La Radio del Coach de la Birra #YConCervezaEsMejor

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Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

Qué ver en Netflix: 3 series animadas recomendadas por la crítica

Las series de animación tienen un lugar privilegiado en Netflix, pero no todas logran el aval de la crítica. A continuación recomendamos 3 series animadas con excelentes comentarios que te van a interesar.

Panteón (2022)

Episodios: 16.

Origen: Estados Unidos.

Creador: Craig Silverstein.

Mejores críticas: «Retrato de un mundo que cambia rápidamente, documentando la carnicería emocional que queda a su paso, con un efecto apasionante, preocupante y, en última instancia, bastante conmovedor» (The Hollywood Reporter); «Con suficiente tiempo y paciencia, su vasta red de ideas superpuestas podría solidificarse en una historia de ciencia ficción profundamente satisfactoria» (Variety); «Una buena animación y personajes convincentes ayudan a presentar razones para continuar más allá del piloto» (IGN).

Maddie es una adolescente que sufre acoso escolar y que recibe una ayuda online de forma misteriosa. El desconocido dice ser su padre David, fallecido recientemente, cuya consciencia ha sido subida a la Nube con un escáner cerebral destructivo. David es el primero de un nuevo tipo de ser: un Uploaded Intelligence, pero no será el último, al desencadenarse una conspiración global que amenaza con una nueva clase de guerra mundial.

Long Story Short (2025)

Episodios: 10.

Origen: Estados Unidos.

Creador: Raphael Bob-Waksberg.

Mejores críticas: «De alguna manera, esta es una serie que necesitamos ahora mismo: inteligente, abierta, empática y sin un ápice de sentimentalismo» (Boston Globe); «Su estilo de animación es sencillo, pero su sencillez es engañosa, y sus toques de creatividad pueden llegar a ser mágicos» (Financial Times); «Una emocionante comedia familiar animada ‘hecha por humanos'» (El Periódico).

Long Story Short sigue a una familia a lo largo del tiempo. A través de los años, acompaña a los hermanos Schwooper desde la infancia hasta la edad adulta y viceversa, narrando sus triunfos, decepciones, alegrías y compromisos.

Carol y el fin del mundo (2023)

Episodios: 10.

Origen: Estados Unidos.

Creador: Dan Guterman.

Mejores críticas: «Lo que la distingue y la hace superior a cualquier punto de referencia es la forma en que desgrana grandes observaciones sobre la vida misma» (Collider); «Resuena con todos los terrores médicos, meteorológicos y políticos que animan la actual oleada de entretenimientos apocalípticos, pero no pretende asustarte ni darte lecciones» (The New York Times); «Es un alegato conmovedor y creativo para reconstruir la sociedad, antes de que sea demasiado tarde» (IndieWire).

Con un misterioso planeta precipitándose hacia la Tierra, la extinción es inminente para los habitantes del mundo. Mientras la mayoría se siente liberada para perseguir sus sueños más salvajes, una mujer callada y siempre incómoda permanece sola, perdida entre las masas hedonistas.

Crítica de Michael: Una lectura sesgada de una figura extraordinaria

Las historias originales escasean en estos tiempos del cine mainstream. Las biopics se acoplan a una tendencia a la que también responden las sagas, los remakes y los spin-offs, en la que un producto cultural ya aprobado por el público da origen a una nueva película. Así, era solo cuestión de tiempo para que nos encontráramos con la película biográfica de Michael Jackson, una de las figuras más fascinantes y controvertidas del mundo de la música y un verdadero fenómeno por la envergadura de su influencia y éxito.

Michael llegó a las salas de cine para atraer a miles de personas curiosas por conocer más sobre la vida del «Rey del pop» y deleitarse con sus canciones. El resultado de este proyecto, del cual participó parte de la familia Jackson, es una historia claramente edulcorada y tendenciosa que se vale de los más anquilosados valores clásicos en términos de guion que ya no funcionan en nuestro cine. En esta película, la fascinante historia de vida de Michael Jackson es reducida a una polarización entre buenos y malos y entre talentosos y ambiciosos; todo esto condensado en la figura de Jackson y su padre, respectivamente.

