La Radio del Coach de la Birra
#YConCervezaEsMejor
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Carlos Segura
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toma y deja tomar, ley de la birra
He-Man es un icono cultural, uno que no ha tenido la atención necesaria en los últimos años.
Afortunadamente, Amazon quiere cambiar esto, ya que en un futuro estará disponible la película de Masters of the Universe, y por fin tenemos un vistazo oficial a esta cinta live action.
Por medio de sus redes sociales, Amazon MGM ha compartido el primer teaser oficial de Masters of the Universe, la nueva película live action de He-Man, la cual llegará a los cines el próximo 5 de junio del 2026. Esta es la descripción oficial de este proyecto:
“Tras 15 años separados, la Espada de Poder conduce al Príncipe Adam (Nicholas Galitzine) de regreso a Eternia, donde descubre que su hogar ha sido destrozado por el malvado gobierno de Skeletor (Jared Leto). Para salvar a su familia y su mundo, Adam debe unir fuerzas con sus aliados más cercanos, Teela (Camila Mendes) y Duncan/Hombre de Armas (Idris Elba), y abrazar su verdadero destino como He-Man, el hombre más poderoso del universo”.
El regreso de He-Man
Si bien He-Man tuvo un par de animaciones en los últimos años, y estos personajes han formado parte del consciente colectivo desde su primera aparición, la realidad es que la propiedad no ha recibido la atención necesaria. De esta forma, Masters of the Universe tiene el potencial de acercar esta franquicia a una nueva generación, incluso si este no es su público objetivo.
Recuerda, Masters of the Universe llegará a los cines el 5 de junio del 2026. De igual forma, este avance de hoy es solo una pequeña muestra de esta cinta, el tráiler completo llegará el día de mañana.
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En el reparto están:
Nicholas Galitzine como el príncipe Adam/He-Man
Camila Mendes como Teela
Jared Leto como Keldor/Skeletor
Alison Brie como la profesora Evelyn Powers/Evil-Lyn
Idris Elba como Duncan/Hombre de armas
Sam C. Wilson como Kronis/Trap Jaw
Hafþór Júlíus Björnsson como el hombre cabra
Kojo Attah como Tri-Klops
Morena Baccarin como «Sorcerer», que habita en el castillo Grayskull
Jóhannes Haukur Jóhannesson como Malcolm/Fisto
Sasheer Zamata como Suzie
James Purefoy como el rey Randor
Charlotte Riley como la reina Marlena Glenn
Jon Xue Zhang como Ram-Man
Kristen Wiig como Roboto
Travis Knight dirige a partir de un guion de Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee y Dave Callaham. La historia es de Aaron Nee, Adam Nee, Alex Litvak y Michael Finch. Los productores de la película son Todd Black, Jason Blumenthal, Robbie Brenner, Steve Tisch y DeVon Franklin. La producción ejecutiva está a cargo de Ynon Kreiz, Bill Bannerman y David Bloomfield.
De The Beatles a Pink Floyd, pasando por Rosalía hasta Serú Girán, a continuación repasamos 10 canciones que hablan sobre el dinero.
El dinero es uno de los pilares en la vida de cualquier persona. Más allá de que es necesario para sobrevivir, permite acceder al lujo y a una vida que el sistema vende como superior, aunque ya ha sido probado que nunca es suficiente. El dinero forma parte de muchas canciones, ya sea venerando lujos y defenestrándolos, hablando sobre la necesidad de supervivencia y de lo conflictivo que puede ser en las relaciones amorosas.
Pink Floyd durante la producción de The Dark Side of the Moon en 1972.
10 canciones que hablan sobre el dinero.
Gwen Stefani – «Rich Girl»
En esta suerte de reversión del clásico «If I Were a Rich Man» de El violinista en el tejado, Gwen Stefani va haciendo una lista de todas las cosas que se compraría si fuera una «chica rica». Lo cierto es que la letra se presenta bastante irónica, dado que la artista ya era muy famosa cuando estrenó la canción.
AC/DC – «What Do You Do for Money Honey?»
En esta canción crítica sobre el poder que tiene el dinero sobre la personas, AC/DC postula en el estribillo: «¿Qué estás dispuesto a hacer por dinero?». De este modo, cuestionan la forma en la que las personas se ganan el dinero, la ambición por tener cosas materiales y lujosas y por perseguir la riqueza.
The Beatles – «Can’t Buy Me Love»
Este hit de The Beatles ha sido identificado muchas veces como un mensaje sobre la prostitución, aunque la letra literalmente habla de que el dinero no puede comprar a las personas. Si bien se mencionan diferentes posesiones materiales como los anillos de diamantes, el yo de la letra expresa que no se interesa por el dinero.
