba a hacer una película sobre mi vida. Trabajé en mi guion durante dos años y pasé dos años en Universal Studios con los productores de línea haciendo el presupuesto y el casting«, contó Madonna. «Tuvimos una pelea, Universal y yo, por el presupuesto, porque yo necesitaba… tuve una vida extraordinaria. Tuve una vida enorme, así que necesitaba un presupuesto enorme«.

Según contó Madonna, Universal «no podía entender» el presupuesto que requería una biopic sobre su vida, por lo que intentó bajar el costo buscando una forma de hacerla por menos dinero en Serbia. «Tal vez simplemente no creyeron en mí«, agregó la artista. «Una de sus primeras reacciones fue: ‘No creemos que vayas a quedarte en Serbia más de cuatro días’. Y yo les dije: ‘¿Leyeron el guion?’. Toda mi vida fue supervivencia. No voy a ir ahí de vacaciones».

Madonna en el escenario de Coachella 2026
Madonna en Coachella. Foto: Instagram de Madonna.

Madonna dice que fue en ese momento, en el que se encontraba en «una especie de limbo» junto a su proyecto, en donde Netflix se acercó a ella para proponerle hacer una serie. Sin embargo, describió ese otro proceso como «interminable», debido a que, por cuestiones legales, no podía usar el guion que tenía con Universal a menos que se lo comprara «a un precio extorsivo», más allá de que era de su autoría.

«Así es cómo funcionan las cosas», continuó. «Empecé a tratar de entender cómo funcionaría hacer una serie. Es un proceso muy, muy diferente. Tienes que reunirte con muchos guionistas y encontrar al showrunner indicado, y no pude encontrar a nadie. Esto siguió así durante otros ocho o nueve meses. Y pensaba: ‘Qué bueno que tengo otro trabajo, porque necesito trabajar, necesito crear. Necesito hacer aquello para lo que vine a este mundo'».

A lo largo de los años, por el proyecto cinematográfico pasaron guionistas como Diablo Cody y Erin Cressida Wilson, mientras que la actriz y modelo Julia Garner había sido seleccionada para interpretar a la Reina del Pop en el año 2022, después de una serie de audiciones que tuvieron amplia cobertura mediática.

Julia Garner y Madonna
Julia Garner y Madonna.

La película que no fue y la serie que está en proceso

Según trascendió, la película de Universal Pictures iba a seguir la vida de Madonna desde sus humildes comienzos en Michigan hasta su formación artística en Nueva York durante la década de los 80, llegando hasta el lanzamiento de Ray of Light en 1998. Si bien nunca se concretó, informaron que la película seguirá existiendo en una versión ficcionalizada dentro de la segunda temporada de The Studio, la serie de Apple TV.

El año pasado, Madonna y Garner filmaron algunas escenas durante el Festival de Venecia para la segunda temporada de la comedia creada por Seth Rogen y ganadora de un Emmy. Una de las tramas de esta nueva entrega sigue justamente a una biopic de Madonna protagonizada por Garner que llega a Venecia para su estreno mundial.

Mientras tanto, Netflix se encuentra desarrollando su propia serie autobiográfica sobre la cantante a través del acuerdo exclusivo de Shawn Levy con la plataforma, aunque en esta versión Garner no está involucrada. Hasta el momento, no trascendieron más detalles sobre este nuevo proyecto, que cuenta con el respaldo de la propia Madonna.

La teoría de James Brown sobre el origen del rap

James Brown, nacido el 3 de mayo de 1933 en Barnwell, Carolina del Sur, fue una de las figuras más influyentes del siglo XX y era perfectamente consciente de ello. Mundialmente conocido como el «Padrino del Soul», el cantautor no solo se destacó en dicho género sino que, según su parecer, también fue uno de los máximos responsables del nacimiento de otro: el rap.

En una entrevista de 1987, cuando grupos como Run-DMC y los Beastie Boys ya eran nombres conocidos, Brown fue directo y señaló:

«Esas son malas copias; no voy a decir malas copias, son copias de lo que pensaban que yo hacía en los 60, como ‘Let the Brother Rapp’. Lo que están haciendo son cosas que yo hice hace años. La música rap es una especie de variación, es como el final de una canción de James Brown, lo que hacíamos al final«.

Con sus palabras, Brown apuntaba a los momentos improvisados y espontáneos al cierre de sus grabaciones y actuaciones en vivo, los cuales estaban cargados de la misma energía que el rap abrazaría años después.