La narración se sitúa en los comienzos en la música de un Michael niño, junto a sus hermanos en la banda Jackson 5, la cual formó parte del legendario sello Motown y sería el puntapié para que el músico diera el paso hacia su carrera solista. En el medio, aparece un padre violento, exigente y deseoso de hacer dinero a costa del talento nato de sus hijos —en este marco, las figuras de las mujeres están completamente desdibujadas y resumidas en roles de cuidado y acompañamiento—. A partir de allí, veremos el vertiginoso ascenso del cantante hacia la fama mundial gracias a sus álbumes Off the Wall y Thriller.

Michael (2026)
Michael (2026)

Pedir rigor histórico a las biopics comerciales es una contradicción en sí misma, por lo que cabe aclarar que la película dirigida por Antoine Fuqua es una lectura muy sesgada del artista. Por un lado, sus zonas oscuras quedan completamente anuladas —lo cual se vuelve inverosímil cuando hablamos de una estrella de este calibre— y se acentúa su forma aniñada de ser, producto de una infancia que no fue vivida. Pero, para construir un héroe angelical, se necesita de un villano demoníaco, y esto es lo que representa el padre, Joseph, quien tampoco está construido con sus peores aspectos de la vida real.

Más allá del facilismo moral y de guion que plantea el film (el cual cierra con un claro anuncio de una secuela), sí es digna de rescatar la interpretación de Jaafar Jackson (sobrino del músico), quien domina las artes de Jackson casi a la perfección. Asimismo, la reconstrucción de época, el vestuario, los conciertos y los videoclips están logrados con eficacia, aunque es lo mínimo que se puede esperar de una producción de este calibre. Al salir del cine, solo queda claro que Michael Jackson fue una figura completamente extraordinaria y que, posiblemente, un film que intenta imitarlo no haya sido la mejor de las decisiones.

Michael está disponible en salas de cine.

 

Las 10 mejores canciones de metal de los años 2000

El metal surgió en los años 70 y, tanto esa década como la siguiente, podrían destacarse como las más interesantes. Aunque con el tiempo no solo fueron apareciendo nuevas bandas, sino también nuevos subgéneros, el metal se ha ido renovando, conquistando incluso a los más fundamentalistas. A continuación, 10 canciones clave del metal estrenadas a lo largo de la década de los 2000 (vía Loudwire).

Iron Maiden – «The Wicker Man» (2000)

Este tema está inspirado en la película homónima que se estrenó en los años 70 y se inscribe dentro del subgénero de folk horror. La canción recibió una nominación a los premios Grammy en la categoría Mejor Interpretación de Metal.

System of a Down – «Chop Suey!» (2001)

Este tema pertenece al álbum Toxicity, la placa con la que la banda saltó a la fama y se convirtió en uno de sus mayores éxitos. System of a Down se inscribió dentro del nü metal, el subgénero del metal que tuvo su esplendor en los 2000. La canción logró una nominación al Grammy y es una de las mejores piezas de metal de este siglo.

Tool – «Lateralus» (2001)

Esta canción, homónima al disco en el que está incluida, tiene la particularidad de haber sido escrita siguiendo la sucesión de Fibonacci para generar el número de sílabas de cada línea. La pieza tiene más de 9 minutos de duración. Fue durante los 2000 cuando Tool tuvo su verdadera explosión, y este disco fue la confirmación de ello.

Slipknot – «Duality» (2004)

Este tema de Slipknot no solo se volvió popular por sus recursos musicales, que lograron llegar a un público más amplio que el exclusivo del metal -de hecho, fue incluido en múltiples videojuegos-, sino también porque fue estrenado junto a un videoclip que es considerado uno de los mejores de la banda, en el que se muestra a una multitud de jóvenes destrozando una casa.

Opeth – «Ghost of Perdition» (2005)

El tema que abre el disco Ghost Reveries es una interesante pieza de 10 minutos que se inscribe dentro del metal progresivo, con diferentes secciones que no solo se distinguen musicalmente, sino también por la interpretación vocal, que va desde una voz gutural hasta un estilo de balada. La canción fue incluida en el videojuego Saints Row 2.

