La Radio del Coach de la Birra
#YConCervezaEsMejor
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Carlos Segura
Amante de la Pizza, la Cerveza
Fútbol y #Rocanrol
Libre pensador, Cervezariano
Libre pensador y libre bebedor
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toma y deja tomar, ley de la birra
Recordamos a la artista inglesa con algunos datos que quizá no sabías sobre ella.
Amy Winehouse
Parece mentira, pero ya pasaron 15 años desde la trágica muerte de Amy Winehouse. La cantante y compositora se unió así al «club de los 27 años» al fallecer a esa edad por intoxicación etílica luego de literalmente beber hasta el final. Por fortuna, su legado sigue más que vigente hoy y sus canciones todavía suenan en todas partes del mundo como un testimonio de una mujer tan talentosa como atormentada por sus conflictos internos. A continuación, recordamos a la artista inglesa con algunos datos que quizá no sabías sobre ella.
La «mujer perfecta»
El diseñador de modas Karl Lagerfeld adoraba su sentido estético y la consideraba «la mujer perfecta» debido a su originalidad, sus tatuajes y su peinado extravagante. De hecho, también se sabe que ella se peinaba hacia arriba para compensar un poco su baja estatura (medía 1.59 m) y lucir más imponente frente a su audiencia. Su «beehive» le sumaba cerca de 15 centímetros más de altura.
Admirada por sus colegas
Amy también fue admirada por músicos como Paul McCartney, quien hoy dice que lamenta no haber hecho más por ella en su momento, y Bryan Adams, quien compuso para ella «Flower Grown Wild», canción publicada en 2008 que habla sobre la batalla de Winehouse contra sus adicciones.
Trabajó como reportera
Ella siempre fue un espíritu rebelde, pues a sus 11 años se perforó la nariz por primera vez y soñaba con ser estrella del skate, y a los 15 años dejó la escuela para siempre y se dedicó de lleno a su faceta artística. Sin embargo, más adelante uno de sus primeros trabajos sería como reportera de espectáculos para el canal World Entertainment News.
Compuso «Rehab» en muy poco tiempo
En cuanto a su faceta como creadora, Amy fue bastante prolífica y escribía canciones constantemente, aunque era muy exigente al momento de elegir con cuál quedarse. Algo curioso es que «Rehab», su mayor hit, fue compuesto por ella junto a Mark Ronson en menos de seis horas.
Su tema favorito de todos los tiempos
La londinense era una gran melómana y solía admirar más a músicos de otras épocas, y de ahí sale toda su impronta vintage y su afán por revivir corrientes como el soul y el jazz. Pero su tema favorito de todos los tiempos era «So Far Away» de Carole King, canción que precisamente sonó durante su funeral para despedirla de este mundo.
Comenzar una canción con el estribillo puede ser una excelente idea para enganchar al público o dejar en claro el mensaje del tema.
Blur. Foto: Facebook de Blur.
Lo más habitual en una canción de rock es que el estribillo llegue luego de una introducción y de una o dos estrofas. Sin embargo, esta no es una regla inamovible y comenzar una canción con el estribillo puede ser una excelente idea para enganchar al público o dejar en claro el mensaje del tema. A continuación, 5 canciones que comienzan con el estribillo.
Green Day – «Minority»
Este es un hit inoxidable de la banda y presenta una declaración punk frente al mundo y la sociedad: «Quiero ser la minoría, no necesito tu autoridad». Esta consigna es el centro de la canción y por eso se repite en el estribillo, el cual también da comienzo al tema. Si bien la canción tiene una breve introducción de guitarra acústica, inmediatamente da lugar al estribillo.
ABBA – «Dancing Queen»
El hecho de que esta canción comience con su estribillo es uno de los aspectos que la volvió icónica. Pasa casi un minuto de canción hasta que escuchamos la estrofa por primera vez. Es tal la fuerza de este estribillo que, al ubicarlo al inicio, el oyente espera con ansias volver a escucharlo más adelante para corearlo a viva voz.
