Casablanca es una película estadounidense de drama y romance de 1942.

Uno de los grande estrenos de Disney+ arribó en estos días: se trata de The Beatles: Get Back, una serie de tres partes dirigida por Peter Jackson compilada a partir de más de 60 horas de imágenes nunca antes vistas de la grabación de Let It Be que lleva al público a aquellas sesiones de The Beatles que se convirtieron en un momento crucial en la historia de la música.

Recientemente, Jackson dialogó con NME acerca de este documental y reveló que Disney tuvo la intención de eliminar todas las malas palabras que allí aparecen. Por supuesto, la plataforma no logró salirse con la suya, pues Paul McCartney y Ringo Starr se opusieron con firmeza.  

«Paul [McCartney] lo describe como ser muy crudo», dijo Jackson. «Me dijo: ‘Esa es una descripción muy precisa de cómo éramos en ese entonces’. Ringo [Starr] dijo: ‘Es verdadero’. La veracidad de esto es importante para ellos. No quieren un blanqueo. No quieren que se desinfecte. Disney quería eliminar todas las palabrotas y Ringo, Paul y Olivia [Harrison] dijeron: «Así es como hablamos. Así es como queremos que el mundo nos vea‘».

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Además, el director contó que luego de mostrarles el primer corte, esperaba que los miembros de la banda tuvieran algún reparo o corrección de cara a la edición final. Sin embargo, eso no sucedió: “Cuando terminaron de ver el producto terminado, yo esperaba notas. Hubiera sido normal recibir una devolución que dijera ‘Esa parte donde dije tal cosa, ¿podrías eliminarla?’ o ‘¿Podrías acortar esa conversación?. Pero no recibí nada. Ningún requerimiento ni nada. Uno de ellos dijo que lo vio y fue una de las experiencias más estresantes de su vida. ‘Pero no te haré correcciones’”.

La serie sigue a los cuatro miembros de la banda mientras planean su primer show en vivo en más de dos años y trabajan en 14 nuevas canciones, originalmente destinadas a ser lanzadas en un álbum en vivo. Además, incluye por primera vez en su totalidad el recordado e inolvidable concierto en la terraza del edificio de Apple Corps. (Savile Row, Londres), así como otras canciones y composiciones clásicas que aparecieron en sus dos últimos discos: Abbey Road y Let It Be. Las tres partes de The Beatles: Get Back ya están disponibles en Disney+.

Desde peluches y colonias, pasando por ropa interior, a continuación repasamos algunos de los productos vendidos por grandes artistas de la música.

 

 

Las celebridades de la música se convierten en grandes íconos del pop y la cultura en general. Esto ha hecho que durante años los músicos y músicas, actores y deportistas sean convocados por diferentes marcas y empresas como estrategia de marketing. Así hemos visto a Lou Reed ser la cara de una publicidad de motocicletas o a las divas del pop de los 2000 oficiar de actrices para comerciales de gaseosa. A continuación recogemos la lista de Far Out Magazine sobre los productos más extraños que las estrellas de rock han vendido a lo largo de sus carreras.

Ozzy Osbourne: Peluche de murciélago sin cabeza

El frontman de Black Sabbath ha sido conocido a lo largo de los años por diferentes actitudes transgresoras, pero posiblemente la vez que arrancó la cabeza de un murciélago con la boca arriba del escenario sea la más legendaria. Lo cierto es que Ozzy pensó que desde el público le habían arrojado un murciélago de plástico, y sin saberlo decapitó uno real. En 2019 lanzó como merchandising oficial un murciélago con la cabeza desmontable. «Hoy es el aniversario número 37 de cuando arranqué la cabeza de un murciélago! Celébralo con este peluche conmemorativo decapitable», anunció en su Twitter para promocionar el producto.

Bob Dylan: Victoria’s Secret

Si hay dos cosas que parecen estar diametralmente alejadas son Bob Dylan y la ropa interior femenina. Pero, para sorpresa de muchos, el cantante expresó en una conferencia de prensa de 1965 que si tuviera que vender algún producto, sería ropa interior para mujer. Finalmente, esto se volvió realidad cuando el compositor fue protagonista de un comercial de 2004 de la famosa marca de ropa Victoria’s Secret junto a la supermodelo Adriana Lima, quien vistió de ángel como es la marca registrada de la empresa. La publicidad contó con «Love Sick» de Dylan como banda sonora y se volvió un verdadero hito dentro del mundo publicitario.

