La Radio del Coach de la Birra
#YConCervezaEsMejor
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Carlos Segura
Amante de la Pizza, la Cerveza
Fútbol y #Rocanrol
Libre pensador, Cervezariano
Libre pensador y libre bebedor
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toma y deja tomar, ley de la birra
En el tramo final de su carrera, la banda de Dave Mustaine alcanzó un logro inédito y selló una despedida histórica.
Megadeth acaba de hacer historia en plena despedida de su carrera. La banda de metal liderada por Dave Mustaine lanzó su disco final y logró, por primera vez en su trayectoria, alcanzar el puesto número uno en el Billboard 200. Este hito no se dio solo en Estados Unidos, sino también en Australia, Austria, Finlandia y Suecia.
Megadeth es el disco número 17 de la banda. Fue lanzado el pasado 23 de enero, cuenta con 11 canciones y se convirtió en su mayor éxito en términos de ranking, tal como informaron desde Billboard.
“El álbum obtuvo 73.000 unidades equivalentes en Estados Unidos durante la semana que finalizó el 29 de enero, según Luminate, lo que marca la mejor semana de la banda en cuanto a unidades obtenidas desde que la lista comenzó a clasificar por unidades en diciembre de 2014”. Estos números surgen de la combinación de ventas físicas y digitales.
Megadeth
Sobre este logro, Mustaine dijo:
“Después de 40 años entregando música de Megadeth y tocando en conciertos por todo el mundo, no tengo más que gratitud en este momento. Descubrir que nuestro último disco de Megadeth es también nuestro primer número uno solo valida aún más mi deseo de llegar a la cima. Gracias a mi familia, a Teemu Mäntysaari, James LoMenzo, Dirk Verbeuren y Chris Rakestraw, y a todos nuestros fans por hacer esto posible. Sin ustedes, Megadeth no tendría tanto éxito. También me gustaría agradecer a la gente detrás de escena: a nuestra gerencia, a Danny Nozell, Justis Mustaine y Steve Ross en CTK, y a nuestro sello BLKIIBLK/Tradecraft. Esta grabación es un trabajo de amor y espero que la disfruten tanto como nosotros. ¡Nos vemos pronto de gira!”.
El disco de Megadeth que estuvo más cerca de alcanzar este podio fue Countdown to Extinction, de 1992, que había llegado al segundo puesto en la misma lista.
“El reto de una cerveza estadounidense ha estado en lo más alto de mi lista de tareas pendientes desde hace tiempo”, declaró Bruce Dickinson.
Iron Maiden se asoció con Lagunitas Brewing para expandir su marca de cerveza Trooper. La banda lanzó la nueva Trooper West Coast IPA, una cerveza con un 6,6% de alcohol por volumen que estará disponible en bares y cervecerías selectas, además de los bares temporales que aparecerán durante la gira «Run for Your Lives».
“El reto de una cerveza estadounidense ha estado en lo más alto de mi lista de tareas pendientes desde hace tiempo”, declaró Bruce Dickinson, cantante de Iron Maiden, en un comunicado de prensa. “Lagunitas es sinónimo de excelencia cervecera en la costa oeste, ¡y ha sido un verdadero placer trabajar con ellos en un sabor Trooper para ambas costas y todos los estados intermedios!”.
Según reporta Consequence, la cerveza está elaborada con la nueva y popular variedad de lúpulo Krush y se venderá en paquetes de seis unidades en las tiendas participantes. La bebida estará disponible a partir del 6 de junio.
The Rise of the Red Hot Chili Peppers, dirigido por Ben Feldman, recorre los orígenes de la banda californiana y su fusión inicial de punk, funk y rock.
Red Hot Chili Peppers es una banda con una historia interesante, atravesada por distintos capítulos e integrantes. Por eso, Netflixestrenará un documental que aborda los inicios de la formación californiana. Titulado The Rise of the Red Hot Chili Peppers, muestra cómo fue el desarrollo de la banda que fusionaba punk, funk y rock. El documental dirigido por Ben Feldman tendrá su debut en la plataforma el próximo 20 de marzo.
Netflix estrenará un documental sobre los orígenes de Red Hot Chili Peppers.
El guitarrista Hillel Slovak, quien falleció en 1988, fue uno de los miembros fundadores de la banda, y este documental se centrará en su figura. Si bien por el momento no hay adelantos, Variety informó que el film abordará su influencia musical en la historia posterior del grupo, su amistad con el resto de los integrantes y más. Por eso, no solo cuenta con entrevistas a personas cercanas a Slovak, sino también con la participación de Flea y Anthony Kiedis.
Esta película cuenta con Dan Braun, Josh Braun, David Blackman, James Slovak y el propio Feldman como productores ejecutivos, y será una pieza fundamental para los seguidores de la banda —ya que se trata de una etapa poco citada cuando se habla de su historia—, además de una forma de conocer su pasado y un producto atractivo para los amantes de la música en general.
Sobre el film, Feldman dijo al citado medio:
“Es un verdadero honor asociarnos con Netflix para llevar The Rise of the Red Hot Chili Peppers a una audiencia global. En esencia, esta es una historia profundamente identificable: sobre las amistades que forjan nuestras identidades y la fuerza perdurable de los lazos creados en la adolescencia. Lo que es menos identificable, por supuesto, es que aquí esos amigos formaron una de las mejores bandas de rock de la historia. Estoy profundamente agradecido a la banda y a la familia de Hillel por su confianza y generosidad, y a Netflix por ayudar a llevar esta historia a la escena mundial”.
Kendrick Lamar fue el artista más premiado de la noche, con cinco estatuillas, La gala a lo mejor de la música se realizó en la Crypto.com Arena de Los Ángeles
Premios Grammy
Los Premios Grammy 2026, en su 68ª edición, se celebraron esta noche, domingo 1 de febrero, en el Crypto.com Arena de Los Ángeles. estuvo conducida por Trevor Noah, quien se despide tras seis años al frente del evento.
Kendrick Lamar llegaba como el artista más nominado de la noche, con nueve candidaturas, y terminó consagrándose como el gran triunfador al llevarse cinco premios: Mejor álbum de rap por GNX; Grabación del año y Mejor interpretación de rap melódico por «Luther», su canción con SZA; Mejor canción de rap por «TV Off» y Mejor interpretación de rap por «Chains & Whips», la canción de Clipse en la que participa junto a Pusha T y Malice. De esta manera, Lamar iguala la cantidad de Grammys que se llevó el año pasado, donde también fue el más galardonado.
Sin embargo, el premio más importante de la noche —Álbum del año— fue para Bad Bunny.
Lady Gaga, otra de las favoritas de esta edición, logró llevarse tres premios: Mejor álbum de pop vocal por Mayhem y Mejor grabación de pop vocal por «Abracadabra». El remix que hizo Gesaffelstein de esta última se alzó con el Grammy a Mejor grabación remix.
Las actuaciones en vivo y el homenaje a Ozzy Osbourne
La ceremonia contó con shows en vivo de Lady Gaga, Justin Bieber, Sabrina Carpenter y Clipse. Quienes compitieron por Mejor artista nuevo -Addison Rae, Katseye, Alex Warren, Leon Thomas, Lola Young, Olivia Dean y Sombr- participaron de un medley especial.
Post Malone encabezó el homenaje a Ozzy Osbourne durante el segmento In Memoriam, junto a Slash, Duff McKagan, Chad Smith y Andrew Watt. Además, Lauryn Hill rindió tributo a D’Angelo y Roberta Flack.