Más allá de la opinión de Brown, lo que es innegable es que algunas de sus grabaciones fueron la base de sampling más usada en la historia del hip-hop. Tracks como «Funky Drummer» o «Think (About It)», de Lyn Collins, producido por él, fueron reutilizados en miles de temas. De hecho, Chuck D, el líder de Public Enemy, lo resumió de manera contundente: «James Brown presentó los mejores grooves. Hasta hoy, nadie se le ha acercado en términos de funk».

El primer disco punk rock en vender 10 millones de copias

A principios de los años 90, el grunge dominaba la escena musical norteamericana con una fuerza que parecía no dejar espacio para ningún otro género. Nirvana había desplazado a Michael Jackson del número uno con Nevermind en 1991, y todo lo que sonara demasiado melódico o accesible corría el riesgo de quedar fuera de lugar. En ese contexto, Green Day remaba contra la corriente.

La banda originaria de Oakland, California, había lanzado su LP debut, 39/Smooth, en 1990 con resultados no tan satisfactorios: alrededor de 3.000 copias vendidas en su primer año. Su segundo proyecto, Kerplunk! (1991), fue un paso adelante, pero seguía siendo un producto del sello independiente Lookout! Records, sin distribución masiva ni presencia en radios mainstream. Sin embargo, lo que se venía iba a cambiar todo eso.

En 1994, Green Day se mudó a Reprise Records y grabó Dookie junto al productor Rob Cavallo. El disco, escrito en su mayor parte por el cantante y guitarrista Billie Joe Armstrong, tenía hits para todos los gustos: «Longview», «Basket Case» y «When I Come Around». El frontman describió el proceso de composición como hacerlo «con mucha incertidumbre sobre nuestro futuro, pero sin importarnos. Queriendo y temiendo ser una estrella de rock… si eso es siquiera posible».

Dookie de Green Day
Dookie de Green Day

El primer gran éxito de la banda

El resultado de su trabajo fue histórico, ya que no solo llegó al puesto dos del Billboard 200 de Estados Unidos, sino que Dookie también vendió más de 10 millones de copias en ese país y fue certificado diamante por la Recording Industry Association of America. El éxito se replicó en el Reino Unido, donde obtuvo la certificación de platino y se convirtió en el primer álbum de punk rock en alcanzar esa marca.

Su impacto en la siguiente generación de músicos fue directo y concreto. Blink-182 señaló al disco como la puerta que se abrió hacia el pop-punk masivo. Fall Out Boy citó sus ganchos melódicos como una influencia directa en sus primeros años. Por su parte, Paramore tomó la angustia del álbum y la desarrolló en su propio sonido en su debut de 2005, All We Know Is Falling.

Cuando el trío recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, el presentador y ejecutivo musical Matt Pinfield afirmó que el disco «hizo que muchos jóvenes agarraran guitarras, bajos y baterías y quisieran cantar y escribir canciones. Y de eso se trata el rock ‘n’ roll, el punk rock. De esa belleza, de ese amor, de transmitir ese don. Y eso es lo que hace tan especial a Green Day».

La serie que Stephen King considera mejor que Widow’s Bay: «Como si Hitchcock hubiera vuelto»

Una de las series furor de este último tiempo es Widow’s Bay, la nueva producción de terror que está arrasando en vistas en Apple TV+. La tira no solo cautivó al público amante del género, sino también a uno de sus grandes referentes: nada más y nada menos que Stephen King, quien la elogió, pero declaró que, dentro de la plataforma, hay una incluso mejor.

El show, protagonizado por Matthew Rhys como el alcalde de un pueblo isleño de Nueva Inglaterra que intenta promover el turismo local a pesar de episodios paranormales, fue un gran éxito en su primera temporada, lo que llevó a Apple a confirmar una segunda entrega.

La serie está influenciada por la obra del propio King, quien recurrió a X para compartir su opinión sobre ella, además de mencionar otro título de su preferencia: «WIDOW’S BAY es buena. MAXIMUM PLEASURE GUARANTEED es todavía mejor. Es como si Hitchcock hubiera vuelto para hacer una más. Y Tatiana Maslany está muy bien. El juego de emociones en su cara es bastante increíble. Pasa de la comedia al terror en un instante«.

Maximum Pleasure Guaranteed, también producida por Apple TV+, cuenta la historia de Paula (Maslany), una mujer recientemente divorciada e inmersa en una disputa por la custodia de sus hijos, que cree ser testigo de un crimen y queda envuelta en un misterio complejo. La serie fue creada por David J. Rosen, showrunner de Us & Them.