Gojira – «From the Sky» (2005)

El tema pertenece al disco conceptual From Mars to Sirius, en el que la banda francesa habla sobre el cambio climático y la responsabilidad de la humanidad. Esta canción presenta un yo que se siente desahuciado frente al mundo: “Siento que nadie puede salvarme, estoy tan solo. Aun así lloro y pido ayuda”, expresa uno de los momentos más potentes de la letra.

Lamb Of God – «Redneck» (2006)

Esta es una de las mejores canciones de la banda y pertenece a su quinto álbum, Sacrament. Sobre el sentido de la canción, el cantante Randy Blythe expresó: “Se trata de la gente en la industria de la música, cuyos egos se vuelven innecesariamente inflados y lo muestran. Es una canción general. Se aplica a cualquiera. Si un fan piensa ‘Oh, este tipo es un idiota’, adelante, tómala y hazla propia”.

The Dillinger Escape Plan – «Milk Lizard» (2007)

Este tema también fue incluido en el videojuego Saints Row 2 y forma parte del disco Ire Works. La canción fue estrenada junto a un videoclip, lo que aumentó su popularidad. Y si bien el disco se inscribe dentro del metalcore, este tema también suma una sonoridad muy cercana al punk, tanto por las guitarras como por la interpretación vocal.

Meshuggah – «Bleed» (2008)

La banda sueca de metal extremo es una de las mejores de la actualidad. En lo que respecta a «Bleed», es uno de los temas más destacados del disco obZen por rescatar el estilo thrash metal de sus comienzos. En 2023, la revista Rolling Stone la incluyó en su lista de las mejores 100 canciones de metal de todos los tiempos.

Mastodon – «Oblivion» (2009)

Esta es la canción más exitosa del álbum Crack the Skye y cuenta con un destacado videoclip inspirado en 2001: Odisea en el espacio de Stanley Kubrick. Este tema, que cuenta con un estribillo de corte melódico, se incluyó en el videojuego Brütal Legend.

Los 5 mejores soundtracks de la historia según especialistas

La música es un elemento fundamental para una película. Y, así como existen bandas sonoras originales que han logrado impactar en el público —como es el caso de El rey leónTiburón y El bueno, el malo y el feo—, también existen soundtracks que fascinan por recurrir a lugares conocidos por los espectadores.

A continuación, los cinco mejores soundtracks según BroBible.

5. Romeo + Julieta

Baz Luhrmann hizo una lectura moderna de la obra clásica de William Shakespeare y, para ello, un soundtrack fresco fue fundamental. Así, incluyó temas de rock y pop alternativo, siendo uno de los fundamentales «Lovefool» de The Cardigans. Además, esta banda sonora que se volvió un éxito de ventas también incluye «Talk Show Host» de Radiohead y «#1 Crush» de Garbage.

4. Guardianes de la galaxia

El primer film de esta saga de Marvel se presentó al público con una exquisita selección de canciones retro de rock, R&B, soul, funk y otros géneros musicales, mientras los personajes desarrollaban sus aventuras espaciales. David BowieThe Jackson 5The RunawaysMarvin GayeRedbone y más artistas están presentes en este soundtrack, el cual fue lanzado como álbum y logró posicionarse durante once semanas en lo más alto del Billboard Top Soundtracks.

3. El cuervo

Para los amantes de la música alternativa, este soundtrack es oro puro. Así como la estética de esta película «maldita», la música se expresa dentro del universo gótico. Nine Inch Nails interpreta una versión de “Dead Souls”, de Joy Division, y se incluyen piezas de The CureStone Temple Pilots y Rage Against the Machine. Se trata de una banda sonora conformada por nombres fundamentales de la música alternativa de los 90, donde también conviven el post punk, la música gótica y el rock industrial.

2. Forrest Gump

Tal como esta película dirigida por Robert Zemeckis, la banda sonora tiene un fuerte espíritu estadounidense. Además de ser una historia altamente emotiva, las canciones que componen el soundtrack son clásicos atemporales que, además, marcan las diferentes épocas que abarca la trama: “California Dreamin’”, de The Mamas and the Papas; “Blowin’ in the Wind”, interpretada por Joan Baez; “Mrs. Robinson”, de Simon & Garfunkel, entre muchas otras.

