La Radio del Coach de la Birra #YConCervezaEsMejor

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Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

¿Queres volver a ver MTV? Un sitio web y app recuperan el encanto del canal de videos musicales.

Con una mezcla de nostalgia y pasión geek, un fanático creó la página a partir de una biblioteca digital de 40.000 videoclips, agrupados según el título de icónicos programas como “Unplugged” o “120 minutos”

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Como muchos que crecieron devorando videos musicales en MTV, FlexasaurusRex — el seudónimo online de un autodenominado “creador conceptual”— se estremeció cuando leyó los informes a finales del año pasado que decían que la cadena podría dejar de transmitir. “Tuve esa sensación nostálgica de que algo se iba y no merecía morir”, dijo.

Esos rumores resultaron prematuros: aunque la cadena canceló un montón de sus canales musicales globales, el canal principal, junto con derivados musicales como MTV Classic, aún permanecen en Estados Unidos. Pero Flex (como se hace llamar) ya había decidido un plan para mantener encendidas las luces de la vieja MTV. El 3 de enero lanzó uno de los proyectos más fanáticos de Internet: MTV Rewind, un archivo no oficial en formato de sitio web y aplicación que busca recrear la experiencia de tomar un control remoto, cambiar de canal y ver y escuchar música, no los realities que ahora la dominan.

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MTV Rewind es una plataformaMTV Rewind es una plataforma no oficial que revive la experiencia original de la cadena MTV con videos musicales clásicos

Organizados por época o género, cada uno de la docena de canales de MTV Rewind emite un flujo incesante de clips que te transportan a los días del hair metal y el heartland rock (los años 80) o el grunge y el goth (los años 90). Canales bautizados con nombres de los programas emblemáticos de la cadena, como Headbangers Ball, Yo! MTV Raps o Club MTV, recuperan videos musicales de metal, hip-hop y dance. ¿Te gusta e ver algunos videos de Catherine Wheel o Mercury Rev? Te espera una recreación de 120 Minutes, el foro alternativo de la cadena. Para aportar un sabor de época adicional, Flex intercaló anuncios de productos.

MTV Rewind ofrece más deMTV Rewind ofrece más de 40,000 videoclips musicales organizados por épocas y géneros

Después de que Flex publicara un enlace en Reddit, el sitio recibió más de 500.000 visitas en las primeras horas, según dijo en una entrevista en video. Las redes sociales se convirtieron en un hervidero de elogios, y Les Garland, uno de los fundadores de MTV, le envió una nota de felicitación. Hasta esta semana, según Flex, la página ha acumulado 1,2 millones de visitas. “No me di cuenta de cuánto resonaría esto con la gente y ese sentido de pérdida”, dijo. “Ni siquiera creo que las personas supieran que lo estaban extrañando.” (Paramount, propietaria de MTV, no respondió a una solicitud de comentarios).

“La calidad de los videos es buena, y tiene una de esas cosas que era grandiosa en la radio y en la MTV de antes: el elemento sorpresa”, dijo el V.J. original de MTV, Mark Goodman, quien volvió a disfrutar de “Weapon of Choice” de Fatboy Slim mientras navegaba por el sitio. (A Goodman le decepcionó la ausencia de las entradas vintage de V.J.s como él —“la radio y los canales de videos musicales son mejores con un curador”—, pero Flex dijo que está dispuesto a incluir ese tipo de material en el futuro).

En cuanto al misterioso Flex, es, en sus palabras, un ex “vendedor de gemas y minerales” de Eugene, Oregón, llamado Louis. (Rehusó dar su apellido: “Prefiero mantener esto separado de mi trabajo”). Ahora tiene 43 años; nació un año después del arribo de MTV. “Crecí en un pueblo maderero, así que pasaba muchas noches largas con la MTV de fondo”, dijo. “Era como una manta de seguridad.”

Cuando llegó el Covid, Flex dijo que se introdujo en el ámbito de las artes digitales y los medios, y ahora se describe como “creador conceptual con habilidades de codificación”. Desde hace dos meses, vive en Albania, “buscando trabajos a medida que surgen y haciendo diseño web”. Por ahora, el sitio es gratuito y no tiene publicidad, pero Flex pide donaciones de 5 a 50 dólares para pagar el servidor y “mantener mi adicción al café albanés”.

.El lanzamiento de MTV RewindEl lanzamiento de MTV Rewind acumula más de 1,2 millones de visitas en tan solo 10 días

Una vez decidido a arrancar con su proyecto obsesivo, Flex se sumergió en la Internet Music Video Database, un sitio que ordena créditos, fechas de lanzamiento y otros datos de 95.000 videoclips musicales que datan desde los años 60. “Me di cuenta de que existía un enorme archivo de videos antiguos, y muchos de ellos están comenzando a desaparecer por completo”, dijo. El primer día, MTV Rewind presumía de unos 3.000 clips extraídos de YouTube. Desde entonces, esa cifra ha aumentado a unos 40.000, con cada canal albergando entre 400 y 6.000 videos.