Tears for Fears – «Shout»
El estribillo de esta canción podría repetirse como un mantra y, aun así, no cansar a los oyentes. Con destellos de post-punk y una atmósfera oscura, esta composición es un verdadero clásico de los años 80 que representa el sonido característico de la banda. La elección de comenzar con el estribillo deja en claro que es el corazón del tema, mientras que las estrofas quedan subordinadas a él y se presentan como una suerte de espera hasta que vuelva a sonar.
Stevie Nicks – «Edge of Seventeen»
Además del riff de guitarra tan característico que da inicio al tema, la artista decidió ponderar el estribillo, al cual conocemos en una primera instancia solo con guitarra y voz. Más adelante en la canción, reaparece con la banda completa y toma aún más cuerpo y potencia.
Blur – «Song 2»
Esta canción es el ejemplo de cómo una obra puede salir más que bien y ser un éxito tanto musical como comercial. Si bien surgió como una forma de los integrantes de Blur de reírse de la movida del rock alternativo, terminaron por crear uno de los mayores hits de su carrera. Entre los aspectos más eficaces de su fórmula se encuentra el inicio directo con el estribillo. Al puro estilo grunge, las estrofas se perciben más calmas para que el estribillo resulte profundamente enérgico.
En el marco del reciente estreno de La odisea, aqui tienes una lista con 10 epopeyas de la Antigüedad en el cine.
Russell Crowe en Gladiador (2000)
En el marco del reciente estreno de La odisea, aqui tienes una lista con 10 epopeyas de la Antigüedad en el cine. Se trata de films épicos ambientados en ese período que, en su mayoría, son grandes producciones históricas y de acción.
10. Mulan
1998 – Dir. Tony Bancroft, Barry Cook
Disney entregó esta aclamada pieza de corte feminista durante la década de 1990 para narrar la historia de una mujer que se alista en el ejército con el fin de pelear por su nación y salvar a su padre. Su trama convierte a Mulan en una reivindicación de la valentía, la fuerza y el papel de las mujeres en el combate.
9. La vida de Brian
1979 – Dir: Terry Jones
Brian nace en un pesebre de Belén el mismo día que Jesucristo. Un cúmulo de desgraciados y disparatados equívocos lo lleva a tener una vida paralela a la del verdadero Hijo de Dios. Sus pocas luces y el ambiente de decadencia y caos absoluto en el que se halla sumergida la Galilea de aquellos días lo hacen atravesar, de la mano de su madre, de una feminista revolucionaria y del mismísimo Poncio Pilatos, su propia versión del calvario.
8. El príncipe de Egipto
1998 – Dir. Brenda Chapman, Simon Wells, Steve Hickner
A cargo de DreamWorks, esta película animada es una adaptación del Libro del Éxodo centrada en narrar la historia de Moisés. Con una banda sonora superlativa, el film posee un dramatismo profundo que se impone sobre la acción para narrar el enfrentamiento entre dos hermanos en medio del intento de liberación de todo un pueblo.
7. El hombre del norte
2022 – Dir. Robert Eggers
Esta fue la primera apuesta de gran escala en la carrera de Robert Eggers, un director emparentado directamente con el género de terror. Sobre ella, Eric Olsen escribió para Indie Hoy: «Lo que distingue a The Northman de otras películas históricas sobre reyes y guerreros quizás sea su profundo respeto por la mitología y cosmovisión de la época que busca retratar. Incluso en sus momentos más gráficos y crudos, Eggers deja lugar para que florezca lo inexplicable».
6. 300
2006 – Dir. Zack Snyder
Esta épica resultó una verdadera novedad dentro de este tipo de cine porque toma la estética del cómic para replicarse en la pantalla y mantiene la estructura clásica de una épica antigua. Este film cuenta la epopeya del rey Leónidas al enfrentarse con su ejército de 300 espartanos a un ejército multitudinario y se trata de una pieza sangrienta, atravesada por la estética pop y fuertemente influenciada por las tendencias cinematográficas de su momento.