1. Dazed and Confused

Desde el título de esta película adolescente —que hace referencia a un hit de Led Zeppelin—, estrenada en 1993, ya podemos advertir que la música será un factor fundamental. Dado que la historia se sitúa en los años 70, la banda sonora también cuenta con varias piezas rockeras de la época. Desde “Sweet Emotion”, de Aerosmith, que fue elegida para la introducción, hasta “Paranoid”, de Black Sabbath, pasando por temas de Alice Cooper y The Runaways.

Día de Star Wars: Por qué se celebra el 4 de mayo

Cada 4 de mayo se celebra el Día de Star Wars a nivel mundial.

Cada 4 de mayo se celebra el Día de Star Wars a nivel mundial. La saga creada por George Lucas es una de las más icónicas de la historia del cine y, desde los años 70, ha recolectado devotos de todas las edades que veneran su historia, personajes y conceptos.

La elección de esta fecha se debe al juego de palabras con la frase histórica «May the 4th be with you», una parodia del eslogan original de la franquicia, «May the Force be with you» («Que la fuerza te acompañe»).

Esta efeméride funciona como la excusa perfecta para que fanáticos y salas de cine organicen eventos, reuniones y proyecciones que fortalecen el mito popular y los lazos de la comunidad. Este año, la celebración cobra una relevancia especial, ya que se encuentra muy cercana al estreno de Star Wars: The Mandalorian and Grogu, que llegará a los cines el 22 de mayo.

Todo comenzó con Episodio IV: Una nueva esperanza

Cabe recordar que el debut de la saga con Episodio IV: Una nueva esperanza ocurrió el 25 de mayo de 1977, representando el puntapié inicial de una franquicia exitosa tanto a nivel comercial como crítico. Desde la ciencia ficción y el cine fantástico, Lucas fundó una épica espacial sobre la lucha entre el bien y el mal que anticipó el fenómeno de los blockbusters de los años 80. Junto a hitos como Tiburón, Star Wars marcó el inicio de una era donde el cine se vive no solo en las salas, sino también a través de los fandoms, el merchandising y los posteriores spin-offs.

La historia detrás del póster más icónico de Star Wars

En lo que respecta a la historia del póster de Episodio IV: Una nueva esperanza, este fue creado en primera instancia por Tom Jung, aunque Lucas no quedó del todo conforme con su trabajo. Y allí es cuando entran en escena los hermanos Hildebrandt. Cuando Jung construye la pieza con Luke Skywlaker y Leia, Lucas pidió una versión más al estilo cómic. Los Hildebrandt fueron contratados para mejorar esta idea primigenia de Jung, pero en muy muy poco tiempo.

En menos de 36 horas, los hermanos perfeccionaron esta obra, tomando fotos a dos personas (luciendo como Luke y Leia) para usar de referencia, y aumentando el brillo e impacto de los colores, en orden de llegar a esta estética más ligada al cómic. Lucas expresó su disconformidad con el póster original apenas una semana antes del estreno, lo que obligó a la producción a buscar rápidamente a alguien que resolviera la situación a la brevedad y con cero presupuesto.

En entrevista con Gizmodo, Greg Hildebrandt recuerda:

“[Cuando estábamos comenzando] llevamos nuestro portafolio a esta agencia y, justo en estas sillas, estaban estas pinturas terminadas, unas siete u ocho, para Young Frankenstein. Tim y yo acabábamos de salir. Queríamos hacer un cartel. Ellos dijeron: ‘Bueno, todo el presupuesto se ha ido. Todo está agotado y se enviarán mañana a la costa oeste.’ Y dije: ‘No me importa. Haremos uno.’ Y dijeron: ‘¿Para mañana?’. Nos dieron un montón de anotadores 8 x 10. Tracé un plan en el camino de regreso a Jersey, donde vivimos. Nos fuimos a casa, agarramos la Polaroid, agarramos algunas personas, tomamos modelos, pintamos una imagen durante la noche y la llevamos de vuelta al estudio. Al día siguiente estaban sacudiendo la cabeza en plan ‘¿Qué demonios?'».