Serú Girán – «José Mercado»
En esta canción experimental y progresiva de Serú Girán, la letra hace referencia a un hombre que todo lo piensa en términos económicos y lujos pasajeros: «José Mercado compra todo importado. Lleva colores, síndrome de Miami». Una clara crítica al mundo de los negocios y el cipayismo.
Donna Summer – «She Works Hard For The Money»
Para esta canción clásica de los años 80, Donna Summer se inspiró en una mujer a la que vio extenuada trabajando en un baño, tras una fiesta de los premios Grammy. La cantante decidió hablar sobre cómo le cuesta a muchas personas ganarse su dinero.
Rosalía – «Millonaria»
En esta canción interpretada en catalán, Rosalía habla del sueño de ser millonaria que tenía de chica: «Qué se yo que nací para ser millonaria», expresa mientras lista los lujos que sueña poseer. En el videoclip hace de una joven que va a un programa de televisión para obtener dinero fácil.
Daryl Hall & John Oates – «Rich Girl»
Este clásico soul de los años 70 habla sobre una chica rica que puede depender del dinero de su padre. Si bien la melodía es tierna y amigable, la letra dice que el dinero no arregla todos los problemas ni la hará mejor persona.
Los Auténticos Decadentes – «El dinero no es todo»
La banda cuenta la historia de una persona que está quebrada económicamente. «La que ganás, te la gastás», agrega el coro del tema que va en contra de ahorrar dinero y habla de disfrutar el momento. La canción se estrenó en el año 2000, cuando muchos argentinos no tenían trabajo, y está narrada desde el humor.
Destiny’s Child – «Bills, Bills, Bills»
Este tema pop habla del dinero en las relaciones amorosas. Mientras que este factor estuvo a cargo del hombre durante mucho tiempo, el trío de mujeres se queja de tener que sostener a su novio que usa su auto, no llena el tanque, utiliza sus tarjetas y no paga ninguna de las cuentas.
Pink Floyd – «Money»
Esta es la canción más famosa sobre el dinero. De hecho, la introducción cuenta con sonidos de cajas registradoras y monedas que luego se van uniendo como base del tema. El hit de Pink Floyd es una crítica al sistema de consumo feroz y la prisión que representa el dinero para gran parte de la humanidad.
Con una mezcla de nostalgia y pasión geek, un fanático creó la página a partir de una biblioteca digital de 40.000 videoclips, agrupados según el título de icónicos programas como “Unplugged” o “120 minutos”
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Como muchos que crecieron devorando videos musicales en MTV, FlexasaurusRex — el seudónimo online de un autodenominado “creador conceptual”— se estremeció cuando leyó los informes a finales del año pasado que decían que la cadena podría dejar de transmitir. “Tuve esa sensación nostálgica de que algo se iba y no merecía morir”, dijo.
Esos rumores resultaron prematuros: aunque la cadena canceló un montón de sus canales musicales globales, el canal principal, junto con derivados musicales como MTV Classic, aún permanecen en Estados Unidos. Pero Flex (como se hace llamar) ya había decidido un plan para mantener encendidas las luces de la vieja MTV. El 3 de enero lanzó uno de los proyectos más fanáticos de Internet: MTV Rewind, un archivo no oficial en formato de sitio web y aplicación que busca recrear la experiencia de tomar un control remoto, cambiar de canal y ver y escuchar música, no los realities que ahora la dominan.
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MTV Rewind es una plataforma no oficial que revive la experiencia original de la cadena MTV con videos musicales clásicos
Organizados por época o género, cada uno de la docena de canales de MTV Rewind emite un flujo incesante de clips que te transportan a los días del hair metal y el heartland rock (los años 80) o el grunge y el goth (los años 90). Canales bautizados con nombres de los programas emblemáticos de la cadena, como Headbangers Ball, Yo! MTV Raps o Club MTV, recuperan videos musicales de metal, hip-hop y dance. ¿Te gusta e ver algunos videos de Catherine Wheel o Mercury Rev? Te espera una recreación de 120 Minutes, el foro alternativo de la cadena. Para aportar un sabor de época adicional, Flex intercaló anuncios de productos.
MTV Rewind ofrece más de 40,000 videoclips musicales organizados por épocas y géneros
Después de que Flex publicara un enlace en Reddit, el sitio recibió más de 500.000 visitas en las primeras horas, según dijo en una entrevista en video. Las redes sociales se convirtieron en un hervidero de elogios, y Les Garland, uno de los fundadores de MTV, le envió una nota de felicitación. Hasta esta semana, según Flex, la página ha acumulado 1,2 millones de visitas. “No me di cuenta de cuánto resonaría esto con la gente y ese sentido de pérdida”, dijo. “Ni siquiera creo que las personas supieran que lo estaban extrañando.” (Paramount, propietaria de MTV, no respondió a una solicitud de comentarios).