En el camino, Flex ha descubierto videos de Serge Gainsbourg (“es el Tom Waits francés”) y actualmente está volviendo a ver el MTV Unplugged de R.E.M. de 1991 en el canal dedicado a presentaciones acústicas de rock. Al agregar material a un canal inspirado en Total Request Live, también observó cómo el rock comenzó a perder presencia en este siglo. “Muchos videos de Justin Timberlake y Jewel”, comentó. “Se ve esa transición abrupta — ya no había rock.”

Flex admite el componente de nostalgia generacional de su creación, pero también cree que es una alternativa necesaria frente a las listas de reproducción actuales generadas por algoritmos. “Podrías ponerlo y seguiría corriendo durante seis meses sin ver la misma canción dos veces”, dijo. “No hay ningún misterio detrás de Spotify en la manera en que mercantiliza la música. Solo buscan maneras de canalizar los intereses de las personas.”

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Otro atractivo de MTV Rewind podría estar en su pureza: una vuelta a una época con redes sociales menos saturadas. “Los videoclips ahora son contenidos de formato largo”, dijo Doug Klinger, cofundador de la Internet Music Video Database. “Está claro que la gente anhela poder ver cosas sin recibir porquería generada por inteligencia artificial. Es nostalgia de hace 30 años —pero también de hace 10.”

Ahora Flex está pensando en un canal dedicado a la música latina tras notar que personas de América Latina visitaban su sitio. Añadir más clips no será problema: ahora que ha dominado la parte técnica, puede subir decenas de miles de videos en un cuarto de hora. “Mucha gente me ha dicho: ‘Puedo mostrarle a mis hijos qué era esto y por qué significaba algo’”, afirmó. “El trabajo no está terminado.”

Fuente: The New York Times

The Beatles: 5 curiosidades de Yellow Submarine a 57 años de su lanzamiento

5 curiosidades que explican por qué Yellow Submarine sigue siendo un objeto de culto y debate entre fans y críticos.

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The Beatles: 5 curiosidades de Yellow Submarine a 57 años de su lanzamiento

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El 13 de enero, se cumplen 57 años del lanzamiento de Yellow Submarine en los Estados Unidos, el undécimo álbum de estudio de The Beatles (publicado en el Reino Unido cuatro días después, el 17 de enero de 1969) y concebido como la banda sonora de la película animada homónima, estrenada en Londres en junio de 1968.

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A simple vista puede parecer un disco menor dentro del catálogo impoluto de los Fab Four, pero su historia guarda giros y detalles que lo vuelven extraordinario: desde la combinación de material nuevo y antiguo, pasando por el trabajo orquestal de George Martin, hasta una recepción crítica fría, aunque acompañada por el cariño sostenido del público.

Si bien el LP incluye apenas seis canciones de la banda en la cara A -entre ellas dos hits ya conocidos, «Yellow Submarine» y «All You Need Is Love»-, la cara B está ocupada por la exuberante partitura compuesta y arreglada por Martin para la película homónima.

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The Beatles
                                                                          The Beatles.

El proyecto, en buena medida fruto de una obligación contractual, reunió composiciones escritas para la banda sonora y piezas rechazadas o sobrantes de sesiones previas. El resultado fue un producto amable y llamativo que llegó al top 5 tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos y que, con los años, volvió a circular en múltiples reediciones, tanto en CD como en formatos digitales.

cinco curiosidades que explican por qué Yellow Submarine sigue siendo un objeto de culto y debate entre fans y críticos.

1. Canciones que venían de antes

Aunque el disco salió en 1969, buena parte de su repertorio no fue grabado desde cero para la película. «Yellow Submarine» ya figuraba en Revolver (1966) y «All You Need Is Love» fue un single lanzado de forma global en junio de 1967 (más tarde incluida en la versión americana de Magical Mystery Tour). Otras piezas, como «Only a Northern Song» y la extensa «It’s All Too Much», venían de sesiones anteriores vinculadas a Sgt. Pepper. De hecho, la incluida en Yellow Submarine es una versión acotada de una toma que originalmente duró cerca de ocho minutos.

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2. George Martin en estado orquestal

La segunda cara del LP no contiene canciones de The Beatles sino la banda sonora instrumental compuesta y orquestada por George Martin para la película. Martin convocó una orquesta de 41 músicos para algunas piezas. En la edición estadounidense, dos cortes se registraron como un medley, lo que redujo el conteo de pistas en la cara B. El trabajo orquestal fue, dicho sea de paso, lo más elogiado por la crítica en un disco que el resto del tiempo fue considerado como menor dentro de la discografía de la banda.