Star Wars

Las 10 mejores baladas rockeras de los años 80

La década de los años 80 es considerada como uno de los periodos más interesantes en la historia de la música pop. Fue un tiempo en el que diferentes estilos musicales se combinaron, cuando surgieron nuevos artistas y otros ya establecidos encontraron su lugar.

El pop dominó esta década que se distinguió por su apertura a lo moderno, acompañado de un conservadurismo subyacente, además de la experimentación con drogas, reflejando un mundo en crisis y la necesidad de aferrarse a ciertas creencias en medio de un caos generalizado.

Entre los clásicos bailables de estos años se encuentran algunas baladas románticas interpretadas por grupos de rock. A continuación,

10 baladas de rock de los 80.

Whitesnake – «Is This Love»

En los 80 había muchas bandas de glam rock y Whitesnake fue una de las más importantes. Con «Is This Love» -que alcanzó el número 25 en la lista de sencillos del Reino Unido- lograron llegar a un mayor público, ya que el tema había sido originalmente escrito para que lo cantara Tina Turner. Sin embargo, ellos le dieron su impronta y lo convirtieron en una de las mejores baladas rockeras de todo los tiempos.

INXS – «Never Tear Us Apart» 

INXS condensa en gran parte el sonido de los 80. La fusión entre rock y pop -con algunas notas de funk- encontró su forma perfecta en la exitosa balada «Never Tear Us Apart», una pieza de gran carga sensual, no solo por la inclusión de vientos sino también por la interpretación.

Guns N’ Roses – «Patience»

La banda liderada por Axl Rose supo, de tanto en tanto, entregar inolvidables baladas a su público. Nunca se confirmó el verdadero origen de la letra, pero muchas teorías apuntan a que hablaría sobre las turbulencias en la relación con Erin Everly.

U2 – «With or Without You»

En esta canción Bono describe una relación tortuosa de la que no puede escapar. La letra tiene muchas interpretaciones, aunque el cantautor explicó que quería escribir una canción de amor que abordara problemas reales. Este es uno de los mayores hits de U2 y fue parte del disco Joshua Tree.

Europe – «Carrie»

Entre los múltiples hits que la banda sueca desplegó durante los 80, esta fue la power ballad por excelencia. Este tema es el más exitoso de la carrera de Europe junto a «The Final Countdown», ya que alcanzó el número 3 en la lista de Billboard Estados Unidos.

Def Leppard – «Love Bites»

Esta fue la única canción de la banda inglesa en llegar al número uno en la lista Billboard Hot 100 de EE. UU. Si bien en un principio fue concebida como balada country, luego mutó a balada heavy y el público la consagró para siempre.

Scorpions – «Still Loving You»

Esta power ballad tiene la fuerza y grandiosidad de los himnos radiales de los 80, pero también la nostalgia de aquello que murió. Sobre el significado de la letra, el guitarrista Rudolf Schenker expresó que se trata de «una historia de amor, donde ellos reconocen que han terminado pero quieren tratar de nuevo».

Prince – «Purple Rain»

Si bien Prince no se ciñe específicamente al rock, en esta oportunidad sí apostó por una balada rockera que se aleja del R&B. La presencia de la guitarra con un fabuloso y emotivo solo es lo que la convierte en una gran balada de rock, sumado a la emotividad del coro góspel en el estribillo.

The Police – «Every Breath You Take»

Esta es una de las canciones más famosas de la banda liderada por Sting y también uno de los himnos románticos de los 80. Si bien se trata de una canción de amor, lo llamativo es que su letra presenta a una suerte de acosador que está amenazando con seguir cada paso de la persona amada y que la estará observando cada vez que respire.

Bon Jovi – «Never Say Goodbye»

Este tema sobre dos amantes jóvenes que pretenden pasar el resto de su vida juntos muestra la faceta más naif de la banda. Con un característico riff de guitarra, se convirtió en un hit que nunca falta en sus sets en vivo..