Los ganadores de los Premios Grammy 2026.
Álbum del año
Ganador: Bad Bunny – Debí Tirar Más Fotos
Justin Bieber – Swag
Sabrina Carpenter – Man’s Best Friend
Clipse, Pusha T & Malice – Let God Sort Em Out
Lady Gaga – Mayhem
Kendrick Lamar – GNX
Leon Thomas – Mutt
Tyler, The Creator – Chromakopia
Grabación del año
Bad Bunny – “DtMF”
Sabrina Carpenter – “Manchild”
Doechii – “Anxiety”
Billie Eilish – “Wildflower”
Lady Gaga – “Abracadabra”
Ganador: Kendrick Lamar con SZA – “Luther”
Chappell Roan – “The Subway”
Rosé, Bruno Mars – “APT.”
Canción del año
Lady Gaga – “Abracadabra”
Doechii – “Anxiety”
Rosé, Bruno Mars – “APT.”
Bad Bunny – “DtMF”
HUNTR/X: EJAE, Audrey Nuna, Rei Ami – “Golden [From ‘KPop Demon Hunters’]”
Kendrick Lamar con SZA – “Luther”
Sabrina Carpenter – “Manchild”
Ganadora: Billie Eilish – “Wildflower”
Mejor interpretación pop solista
Chappell Roan – “The Subway”
Justin Bieber – “Daisies”
Lady Gaga – “Disease”
Ganadora: Lola Young – “Messy”
Sabrina Carpenter – “Manchild”
Mejor álbum de pop vocal
Justin Bieber – Swag
Ganadora: Lady Gaga – Mayhem
Miley Cyrus – Something Beautiful
Sabrina Carpenter – Man’s Best Friend
Teddy Swims – I’ve Tried Everything but Therapy (Part 2)
Ganador: Los Angeles Philharmonic, Gustavo Dudamel & Alisa Weilerstein – Gabriela Ortiz: Yanga
Sandbox Percussion – Cerrone: Don’t Look Down
Will Liverman – The Dunbar/Moore Sessions, Vol. II
Mejor álbum vocal clásico de solista
Allison Charney & Benjamin Loeb – Alike – My Mother’s Dream
Ganador: Amanda Forsythe, Robert Mealy, Paul O’Dette & Stephen Stubbs – Telemann: Ino – Opera Arias for Soprano
Devony Smith, Danny Zelibor & Michael Nicolas – In This Short Life
Sidney Outlaw & Warren Jones – Black Pierrot
Susan Narucki & Curtis Macomber – Kurtág: Kafka Fragments
Theo Hoffman & Steven Blier – Schubert Beatles
Mejor solista instrumental clásico
Adam Tendler – “Inheritances”
Curtis Stewart & Michael Repper – “Coleridge-Taylor: 3 Selections From “24 Negro Melodies””
Mary Dawood Catlin, Jesús David Medina & Raniero Palm – “Hope Orchestrated”
Ganador: Yo-Yo Ma & Andris Nelsons – Shostakovich – The Cello Concertos
Yuja Wang & Andris Nelsons – Shostakovich . The Piano Concertos; Solo Works
Mejor álbum hablado
Ganador: Dalai Lama – Meditations: The Reflections of His Holiness the Dalai Lama
Fab Morvan – You Know It’s True: The Real Story of Milli Vanilli
Kathy Garver – Elvis, Rocky & Me: The Carol Connors Story
Ketanji Brown Jackson – Lovely One: A Memoir
Trevor Noah – Into the Uncut Grass
Mejor álbum de comedia
Ali Wong – Single Lady
Bill Burr – Drop Dead Years
Jamie Foxx – What Had Happened Was…
Ganador: Nate Bargatze – Your Friend, Nate Bargatze
Sarah Silverman – PostMortem
Mejor álbum para niños
Flor Bromley – Herstory
Ganador: Fyütch & Aura V – Harmony
Joanie Leeds & Joya – Ageless: 100 Years Young
Mega Ran – Buddy’s Magic Tree House
Tori Amos – The Music of Tori and the Muses
Mejor álbum de pop instrumental
Ganador: Arkai – Brightside
Béla Fleck, Edmar Castañeda & Antonio Sánchez – BEATrio
Bob James & Dave Koz – Just Us
Charu Suri – Shayan
Gerald Clayton – Ones & Twos
Mejor interpretación de conjunto musical pequeño o música de cámara
Ganador: Alan Pierson & Alarm Will Sound – “Donnacha Dennehy: Land of Winter”
Lili Haydn & Paul Cantelon – “Lullabies for the Brokenhearted”
Mak Grgi? & Mateusz Kowalski – “Slavic Sessions”
Neave Trio – “La mer: French Piano Trios”
Third Coast Percussion – “Standard Stoppages”
Mejor interpretación coral
Anne Akiko Meyers, Los Angeles Master Chorale & Grant Gershon – “Billy Childs: In the Arms of the Beloved”
The Clarion Choir & Steven Fox – “Requiem of Light”
Conspirare & Craig Hella Johnson – “Advena: Liturgies for a Broken World”
The Crossing & David Nally – “David Lang: Poor Hymnal”
Ganador: Los Angeles Philharmonic, Gustavo Dudamel & Alisa Weilerstein – “Gabriela Ortiz: Yanga”
Mejor grabación de ópera
Alan Pierson, The Choir of Trinity Wall Street & Silvana Quartet – “Kouyoumdjian: Adoration (Live)”
American Composers Orchestra & Carolyn Kuan – “Huang Ruo: An American Soldier”
Emily D’Angelo, Ellie Dehn, Ben Bliss, Kyle Miller, Greer Grimsley, The Metropolitan Opera Orchestra, The Metropolitan Opera Chorus & Yannick Nézet-Séguin – “Tesori: Grounded (Live)”
Irish National Opera & Elaine Kelly – “O’Halloran: Trade / Mary Motorhead”
Mejor interpretación orquestal
Ganador: Andris Nelsons & Boston Symphony Orchestra – “Messiaen: Turangalîla-Symphonie”
Esa-Pekka Salonen – San Francisco Symphony – “Stravinsky: Symphony in Three Movements”
Gustavo Dudamel & Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela – “Ravel: Boléro, M. 81”
Michael Repper & National Philharmonic – “Samuel Coleridge-Taylor: Toussaint L’Ouverture, Op. 46 – Ballade Op. 4 – Suites From ’24 Negro Melodies’”
Yannick Nézet-Séguin & The Philadelphia Orchestra – “Still & Bonds: Symphonies & Variations”
Mejor arreglo instrumental con acompañamiento vocal
Cody Fry – “What a Wonderful World”
Jacob Collier – “Keep an Eye on Summer”
Lawrence – “Something in the Water (Acoustic-ish)”
Ganador: Nate Smith & Säje – “Big Fish”
Seth MacFarlane – “How Did She Look?”