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3. «Across the Universe» casi forma parte del disco

En los planes iniciales, Yellow Submarine llegó a barajar diferentes formatos: hubo quien propuso incluso convertirlo en un EP de cinco temas que incluyera «Across the Universe». Finalmente esa canción fue descartada de última hora y terminó apareciendo dos años después en Let It Be (1970), lo que muestra cómo, en la era beatle, el destino de una canción podía cambiar de disco en disco según las necesidades del proyecto cinematográfico o discográfico.

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4. «Hey Bulldog» y «All Together Now»: ¿Compuestas para la película?

Algunas piezas de la cara A sí parecen haber sido compuestas especialmente para el film, entre ellas «All Together Now» y «Hey Bulldog» (esta última registrada en febrero de 1968). Sin embargo, hay versiones opuestas. John Lennon llegó a negar que «Hey Bulldog» fuera escrita ad hoc, ya que la grabación se produjo en un contexto de filmación y promoción más amplio (la banda la registró, entre otras cosas, mientras rodaba material promocional). Lo mismo para el caso de «All Together Now». Esta mixtura de motivos creativos y circunstanciales es parte del encanto y la rareza del disco.

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5. Cameos y una portada inolvidable

Aunque la fórmula del disco fue cuestionada por algunos críticos, su publicación quedó asociada a momentos culturales bastante peculiares y precisos: la retransmisión vía satélite de «All You Need Is Love» contó con los coros y apariciones de figuras como Mick Jagger, Marianne Faithfull, Donovan, Eric Clapton y Keith Moon. Además, la estética del disco fue confiada al ilustrador Heinz Edelmann, cuya portada y contraportada aportaron la dimensión visual psicodélica que la película exigía.

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Las 10 mejores canciones sobre la radio

De Queen a Emmanuel Horvilleur, a continuación repasamos 10 canciones que hablan sobre la radio y/o la utilizan de manera metafórica.

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La radio fue uno de los principales medios de entretenimiento y difusión musical en el siglo XX. Hoy convive con múltiples formatos, pero aún mantiene una impronta irremplazable; tal vez por eso cientos de músicos han escrito canciones sobre ella. A continuación, 10 canciones que hablan sobre la radio y/o la utilizan de manera metafórica.

10. Ramones – «Do You Remember Rock and Roll Radio?»

Este tema se corre del estilo punk clásico de Ramones, ya que incluye diversos instrumentos gracias a la producción de Phil Spector. En lo que respecta a la letra, habla con nostalgia de las épocas en las que la radio tuvo un rol fundamental en la difusión del rock and roll.

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9. Los Fabulosos Cadillacs – «Radio Kriminal»

Con una estética reggae, la banda comandada por Vicentico utiliza la radio como metáfora del enfrentamiento entre la policía y las clases populares. Se trata de una canción de protesta sobre la exhibición de lo que se considera criminal y la situación de Sudamérica en los años 90.

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8. Steely Dan – «FM (No Static at All)»

En clave de crítica, Steely Dan habló de la tendencia de las radios en los 70 de seleccionar contenido orientado a los formatos de discos de rock. De hecho, esta canción nació por encargo para la película FM, con la condición de que tratara sobre este tipo de emisoras.

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7. Bruce Springsteen – «Radio Nowhere»

Este tema ganó dos premios Grammy y, a pesar de que Bruce Springsteen alcanzó gran parte de su fama gracias a la difusión radial, para la época de los 2000 se encontró criticando la homogeneidad de las transmisiones y las decisiones puramente comerciales.

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6. Regina Spektor – «On the Radio»

En este tema en el que brillan principalmente piano y voz, la cantante hace un guiño a Guns N’ Roses al decir: «En la radio escuchamos ‘November Rain'». Así, cuenta una historia de amor que está cruzada por la música.

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5. The Buggles – «Video Killed the Radio Star»

Este fue el primer videoclip emitido por la cadena televisiva MTV y, paradójicamente, la letra habla con nostalgia de los tiempos pasados. La canción se centra en cómo los avances tecnológicos impactaron en la difusión de la música y en las experiencias de los oyentes, especialmente con la llegada del videoclip y el desplazamiento de la radio.

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4. Emmanuel Horvilleur – «Radios»

Uno de los mayores hits de la carrera solista de Emmanuel Horvilleur, en el que habla de las «radios modernas» y de la música pegadiza que hace bailar al público y lo transporta a través del poder del sonido. A tono con la letra, este tema es una pieza de pop electrónico a la que es imposible resistirse en una pista de baile.

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3. ZZ Top – «Heard It on the X»

Como otras canciones de esta lista, el tema de ZZ Top habla con nostalgia de la radio que llevó a muchos músicos a encontrarse por primera vez con las músicas que marcarían su carrera. En este caso, hacen referencia y homenaje a las emisoras de radio «Border Blaster» de México.