5 motos icónicas del cine que se volvieron leyenda

El cine es una de las artes más populares, ya que logra que sitios específicos, canciones, prendas e incluso vehículos se vuelvan icónicos para el público. La conexión con los personajes, el momento de la historia en el que aparecen o el significado que adquieren a nivel narrativo es lo que hace que distintos elementos de un film trasciendan la pantalla. A continuación, presentamos 5 motos icónicas que aparecen en películas.

Vespa 125

Si la scooter italiana se volvió icónica es, en gran parte, gracias a Vacaciones en Roma, la película de 1953 en la que vemos a Audrey Hepburn Gregory Peck recorrer la capital europea a bordo de esta motocicleta. Esta comedia romántica estadounidense fue clave en la consolidación de la fama de Hepburn, y la moto se convirtió en un símbolo de estilo, libertad y romance, tal como se retrata en el film.

Kawasaki GPZ900R

Si bien en Top Gun el medio de transporte que se lleva todas las miradas son los aviones, también hubo lugar para esta moto icónica de los años 80, en la que vemos a Tom Cruise subirse y reforzar su perfil heroico y de galán moderno. Se trata de un modelo cuyo diseño fue completamente novedoso y funcionó como antesala de la motocicleta deportiva moderna, en sintonía con el espíritu del héroe de la película, que se estrenó apenas dos años después de que el vehículo saliera al mercado.

Ducati 996

Esta superbike italiana es conducida por Trinity durante una intensa persecución en Matrix recargado. Se trata de una pieza que se destaca por su diseño y que suma potencia a la acción y a la estética de esta película de ciencia ficción que marcó una época. Su aparición en el film de 2003 resulta icónica, ya que la moto había dejado de fabricarse en 2002.

Kawasaki ZZR 250

Para crear momentos de acción memorables, un vehículo potente puede ser un recurso altamente efectivo, y Quentin Tarantino optó por esta moto japonesa para una de las secuencias de Kill Bill Vol. I. Quien la conduce es el personaje interpretado por Uma Thurman, cuyo vestuario está en sintonía con este modelo deportivo, también conocido como Ninja 250R, que se convierte en uno de los elementos clave en su camino hacia la venganza.

Harley-Davidson Hydra-Glide

Las motocicletas no solo son sinónimo de rapidez y potencia, sino que también pueden representar un estilo de vida o un fuerte sentido de pertenencia, tal como ocurre con las Harley-Davidson en el clásico del Nuevo Hollywood Easy Rider. Los protagonistas recorren esta road movie sobre motos icónicas, trazando su propio destino en la ruta: las nombran, las adornan y las tratan como si fueran un personaje más, convirtiéndolas en fieles compañeras con las que se presentan ante el mundo. En la película, la filosofía motoquera está ligada a la libertad absoluta, a ser dueños del camino y a avanzar hacia un destino incierto, sin ataduras ni concesiones.

El verdadero «rey del rock and roll» según Elvis Presley

A pesar de que muchos melómanos puedan postular a otro artista como el verdadero Rey del Rock & Roll, lo cierto es que Elvis Presley se ha ganado el honor de llevar ese título. Sin embargo, lo que no todos saben es que él consideraba a uno de sus colegas como el verdadero número uno del género.

Tom Jones fue un gran amigo de Elvis y tuvo la oportunidad de compartir diversos momentos con él, incluido un concierto de Chuck Berry. Fue durante ese evento que Presley designó al autor de «Johnny B. Goode» como “el verdadero Rey del Rock and Roll”.

Chuck Berry
Chuck Berry.

Durante un recital en el Greenwich Summer Sounds, Jones recordó la fascinación que su amigo tenía por la personalidad de Berry: «Una noche, Elvis me dijo: ‘Chuck Berry toca esta noche, ¿quieres ir a verlo?’, así que le respondí: ‘Seguro’».

Y agregó: «Así que fuimos a verlo. Elvis lo estaba mirando en el escenario. Se volvió hacia mí y me dijo: ‘Ahí está el verdadero Rey del Rock and Roll’. Eso es lo que dijo Elvis Presley sobre Chuck Berry”.