5. Troya
2004 – Dir. Wolfgang Petersen
Basada en el poema épico griego La Ilíada, esta película logró ser un verdadero fenómeno y un éxito de taquilla al momento de su estreno; sin embargo, no fue un film que haya trascendido ante la crítica. De todos modos, se trata de una gran apuesta en términos de producción y cine de acción, además de reunir a un elenco repleto de estrellas, como Brad Pitt, que evoca a la Época de Oro de Hollywood.
4. Ben-Hur
1959 – Dir. William Wyler
Esta obra épica de casi cuatro horas de duración está ambientada en la provincia romana de Judea y se convirtió en su momento en la película más cara de la historia; además, logró una altísima recaudación en taquilla y obtuvo 11 premios Oscar. Protagonizado por Charlton Heston, Stephen Boyd, Jack Hawkins, Hugh Griffith y Haya Harareet, el film narra la historia de dos amigos —uno judío y otro romano— que se enemistan durante los tiempos de Cristo.
3. Espartaco
1960 – Dir. Stanley Kubrick
Si de producciones grandilocuentes se trata, esta premiada obra de Stanley Kubrick es una de las fundamentales. Se trata de un film monumental que narra la historia de un gladiador que logra organizar a sus compañeros para enfrentarse a la tiranía en la Antigua Roma. En términos de drama, vestuario, acción y escala de producción, esta épica es una pieza imperdible.
2. Hércules
1997 – Dir. Ron Clements, John Musker
Esta película forma parte del Renacimiento de Disney, un periodo de renovación para el estudio que no atravesaba un gran momento desde su Época de Oro. El film fue un enorme éxito gracias a la calidad de su animación, una banda sonora exquisita y una historia fascinante ambientada en la Antigua Grecia, centrada en el mito de Hércules y su camino para convertirse en héroe y vencer a Hades. La obra combina con maestría romance, acción, comedia, números musicales y fascinantes pasajes de la mitología griega.
1. Gladiador
2000 – Dir. Ridley Scott
A pesar de que su secuela dejó un sabor agridulce entre los fanáticos, este film de Ridley Scott es una pieza imprescindible en el cine de épica histórica. Ambientada en la Antigua Roma, narra la historia de venganza de Máximo, un general que deseaba regresar a su hogar y rechazar el poder, decisión que desencadena la tragedia de su familia. Russell Crowe interpreta aquí uno de los papeles más emblemáticos de su carrera, desplegando destreza física y una gran potencia dramática.
A lo largo de las últimas décadas, distintas bandas de rock, punk, grunge y música alternativa han recurrido a la figura del perro para ilustrar sus trabajos, apelando tanto a fotografías espontáneas como a puestas en escena más elaboradas.
Blur – Parklife
Muchas veces, las portadas de los discos funcionan como un pequeño vistazo de la obra: anticipan un clima, condensan una identidad o quedan grabadas en la memoria colectiva por motivos que trascienden a la propia música.
Dentro de ese universo de imágenes memorables, los perros ocupan un lugar particular, ya sea como protagonistas absolutos de la tapa o como parte de una escena más amplia que termina definiendo el carácter visual del álbum.
A lo largo de las últimas décadas, distintas bandas de rock, punk, grunge y música alternativa han recurrido a la figura del perro para ilustrar sus trabajos, apelando tanto a fotografías espontáneas como a puestas en escena más elaboradas.
A continuación, un repaso por seis tapas de discos donde los perros son protagonistas:
The Distillers – The Distillers (2000)
Álbum debut de la banda de punk liderada por Brody Dalle, editado en el año 2000 bajo el sello Hellcat Records. El disco marcó el inicio de la carrera del grupo dentro de la escena punk rock californiana de finales de los 90 y principios de los 2000, con un sonido crudo e influenciado por el hardcore y el punk clásico.