“La calidad de los videos es buena, y tiene una de esas cosas que era grandiosa en la radio y en la MTV de antes: el elemento sorpresa”, dijo el V.J. original de MTV, Mark Goodman, quien volvió a disfrutar de “Weapon of Choice” de Fatboy Slim mientras navegaba por el sitio. (A Goodman le decepcionó la ausencia de las entradas vintage de V.J.s como él —“la radio y los canales de videos musicales son mejores con un curador”—, pero Flex dijo que está dispuesto a incluir ese tipo de material en el futuro).
En cuanto al misterioso Flex, es, en sus palabras, un ex “vendedor de gemas y minerales” de Eugene, Oregón, llamado Louis. (Rehusó dar su apellido: “Prefiero mantener esto separado de mi trabajo”). Ahora tiene 43 años; nació un año después del arribo de MTV. “Crecí en un pueblo maderero, así que pasaba muchas noches largas con la MTV de fondo”, dijo. “Era como una manta de seguridad.”
Cuando llegó el Covid, Flex dijo que se introdujo en el ámbito de las artes digitales y los medios, y ahora se describe como “creador conceptual con habilidades de codificación”. Desde hace dos meses, vive en Albania, “buscando trabajos a medida que surgen y haciendo diseño web”. Por ahora, el sitio es gratuito y no tiene publicidad, pero Flex pide donaciones de 5 a 50 dólares para pagar el servidor y “mantener mi adicción al café albanés”.
.El lanzamiento de MTV Rewind acumula más de 1,2 millones de visitas en tan solo 10 días
Una vez decidido a arrancar con su proyecto obsesivo, Flex se sumergió en la Internet Music Video Database, un sitio que ordena créditos, fechas de lanzamiento y otros datos de 95.000 videoclips musicales que datan desde los años 60. “Me di cuenta de que existía un enorme archivo de videos antiguos, y muchos de ellos están comenzando a desaparecer por completo”, dijo. El primer día, MTV Rewind presumía de unos 3.000 clips extraídos de YouTube. Desde entonces, esa cifra ha aumentado a unos 40.000, con cada canal albergando entre 400 y 6.000 videos.
En el camino, Flex ha descubierto videos de Serge Gainsbourg (“es el Tom Waits francés”) y actualmente está volviendo a ver el MTV Unplugged de R.E.M. de 1991 en el canal dedicado a presentaciones acústicas de rock. Al agregar material a un canal inspirado en Total Request Live, también observó cómo el rock comenzó a perder presencia en este siglo. “Muchos videos de Justin Timberlake y Jewel”, comentó. “Se ve esa transición abrupta — ya no había rock.”
Flex admite el componente de nostalgia generacional de su creación, pero también cree que es una alternativa necesaria frente a las listas de reproducción actuales generadas por algoritmos. “Podrías ponerlo y seguiría corriendo durante seis meses sin ver la misma canción dos veces”, dijo. “No hay ningún misterio detrás de Spotify en la manera en que mercantiliza la música. Solo buscan maneras de canalizar los intereses de las personas.”
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Otro atractivo deMTV Rewind podría estar en su pureza: una vuelta a una época con redes sociales menos saturadas. “Los videoclips ahora son contenidos de formato largo”, dijo Doug Klinger, cofundador de la Internet Music Video Database. “Está claro que la gente anhela poder ver cosas sin recibir porquería generada por inteligencia artificial. Es nostalgia de hace 30 años —pero también de hace 10.”
Ahora Flex está pensando en un canal dedicado a la música latina tras notar que personas de América Latina visitaban su sitio. Añadir más clips no será problema: ahora que ha dominado la parte técnica, puede subir decenas de miles de videos en un cuarto de hora. “Mucha gente me ha dicho: ‘Puedo mostrarle a mis hijos qué era esto y por qué significaba algo’”, afirmó. “El trabajo no está terminado.”
5 curiosidades que explican por qué Yellow Submarine sigue siendo un objeto de culto y debate entre fans y críticos.
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El 13 de enero, se cumplen 57 años del lanzamiento de Yellow Submarine en los Estados Unidos, el undécimo álbum de estudio de The Beatles (publicado en el Reino Unido cuatro días después, el 17 de enero de 1969) y concebido como la banda sonora de la película animada homónima, estrenada en Londres en junio de 1968.