 

Los Simpson: explican por qué desaparecieron los gags del sillón

Los gags del sillón, una de las señas de identidad más reconocibles en la intro de Los Simpson desde el inicio de la serie en 1989, dejaron de aparecer en las últimas temporadas. Esta semana, el responsable del programa dio una explicación sobre ese cambio.

Matt Selman, showrunner de la serie, reveló los motivos durante una entrevista en Four Finger Discount, un podcast australiano dedicado al programa: «Desearía tener tiempo para incluir un gag gracioso del sillón en cada episodio, pero no voy a recortar la narración para lograrloQuiero contar la mejor historia posible, y para eso necesitamos 20 minutos y 40 segundos«.

Ante la observación del conductor del podcast sobre el fenómeno del «saltar intro» propio de la era del streaming, el productor reconoció que, de contar con recursos ilimitados, incluiría el chiste en cada episodio, diseñado específicamente para sorprender a los espectadores en las plataformas digitales. Sin embargo, aclaró que los recursos deben destinarse al contenido principal del programa.

El productor también adelantó que la propia serie aborda esa costumbre de los espectadores de omitir las introducciones, en un episodio estrenado el pasado 19 de abril en Disney+. Actualmente, Los Simpson transitan su temporada n°37 y tienen renovación confirmada hasta la temporada 40, lo que garantiza la continuidad del programa más allá de 2027.

5 discos grandiosos que se grabaron en menos de una semana

Hacer una obra maestra puede llevar mucho tiempo o, simplemente, menos de una semana. Así lo demostraron algunas de la bandas más importantes del rock con discos que fueron icónicos y se grabaron en menos de siete días.

5 discos que fueron grabados en menos de una semana.

1. Led Zeppelin – Led Zeppelin (1969)

Led Zeppelin estaba por cambiar el rock, y así lo dejaron asentado en su primer disco, un álbum en el que lograron presentar un estilo definido: el naciente heavy metal, la complejidad de los arreglos de guitarra, la novedosa y andrógina voz de Robert Plant y la potencia de cada canción. En un momento explosivo para el rock, los ingleses experimentaron con la psicodelia, el hard rock y el blues en un disco que llevó solo 30 horas de grabación y mezcla, realizadas en distintas sesiones durante octubre de 1968.

2. Miles Davis – Kind of Blue (1959)

Este emblema del jazz no solo fue un éxito de crítica, sino también a nivel comercial; de hecho, fue el disco más vendido en la historia del género. En lo musical, presentó una fuerte presencia de improvisaciones y se inscribió en el hard bop, aunque también ejerció una notable influencia sobre el rock y la música clásica. El álbum se grabó en dos días —el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959— y llevó, en total, 10 horas.

3. The Beatles – Please Please Me (1963)

La banda que cambiaría la historia de la música debutó con este disco en 1963. Según escribió George Martin, desde el primer momento pensó en grabarlo en pocos días, ya que “era una interpretación sencilla de su repertorio en directo; una especie de transmisión”. Así, el álbum, que contuvo grandes éxitos como “I Saw Her Standing There” y “Misery”, se grabó en cuatro sesiones entre septiembre de 1962 y febrero de 1963. Por su parte, Mark Lewisohn escribió que “difícilmente habrá habido 585 minutos más productivos en la historia de la música grabada”.

4. Bob Dylan – Bringing It All Back Home (1965)

El disco, lanzado en 1965, representó el quinto trabajo de estudio del compositor y fue grabado en solo tres días en los Columbia Recording Studios de Nueva York, durante enero de ese año. Se trató de un trabajo con un cambio notorio en su estilo musical y lírico, así como una referencia a la Invasión británica, el movimiento popular que impulsó la masividad de las bandas británicas en Estados Unidos.

5. The Doors – The Doors (1967)

Con su álbum debut, The Doors logró el disco más vendido de su carrera y solo le llevó una semana grabarlo. Este trabajo, considerado entre los mejores de la historia del rock, logró destacarse en una época saturada de nuevas bandas y artistas. Una de sus claves fue el carisma magnético de su frontman, Jim Morrison, quien con el tiempo se transformaría en uno de los íconos más legendarios del género.