Mejor arreglo, instrumental o a capela
Cynthia Erivo – “Be Okay”
Nordkraft Big Band & Remy Le Boeuf – “A Child Is Born”
The Westerlies – “Fight On”
Ganador: The 8-Bit Big Band – “Super Mario Praise Break”
Mejor composición instrumental
John Powell & Stephen Schwartz – “Train to Emerald City”
Ludwig Göransson Featuring Miles Caton – “Why You Here / Before the Sun Went Down (From “Sinners” Score)”
Miho Hazama, Danish Radio Big Band & Danish National Symphony Orchestra – “Live Life This Day: Movement I”
Ganador: Nordkraft Big Band, Remy Le Boeuf & Danielle Wertz – “First Snow”
Sierra Hull – “Lord, That’s a Long Way”
Zain Effendi – “Opening”
Productor del año en música clásica
Blanton Alspaugh
Dmitriy Lipay
Ganador: Elaine Martone
Morten Lindberg
Sergei Kvitko
Mejor producción de álbum de música clásica
Andris Nelsons, Kristine Opolais, Günther Groissböck, Peter Hoare, Brenden Gunnell & Boston Symphony Orchestra – Shostakovich: Lady Macbeth of Mtsensk District
The Cleveland Orchestra & Franz Welser-Möst – Eastman: Symphony No. 2: Tchaikovsky: Symphony No. 2
Ganador: Sandbox Percussion – Cerrone: Don’t Look Down
Third Coast Percussion – Standard Stoppages
Trio Mediæval – Yule
Mejor álbum de música regional de raíz
Corey Henry & The Treme Funktet – Live at Vaughan’s
Kyle Roussel – Church of New Orleans
Preservation Brass & Preservation Hall Jazz Band – For Fat Man
Trombone Shorty & New Breed Brass Band – Second Line Sunday
Ganador: Various Artists – A Tribute to the King of Zydeco
Mejor álbum de teatro musical
Ganador: Buena Vista Social Club
Death Becomes Her
Gypsy
Just in Time
Maybe Happy Ending
Mejor álbum de jazz vocal
Dee Dee Bridgewater & Bill Charlap – Elemental
Michael Mayo – Fly
Nicole Zuraitis, Dan Pugach & Tom Scott Featuring Idan Morim, Keyon Harrold, Rachel Eckroth & Sam Weber – Live at Vic’s Las Vegas
Ganadora: Samara Joy – Portrait
Terri Lyne Carrington & Christie Dashiell – We Insist 2025!
Mejor álbum de new age
Ganadora: Carla Patullo – Nomadica
Cheryl B. Engelhardt & Gem – According to the Moon
Chris Redding – The Colors in My Mind
Jahnavi Harrison – Into the Forest
Kirsten Agresta-Copely – Kuruvinda
Mejor álbum de reggae
Jesse Royal – No Place Like Home
Ganador: Keznamdi – Blxxd & Fyah
Lila Iké – Treasure Self Love
Mortimer – From Within
Vybz Kartel – Heart & Soul
Mejor álbum de música global
Anoushka Shankar Featuring Alam Khan & Sarathy Korwar – Chapter III: We Return to Light
Burna Bo -: No Sign of Weakness
Ganador: Caetano Veloso & Maria Bethânia – Caetano e Bethânia Ao Vivo
Shakti – Mind Explosion (50th Anniversary Tour Live)
Siddhant Bhatia – Sounds of Kumbha
Youssou N’Dour – Éclairer le monde – Light the World
Mejor interpretación de música africana
Ayra Starr & Wizkid – “Gimme Dat”
Burna Boy – “Love”
Davido Featuring Omah Lay – “With You”
Eddy Kenzo & Mehran Matin – “Hope & Love”
Ganadora: Tyla – “Push 2 Start”
Mejor interpretación de música global
Angélique Kidjo – “Jerusalema”
Anoushka Shankar Featuring Alam Khan & Sarathy Korwar – “Daybreak”
Ganador: Bad Bunny – “Eoo”
Ciro Hurtado – “Cantando en el Camino”
Shakti – “Shrini’s Dream (Live)”
Yeisy Rojas – “Inmigrante y Que?”
Mejor álbum de pop vocal tradicional
Barbra Streisand –The Secret of Life: Partners, Volume 2
Elton John & Brandi Carlile – Who Believes in Angels?
Jennifer Hudson – The Gift of Love
Lady Gaga – Harlequin
Laila Biali – Wintersongs
Ganadora: Laufey – A Matter of Time
Mejor álbum de jazz alternativo
Ambrose Akinmusire – Honey From a Winter Stone
Brad Mehldau – Ride into the Sun
Immanuel Wilkins – Blues Blood
Ganador: Nate Smith – Live-Action
Robert Glasper – Keys to the City Volume One
Mejor álbum de jazz latino
Arturo O’Farrill – The Original Influencers: Dizzy, Chano & Chico (Live at Town Hall)
Arturo O’Farrill & The Afro Latin Jazz Orchestra – Mundoagua – Celebrating Carla Bley
Ganador: Gonzalo Rubalcaba, Yainer Horta & Joey Calveiro – A Tribute to Benny Moré and Nat King Cole
Miguel Zenón Quartet – Vanguardia Subterránea: Live at the Village Vanguard
Paquito D’Rivera – Madrid-New York Connection Band – La Fleur de Cayenne
Mejor álbum jazz conjunto
Ganador: Christian McBride – Without Further Ado, Vol 1
Danilo Pérez & Bohuslän Big Band – Lumen
Deborah Silver & The Count Basie Orchestra – Basie Rocks!
Kenny Wheeler Legacy Featuring The Royal Academy of Music Jazz Orchestra & Frost Jazz Orchestra – Some Days Are Better: The Lost Scores
Sun Ra Arkestra – Lights on a Satellite
The 8-Bit Big Band – Orchestrator Emulator
Mejor álbum de jazz instrumental
Branford Marsalis Quartet – Belonging
Chick Corea, Christian McBride & Brian Blade –Trilogy 3 (Live)
John Patitucci Featuring Chris Potter & Brian Blade – Spirit Fall
Ganador: Sullivan Fortner – Southern Nights
Yellowjackets – Fasten Up
Mejor interpretación de jazz
Ganador – Chick Corea, Christian McBride & Brian Blade: “Windows (Live)”
Lakecia Benjamin Featuring Immanuel Wilkins & Mark Whitfield – “Noble Rise”
Michael Mayo – “Four”
Nicole Zuraitis, Dan Pugach & Tom Scott Featuring Idan Morim, Keyon Harrold, Rachel Eckroth & Sam Weber – “All Stars Lead to You (Live)”
Samara Joy – “Peace of Mind / Dreams Come True”
Mejor álbum de góspel de raíz
Ganador: The Brooklyn Tabernacle Choir – I Will Not Be Moved (Live)
Candi Staton – Back to My Roots
Gaither Vocal Band – Then Came the Morning
The Isaacs – Praise & Worship: More Than a Hollow Hallelujah
Karen Peck & New River – Good Answers
Mejor álbum de música cristiana contemporánea
Brandon Lake – King of Hearts
Forrest Frank – Child of God II
Ganador: Israel & New Breed – Coritos, Vol. 1
Lecrae – Reconstruction
Tauren Wells – Let the Church Sing
Mejor álbum de góspel
Ganador: Darrel Walls & PJ Morton – Heart of Mine
Tamela Mann – Live Breathe Fight
Tasha Cobbs Leonard – Tasha
Tye Tribbett – Only on the Road (Live)
Yolanda Adams – Sunny Days
Mejor interpretación o canción de música cristiana contemporánea
Ganador: Brandon Lake & Jelly Roll – “Hard Fought Hallelujah”
Darrel Walls & PJ Morton – “Amazing”
Elevation Worship, Chris Brown & Brandon Lake – “I Know a Name”
Forrest Frank – “Your Way’s Better”
Lecrae, Killer Mike & T.I. – “Headphones”