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2. Rage Against the Machine – «Guerrilla Radio»

El tema ganador del premio Grammy a «Mejor performance de hard rock» es, como muchos de la banda, de contenido político. Específicamente, hace referencia al clima que se vivía en Estados Unidos durante la elección que enfrentó a George W. Bush y Al Gore, y al rol que tuvieron los medios para moldear sus campañas.

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1. Queen – «Radio Ga Ga»

Cuando hablamos de canciones que mencionan a la radio, Queen se lleva sin dudas el primer puesto gracias a uno de los mayores hits de su carrera. De hecho, Lady Gaga tomó su nombre de este tema. En la letra hacen referencia al advenimiento de MTV y a la cultura juvenil, por eso incitan a volver a las radios con el estribillo: «Todo lo que escuchamos en radio Ga Ga».

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Un perro ganó un premio a Mejor actuación y dejó atrás a grandes estrellas de Hollywood

El perro de Good Boy, hizo historia al ganar un premio de actuación.

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El año pasado llegó a los cines Good Boy, una película de terror narrada desde el punto de vista de un perro que se muda con su dueño a una casa en el campo y descubre fuerzas sobrenaturales que acechan en las sombras. En los últimos días, la película volvió a estar en boca de todos porque Indy, el animal protagonista, se llevó un premio.

Indy se consagró en los Astra Awards 2026, donde ganó como Mejor actuación en una película de horror o thriller, una categoría en la que sus competidores eran, por supuesto, humanos. El perro le arrebató el galardón a actores de renombre como Ethan Hawke -nominado por Teléfono negro 2-, Alison Brie -por Together-, Sally Hawkins -por Haz que regrese-, Sophie Thatcher -por Compañera perfecta– y Alfie Williams -por 28 Years Later-.

Ben Leonberg, dueño del perro y director de la película, aceptó el premio a través de un video. “En nombre de Indy, estamos profundamente agradecidos y emocionados de ser reconocidos por su trabajo en una película en la que él no entiende del todo que participó”, expresó. “Este premio y este increíble grupo de nominados reflejan la libertad que el terror les da a los intérpretes y, en nuestro caso, a los entrenadores, para jugar, experimentar y empujar los límites creativos”.

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15 canciones para entender de qué se trata el glam rock

El glam rock nació a principios de los 70 en Reino Unido, con artistas como Marc Bolan y David Bowie.

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El glam rock nació a principios de los 70 en Reino Unido, con artistas como Marc Bolan y David Bowie llevando la música y la imagen a un nuevo nivel de teatralidad y extravagancia. Su sonido combinado de rock, pop y un estilo visual muy particular rompió esquemas y ayudó al género a convertirse en una contracultura influyente.

Con el tiempo, este estilo evolucionó y se entrelazó con el hair metal de los 80 y el rock más visual y extravagante de los 90. Sin embargo, el glam rock supo atravesar esas épocas y, aunque con mucho menos fuerza que la que tenía en los 70, logró sobrevivir hasta la actualidad.

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15 canciones para entender el glam rock: David Bowie / Mötley Crüe / T Rex (Marc Bolan)

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Queremos invitarte a un viaje en el que vamos a repasar las 15 mejores canciones de glam rock de todos los tiempos.

15. Warrant – “Cherry Pie”

Del álbum Cherry Pie (1990), producido por Beau Hill. Es un himno de glam metal que fue escrito espontáneamente por Jani Lane en una servilleta y alcanzó el Top 10 en EE.UU.

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14. Mötley Crüe – “Kickstart My Heart”

Incluida en Dr. Feelgood (1989), bajo producción de Bob Rock. La canción habla del despertar a la vida tras la sobredosis de Nikki Sixx. Sus riffs veloces y su energía hicieron que el álbum alcanzara el número 1.

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13. Def Leppard – “Pour Some Sugar on Me”

De Hysteria (1987), coronado por el productor Mutt Lange. Con un estribillo pegadizo, alcanzó el número 2 en Billboard y se convirtió en un clásico de los 80.

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12. Def Leppard – “Photograph”

Del álbum Pyromania (1983), también producido por Mutt Lange. Un tema que mezcló melodías potentes con guitarras afiladas, consolidando su sonido glam-metal.

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11. Alice Cooper – “School’s Out”

Tema principal de School’s Out (1972), producido por el propio Alice Cooper. Rebelde e icónico, alcanzó el primer puesto en Reino Unido y se transformó en un himno para los chicos que terminan el ciclo escolar.

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10. Kiss – “Strutter”

Incluida en Kiss (1974), con producción de Kenny Kerner y Richie Wise. Aunque no fue single, es una de sus canciones más reconocibles en vivo, con riffs que mezclan glam y hard rock.

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9. Mott the Hoople – “All the Young Dudes”

Compuesta y producida por David Bowie para el disco All the Young Dudes (1972). Un himno generacional que salvó a la banda y aún hoy es referente del género.

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8. T. Rex – “Hot Love”

Lanzada en Electric Warrior (1971) y producida por Tony Visconti. Fue el primer gran hit de Marc Bolan, con ritmo pegadizo y estilo glam desde el arranque.