The Distillers – The Distillers (2000)
Kate Bush – Hounds of Love (1985)
Hounds of Love es el quinto álbum de estudio de Kate Bush. La obra está estructurada en dos partes: el lado A, titulado Hounds of Love, integrado por canciones de formato pop más tradicional; y el lado B, The Ninth Wave, una suite de tintes conceptuales. Incluye el sencillo «Running Up That Hill», tema que décadas después tuvo un gran resurgimiento a partir de su inclusión en la serie Stranger Things.
Kate Bush – Hounds of Love (1985)
Blur – Parklife (1994)
Parklife es el tercer álbum de estudio de Blur y está considerado una de las piezas fundamentales del movimiento britpop de la década de 1990. El disco incluye temas emblemáticos como «Girls & Boys», «End of a Century» y la canción homónima «Parklife», que cuenta con la participación vocal del actor Phil Daniels. Su publicación consolidó a Blur como una de las agrupaciones más relevantes del panorama musical británico.
Blur – Parklife
Beck – Odelay (1996)
Odelay es el quinto álbum de estudio de Beck y contó con la producción del dúo Dust Brothers. La obra combina elementos de folk, hip hop, rock alternativo y música electrónica, y es reconocida como una de las producciones más influyentes e innovadoras del circuito alternativo de los años 90.
Beck – Odelay
Alice in Chains – Alice in Chains (1995)
Este tercer disco de estudio homónimo de la banda de Seattle es popularmente conocido como «el disco del perro de tres patas» por la fotografía de su portada. Editado en 1995, el álbum se registró en un contexto atravesado por las adicciones de sus integrantes —en particular la del vocalista Layne Staley—, lo que se tradujo en un sonido considerablemente más denso, lento y oscuro que el de sus trabajos previos dentro del grunge.
Alice in Chains – Alice in Chains (1995)
Machine Girl – U-Void Synthesizer (2020)
U-Void Synthesizer es el quinto álbum de estudio del proyecto Machine Girl. El trabajo fusiona digital hardcore, punk, grindcore, rave e industrial, e incluye colaboraciones de artistas como Guayaba, LustSickPuppy y RAFiA. Su arte de tapa responde a la línea estética del proyecto, que desde sus comienzos suele incorporar figuras e ilustraciones caninas en sus portadas.
Se cree que hay más de 2000 covers de «Yesterday», clásico de The Beatles, por lo que hoy te acercamos cuatro de los mejores.
The Beatles.
Desde su lanzamiento el 6 de agosto de 1965 como parte del álbum Help!, “Yesterday” se convirtió en uno de los hits más grandes de toda la discografía de TheBeatles. Este track sombrío y conmovedor sobre un amor perdido nació de un sueño que tuvo PaulMcCartney. “Se me cayó de la cama”, le dijo el legendario bajista a la revista Rolling Stone. “Tenía un piano junto a mi cama, y debí de soñarlo porque me caí de la cama, puse las manos sobre las teclas y tenía una melodía en la cabeza. Estaba ahí, todo completo. No podía creerlo. Salió demasiado fácil”.
En lo que respecta al apartado lírico, Paul admitió que esta canción trataba sobre la muerte de su madre, con letras como «¿Por qué tuvo que irse? No lo sé, no lo diría». El impacto que “Yesterday” tuvo en la cultura popular fue tal que hoy en día es una de las canciones más versionadas de la historia. De hecho, se cree que hay más de 2000 covers de la misma, por lo que hoy te acercamos cuatro de los mejores.
Para honrar a nuestros amigos perrunos en el Día del Perro, en Indie Hoy recorremos 10 de sus distintas inclusiones en la música.
The Beatles junto a Martha, la perra de Paul McCartney.