Mejor interpretación o canción de góspel
Ganador: Cece Winans & Shirley Caesar – “Come Jesus Come”
Jonathan McReynolds & Jamal Roberts – “Still (Live)”
Kirk Franklin – “Do It Again”
Pastor Mike Jr. – “Amen”
Tasha Cobbs Leonard & John Legend – “Church”
Mejor álbum de música folk
Ganador: I’m With Her – Wild and Clear and Blue
Jason Isbell – Foxes in the Snow
Jesse Welles – Under the Powerlines (Live April 2024 – September 2024)
Patty Griffin – Crown of Roses
Rhiannon Giddens & Justin Robinson – What Did the Blackbird Say to the Crow
Mejor álbum de bluegrass
Alison Krauss & Union Station – Arcadia
Ganador: Billy Strings – Highway Prayers
Michael Cleveland & Jason Carter – Carter & Cleveland
Sierra Hull – A Tip Toe High Wire
The Steeldrivers – Outrun
Mejor álbum de música americana
Jesse Welles – Middle
Ganador: Jon Batiste – Big Money
Larkin Poe – Bloom
Molly Tuttle – So Long Little Miss Sunshine
Willie Nelson – Last Leaf on the Tree
Mejor canción de música americana de raíz
Ganador: I’m With Her – “Ancient Light”
Jason Isbell – “Foxes in the Snow”
Jesse Welles – “Middle”
Jon Batiste – “Big Money”
Sierra Hull – “Spitfire”
Mejor interpretación de música americana
Jesse Welles – “Horses”
Maggie Rose & Grace Potter – “Poison in My Well”
Ganadora: Mavis Staples – “Godspeed”
Molly Tuttle – “That’s Gonna Leave a Mark”
Sierra Hull – “Boom”
Mejor álbum histórico
Doc Pomus – You Can’t Hip a Square: The Doc Pomus Songwriting Demos
Ganador:Joni Mitchell – Joni Mitchell Archives, Vol. 4: The Asylum Years (1976-1980)
Nick Drake – The Making of Five Leaves Left
Various Artists – Roots Rocking Zimbabwe – The Modern Sound of Harare’ Townships 1975-1980 (Analog Africa No.41)
Various Artists – Super Disco Pirata – De Tepito Para el Mundo 1965-1980 (Analog Africa No.39).
Mejores notas de álbum
Amanda Ekery – Árabe
Buck Owens and His Buckaroos – Adios, Farewell, Goodbye, Good Luck, So Long: On Stage 1964-1974
Anouar Brahem, Anja Lechner, Django Bates & Dave Holland – After the Last Sky
Ganador: Miles Davis – Miles ’55: The Prestige Recordings
Sly and the Family Stone – The First Family: Live at the Winchester Cathedral 1967
Wilco – A Ghost Is Born (Expanded Edition)
Mejor portada de álbum
Bad Bunny – Debí Tirar Más Fotos
Djo – The Crux
Perfume Genius – Glory
Ganador: Tyler, the Creator – Chromakopia
Wet Leg – Moisturizer
Mejor diseño de embalaje
Ganador: Bruce Springsteen – Tracks II: The Lost Albums
Duran Duran – Danse Macabre: De Luxe
Mac Miller – Balloonerism
Mac Miller – The Spins (Picture Disc Vinyl)
OK Go – And the Adjacent Possible
Tsunami – Loud Is As
Various Artists – Sequoia
Mejor álbum de blues contemporáneo
Eric Gales – A Tribute to LJK
Joe Bonamassa – Breakthrough
Ganador: Robert Randolph – Preacher Kids
Samantha Fish – Paper Doll
Southern Avenue – Family
Mejor álbum de blues tradicional
Ganador: Buddy Guy – Ain’t Done With the Blues
Charlie Musselwhite – Look Out Highway
Kenny Wayne Shepherd & Bobby Rush – Young Fashioned Ways
Maria Muldaur – One Hour Mama: The Blues of Victoria Spivey
Taj Mahal & Keb’ Mo – Room on the Porch
Mejor interpretación de música norteamericana de raíz
Alison Krauss & Union Station – “Richmond on the James”
I’m With Her – “Ancient Light”
Jason Isbell – “Crimson and Clay”
Jon Batiste Featuring Randy Newman – “Lonely Avenue”
Ganadora: Mavis Staples – “Beautiful Strangers”
Mejor álbum de country tradicional
Charley Crockett – Dollar a Day
Lukas Nelson – American Romance
Margo Price – Hard Headed Woman
Willie Nelson – Oh What a Beautiful World
Ganador: Zach Top – Ain’t in It for My Health
Mejor canción de country
Lainey Wilson- “Somewhere Over Laredo”
Miranda Lambert & Chris Stapleton . “A Song to Sing”
Shaboozey – “Good News”
Ganador: Tyler Childers – “Bitin’ List”
Zach Top – “I Never Lie”
Mejor interpretación country, dúo o grupo
George Strait Featuring Chris Stapleton – “Honky Tonk Hall of Fame”
Margo Price Featuring Tyler Childers – “Love Me Like You Used to Do”
Miranda Lambert & Chris Stapleton – “A Song to Sing”
Reba McEntire, Miranda Lambert & Lainey Wilson – “Trailblazer”
Ganador: Shaboozey & Jelly Roll – “Amen”
Mejor interpretación de country solista
Ganador: Chris Stapleton – “Bad as I Used to Be”
Lainey Wilson – “Somewhere Over Laredo”
Shaboozey – “Good News”
Tyler Childers – “Nose on the Grindstone”
Zach Top – “I Never Lie”
Mejor interpretación de metal
Dream Theater – “Night Terror”
Ghost – “Lachryma”
Sleep Token – “Emergence”
Spiritbox – “Soft Spine”
Ganador: Turnstile – “Birds”
Mejor álbum de poesía hablada
Marc Marcel – Black Shaman
Omari Hardwick & Anthony Hamilton – Pages
Queen Sheba – A Hurricane in Heels: Healed People Don’t Act Like That (Partially Recorded Live @City Winery & Other Places)
Saul Williams & Carlos Niño & Friends – Saul Williams Meets Carlos Niño & Friends at Treepeople (Live)
Ganador: Skillz – Words for Days, Vol. 1
Mejor canción de rap
Clipse – “The Birds Don’t Sing” [ft. John Legend, Voices of Fire]
Existen cientos de canciones con equivocaciones por parte de los músicos que nos remontan a una época más espontánea y libre de un perfeccionismo extremo.
The Beatles
Los avances tecnológicos han permitido que casi cualquier error pequeño que se cometa en el estudio de grabación pueda ser corregido en la posproducción. Esto no era así décadas atrás, por lo que existen cientos de canciones con equivocaciones por parte de los músicos que nos remontan a una época más espontánea y libre de un perfeccionismo extremo. A continuación, cinco famosas canciones de rock que tienen errores.
The Beatles – “Hey Jude”
Parece improbable que una de las canciones más famosas de la historia pueda contener un error, pero The Beatles decidieron dejar un exabrupto de Paul McCartney a pesar de haberlo notado. Hacia el minuto tres del tema se lo puede escuchar decir: “Mierda”, luego de equivocarse en un acorde. Así lo relató el músico en su libro The Lyrics: 1956 to the Present: “Nos lo estábamos pasando tan bien que incluso nos quedamos con la palabrota a mitad de la canción, cuando cometí un error en la parte de piano. Hay que escuchar con atención para oírlo, pero ahí está”.