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7. David Bowie – “Suffragette City”

Del disco Ziggy Stardust (1972), de producción íntegramente de Bowie. Con actitud punk-rock y energía cruda, es uno de los momentos más potentes de su era glam.

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6. David Bowie – “Life on Mars?”

Incluida en Hunky Dory (1971), también producida por el Duque Blanco. Una balada llena de arreglos, surrealista y uno de los grandes momentos creativos del género.

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5. Sweet – “Ballroom Blitz”

De Desolation Boulevard (1974), con producción de Chinn/Chapman, este tema explosivo cuenta con golpes de batería y vocales en falsete que quedaron para la historia.

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4. Roxy Music – “Virginia Plain”

Simplemente el single debut del grupo (1972), producido por Bryan Ferry. Continúa siendo uno de los temas más distintivos del artpop glam.

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3. T. Rex – “Get It On (Bang a Gong)”

Incluida en Electric Warrior (1971), producida por Tony Visconti. Grabada en parte en Estados Unidos y parte en Londres, con Rick Wakeman en piano. Llegó al primer puesto en el Reino Unido y al décimo en EE.UU.

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2. T. Rex – “20th Century Boy”

Single lanzado en 1973 y producido por Visconti. Grabada en Tokio, la letra menciona frases de Muhammad Ali. Alcanzó el número 3 en el Reino Unido y se transformó en uno de los temas más influyentes de Bolan.

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1. David Bowie – “Ziggy Stardust”

De The Rise & Fall of Ziggy Stardust (1972), disco producido por el propio Bowie. Cuenta la historia de un rockstar ficticio y resume todo lo que el glam significa: estilo, drama y actitud.

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Álvaro Segura Presenta su disco debut “Así Lo Veo Yo”

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Álvaro Segura es un guitarrista, compositor y creador venezolano cuya obra ha acompañado a varias generaciones dentro del rock alternativo. Tras una etapa marcada por su participación en Zapato3 -proyecto emblemático de amplia trayectoria en escenarios nacionales e internacionales- hoy transita un camino completamente propio, guiado por una visión artística más íntima, madura y experimental.*

Su sonido combina la crudeza del rock con una sensibilidad cinematográfica: guitarras que van de lo atmosférico a lo abrasivo, letras cargadas de simbolismo y arreglos que exploran la tensión entre lo delicado y lo perturbador. Su universo creativo bebe de influencias que van del surrealismo a la estética visual contemporánea, integrando capas sonoras y conceptuales que revelan un artista que piensa la música más allá del formato tradicional.

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A lo largo de su carrera ha colaborado con destacados músicos, productores e ingenieros, construyendo un sonido propio que se reconoce por su profundidad emocional y su identidad estética. Su búsqueda actual está marcada por la libertad creativa absoluta: un espacio donde puede desdoblarse como guitarrista, compositor y narrador de historias internas, sin ataduras estilísticas ni expectativas ajenas.

Más que una reinvención, esta etapa representa para Segura un regreso a su esencia: un acto de honestidad artística donde la experiencia, la técnica y la vulnerabilidad convergen para dar forma a una obra personal, intensa y en constante evolución.

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El álbum incorpora colaboraciones que amplifican su identidad y amplían su espectro sonoro, destacando la participación de Reis (Candy66) en voz y synth y de Didi Gutman en los teclados del tema “Osita De Peluche” lazando como primer single junto a un video; mientras que Tóxic Tito suma segundas voces en “Lobo Solitario”. Además, el disco incursiona en el rap con Bostas Brain y Tony Blaze (CityMonks) en “Respuestas”. Esta diversidad de invitados refuerza la naturaleza híbrida del proyecto y enlaza distintas generaciones de la música alternativa venezolana.

El álbum fue producido entre Texas, Estados Unidos y Caracas, Venezuela por Víctor Hugo Mendoza y Álvaro Segura, mezclado en New York, EEUU, por el reconocido ingeniero venezolano Héctor Castillo, y masterizado en Caracas, Venezuela por DBMix Studios. Un regreso cargado de significado.

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“Así Lo Veo Yo” se encuentra disponble en las plataformas de streaming y también en formato fisico vinilo. 

Para conocer más de Álvaro Segura pueden visitar:
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10 bandas de rock históricas que se mantienen activas en 2026

Todavía existe un puñado de bandas que no solo resisten sino que siguen girando, grabando o celebrando su propia carrera.

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Comenzó el 2026 muy bien atraparon a Maduro!! y, contra todo pronóstico, hay varias bandas de rock icónicas que, a su manera, se mantienen vigentes y tocando a pesar del paso de los años. Mientras muchas agrupaciones de antaño ya se retiraron, separaron o redujeron su actividad, todavía existe un puñado de bandas que no solo resisten sino que siguen girando, grabando o celebrando su propia carrera.