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A simple vista puede parecer un disco menor dentro del catálogo impoluto de los Fab Four, pero su historia guarda giros y detalles que lo vuelven extraordinario: desde la combinación de material nuevo y antiguo, pasando por el trabajo orquestal de George Martin, hasta una recepción crítica fría, aunque acompañada por el cariño sostenido del público.
Si bien el LP incluye apenas seis canciones de la banda en la cara A -entre ellas dos hits ya conocidos, «Yellow Submarine» y «All You Need Is Love»-, la cara B está ocupada por la exuberante partitura compuesta y arreglada por Martin para la película homónima.
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The Beatles.
El proyecto, en buena medida fruto de una obligación contractual, reunió composiciones escritas para la banda sonora y piezas rechazadas o sobrantes de sesiones previas. El resultado fue un producto amable y llamativo que llegó al top 5 tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos y que, con los años, volvió a circular en múltiples reediciones, tanto en CD como en formatos digitales.
cinco curiosidades que explican por qué Yellow Submarine sigue siendo un objeto de culto y debate entre fans y críticos.
1. Canciones que venían de antes
Aunque el disco salió en 1969, buena parte de su repertorio no fue grabado desde cero para la película. «Yellow Submarine» ya figuraba en Revolver (1966) y «All You Need Is Love» fue un single lanzado de forma global en junio de 1967 (más tarde incluida en la versión americana de Magical Mystery Tour). Otras piezas, como «Only a Northern Song» y la extensa «It’s All Too Much», venían de sesiones anteriores vinculadas a Sgt. Pepper. De hecho, la incluida en Yellow Submarine es una versión acotada de una toma que originalmente duró cerca de ocho minutos.
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2. George Martin en estado orquestal
La segunda cara del LP no contiene canciones de The Beatles sino la banda sonora instrumental compuesta y orquestada por George Martin para la película. Martin convocó una orquesta de 41 músicos para algunas piezas. En la edición estadounidense, dos cortes se registraron como un medley, lo que redujo el conteo de pistas en la cara B. El trabajo orquestal fue, dicho sea de paso, lo más elogiado por la crítica en un disco que el resto del tiempo fue considerado como menor dentro de la discografía de la banda.
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3. «Across the Universe» casi forma parte del disco
En los planes iniciales, Yellow Submarine llegó a barajar diferentes formatos: hubo quien propuso incluso convertirlo en un EP de cinco temas que incluyera «Across the Universe». Finalmente esa canción fue descartada de última hora y terminó apareciendo dos años después en Let It Be (1970), lo que muestra cómo, en la era beatle, el destino de una canción podía cambiar de disco en disco según las necesidades del proyecto cinematográfico o discográfico.
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4. «Hey Bulldog» y «All Together Now»: ¿Compuestas para la película?
Algunas piezas de la cara A sí parecen haber sido compuestas especialmente para el film, entre ellas «All Together Now» y «Hey Bulldog» (esta última registrada en febrero de 1968). Sin embargo, hay versiones opuestas. John Lennon llegó a negar que «Hey Bulldog» fuera escrita ad hoc, ya que la grabación se produjo en un contexto de filmación y promoción más amplio (la banda la registró, entre otras cosas, mientras rodaba material promocional). Lo mismo para el caso de «All Together Now». Esta mixtura de motivos creativos y circunstanciales es parte del encanto y la rareza del disco.
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5. Cameos y una portada inolvidable
Aunque la fórmula del disco fue cuestionada por algunos críticos, su publicación quedó asociada a momentos culturales bastante peculiares y precisos: la retransmisión vía satélite de «All You Need Is Love» contó con los coros y apariciones de figuras comoMick Jagger, Marianne Faithfull, Donovan, Eric Clapton y Keith Moon. Además, la estética del disco fue confiada al ilustrador Heinz Edelmann, cuya portada y contraportada aportaron la dimensión visual psicodélica que la película exigía.
De Queen a Emmanuel Horvilleur, a continuación repasamos 10 canciones que hablan sobre la radio y/o la utilizan de manera metafórica.
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La radio fue uno de los principales medios de entretenimiento y difusión musical en el siglo XX. Hoy convive con múltiples formatos, pero aún mantiene una impronta irremplazable; tal vez por eso cientos de músicos han escrito canciones sobre ella. A continuación, 10 canciones que hablan sobre la radio y/o la utilizan de manera metafórica.
10. Ramones – «Do You Remember Rock and Roll Radio?»
Este tema se corre del estilo punk clásico de Ramones, ya que incluye diversos instrumentos gracias a la producción de Phil Spector. En lo que respecta a la letra, habla con nostalgia de las épocas en las que la radio tuvo un rol fundamental en la difusión del rock and roll.