Lo más común a la hora de pensar en los perros es asociarlos con sentimientos de amistad, compañerismo y ternura. Tanto en la música nacional como internacional, sin embargo, se retomó esta figura con interpretaciones muy distintas: como metáfora para las relaciones humanas, como evidencia de la crueldad de la que los hombres son capaces, como una presencia molesta o como un reclamo de reivindicación.
Para honrar a nuestros amigos perrunos en el Día del Perro, en Indie Hoy recorremos 10 de sus distintas inclusiones en la música.
El Mató a un Policía Motorizado – «El perro»
Desde el lugar nostálgico que es la huella inconfundible de El Mató a Un Policía Motorizado, este single de la banda platense narra la búsqueda de un perro perdido que “se escapó con los ruidos de esta oscura fiesta infernal”. El videoclip -dirigido por Diego Cendra Woodman- acentúa incluso más la sensación de desesperación que implica perder a nuestros compañeros, pegar carteles ansiosos por la ciudad y mirar el paisaje con un fuerte anhelo de reencuentro.
Mac DeMarco – «This Old Dog»
La canción que da título al icónico disco This Old Dog, ineludible referente del indie, remite al popular dicho en inglés “un perro viejo no puede aprender nuevos trucos”. Refiriéndose no exactamente a los perros, sino como metáfora de un amor que no termina de morir ni de olvidarse, Mac DeMarco convierte el dicho que suele ser un insulto -para describir a alguien que no tiene la habilidad de cambiar- en una fortaleza, con la ternura que solo puede implicar, como el amor de los perros, la devoción que no mengua con el tiempo.
Flema – «El linyera»
Hablando de devoción eterna, no hay imagen más representativa que la que ilustra la letra de «El linyera», de Flema. La historia sigue a alguien que vive en la calle con su compañero canino, una relación tan afectuosa como la que tiene con el vino y que lo acompaña hasta el final de sus días, momento en el que la soledad no es total porque “al entierro solo fue su perro”.
The Stooges – «I Wanna Be Your Dog»
En este himno del proto punk, reaparece la figura del perro como metáfora de la sumisión en las relaciones sexuales. «I Wanna Be Your Dog» aparece como un punto de quiebre en el disco debut de Iggy Pop y The Stooges no solo en cuanto al sonido de la banda, sino también como declaración de que la masculinidad puede ser algo más que una figura dominante. La mezcla de autodesprecio y desafío que hay en la frase “quiero ser tu perro” los llevó a consagrarse como un clásico indispensable de la historia del rock.
Buenos Vampiros – «El perro»
Podemos hablar de perros desde el cariño, la fidelidad o como metáfora para las relaciones humanas sin parar, pero los Buenos Vampiros ofrecieron sin dudas un abordaje novedoso: en una canción pesadillesca, alguien se ausenta de una fiesta porque algo pasó con su perro. Si el accidente nunca se enuncia, sabemos que es algo tenebroso y oscuro en sintonía con el resto de la estética de la banda, insinuado solo por la línea que advierte que su vecino idiota “crió a una bestia malvada”.
Illuminati Hotties – «I Wanna Keep Yr Dog»
Esta canción es para quienes alguna vez tuvieron una ruptura amorosa difícil con su mascota. Con guitarras alegres, una sensibilidad pop y un tono cómico y superado, la cantante Sarah Tudzin cuenta la historia de alguien por quien siente muy poco, alguien a quien no va a extrañar tanto como a su perro, e incluso se toma el atrevimiento de pedir su tutela.
Juana Molina – «El perro»
Por muy adorables que puedan ser los perros, también pueden ser cansadores. Así aparece otro perro de vecino que ladra por la ventana y no para, no para. Juana Molina suplica “¡Calle ya a ese perro, no lo aguanto, se lo ruego!”, mientras trama su venganza, con un manejo tan preciso y sutil de los sintetizadores que jamás delata el tópico furioso de la canción.