Algunas pueden haber cambiado integrantes y otras reinterpretado su legado con nuevas formaciones, pero todas comparten algo esencial y es que siguen activas en la actualidad, dando shows, tocando y con una historia que continúa escribiéndose.

10 bandas de rock longevas que siguen activas al día de hoy.

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1. The Rolling Stones (1962 – presente)

Formados en 1962, los Rolling Stones no solo son una de las bandas más longevas que siguen en actividad en 2026, sino también una de las más influyentes de la historia del rock. Con Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood todavía al frente, el grupo sigue revalidando su condición de institución cultural global. Aunque recientemente la banda descartó salir de gira este año, es imposible negar su impacto y vigencia.

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2. Lynyrd Skynyrd (1964 – presente)

Pioneros del rock sureño, Lynyrd Skynyrd dio sus primeros pasos en 1964 y sigue en pie más de 60 años después. A pesar de las tragedias que la atravesaron y sus cambios de formación, su música sigue viva en giras como la «Double Trouble Vision Tour» compartida con Foreigner, programada para julio y agosto de 2026.

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3. Scorpions (1965 – presente)

Los veteranos del hard rock alemán siguen girando más de 50 años después de su fundación. Scorpions celebran décadas de éxitos con shows contundentes que combinan clásicos, incluyendo residencias y giras internacionales.

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4. Deep Purple (1968 – presente)

Formada en Hertford, Inglaterra, en 1968, Deep Purple es una de las bandas clave en el nacimiento del hard rock y el heavy metal. A más de cinco décadas de su debut, el grupo continúa activo en 2026, con giras internacionales y nuevos lanzamientos que confirman una vigencia poco común.

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5. Judas Priest (1969 – presente)

Sin duda alguna, Judas Priest es una de las columnas vertebrales del heavy metal. Con más de cinco décadas de carrera, la banda no solo sigue en actividad en 2026, sino que continúa girando y editando material nuevo, sosteniendo una identidad sonora que ayudó a definir el género.

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6. AC/DC (1973 – presente)

Formada en Sídney en 1973 por los hermanos Malcolm y Angus Young, AC/DC sigue siendo una fuerza irrefrenable. A más de 50 años de su nacimiento, la banda australiana mantiene su vigencia con giras masivas y un repertorio que funciona como un manual definitivo del hard rock.

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7. Iron Maiden (1975 – presente)

Desde 1975, Iron Maiden fue sinónimo de heavy metal de alto calibre. La icónica banda británica continúa con su «Run For Your Lives World Tour», con el que llegarán a la Argentina los días 20 y 21 de octubre con dos shows progrmados en el Estadio de Huracán.

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8. Foreigner (1976 – presente)

Los creadores de himnos del rock melódico como «I Want to Know What Love Is» siguen activos 50 años después de su formación. Este año, Foreigner tiene programadas varias fechas a lo largo de Norteamérica y Europa.

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9. The Damned (1976 – presente)

Uno de los grupos pioneros del punk británico, The Damned, celebra más de cinco décadas de historia. Con discos nuevos y presentaciones en diferentes escenarios, mantienen un lugar destacado en la escena del rock internacional incluso al día de hoy.

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10. The Cure (1978 – presente)

Formada en 1976 pero bautizada como The Cure en 1978, la banda sigue activa al día de hoy como uno de los grupos más longevos y consistentes del rock alternativo. Con Robert Smith como núcleo creativo, el grupo atravesó el post-punk, el goth rock y el dark pop sin resignar su identidad.

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Los 5 mejores discos de rock de los años 90

De Nirvana a Radiohead, los 5 mejores discos de rock de los 90, que aún continúan vigentes.

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Los 5 mejores discos de rock de los años 90
Oasis – (What’s the Story) Morning Glory? (1995) / Radiohead – OK Computer (1997) / Red Hot Chili Peppers – Californication (1999)
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La década del 90 representó un momento de profunda renovación para el rock, sobre todo el de habla inglesa. Fue en esos años cuando explotó el grunge, nació el britpop, se afianzó la fusión de géneros y apareció una tendencia conceptual de sinsentido que atravesó a gran parte de los artistas.

En los 90, bandas ya consagradas se renovaron, como Guns N’ Roses con Use Your Illusion y Metallica con el Black Album. También se consolidaron nombres como Soundgarden, Jane’s Addiction y Pearl Jam, con su imbatible disco debut Ten. Además, nacieron álbumes que transformaron la música para siempre. A continuación repasamos los 5 mejores discos de rock de los 90, que aún continúan vigentes.

5. Alanis Morissette – Jagged Little Pill (1995)

Si bien los 90 parecían reservar su espacio para las mujeres al pop, muchas figuras femeninas lograron destacarse con propuestas rockeras. Entre ellas, el disco de la canadiense fue uno de los más sobresalientes gracias a su sonido fresco, a la rabia de sus canciones combinada con una inusitada ternura, y al impacto que logró en todo el mundo. “Ironic”, “Hand In My Pocket” y “You Oughta Know” son los hits más populares de este álbum premiado, que logró sostener tanto la calidad musical como el éxito comercial.