The Police – “Roxanne”
Este es un error mucho más notorio y se encuentra al comienzo del tema. Junto con el famoso riff de guitarra, se escucha un sonido de piano, que se debe a que Sting se sentó sin querer sobre el instrumento y lo generó accidentalmente. De hecho, de inmediato también se puede oír la risa del cantante. Lo cierto es que este “accidente” no es más que un detalle divertido y auténtico de la canción.
Nirvana – «Polly»
Puede haberse generado como un error, pero lo cierto es que este detalle se volvió parte de la canción y cualquier fan de Nirvana lo cantaría. Se trata de una de las últimas estrofas, luego del solo de bajo, cuando Kurt Cobain se anticipa para entrar y dice “Paul said” antes de tiempo. Si bien este error podría haberse borrado fácilmente, quedó como un gesto distintivo del tema.
Led Zeppelin – “Since I’ve Been Loving You”
Durante la grabación de una canción intervienen múltiples elementos, más allá de la captación de los instrumentos. En el caso de este tema, quedó registrado un chirrido del pedal de bombo de la batería y hoy podemos decir que es parte de la canción. Jimmy Page expresó al respecto: “¡Suena cada vez más fuerte cada vez que lo escucho! Fue algo que, por desgracia, se pasó por alto en aquel entonces”.
The Kingsmen – «Louie Louie»
Este es otro caso de músicos maldiciendo durante la grabación. Durante el registro de este hit de los años 60, el baterista se equivocó y, alrededor del segundo 56, se puede escuchar claramente cómo grita “Mierda”. Esto quedó como parte de la toma final, sin afectar en absoluto el resultado.
Puede ser que “todo esté inventado”, pero eso no es un impedimento para la originalidad, y así lo han demostrado diversos músicos que, para las portadas de sus álbumes, decidieron hacer parodias, homenajes o imitaciones de otras tapas.
Dicen que todo está inventado y, a veces, podemos confirmar este dicho cuando nos encontramos con la enorme cantidad de remakes, secuelas y biopics que nos entrega el cine cada año, así como con la utilización constante de samples o la cultura de las referencias que ha invadido al arte contemporáneo en su totalidad.
Puede ser que “todo esté inventado”, pero eso no es un impedimento para la originalidad, y así lo han demostrado diversos músicos que, para las portadas de sus álbumes, decidieron hacer parodias, homenajes o imitaciones de otras tapas. A continuación, 10 tapas de discos inspiradas en otras portadas.
Eminem –Kamikaze(2018)
Para este disco de fuerte crítica política, en el que el rapero muestra su oposición al gobierno de Donald Trump, la portada también representó un mensaje potente. El álbum hace referencia al clásico de Beastie Boys, Licensed to Ill, algo que los fans notaron apenas se estrenó. La banda reveló que no había otorgado permiso, pero tampoco lo sintieron como una burla.
Metro Boomin – Heores and Villains(2022)
Wish You Were Here de Pink Floyd contiene una de las portadas más icónicas del rock, tanto que llegó a influir en el productor Metro Boomin para la tapa de Heroes & Villains, en la que se ve a dos personas dándose la mano, solo que quien está prendida fuego es la figura opuesta a la del álbum de Pink Floyd.
The Clash – London Calling(1979)
El disco homónimo de Elvis Presley, lanzado en 1956, desató una tradición de imitaciones y homenajes. Los primeros fueron The Clash, al utilizar la misma tipografía, colores y disposición en la portada de London Calling. Luego de esa icónica imagen que muestra al bajista Paul Simonon rompiendo su instrumento contra el piso, otras bandas continuaron el legado. Las más llamativas son las de los álbumes Sexo chungo de Siniestro Total (1983) e Instrumentalizándose de Los Focomelos (2002).
Gorillaz – Demon Days (2005)
The Beatles es una de las bandas más influyentes de la historia, y así lo demostró Gorillaz con su segundo disco, al hacer una suerte de reinvención de Let It Be. En la portada se pueden ver los cuadros en los que se encuentra cada uno de los miembros, solo que en este caso se trata de dibujos animados, la forma en la que la banda se presenta ante el mundo.
A$AP Rocky – Punk Rocky (2026)
El caso más reciente de una portada inspirada en otra es el nuevo disco del rapero, quien tomó como referencia la tapa de PaRappa the Rapper, el videojuego musical de 1996. En este caso, el músico también apostó por un dibujo y respetó la disposición de los elementos del diseño del videojuego de PlayStation.
Freddie Gibbs – Freddie (2018)
También desde el ámbito del hip hop, Gibbs eligió para su álbum debut un homenaje directo al disco Teddy de Teddy Pendergrass. No solo reversionó la foto de la portada, sino que respetó el vestuario, los colores y también el título del álbum, ya que ambos llevan el apodo de cada músico.
Los Vegetales – Los vegetales (2016)
Este disco se convirtió en una verdadera pieza de culto, ya que permaneció inédito durante décadas. Se trata del álbum que la banda madrileña grabó en 1990, pero que no llegó a publicar. Para sumar misticismo al lanzamiento, la portada remite al clásico The Velvet Underground & Nico, solo que, en lugar de una banana, vemos una zanahoria.
Weird Al’ Yankovic – Even Worse (1988)
Este es el caso de una parodia descarada, fiel al estilo de Weird Al Yankovic. Este disco reversiona la portada de Bad de Michael Jackson, lanzado un año antes y convertido en un éxito total, y además presenta humor desde el título: frente a Bad (malo), el humorista y músico tituló su álbum Even Worse (aún peor).
Barbra Streisand – Duets (2002)
En el caso de la portada de este álbum, la cantante se basó en el póster de Hable con ella de Pedro Almodóvar, película estrenada en marzo del mismo año, mientras que el disco vio la luz en noviembre. Como muchos de los pósters de Almodóvar, este fue diseñado por el argentino Juan Gatti y es uno de los más icónicos de su filmografía, al mostrar dos retratos de mujeres que se superponen, compuestos a partir de colores fríos y cálidos en claro contraste. Estos elementos fundamentales del diseño fueron los que Barbra Streisand utilizó para su disco.
Gustavo Cerati – Bocanada (1999)
Esta es una de las tapas más icónicas de Cerati y, para su realización, se basó en el álbum recopilatorio Bob Dylan’s Greatest Hits. Con diseño de Alejandro Ros y fotografía de Gaby Herbstein, la portada logró tener una potencia propia y, a la vez, inscribirse en la tradición del cantautor estadounidense, que posa a contraluz con un fondo celeste y en cuya imagen adquiere preponderancia la silueta de su cabello.
The Mothers of Invention – We’re Only In It For The Money (1968)
Este es un caso particular, ya que el disco de Frank Zappa se presentó como una parodia de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles, el álbum clave de 1967. Los rumores indican que Paul McCartney no dio la aprobación para la idea de Zappa, por lo que la imagen se incluyó dentro del disco, pero no como portada. Con el paso del tiempo y a partir de reediciones, esta se convirtió en la tapa oficial del álbum.
Las 10 canciones más importantes de uno de los artistas más importantes de la historia, que supo definir la estética sonora y visual de mucho de lo que se vendría, llevando la corona de la vanguardia en cada uno de sus alter-egos que nos proponía.
David Bowie
A 10 años de la muerte de David Bowie. Considerado uno de los artistas más importantes de la historia, el británico supo definir la estética sonora y visual de mucho de lo que se vendría, llevando la corona de la vanguardia en cada uno de sus alter-egos que proponía.