La comedia dramática se estrenó el pasado 20 de mayo y recibió buenas críticas, con un 93 por ciento de aprobación en Rotten Tomatoes, sumando ahora a King entre sus nuevos aficionados. El escritor completó su elogio a Maslany con un último comentario: «Lo que sea que le estén pagando, no es suficiente«.

6 grandes covers de «Enter Sandman» de Metallica

«Enter Sandman», el primer single del llamado álbum negro de Metallica, con los años logró convertirse en uno de los temas más queridos de la banda estadounidense. Con una estructura directa y poco compleja, más accesible que muchos de sus otros tracks, para muchísimos oyentes pasó a ser una canción de entrada al género.

La pieza marcó, además, un punto de inflexión en la carrera de la banda: ese enfoque más accesible, pegadizo y melódico abrió la canción a interpretaciones que van del ska-punk al metal industrial, pasando por el cello clásico y el rock.

A continuación, los 6 covers más destacados de «Enter Sandman».

Motörhead

Lemmy Kilmister y su banda entregaron una versión más cruda y con tintes punk, rasposa y contundente, que muchos consideran la más cercana, en espíritu, a la original. El hecho de que uno de los referentes de Metallica hiciera su propia versión de una de sus canciones le da un peso simbólico difícil de igualar.

 

Apocalyptica

El cover de Apocalyptica es uno de los más singulares. El cuarteto finlandés de cellos comenzó su carrera precisamente como banda de covers de Metallica, y su versión de «Enter Sandman» demuestra que el arreglo para cuerdas clásicas no le quita ni un gramo de intensidad al tema.

Die Krupps

Pioneros alemanes del metal industrial, los Die Krupps incluyeron su versión en el EP Tribute to Metallica (1992), convirtiéndose en uno de los primeros grupos en fundir guitarras distorsionadas con electrónica.

The Mighty Mighty Bosstones

Referentes del ska-punk de Boston, grabaron su versión para el EP Where’d You Go? (1992). La banda prescindió de su característica sección de vientos y optó por una aproximación más directa, aunque con un guiño inesperado: una cita melódica de «Can’t Smile Without You» de Barry Manilow intercalada en el arreglo.

Ween

Ween cierra la lista con una versión de rock sin adornos que, pasada la primera impresión, se asienta en un sólido trabajo de guitarras. El solo de Dean Ween disipa cualquier duda sobre la seriedad del homenaje.

Cachicamo con Caspa y Leyko el Perro de la IIII Dimensión

Cachicamo con Caspa (oficialmente Cachicamo con Caspa y Leyko el Perro de la IIII Dimensión) es un proyecto musical y cómico venezolano originario de Carora, estado Lara. El grupo se convirtió en un fenómeno de culto en internet a mediados de la década de los 2000 por fusionar de manera humorística la música tropical bailable (como la raspacanilla y la cumbia larense) con clásicos del rock y pop internacional.

 

 

La canción «más aterradora que se escribió» según Ozzy Osbourne

Ozzy Osbourne conoció muy bien la historia de la música, especialmente la del heavy metal y el hard rock, dos géneros en los que se especializó. En una entrevista con NME en 2016, fue invitado a repasar el soundtrack de su vida y definió a «Black Sabbath», la pista que abre el álbum debut homónimo de su banda de 1970, como “la pista más aterradora jamás escrita”.

Al hablar sobre el tema, el artista británico recordó cómo su obra provocaba reacciones intensas en el público: «Cuando empezamos a tocar, en cuanto sonaban los primeros acordes de esa canción, las chicas jóvenes en la audiencia se asustaban. Pensaban que éramos amigos de Satanás o algo así. Ahí fue cuando comenzó todo eso del ‘Príncipe de las Tinieblas'».

La canción, caracterizada por su uso del intervalo conocido como «El intervalo del diablo» (término que se refiere al intervalo de tritono, una combinación de notas que son consideradas disonantes y se asocian con el diablo), estableció el tono oscuro y siniestro que definiría a Black Sabbath y al propio Osbourne.

Michael se convierte en la biopic musical más taquillera de la historia

A pocos meses de su estreno, se confirmó que la película de Michael Jackson superó a Bohemian Rhapsody como la biopic musical más exitosa en la historia del cine. Según confirmó DeadlineMichael acumula 911,9 millones de dólares en taquilla mundial, frente a los 910,9 millones que recaudó el film sobre Freddie Mercury y Queen en 2018.