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4. Oasis – (What’s the Story) Morning Glory? (1995)

Desde Inglaterra, en los 90 llegó la renovación del rock de la mano del britpop, con Oasis y Blur a la cabeza -bandas que representaban un sonido similar, aunque se volvieron rivales-. Ese mismo año, Blur publicó The Great Escape, y la banda de los hermanos Gallagher se despachó con el disco más exitoso de su carrera, en el que desplegaron melodías nostálgicas, guitarras irresistibles y una pizca de insolencia.

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3. Red Hot Chili Peppers – Californication (1999)

Hacia el final de la década, la banda californiana renovó su sonido radicalmente. Con el foco puesto en una propuesta potente, más ligada al rock alternativo que al funk de sus primeras épocas, Red Hot Chili Peppers terminó de consagrarse masivamente con este disco repleto de hits, que logró una fuerte popularidad también por el empuje de los canales de televisión especializados en videoclips.

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2. Radiohead – OK Computer (1997)

En su tercer disco, Radiohead aborda el sentir de un fin de época, traducido en el cierre del milenio, con un álbum cuasi conceptual sobre el consumismo, la alienación y la vorágine de los avances tecnológicos. El disco se aleja de las canciones despojadas de sus trabajos anteriores y apuesta por una mayor experimentación e inclusión de sonidos electrónicos, así como letras tan introspectivas como metafóricas.

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1. Nirvana – Nevermind (1991)

Hablar de rock en la década del 90 puede ser sinónimo de Nevermind. El segundo disco de Nirvana fue el que los llevó a la cima del éxito y se volvió la representación del grunge a nivel mundial. Con letras que hablan sobre la incomodidad y la incomprensión en el mundo, sobre emociones extremas, el amor y la muerte, la banda liderada por Kurt Cobain no solo instaló una forma de hacer música, sino también una forma de ser joven.

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Dónde ver las películas y series ganadoras de los Critics Choice Awards

En el evento, que tuvo lugar en Santa Mónica (California), críticos y periodistas reconocieron lo mejor del 2025 en materia de cine y series.

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Dónde ver las películas y series ganadoras de los Critics Choice Awards
                                                                                       .

Ayer se celebraron los Critics Choice Awards 2026, la ceremonia que abrió oficialmente la temporada de premios, la cual culminará el 15 de marzo con los Oscar. En el evento, que tuvo lugar en Santa Mónica (California), críticos y periodistas reconocieron lo mejor del 2025 en materia de cine y series.

Sinners, Frankenstein y Una batalla tras otra fueron las películas más ganadoras de la noche, mientras que Adolescencia, The Pitt y El estudio triunfaron por el lado de las series. El dato destacado es que Belén, la película argentina de Dolores Fonzi, no pudo llevarse el galardón en la categoría Mejor película internacional, pues la vencedora fue la brasileña El agente secreto.

Las películas y series ganadoras de las categorías más importantes y dónde verlas.

Mejor película

Una batalla tras otra de Paul Thomas Anderson

Una batalla tras otra sigue a Bob, un ex revolucionario que busca la ayuda de sus antiguos compañeros después de 16 años para rescatar a su hija de las manos de un viejo enemigo, el coronel Lockjaw. La película cuenta con las actuaciones de Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio del Toro, Regina Hall, Teyana Taylor y Wood Harris. Completan el elenco Alana Haim -protagonista de Licorice Pizza, el film anterior de Anderson-, Shayna McHayle y Chase Infiniti.

Dónde verla: HBO Max.

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Mejor película animada

Las guerreras K-pop de Chris Appelhans y Maggie Kang

La cinta sigue a las superestrellas del pop coreano Rumi, Mira y Zoey, que forman parte de la banda de K-pop HUNTR/X de día, pero tienen una identidad secreta como cazadoras de demonios por la noche. Las famosas cantantes siempre intentan proteger a la humanidad y en especial a sus fans de una oscura amenaza sobrenatural y sus demonios usurpadores de almas. La última amenaza es una joven boyband rival llamada Saja Boys, formada por cinco demonios disfrazados con un motivo oculto. La película cuenta con las voces de Arden Cho, May Hong, Ahn Hyo-seop, Ji-young Yoo, Yunjin Kim y Ken Jeong.

Dónde verla: Netflix.

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Mejor película internacional

El agente secreto de Kleber Mendonça Filho

El film ambientado en 1977, en plena dictadura militar brasileña, sigue a Marcelo, un profesor marcado por un pasado tormentoso, que llega a Recife con la esperanza de empezar de nuevo y reencontrarse con su hijo. Sin embargo, pronto descubre que la ciudad está lejos de ser un refugio: las fuerzas del gobierno lo vigilan y las amenazas de muerte lo acechan a cada paso. La película cuenta con las actuaciones de Wagner Moura, Udo Kier, Gabriel Leone y Maria Fernanda Cândido.