«Space Oddity» – David Bowie (1969)
En 1969 el Major Tom partía en su primer viaje a través del espacio, dejando la tierra y despidiéndose de sus seres queridos para adentrarse en un viaje por el universo. Se supo que en algún momento perdió el contacto con la tierra y se quedó flotando en su pequeña lata de ojalata. Al menos eso dice la historia relatada en “Space Oddity”. Después no se supo mucho mas de él hasta ayer. Se dice que volvió a la tierra y anduvo haciendo algunas cosas que afectaron en gran medida a muchas personas.
Se sabe que su legado es conocido por grandes y por jóvenes. Que no sólo precisaron ser contemporáneos a él para conocerlo, sino que su impacto fue tan grade que publicidades, películas, libros, canciones y demás demostraciones dieron a conocer la importancia que el Major Tom tuvo en la vida del planeta Tierra; un lugar del que, se puede pensar, no era nativo. “Space Oddity” no sólo habla de viajar en el espacio. Es una oda al despoje y a la aventura, que invita a salir de la comodidad y conocer universos desconocidos. Eso es lo que los artistas deben hacer, y lo que el arte debe generar: inquietud. Y desde ya, Bowie fue uno de los pioneros en revolver las cabezas de la gente, ya sea con sus letras, sus videos e incluso sus looks en el escenario.
«Life on Mars?» – Hunky Dory (1971)
Más de tres décadas antes de que misiones como la del Curiosity fueran enviadas al planeta rojo por parte de la NASA, Bowie ya mencionaba la posibilidad de vida en aquel astro vecino en esta canción de su álbum Hunky Dory (1971, RCA Records), con el cual desarrollaría el primero de sus alter egos, andrógino y sofisticado, y a su vez, quizá sin siquiera imaginarlo, fundaría las bases del glam rock.
Lo que pocos saben respecto de este hermoso tema es que además de estar dedicado a su amada, la actriz Hermione Farthingale, quien es mencionada en su letra como «The girl with the mousy hair»; «Life On Mars?» también fue escrita como una parodia a «My Way» de Paul Anka -que fue popularizada en la voz de Frank Sinatra-, y cuya melodía está específicamente inspirada en una canción francesa («Comme d’habitude») que Bowie había versionado años atrás, aunque ese cover finalmente nunca fue publicado.
«Starman» – The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)
“Un hombre de las estrellas espera en el cielo” repite con esperanza y sosiego el verso de “Starman”, la cuarta canción del disco que nos introdujo al magnífico Ziggy Stardust. Esta delicada manera de apelar a aquel inusual y enaltecido alter ego, hoy, tristemente, puede prestarse a la autorreferencialidad. Muchos sienten que Bowie siempre fue un hombre del espacio, alguien que llegó desde lejos para cambiar la homogeneidad de este mundo (mucha de la imaginería que ha construido a lo largo del tiempo ha ayudado a sedimentar esa visión).
No existen palabras para admirar lo intensa, pura y revolucionaria que resultó su incesante búsqueda expresiva para la historia de la música tal como hoy la conocemos, tampoco para agradecerla. Es difícil creer que sólo una vida alcanza para lograr tanto cambio, tanto bien, para impartir tantas enseñanzas y ejercer tanta influencia. Es aún más difícil tener que aceptar su finitud y lidiar con su pérdida. Adjudicar la grandeza y singularidad de una persona como David Bowie a cualidades ajenas a nuestro planeta parece un tanto simplista e injusto. La humildad, hidalguía, sensibilidad y fortaleza (entre tantos otros insuficientes adjetivos) del Duque Blanco glorificaron, ante todo, su cualidad humana.
«Heroes» – Heroes (1977)
De la segunda entrega de la trilogía de Berlín, Heroes, se desprende una canción del mismo nombre. Una canción que nace de la unión de David Bowie y de Brian Eno, y que sumó la producción de Tony Visconti. El sonido psicodélico de la misma parte del krautrock que tanto llamó la atención al Duque Blanco desde que pisó la ciudad que lo acogió, logrando fusionar el Art-Rock y el glam propio de él. Es en aquel estruendo unido de la instrumentación y del feedback sostenido que sería parte del sello particular de la misma.
«Heroes» es un himno generacional, sobre un amor en el muro de Berlín, un amor sin barreras y que justamente rompió la barrera de los tiempos. Muchos decidieron ser un héroe por un día, soñando y saltando cada vez que sonaba esta increíble pieza. Muchas bandas la tomaron como propia, también queriendo ser héroes por un día. Así, bandas como Blondie, Oasis, The Wallflowers, The Smashing Pumpkins, Bon Jovi, King Crimson (grupo del cual hace parte Robert Fripp, quien fue el encargado de la guitarra en el tema original), entre tantos otros que siguen cayendo rendido ante esta joya musical que incluso ha sido versionada en idiomas como el alemán, francés y español.
«Scary Monsters (and Super Creeps)» – Scary Monsters (and Super Creeps) (1980)
Fiel a su título de inventor de la reinvención, Bowie aprovechó el cambio de década para dar cierre a su experimental trilogía de Berlín y emigró hacia la escena new wave de Nueva York. El disco que nació de esto es Scary Monsters (and Super Creeps) (1980, RCA Records), en donde confluyeron su usual vanguardismo con una fresca e impenitente sensibilidad pop en un balance inmaculado.
Esto está perfectamente ilustrado en la canción homónima, donde los solos arácnidos e intrincados de Robert Fripp son seguidos de gritos coreables a medida que el tema incrementa su intensidad por sobre una base de percusión metálica. La voz afectada del duque blanco acá es maravillosa, y adoro la guitarra de Fripp: es grotesca, amenazante y la amo. El momento más épico de mi disco favorito de Bowie.
«Let’s Dance» – Let’s Dance (1983)
Retando constantemente al núcleo del rock e innovando la pista con una fiesta indeleble de pop. Distintivo por una voz oscura y ligera que se impone profundamente en cada imperativo “let’s dance”. Reinventándose una vez más al ritmo glam que lo caracteriza, siendo portada de todas las revistas. El último y mayor éxito comercial como artista, que luego de haber colaborado con Queen, logró escalar la cima máxima en su denominada “etapa comercial” activando arquetipos del pop.
Además de su intelectualidad y originalidad en cada frase dance de su obra: «put on your red shoes and dance the blues». Portavoz popular e influyente del baile con carácter único. La esencia misma de David Bowie en un poco más de tres minutos. Provocativo de por vida.
«Absolute Beginners» – Absolute Beginners: The Original Motion Picture Soundtrack (1986)
Grabada en Abbey Road en 1986, cuando apareció en la banda sonora de la película del mismo nombre y donde también aparece El Duque Blanco actuando. La intro estridente, rockera de por sí, se va calmando cuando llega la voz de Bowie, a la que se le suma un coro femenino que emociona; se denota algo melancólico al oír el sonido de saxo sumado a los tintineos del piano y de los teclados. «Absolute Beginners» no es una canción para que tus pies bailen, es una canción para que tu corazón lata con más fuerza.
A pesar de la letra sencilla, quizás algo cursi («If our love song/ Could fly over mountains / Could laugh at the ocean / Just like the films»), logra volverse un himno eterno para los principiantes absolutos del amor. Y es que cuando uno se enamora siempre vuelve a cero cuando nace ese sentimiento. Artistas tan variados han caído bajo el influjo de esta canción y han hecho su propia versión, tal es el caso de Saint Etienne y Carla Bruni, entre otros.