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9. Los Fabulosos Cadillacs – «Radio Kriminal»
Con una estética reggae, la banda comandada por Vicentico utiliza la radio como metáfora del enfrentamiento entre la policía y las clases populares. Se trata de una canción de protesta sobre la exhibición de lo que se considera criminal y la situación de Sudamérica en los años 90.
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8. Steely Dan – «FM (No Static at All)»
En clave de crítica, Steely Dan habló de la tendencia de las radios en los 70 de seleccionar contenido orientado a los formatos de discos de rock. De hecho, esta canción nació por encargo para la película FM, con la condición de que tratara sobre este tipo de emisoras.
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7. Bruce Springsteen – «Radio Nowhere»
Este tema ganó dos premios Grammy y, a pesar de que Bruce Springsteen alcanzó gran parte de su fama gracias a la difusión radial, para la época de los 2000 se encontró criticando la homogeneidad de las transmisiones y las decisiones puramente comerciales.
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6. Regina Spektor – «On the Radio»
En este tema en el que brillan principalmente piano y voz, la cantante hace un guiño a Guns N’ Roses al decir: «En la radio escuchamos ‘November Rain'». Así, cuenta una historia de amor que está cruzada por la música.
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5. The Buggles – «Video Killed the Radio Star»
Este fue el primer videoclip emitido por la cadena televisiva MTV y, paradójicamente, la letra habla con nostalgia de los tiempos pasados. La canción se centra en cómo los avances tecnológicos impactaron en la difusión de la música y en las experiencias de los oyentes, especialmente con la llegada del videoclip y el desplazamiento de la radio.
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4. Emmanuel Horvilleur – «Radios»
Uno de los mayores hits de la carrera solista de Emmanuel Horvilleur, en el que habla de las «radios modernas» y de la música pegadiza que hace bailar al público y lo transporta a través del poder del sonido. A tono con la letra, este tema es una pieza de pop electrónico a la que es imposible resistirse en una pista de baile.
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3. ZZ Top – «Heard It on the X»
Como otras canciones de esta lista, el tema de ZZ Top habla con nostalgia de la radio que llevó a muchos músicos a encontrarse por primera vez con las músicas que marcarían su carrera. En este caso, hacen referencia y homenaje a las emisoras de radio «Border Blaster» de México.
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2. Rage Against the Machine – «Guerrilla Radio»
El tema ganador del premio Grammy a «Mejor performance de hard rock» es, como muchos de la banda, de contenido político. Específicamente, hace referencia al clima que se vivía en Estados Unidos durante la elección que enfrentó a George W. Bush y Al Gore, y al rol que tuvieron los medios para moldear sus campañas.
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1. Queen – «Radio Ga Ga»
Cuando hablamos de canciones que mencionan a la radio, Queen se lleva sin dudas el primer puesto gracias a uno de los mayores hits de su carrera. De hecho, Lady Gaga tomó su nombre de este tema. En la letra hacen referencia al advenimiento de MTV y a la cultura juvenil, por eso incitan a volver a las radios con el estribillo: «Todo lo que escuchamos en radio Ga Ga».
El perro de Good Boy, hizo historia al ganar un premio de actuación.
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El año pasado llegó a los cines Good Boy, una película de terror narrada desde el punto de vista de un perro que se muda con su dueño a una casa en el campo y descubre fuerzas sobrenaturales que acechan en las sombras. En los últimos días, la película volvió a estar en boca de todos porque Indy, el animal protagonista, se llevó un premio.
Indy se consagró en los Astra Awards 2026, donde ganó como Mejor actuación en una película de horror o thriller, una categoría en la que sus competidores eran, por supuesto, humanos. El perro le arrebató el galardón a actores de renombre como Ethan Hawke -nominado por Teléfono negro 2-, Alison Brie -por Together-, Sally Hawkins -por Haz que regrese-, Sophie Thatcher -por Compañera perfecta–y Alfie Williams -por 28 Years Later-.
Ben Leonberg, dueño del perro y director de la película, aceptó el premio a través de un video. “En nombre de Indy, estamos profundamente agradecidos y emocionados de ser reconocidos por su trabajo en una película en la que él no entiende del todo que participó”, expresó. “Este premio y este increíble grupo de nominados reflejan la libertad que el terror les da a los intérpretes y, en nuestro caso, a los entrenadores, para jugar, experimentar y empujar los límites creativos”.
El glam rock nació a principios de los 70 en Reino Unido, con artistas como Marc Bolan y David Bowie.
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El glam rock nació a principios de los 70 en Reino Unido, con artistas como Marc Bolan y David Bowie llevando la música y la imagen a un nuevo nivel de teatralidad y extravagancia. Su sonido combinado de rock, pop y un estilo visual muy particular rompió esquemas y ayudó al género a convertirse en una contracultura influyente.