The Beatles – «Martha My Dear»
Si todos amamos a nuestras mascotas, The Beatles son conocidos por haber llevado este amor al nivel de la obsesión. Muchos pensaron que McCartney hablaba de un romance humano en la canción «Martha My Dear», novena del álbum blanco, pero en realidad le dedicó a su pastora alemana, con quien estaban “hechos el uno para el otro”.
Ska-P – «Insensibilidad»
La banda española Ska-P denunció todo lo denunciable en el mundo, y no se salteó el tema de los animales: también ellos son “víctimas mortales de unas mentes que no tienen sensibilidad”. Hablando del especismo tácito de tratar a los perros como mascotas que se pueden usar y tirar, que son separados de sus madres para exhibirlos en una vitrina de cristal, que mueren bajo las ruedas de un camión o son explotados en peleas clandestinas para los ojos de unos espectadores sin piedad, Ska-P creó un himno para saltar y gritar con la furia visceral que aparece como un destello cegador en los reclamos de justicia.
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – «Mi perro dinamita»
Además de perros fieles, perros molestos y perros maltratados por insensibles, hay perros del rock: el de Los Redondos en «Mi perro dinamita» es un perro que no mueve la cola ni da la patita. Interpretaciones por parte de los fanáticos hay miles: que el perro representa a la policía, que el perro es el público, que el perro representa a una figura cliché o careta de algunos rockeros que impostan su identidad ladrando a lo loco. Lo que es seguro es que no es un perro como cualquier otro, es más bien todo lo contrario a los demás: oponiéndose a todos los rasgos clásicos del “perro compañero”, estamos ante un animal rebelde, fiel a la esencia de los ricoteros.
Si estás viendo la novena temporada de Rick and Morty y ya estás pensando en qué otras series similares puedes encontrar en la plataforma, a continuación te ahorramos el trabajo y te recomendamos cuatro producciones animadas.
Rick & Morty. & Me
Si estás viendo la novena temporada de Rick and Morty y ya estás pensando en qué otras series similares podés encontrar en la plataforma, a continuación te ahorramos el trabajo y te recomendamos cuatro producciones animadas que podés ver.
The Venture Bros.
Episodios: 84.
Origen: Estados Unidos.
Cuenta las aventuras y desventuras de dos adolescentes, Hank Venture y Dean Venture: su «súper científico» padre, Thaddeus «Rusty» Venture; y el guardaespaldas de la familia, el agente del gobierno Brock Samson. La serie homenajea y parodia el estilo de las viejas series de acción de Hanna-Barbera, especialmente Jonny Quest.
Un show más: Las cintas perdidas
Episodios: 9.
Origen: Estados Unidos.
Mordecai y Rigby son los amigos que trabajan y viven en un parque local. De alguna manera, sus trabajos mundanos siempre se convierten en un caos surrealista, para disgusto de su jefe y sus compañeros. Desde colarse en el luau de un amigo hasta buscar el lugar más dulce para echarse una siesta, evitar el trabajo se convierte rápidamente en frustrar desastres surrealistas… de la forma más divertida y entretenida.
Smiling Friends
Episodios: 27.
Origen: Estados Unidos.
Las vivencias de los empleados de una empresa que se dedica a hacer felices a los demás, en un bizarro pero colorido mundo.
Efectos colaterales
Episodios: 10.
Origen: Estados Unidos.
Marshall y Frances, excompañeros de laboratorio, revelan una conspiración en la que están implicadas las grandes farmacéuticas y el gobierno para extraer un hongo que podría contener la solución para curar todas las enfermedades del mundo.
La psicodelia irrumpió en la música popular a mediados de los años 60 como una respuesta directa a los cambios culturales, sociales y químicos de la época.
Pink Floyd
La psicodeliairrumpió en la música popular a mediados de los años 60 como una respuesta directa a los cambios culturales, sociales y químicos de la época. Bandas que hasta entonces se movían dentro de estructuras convencionales, empezaron a experimentar con nuevas texturas sonoras, efectos de estudio y la incorporación de elementos electrónicos, con intención de trasladar a la música las sensaciones asociadas al consumo de sustancias como el LSD.