«The Heart’s Filthy Lesson» – Outside (1995)
Es imposible imaginar la musica, esa, con la que todos nos babeamos, sin la existencia de David Bowie. Por decir, como quien se disfraza de Ziggy Stardust, Berlín, de sus andanzas junto a Lou Reed e Iggy Pop, pasando por «Ashes to Ashes» (icónico videoclip que definió el concepto MTV en su nacimiento) Bowie es para algunos cuantos, como ese Tío, ese familiar que no conocimos pero que respetamos, por la palabra trasmitida de otros o por vivencias cercanas que nos recuerdan a él de vez en cuando. 1995, la musica caía sangrante luego del vacío dejado por la bala que atravesó la cabeza de Cobain y termino con el grunge, los aires de desprecio por el mundo y las camperas de tartan y caia en las garras de las multinacionales en busca de una nueva estampita para comerciar.
«The Heart’s Filthy Lesson» comenzó a rotar por los medios y rápidamente todos entendieron que el Camaleón habia vuelto. Clase magistral de rock industrial, dentro de una de sus especiales obras conceptuales, Outside (Virgin Records), su 19vo disco, marcó el camino para la banda sonora del fin de milenio (Trent Reznor, hijo pródigo de Duque blanco, agradecido y gozado, la edición single incluye su version remix del tema para los que quieran escucharla), es una perfecta fusión estética y sonora, el lamento de Ramona A. Stone, el crujido de los synths del gran Brian Eno (como dijo Bono alguna vez, “muchos músicos van a escuelas de arte, nosotros fuimos a Brian Eno”), el recorrido es oscuro, experimental, entre cuerpos que cuelgan, degradante y ritual.
«Blackstar» – Blackstar (2016)
«Blackstar» muestra una de las características esenciales de Bowie: la capacidad de sorprender. Pero la sorpresa que elabora Bowie no se basa en el shock, en el sobresalto. Es una sorpresa de esas que revelan una verdad oculta, una realidad que se vuelve posible, pero antes era insospechada. Una nueva realidad que cuando llegamos a verla la reconocemos inmediatamente como una pieza esencial que nos estaba faltando. «Blackstar» no solo sorprendió por aparecer, sin aviso previo y anunciando un nuevo disco. Sorprende por su sonido, su ambiente, su estructura.
El aire ominoso, la voz fantasmal, la percusión hipnótica, nos sumergen durante cinco minutos en un viaje onírico que, precisamente como un sueño, se deshace en otra cosa muy diferente. Pero no en algo completamente ajeno o en un azar caprichoso. «Blackstar» se transforma inesperadamente en una melodía de esas que solo puede lograr Bowie y que resignifica lo que estábamos escuchando. En sus diez minutos pasa por encima de lo experimental y lo tradicional, sin anclarse a ninguna categoría, trascendiéndolas.
«Lazarus» – Blackstar (2016)
Quizás no quisimos verlo, pero David Bowie nos avisó que estaba por irse con el videoclip de «Lazarus», el último que publicó en su carrera, apenas tres días antes de su muerte. Hospitalizado, vendado y con los delirios propios de la agonía, Bowie se actuó a sí mismo en su lecho de muerte. La parca está debajo de la cama, acechando. Pero no hay miedo, hay sonrisa y hasta hay baile. También hay ironía y, en los últimos versos de la canción, hay un dejo de esperanza ante el inevitable final: «You know, I’ll be free». Martín Sanzano
Si eres fan de los viajes en el tiempo, de las historias con múltiples líneas temporales, de los saltos hacia adelante y hacia atrás, estas 10 series de Netflix te van a enloquecer.
Si eres fan de los viajes en el tiempo, de las historias con múltiples líneas temporales, de los saltos hacia adelante y hacia atrás, estas 10 series de Netflix te van a enloquecer.
Dark
En esta serie hay múltiples líneas temporales y un entramado sumamente complejo donde pasado, presente y futuro se unen de manera fascinante.
Sinopsis: La desaparición de un niño lleva a cuatro familias a una frenética búsqueda, mientras descubren un misterio que abarca tres generaciones.
Reparto: Louis Hofmann, Karoline Eichhorn, Lisa Vicari, Maja Schöne, Jördis Triebel.
Origen: Alemania.
The Umbrella Academy
En esta serie, protagonizada por superhéroes disfuncionales, hay muchos saltos temporales y una constante ruptura de las reglas del espacio tiempo.
Sinopsis: La muerte de su padre reúne a los miembros separados de una familia de superhéroes llamada Umbrella Academy, que trabajan juntos para resolver la misteriosa muerte.
Reparto: Elliot Page, Tom Hopper, David Castañeda, Emmy Raver-Lampman, Robert Sheehan, Aidan Gallagher.
Origen: Estados Unidos.
Muñeca rusa
Esta serie habla sobre los bucles temporales, pues la protagonista revive una y otra vez el mismo día.
Sinopsis: Sigue las aventuras de una joven que repite una y otra vez la misma noche en la ciudad de Nueva York. La mujer se ve atrapada en un misterioso bucle en el que asiste a una fiesta y muere esa misma noche, para despertar al día siguiente totalmente ilesa.
Reparto: Natasha Lyonne, Charlie Barnett, Greta Lee.
Origen: Estados Unidos.
1899
En esta serie que rompe su propia cronología, el tiempo, la percepción y la realidad son claves para entender qué les sucede a los pasajeros de un barco misterioso.
Sinopsis: Inmigrantes multinacionales que viajan del viejo continente al nuevo se encuentran con un acertijo de pesadilla a bordo de un segundo barco a la deriva en mar abierto.
Reparto: Emily Beecham, Aneurin Barnard, Andreas Pietschmann, Miguel Bernardeau, José Pimentão.
Origen: Alemania.
The OA
Esta serie propone saltos entre dimensiones y realidades alternativas.
Sinopsis: La historia comienza cuando Prairie Johnson, una chica ciega desaparecida siete años atrás, reaparece en su ciudad habiendo recuperado la vista. Un milagro para unos, un bicho raro para otros, el caso es que Prairie, que se hace llamar OA, decide no contar dónde estuvo estos 7 años a sus padres o al FBI, sino a cinco personas del pueblo, unos pocos elegidos que entenderán de dónde viene: de más allá de lo desconocido, del umbral de un mundo nunca visto.
Reparto: Brit Marling, Jason Isaacs, Scott Wilson.
Origen: Estados Unidos.
Cadáveres
La trama de esta serie cruza varias líneas temporales que dialogan entre sí.
Sinopsis: Cuatro detectives. Cuatro líneas de tiempo. Un cadáver. Para salvar el futuro de Gran Bretaña, primero tendrán que resolver el asesinato que cambió el curso de la historia.
Reparto: Jacob Fortune-Lloyd, Shira Haas, Amaka Okafor, Stephen Graham, Tom Mothersdale.
Origen: Reino Unido.
Viajeros
En esta serie no hay viajes temporales pero sí alteraciones del tiempo.
Sinopsis: En cientos de años, los humanos sobrevivientes aprenden a enviar la conciencia a través del tiempo, a la gente del siglo 21, e intentan cambiar el rumbo de la humanidad.
Reparto: Eric McCormack, MacKenzie Porter, Nesta Cooper, Jared Abrahamson, Reilly Dolman.
Origen: Canadá.