Con el tiempo, este estilo evolucionó y se entrelazó con el hair metal de los 80 y el rock más visual y extravagante de los 90. Sin embargo, el glam rock supo atravesar esas épocas y, aunque con mucho menos fuerza que la que tenía en los 70, logró sobrevivir hasta la actualidad.
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Queremos invitarte a un viaje en el que vamos a repasar las 15 mejores canciones de glam rock de todos los tiempos.
15. Warrant – “Cherry Pie”
Del álbum Cherry Pie (1990), producido por BeauHill. Es un himno de glam metal que fue escrito espontáneamente por Jani Lane en una servilleta y alcanzó el Top 10 en EE.UU.
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14. Mötley Crüe – “Kickstart My Heart”
Incluida en Dr. Feelgood (1989), bajo producción de BobRock. La canción habla del despertar a la vida tras la sobredosis de Nikki Sixx. Sus riffs veloces y su energía hicieron que el álbum alcanzara el número 1.
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13. Def Leppard – “Pour Some Sugar on Me”
De Hysteria (1987), coronado por el productor MuttLange. Con un estribillo pegadizo, alcanzó el número 2 en Billboard y se convirtió en un clásico de los 80.
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12. Def Leppard – “Photograph”
Del álbum Pyromania (1983), también producido por Mutt Lange. Un tema que mezcló melodías potentes con guitarras afiladas, consolidando su sonido glam-metal.
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11. Alice Cooper – “School’s Out”
Tema principal de School’sOut (1972), producido por el propio Alice Cooper. Rebelde e icónico, alcanzó el primer puesto en Reino Unido y se transformó en un himno para los chicos que terminan el ciclo escolar.
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10. Kiss – “Strutter”
Incluida en Kiss (1974), con producción de Kenny Kerner y RichieWise. Aunque no fue single, es una de sus canciones más reconocibles en vivo, con riffs que mezclan glam y hard rock.
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9. Mott the Hoople – “All the Young Dudes”
Compuesta y producida por David Bowie para el disco All the Young Dudes (1972). Un himno generacional que salvó a la banda y aún hoy es referente del género.
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8. T. Rex – “Hot Love”
Lanzada en Electric Warrior (1971) y producida por TonyVisconti. Fue el primer gran hit de MarcBolan, con ritmo pegadizo y estilo glam desde el arranque.
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7. David Bowie – “Suffragette City”
Del disco Ziggy Stardust (1972), de producción íntegramente de Bowie. Con actitud punk-rock y energía cruda, es uno de los momentos más potentes de su era glam.
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6. David Bowie – “Life on Mars?”
Incluida en Hunky Dory (1971), también producida por el Duque Blanco. Una balada llena de arreglos, surrealista y uno de los grandes momentos creativos del género.
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5. Sweet – “Ballroom Blitz”
De Desolation Boulevard (1974), con producción de Chinn/Chapman, este tema explosivo cuenta con golpes de batería y vocales en falsete que quedaron para la historia.
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4. Roxy Music – “Virginia Plain”
Simplemente el single debut del grupo (1972), producido por BryanFerry. Continúa siendo uno de los temas más distintivos del artpop glam.
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3. T. Rex – “Get It On (Bang a Gong)”
Incluida en Electric Warrior (1971), producida por Tony Visconti. Grabada en parte en Estados Unidos y parte en Londres, con Rick Wakeman en piano. Llegó al primer puesto en el Reino Unido y al décimo en EE.UU.
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2. T. Rex – “20th Century Boy”
Single lanzado en 1973 y producido por Visconti. Grabada en Tokio, la letra menciona frases de Muhammad Ali. Alcanzó el número 3 en el Reino Unido y se transformó en uno de los temas más influyentes de Bolan.
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1. David Bowie – “Ziggy Stardust”
De The Rise & Fall of Ziggy Stardust (1972), disco producido por el propio Bowie. Cuenta la historia de un rockstar ficticio y resume todo lo que el glam significa: estilo, drama y actitud.
Álvaro Segura es un guitarrista, compositor y creador venezolano cuya obra ha acompañado a varias generaciones dentro del rock alternativo. Tras una etapa marcada por su participación en Zapato3 -proyecto emblemático de amplia trayectoria en escenarios nacionales e internacionales- hoy transita un camino completamente propio, guiado por una visión artística más íntima, madura y experimental.*
Su sonido combina la crudeza del rock con una sensibilidad cinematográfica: guitarras que van de lo atmosférico a lo abrasivo, letras cargadas de simbolismo y arreglos que exploran la tensión entre lo delicado y lo perturbador. Su universo creativo bebe de influencias que van del surrealismo a la estética visual contemporánea, integrando capas sonoras y conceptuales que revelan un artista que piensa la música más allá del formato tradicional.