Esto no se limitó a un estilo o una escena en particular, sino que tuvo epicentros tanto en Londres como en San Francisco, y encontró en el estudio de grabación una herramienta tan importante como los propios instrumentos. De esa etapa surgieron discos y canciones que redefinieron los límites del rock y sentaron las bases de géneros que vendrían después.
5 canciones fundamentales de la psicodelia.
The Beatles – «Strawberry Fields Forever»
Editada como single doble junto a «Penny Lane» en febrero de 1967, «Strawberry Fields Forever» marcó un quiebre en la producción de The Beatles. Compuesta por John Lennon, la canción combinó dos tomas grabadas en tonalidades y tempos distintos, unidas mediante manipulación de velocidad de cinta, además de mellotron, instrumentos de viento y cuerdas procesadas.
Pink Floyd – «Echoes»
Incluida en el álbum Meddle (1971), «Echoes» es una composición de más de 23 minutos que ocupa la totalidad del lado B del disco. Construida a partir de un característico sonido de submarino generado con un piano procesado a través de un amplificador Leslie, la pieza atraviesa múltiples secciones instrumentales y vocales, y es considerada un punto de inflexión hacia el rock progresivo dentro de la obra de la banda.
The Jimi Hendrix Experience – «Are You Experienced»
Publicado en 1967, el single homónimo del disco debut de The Jimi Hendrix Experience redefinió el uso de la guitarra eléctrica dentro del rock psicodélico. A través de efectos como el wah-wah, el fuzz y la grabación en reversa, Hendrix construyó un lenguaje sonoro propio que combinaba virtuosismo instrumental con exploración de texturas.
Jefferson Airplane – «White Rabbit»
Lanzada en 1967 dentro del álbum Surrealistic Pillow, «White Rabbit» fue escrita por Grace Slick y se convirtió en uno de los himnos de la contracultura de San Francisco. La canción, estructurada sobre un crescendo constante inspirado en el bolero, utiliza imágenes de Alicia en el país de las maravillas como metáfora de la experiencia psicodélica.
Tame Impala – «Let It Happen»
Publicada en 2015 como corte de apertura de Currents, «Let It Happen» representa la actualización de la psicodelia a través del ojo y las manos de Kevin Parker, líder de Tame Impala. La canción, de más de siete minutos de duración, cuenta con sintetizadores, samples y efectos de glitch con una base rítmica bailable, trasladando la tradición psicodélica de los años 60 al lenguaje de la producción electrónica moderna.
De Bruce Springsteen a Paul McCartney, repasamos cinco discos cuyas portadas muestran personas de espaldas.
Bruce Springsteen – Born in the USA (1984)
Muchas bandas y artistas eligen aparecer en las portadas de sus álbumes como una forma de vincular su identidad con la del disco o, simplemente, de darse a conocer. Sin embargo, otros optan por alternativas menos convencionales, como aparecer de espaldas, una decisión claramente contestataria. A continuación,
5 discos cuyas portadas muestran personas de espaldas.
Paul McCartney – Back in the U.S. (2002)
Este álbum en vivo es uno de los más destacados de la carrera del ex Beatle. En la portada puede verse a Paul McCartney de espaldas, haciendo la seña de «OK» con la mano mientras sostiene una bandera estadounidense. El disco recopila actuaciones en distintas ciudades de Estados Unidos e incluye versiones en vivo de grandes éxitos de The Beatles y de su carrera solista.
Paul McCartney – Back in the U.S.
Sublime – Sublime (1996)
El tercer disco de la banda de ska punk es uno de los más populares y, en parte, se debe a lo icónico de su portada. En ella se ve al cantante Bradley Nowell de espaldas, luciendo un tatuaje con letras góticas en el que se lee el nombre del grupo. El diseño fue obra de Opie Ortiz, quien ya había colaborado con la banda realizando distintos logos.