Archivo 81
Esta serie dramática con tintes de ciencia ficción propone viajes a universos alternativos y es narrada en dos líneas de tiempo divididas.
Sinopsis: Un archivista acepta restaurar unas cintas de video y se ve enredado en el misterio que rodea la desaparición de una cineasta y el culto demoníaco que ella investigaba.
Reparto: Mamoudou Athie, Dina Shihabi, Evan Jonigkeit.
Origen: Estados Unidos.
Outlander
En esta serie histórica hay viajes temporales y una mujer atrapada entre dos amores y dos épocas.
Sinopsis: Sigue la historia de Claire Randall, una enfermera de combate casada en los años 40, que misteriosamente es arrastrada atrás en el tiempo hasta 1743, donde se lanza de inmediato a un mundo desconocido, viéndose amenazada su propia vida. Cuando se ve obligada a casarse con Jamie Fraser, un joven guerrero escocés caballeroso y romántico, Claire comienza un pasional triángulo entre dos hombres muy diferentes con dos vidas irreconciliables.
Reparto: Caitriona Balfe, Sam Heughan, Tobias Menzies, Duncan Lacroix, Laura Donnelly.
Origen: Estados Unidos.
Las 7 vidas de Léa
Esta serie no solo plantea una trama de misterio sino también de viajes en el tiempo.
Sinopsis: Una mujer tropieza con el cuerpo de Ismael, un adolescente desaparecido treinta años antes, y el hecho la lleva de regreso a 1991 y la ve despertar cada mañana en el cuerpo de una persona diferente.
De Lady Gaga a Prince, a continuación repasamos cinco tapas de discos protagonizadas por motos.
La motocicleta es un elemento fuertemente asociado a la cultura del blues en Argentina, también al universo del heavy metal y, en términos conceptuales, es un vehículo que emana sensualidad y rebeldía. Por eso, numerosos músicos han elegido incorporarla en las portadas de sus álbumes.
5 tapas de discos protagonizadas por motos.
Meat Loaf – Bat Out of Hell (1977)
Para su disco debut, el excéntrico músico apostó por una imagen que no pasaría desapercibida, y la idea habría nacido de JimSteinman, también compositor del álbum. En esta tapa puede verse la ilustración de un hombre —o criatura— que parece emerger de su tumba en un cementerio. La imagen, repleta de elementos que se despliegan sobre un fondo rojo, estuvo a cargo de Richard Corben y fue mencionada por la revista Q en su lista de “Las cien mejores portadas de discos de todos los tiempos”.
Meat Loaf – Bat Out of Hell (1977)
Lady Gaga – Born This Way (2011)
Este es uno de los discos más icónicos de la carrera de Gaga, en el que abandonó su estética puramente ligada al pop y propuso una portada con rasgos de glam rock en la que su cuerpo es el de una motocicleta. Su rostro aparece en primer plano y sus brazos se integran como parte de la estructura del vehículo. Oscura y extraña, esta tapa, a cargo de Nick Knight, posiblemente no sea uno de sus mayores aciertos estéticos y conceptuales, pero sí resulta reconocible al instante.
Lady Gaga – Born This Way (2011)
Mötley Crüe – Girls, Girls, Girls (1987)
La motocicleta simboliza sensualidad, libertad y rebeldía, y nada mejor que esos conceptos para una banda de glam metal. Este fue su cuarto álbum de estudio y en la portada pueden verse a los cuatro integrantes luciendo sus portentosas melenas y camperas de cuero, mientras que dos de ellos montan motocicletas estilo chopera. El disco fue un gran éxito para la banda y marcó un viraje hacia el blues.
Mötley Crüe – Girls, Girls, Girls (1987)
Cheap Trick – In Color (1977)
Para su segundo disco, la banda de rock estadounidense ideó un concepto moderno que plantea el diálogo entre el pasado y el presente. En la portada se ve, en una foto a color, a dos integrantes de la banda sentadas sobre motocicletas choperas, con una actitud desafiante. En la contratapa, en cambio, aparece el resto del grupo en una imagen en blanco y negro, montando motocicletas más antiguas.
Cheap Trick – In Color (1977)
Prince – Purple Rain (1984)
El glamour, el rock y la ambigüedad sexual lograron condensarse en una sola portada. Los responsables fueron la directora de arte Laura LiPuma y los fotógrafos Ed Thrasher y Stuart Douglas Watson, quienes montaron un escenario que emana el espíritu ochentoso y la extravagancia de Prince. En esta imagen se ve al músico montado sobre una moto, con una niebla detrás que representa tanto el smog como el humo del escenario. En un segundo plano aparece una mujer en la puerta de su casa, en una clara señal de erotismo. Como detalle final, el álbum cuenta con un marco floreado que le da un toque naif y suaviza el conjunto de elementos.
He-Man es un icono cultural, uno que no ha tenido la atención necesaria en los últimos años.
Afortunadamente, Amazon quiere cambiar esto, ya que en un futuro estará disponible la película de Masters of the Universe, y por fin tenemos un vistazo oficial a esta cinta live action.
Por medio de sus redes sociales, Amazon MGM ha compartido el primer teaser oficial de Masters of the Universe, la nueva película live action de He-Man, la cual llegará a los cines el próximo 5 de junio del 2026. Esta es la descripción oficial de este proyecto:
“Tras 15 años separados, la Espada de Poder conduce al Príncipe Adam (Nicholas Galitzine) de regreso a Eternia, donde descubre que su hogar ha sido destrozado por el malvado gobierno de Skeletor (Jared Leto). Para salvar a su familia y su mundo, Adam debe unir fuerzas con sus aliados más cercanos, Teela (Camila Mendes) y Duncan/Hombre de Armas (Idris Elba), y abrazar su verdadero destino como He-Man, el hombre más poderoso del universo”.
El regreso de He-Man
Si bien He-Man tuvo un par de animaciones en los últimos años, y estos personajes han formado parte del consciente colectivo desde su primera aparición, la realidad es que la propiedad no ha recibido la atención necesaria. De esta forma, Masters of the Universe tiene el potencial de acercar esta franquicia a una nueva generación, incluso si este no es su público objetivo.
Recuerda, Masters of the Universe llegará a los cines el 5 de junio del 2026. De igual forma, este avance de hoy es solo una pequeña muestra de esta cinta, el tráiler completo llegará el día de mañana.
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En el reparto están:
Nicholas Galitzine como el príncipe Adam/He-Man
Camila Mendes como Teela
Jared Leto como Keldor/Skeletor
Alison Brie como la profesora Evelyn Powers/Evil-Lyn
Idris Elba como Duncan/Hombre de armas
Sam C. Wilson como Kronis/Trap Jaw
Hafþór Júlíus Björnsson como el hombre cabra
Kojo Attah como Tri-Klops
Morena Baccarin como «Sorcerer», que habita en el castillo Grayskull
Jóhannes Haukur Jóhannesson como Malcolm/Fisto
Sasheer Zamata como Suzie
James Purefoy como el rey Randor
Charlotte Riley como la reina Marlena Glenn
Jon Xue Zhang como Ram-Man
Kristen Wiig como Roboto
Travis Knight dirige a partir de un guion de Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee y Dave Callaham. La historia es de Aaron Nee, Adam Nee, Alex Litvak y Michael Finch. Los productores de la película son Todd Black, Jason Blumenthal, Robbie Brenner, Steve Tisch y DeVon Franklin. La producción ejecutiva está a cargo de Ynon Kreiz, Bill Bannerman y David Bloomfield.