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A lo largo de su carrera ha colaborado con destacados músicos, productores e ingenieros, construyendo un sonido propio que se reconoce por su profundidad emocional y su identidad estética. Su búsqueda actual está marcada por la libertad creativa absoluta: un espacio donde puede desdoblarse como guitarrista, compositor y narrador de historias internas, sin ataduras estilísticas ni expectativas ajenas.
Más que una reinvención, esta etapa representa para Segura un regreso a su esencia: un acto de honestidad artística donde la experiencia, la técnica y la vulnerabilidad convergen para dar forma a una obra personal, intensa y en constante evolución.
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El álbum incorpora colaboraciones que amplifican su identidad y amplían su espectro sonoro, destacando la participación de Reis (Candy66) en voz y synth y de Didi Gutman en los teclados del tema “Osita De Peluche” lazando como primer single junto a un video; mientras que Tóxic Tito suma segundas voces en “Lobo Solitario”. Además, el disco incursiona en el rap con Bostas Brain y Tony Blaze (CityMonks) en “Respuestas”. Esta diversidad de invitados refuerza la naturaleza híbrida del proyecto y enlaza distintas generaciones de la música alternativa venezolana.
El álbum fue producido entre Texas, Estados Unidos y Caracas, Venezuela por Víctor Hugo Mendoza y Álvaro Segura, mezclado en New York, EEUU, por el reconocido ingeniero venezolano Héctor Castillo, y masterizado en Caracas, Venezuela por DBMix Studios. Un regreso cargado de significado.
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“Así Lo Veo Yo” se encuentra disponble en las plataformas de streaming y también en formato fisico vinilo.
Todavía existe un puñado de bandas que no solo resisten sino que siguen girando, grabando o celebrando su propia carrera.
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Comenzó el 2026 muy bien atraparon a Maduro!! y, contra todo pronóstico, hay varias bandas de rock icónicas que, a su manera, se mantienen vigentes y tocando a pesar del paso de los años. Mientras muchas agrupaciones de antaño ya se retiraron, separaron o redujeron su actividad, todavía existe un puñado de bandas que no solo resisten sino que siguen girando, grabando o celebrando su propia carrera.
Algunas pueden haber cambiado integrantes y otras reinterpretado su legado con nuevas formaciones, pero todas comparten algo esencial y es que siguen activas en la actualidad, dando shows, tocando y con una historia que continúa escribiéndose.
10 bandas de rock longevas que siguen activas al día de hoy.
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1. The Rolling Stones (1962 – presente)
Formados en 1962, los Rolling Stones no solo son una de las bandas más longevas que siguen en actividad en 2026, sino también una de las más influyentes de la historia del rock. Con Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood todavía al frente, el grupo sigue revalidando su condición de institución cultural global. Aunque recientemente la banda descartó salir de gira este año, es imposible negar su impacto y vigencia.
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2. Lynyrd Skynyrd (1964 – presente)
Pioneros del rock sureño, Lynyrd Skynyrd dio sus primeros pasos en 1964 y sigue en pie más de 60 años después. A pesar de las tragedias que la atravesaron y sus cambios de formación, su música sigue viva en giras como la «Double Trouble Vision Tour» compartida con Foreigner, programada para julio y agosto de 2026.
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3. Scorpions (1965 – presente)
Los veteranos del hard rock alemán siguen girando más de 50 años después de su fundación. Scorpions celebran décadas de éxitos con shows contundentes que combinan clásicos, incluyendo residencias y giras internacionales.
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4. Deep Purple (1968 – presente)
Formada en Hertford, Inglaterra, en 1968, Deep Purple es una de las bandas clave en el nacimiento del hard rock y el heavy metal. A más de cinco décadas de su debut, el grupo continúa activo en 2026, con giras internacionales y nuevos lanzamientos que confirman una vigencia poco común.
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5. Judas Priest (1969 – presente)
Sin duda alguna, Judas Priest es una de las columnas vertebrales del heavy metal. Con más de cinco décadas de carrera, la banda no solo sigue en actividad en 2026, sino que continúa girando y editando material nuevo, sosteniendo una identidad sonora que ayudó a definir el género.
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6. AC/DC (1973 – presente)
Formada en Sídney en 1973 por los hermanos Malcolm y Angus Young, AC/DC sigue siendo una fuerza irrefrenable. A más de 50 años de su nacimiento, la banda australiana mantiene su vigencia con giras masivas y un repertorio que funciona como un manual definitivo del hard rock.