Dirigida por Antoine Fuqua y protagonizada por Jaafar Jackson (sobrino real del Rey del Pop), la película recorre la vida de Michael Jackson desde sus primeros años con los Jackson 5 hasta la gira mundial de Bad a fines de los 80. Desde su estreno en abril, cuando registró el mejor fin de semana de apertura para una biopic musical, la producción sostuvo su desempeño de manera consistente en la taquilla.

Con su reciente estreno en Japón, Michael tiene chances concretas de cruzar la barrera de los 1.000.000.000 de dólares, una cifra que este 2026 solo fue alcanzada por Super Mario Galaxy: la película. Hay un dato que vincula ambas producciones musicales: Graham King, productor británico de Bohemian Rhapsody, es también uno de los productores ejecutivos de Michael.

 

Lionsgate, distribuidora del film en Estados Unidos, ya confirmó que habrá una secuela, ahondando más en la vida del artista. Uno de los directivos de la empresa, Adam Fogelson, señaló que esta segunda entrega podría no continuar cronológicamente desde donde termina la primera, que es con Michael en 1988 presentándose en el estadio de Wembley, seguido de un cartel que reza «su historia continúa».

Esta segunda parte de la vida de Jackson enfrentará una de las cuestiones que la primera dejó de lado y por la que fue duramente criticada: las polémicas alrededor de su vida y las acusaciones de abuso sexual infantil. El guion original de la película tocaba este tema en el tercer acto, pero una cláusula de un acuerdo legal impidió que se mencionara a Jordan Chandler, uno de los denunciantes.

 

4 discos legendarios que fueron grabados en una casa

A veces no hace falta un gran estudio para grabar un gran disco. Así lo demuestran bandas y artistas que apostaron por las grabaciones caseras o por locaciones alternativas para lograr importantes álbumes de la música popular.

4 discos que fueron grabados en casas:

Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik (1991)

La banda se instaló en una mansión ubicada en Laurel Canyon, Los Ángeles, para grabar este disco que representa un gran salto de popularidad en su carrera. Junto al productor Rick Rubin, los músicos experimentaron la convivencia y la creación bajo el mismo techo. Se trata del quinto álbum de Red Hot Chili Peppers, el cual vio la luz en 1991 y reúne grandes hits como «Give It Away», «Under the Bridge», «Suck My Kiss» y «Breaking the Girl», canciones que reflejan la versatilidad sonora y creativa que la agrupación comenzaría a desplegar a partir de entonces.

Bruce Springsteen – Nebraska (1982)

Este disco estrenado en 1982 es uno de los más peculiares de la carrera de Springsteen y, en gran parte, se debe a cómo fue grabado. El músico registró en su casa de Nueva Jersey los demos en una portaestudio con la intención de regrabarlos luego en el estudio junto a la E Street Band; sin embargo, finalmente se decidió por publicar estas versiones originales. Esto le otorga al álbum un sonido más despojado y menos grandilocuente comparado con sus trabajos anteriores. Se trata de una obra fuertemente intimista, recorrida por un cierto pesimismo y letras de gran profundidad. Es un disco que representa un quiebre en la carrera de The Boss, quien en una entrevista con Rolling Stone habló del proceso: «Iban a ser demos. Luego tenía un pequeño Echoplex y las mezclé un poco, y eso fue todo. Esa fue la cinta que se convirtió en disco. Finalmente pensamos: ‘Oh, ese es el álbum'».

Kate Bush – Hounds of Love (1985)

Este disco icónico fue grabado en el Wickham Farm Studio, el estudio casero ubicado detrás de la casa familiar de la artista. Lo cierto es que fue un proceso extenso que implicó el registro de demos, la posterior producción de estos en un estudio profesional y, finalmente, la regrabación de las canciones que hoy se encuentran entre las más reconocidas de su carrera.

Paul McCartney – McCartney (1970)

En 1970, Paul McCartney estrenó su primer disco solista, un paso que se sentía como un salto al vacío luego de la ruptura de The Beatles. El músico se había instalado en su granja de Campbeltown, en Escocia, durante un período fuertemente signado por la depresión y el alcoholismo, mientras convivía con su esposa Linda y sus hijos. Allí, en pleno enfrentamiento con John Lennon, se dispuso a componer y luego a grabar de manera casera en su casa de St John’s Wood con una «Studer, un micrófono y nervio». Este álbum terminó completándose luego en los estudios Morgan y Abbey Road.