Dónde verla: no está disponible en streaming.

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Mejor serie drama

The Pitt

The Pitt es un análisis realista de los retos a los que se enfrentan los trabajadores sanitarios en los Estados Unidos actual, visto a través de los ojos de los héroes de primera línea que trabajan en un hospital moderno de Pittsburgh. La serie está protagonizada por Noah Wyle, Tracy Ifeachor, Katherine LaNasa, Fiona Dourif.

Dónde verla: HBO Max.

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Mejor serie de comedia

The Studio

La serie sigue a Matt Remick, el recién nombrado jefe de Continental Studios. Con el cine tradicional intentando mantenerse vivo y relevante, Matt y su equipo de ejecutivos luchan contra sus propias inseguridades, artistas narcisistas y grandes capos corporativos, siempre con la esquiva meta de hacer grandes películas. Como alguien que come, sueña y respira cine, este es el trabajo que Matt ha estado persiguiendo toda su vida… y ahora que lo tiene, es muy posible que lo destruya. La producción cuenta con las actuaciones de Seth Rogen, Catherine O’Hara, Kathryn Hahn, Ike Barinholtz y Chase Sui Wonders.

Dónde verla: Apple TV+.

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Mejor miniserie

Adolescencia

Adolescencia es una producción británica de solo cuatro capítulos que se centra en un joven de 13 años acusado de cometer un crimen y lo que sucede al interior de su familia, que trata de encontrar respuestas a lo acontecido. Está protagonizada por Owen Cooper, Stephen Graham, Ashley Walters, Erin Doherty, Faye Marsay, Christine Tremarco, Mark Stanley y Amélie Pease.

Dónde verla: Netflix.

12 escenas de películas y series para sincronizar con Año Nuevo

12 momentos icónicos del cine y la televisión, con la hora exacta en la que hay que darle play el 31 de diciembre para que coincidan con la cuenta regresiva de fin de año.

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Las fiestas de fin de año tienen esa capacidad única de detener el tiempo. Son fechas para reencontrarse con familia y amigos, repasar todo lo vivido durante el año, y darle la bienvenida a lo que viene. Como no puede ser de otra manera, en este clima de celebración, el cine y las series también encuentran su lugar.

Hay historias que se volvieron parte de la memoria emocional de la gente, con escenas que pueden transformar el cambio de año en una experiencia todavía más especial. Por eso, y para quienes buscan sincronizar la ficción con la realidad, recopilamos 12 momentos icónicos del cine y la televisión, con la hora exacta en la que hay que darle play el 31 de diciembre para que coincidan con la cuenta regresiva de fin de año.

Uno de los ejemplos más icónicos es el brindis de Jay Gatsby, interpretado por Leonardo DiCaprio en El gran Gatsby (2013). Para que su icónico «Cheers» suene justo cuando el reloj marque las 00:00 h, la película debe comenzar a las 23:29:57. Algo similar sucede con Wicked: quienes quieran que el grito de Elphaba explote exactamente a las 00:00 h, deberán iniciar la película a las 21:29:41, dos horas, 30 minutos y 19 segundos antes del nuevo año.

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La lista completa recorre clásicos de distintas generaciones y géneros, con horarios precisos para coordinar la escena con el brindis de Año Nuevo. Mirala a continuación.

  • Wicked – El grito de batalla de Elphaba que desafía la gravedad:
    Marca de tiempo en la película 02:30:19 / Hora exacta en la que se debe poner la película: 21:29:41
  • El gran Gatsby – El brindis de Jay Gatsby:
    00:30:03 / 23:29:57
  • Rocky – Rocky en lo alto de las escaleras:
    01:29:18 / 22:30:42
  • Cuando Harry conoció a Sally – Fiesta de Nochevieja:
    01:29:03 / 22:30:27
  • Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, Parte 2 – Harry vs. Voldemort (batalla final):
    01:49:55 / 22:10:05
  • Gambito de dama (1×7) – La última partida de ajedrez de Beth Harmon:
    00:59:59 / 23:00:01
  • ¡Mamma Mia! – “El ganador se lo lleva todo”:
    01:20:40 / 22:39:20
  • Friends (2×7) – El primer beso de Ross y Rachel:
    00:20:40 / 23:39:20
  • El Señor de los Anillos: Las dos torres (versión extendida) – “Así comienza…” :
    02:46:41 / 21:13:19
  • Stranger Things (4×4) – El momento de Max con “Running Up That Hill»:
    01:11:48 / 22:48:12
  • El club de la pelea – El colapso del edificio:
    01:25:00 / 22:35:00
  • Matrix – Neo volando:
    02:09:15 / 21:50:45