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7. Iron Maiden (1975 – presente)
Desde 1975, Iron Maiden fue sinónimo de heavy metal de alto calibre. La icónica banda británica continúa con su «Run For Your Lives World Tour», con el que llegarán a la Argentina los días 20 y 21 de octubre con dos shows progrmados en el Estadio de Huracán.
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8. Foreigner (1976 – presente)
Los creadores de himnos del rock melódico como «I Want to Know What Love Is» siguen activos 50 años después de su formación. Este año, Foreigner tiene programadas varias fechas a lo largo de Norteamérica y Europa.
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9. The Damned (1976 – presente)
Uno de los grupos pioneros del punk británico, The Damned, celebra más de cinco décadas de historia. Con discos nuevos y presentaciones en diferentes escenarios, mantienen un lugar destacado en la escena del rock internacional incluso al día de hoy.
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10. The Cure (1978 – presente)
Formada en 1976 pero bautizada como The Cure en 1978, la banda sigue activa al día de hoy como uno de los grupos más longevos y consistentes del rock alternativo. Con Robert Smith como núcleo creativo, el grupo atravesó el post-punk, el goth rock y el dark pop sin resignar su identidad.
De Nirvana a Radiohead, los 5 mejores discos de rock de los 90, que aún continúan vigentes.
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Oasis – (What’s the Story) Morning Glory? (1995) / Radiohead – OK Computer (1997) / Red Hot Chili Peppers – Californication (1999)
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La década del 90 representó un momento de profunda renovación para el rock, sobre todo el de habla inglesa. Fue en esos años cuando explotó el grunge, nació el britpop, se afianzó la fusión de géneros y apareció una tendencia conceptual de sinsentido que atravesó a gran parte de los artistas.
En los 90, bandas ya consagradas se renovaron, como Guns N’ Roses con Use Your Illusion y Metallica con el Black Album. También se consolidaron nombres como Soundgarden, Jane’s Addiction y Pearl Jam, con su imbatible disco debut Ten. Además, nacieron álbumes que transformaron la música para siempre. A continuación repasamos los5 mejores discos de rock de los 90, que aún continúan vigentes.
5. Alanis Morissette – Jagged Little Pill (1995)
Si bien los 90 parecían reservar su espacio para las mujeres al pop, muchas figuras femeninas lograron destacarse con propuestas rockeras. Entre ellas, el disco de la canadiense fue uno de los más sobresalientes gracias a su sonido fresco, a la rabia de sus canciones combinada con una inusitada ternura, y al impacto que logró en todo el mundo. “Ironic”, “Hand In My Pocket” y “You Oughta Know” son los hits más populares de este álbum premiado, que logró sostener tanto la calidad musical como el éxito comercial.
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4. Oasis – (What’s the Story) Morning Glory? (1995)
Desde Inglaterra, en los 90 llegó la renovación del rock de la mano del britpop, con Oasis y Blur a la cabeza -bandas que representaban un sonido similar, aunque se volvieron rivales-. Ese mismo año, Blur publicó The Great Escape, y la banda de los hermanos Gallagher se despachó con el disco más exitoso de su carrera, en el que desplegaron melodías nostálgicas, guitarras irresistibles y una pizca de insolencia.
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3. Red Hot Chili Peppers – Californication (1999)
Hacia el final de la década, la banda californiana renovó su sonido radicalmente. Con el foco puesto en una propuesta potente, más ligada al rock alternativo que al funk de sus primeras épocas, Red Hot Chili Peppers terminó de consagrarse masivamente con este disco repleto de hits, que logró una fuerte popularidad también por el empuje de los canales de televisión especializados en videoclips.
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2. Radiohead – OK Computer (1997)
En su tercer disco, Radiohead aborda el sentir de un fin de época, traducido en el cierre del milenio, con un álbum cuasi conceptual sobre el consumismo, la alienación y la vorágine de los avances tecnológicos. El disco se aleja de las canciones despojadas de sus trabajos anteriores y apuesta por una mayor experimentación e inclusión de sonidos electrónicos, así como letras tan introspectivas como metafóricas.
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1. Nirvana – Nevermind (1991)
Hablar de rock en la década del 90 puede ser sinónimo de Nevermind. El segundo disco de Nirvana fue el que los llevó a la cima del éxito y se volvió la representación del grunge a nivel mundial. Con letras que hablan sobre la incomodidad y la incomprensión en el mundo, sobre emociones extremas, el amor y la muerte, la banda liderada por Kurt Cobain no solo instaló una forma de hacer música, sino también una forma de ser joven.
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