Sublime – Sublime
Bruce Springsteen – Born in the USA (1984)
Esta es una de las portadas más icónicas de la historia y fue obra de la fotógrafa de Rolling Stone, Annie Leibovitz. La imagen muestra a Bruce Springsteen de espaldas, vestido de rojo, blanco y azul, frente a un telón de fondo con franjas de la bandera estadounidense.
Además, hay una historia conmovedora detrás de la gorra que asoma del bolsillo trasero de Springsteen. Pertenecía al padre de Lance Larson, amigo de Bruce, y, tras su fallecimiento, Larson se la entregó al músico. The Boss decidió incluirla en la portada del disco como homenaje, después de prometerle a su amigo que su padre estaría presente hasta el final del proyecto.
Bruce Springsteen – Born in the USA
Foo Fighters – There is Nothing Left to Lose (1999)
Este es uno disco clave dentro de la discografía de la banda y, desde la simpleza, su portada también contribuyó a su popularidad. En la misma vemos una foto en blanco y negro que retrata la nuca de una persona -aparentemente Dave Grohl- que lleva un tatuaje del logo de la banda. Se trata de una fotografía que tiene un tratamiento retro que le da un look rockero y despojado.
Foo Fighters – There is Nothing Left to Lose
Echo and the Bunnymen – Heaven Up Here (1981)
Para su segundo disco, la banda de post-punk optó por una imagen que representara el frío y la melancolía que caracterizan a sus canciones. La fotografía fue tomada por Brian Griffin en la costa de Gales durante la grabación del álbum y muestra a los cuatro integrantes del grupo abrigados, de espaldas y mirando hacia el horizonte mientras el sol se pone, las pequeñas olas llegan hasta ellos y las gaviotas invaden el cielo.
Hoy se celebra el Día Mundial del Rock y repasamos la historia del show que le dio origen.
Freddie Mercury de Queen en el show en Live Aid
Hoy se celebra el Día Mundial del Rock en homenaje al famoso recital Live Aid, realizado hace exactamente 41 años a beneficio de países africanos como Somalia y Etiopía, ya que por entonces estaban atravesando una delicada crisis de hambruna. Dicho concierto todavía es recordado como el más masivo de la historia, pues se llevó a cabo en dos sedes de manera simultánea: el estadio Wembley de Londres (Inglaterra) y el estadio John F. Kennedy de Filadelfia (Estados Unidos).
En total, esa jornada tuvo una audiencia de 3 mil millones de espectadores y 16 horas de transmisión ininterrumpida a más de 72 países. El organizador de este recital fue Bob Geldof, cantante y compositor irlandés que consiguió reunir a artistas que estaban en el pico de su popularidad como Queen, Madonna, Paul McCartney, Elton John, Bob Dylan, Led Zeppelin, Mick Jagger, Tina Turner y Eric Clapton, entre muchos otros.
En vista de la preocupante situación que se vivía en el denominado «Cuerno de África», donde no era posible siquiera conseguir agua potable, Geldof fundó el movimiento Band Aid Trust con la finalidad de recaudar recursos para ayudar a sus habitantes. Aunque inicialmente pensó que no muchos se sumarían a esa propuesta, finalmente consiguió que se sumaran 50 artistas de primera línea.
Asimismo, dentro de los asistentes a esa jornada se encontraron figuras de la talla de Lady Diana y el Príncipe Carlos, quienes por entonces llevaban apenas tres años de casados. El Live Aid se convirtió en un recital tan mítico que inspiró años más tarde muchas iniciativas similares que se pusieron en marcha para colaborar con diferentes causas solidarias en todo el mundo.
Una de ellas fue la que lideró Michael Jackson tras escribir el tema «We Are The World», y otra el «Concierto para la ciudad de Nueva York» que realizó McCartney junto a muchos colegas para homenajear a las víctimas y los rescatistas del ataque a las torres gemelas en 2001.