 

The Flaming Lips: Gomitas en forma de feto

La banda estadounidense ha lanzado diferentes productos con forma de feto, como una manera provocativa de enviar un mensaje sobre temas tabú, aunque sin explicación específica. Uno de los ítems que lanzaron The Flaming Lips fueron gomitas masticables en forma de feto y también un jabón y un llavero.

Alice Cooper: Equipamiento para golf

El cantante gótico es un gran amante del golf y esto lo ha llevado a protagonizar publicidades de la marca especializada Callaway. Lejos de verlo con los extravagantes vestuarios que lo caracterizan, en el comercial Alice viste un equipo de golf aunque, fiel a su estilo, aparece acompañado de una serpiente, algo que le dio un toque de humor a la publicidad. Además, Cooper escribió un libro sobre el tema titulado Golf Monster: My 12 Steps to Becoming a Gold Addict.

 

Kiss: Colonia

Kiss es una banda que a lo largo de su historia se ha caracterizado por dar suprema importancia al aspecto estético, sobre todo al maquillaje, por lo cual no sorprende que estén cercanos al mundo de la cosmética. Así fue que en 2006, la banda responsable de «I Was Made for Lovin’ You» haya lanzado su propia línea de colonias para hombres y mujeres. Esta fue bien recibida por la crítica especializada, ya que se trató de una mezcla de bergamota, bálsamo, neguilla, sándalo, anís y pimienta blanca. Claramente la alquimia de Kiss creó un potente aroma, ya que sería inesperado que la banda hubiera producido un suave perfume.

 

En una vieja entrevista con Rolling Stone, el líder de The Cure rememoró el primer concierto al que asistió.

En 1967, el músico habló sobre quiénes lo ayudaron a formar su estilo y los tres guitarristas que tuvieron un efecto transformador en su forma de tocar.

Jimi Hendrix pasó a la historia como uno de los mejores y más importantes guitarristas de la historia del rock, pero al igual que cualquier otro colega suyo, él también fue influenciado por otros expertos de las seis cuerdas que dieron que hablar en su época. Durante una entrevista de 1967 con Steve Barker, el músico habló sobre quiénes lo ayudaron a formar su estilo y los tres violeros que tuvieron un efecto transformador en su forma de tocar.

Tal y como recuerda Far Out Magazine, en aquella oportunidad el nacido en Seattle dijo: «Me gustaba Elmore James, lo primero de Muddy Waters y cosas así. Robert Johnson y todos esos tipos viejos«. Posteriormente, cuando fue consultado por si sentía alguna conexión con los músicos de blues de antaño, el artista fue tajante al asegurar: «¡No, porque ni siquiera puedo cantar! Donde comencé a tocar la guitarra fue en el noroeste, en Seattle, Washington».

“No hay muchos de los verdaderos cantantes de blues allá. Cuando realmente aprendí a tocar fue en el sur del país. Luego entré en el ejército durante unos nueve meses. Pero encontré una manera de salir de eso. Cuando salí, me fui al sur y todos estaban tocando blues, y fue entonces cuando realmente comencé a interesarme en la escena», continuó.

Un año después del mencionado diálogo, Hendrix volvió a nombrar a Waters, esta vez durante una entrevista con Rolling Stones. “El primer guitarrista que conocí fue Muddy Waters”, comentó en aquella oportunidad. “Escuché uno de sus viejos discos cuando era un niño y me asustó muchísimo, porque escuché todos esos sonidos. Pensé: ‘Vaya, ¿de qué se trata todo eso?’. Fue genial».

El vocalista de Led Zeppelin opinó al respecto y hasta sugirió una manera de calmar las aguas en ese supuesto conflicto entre los dos titanes del rock.

Robert Plant se animó a hablar sobre la legendaria rivalidad entre The Beatles y The Rolling Stones. De acuerdo con lo reportado por medios especializados como NME, el vocalista de Led Zeppelin opinó al respecto y hasta sugirió una manera de solucionar ese supuesto conflicto entre los dos titanes del rock.

Para empezar, el ídolo de 73 años se permitió dudar de la vigencia de esa disputa entre los Fab Four y los liderados por Mick Jagger. Concretamente, señaló: «No creo que exista ninguna pelea. Se conocen desde 1963. Se aman desesperadamente».

En cuanto al modo de resolver esas diferencias, se animó a decir que Paul McCartney «debería tocar el bajo con los Stones». Vale recordar que este no es el único asunto sobre el que Plant habló por estos días, pues recientemente se refirió al proceso judicial sobre «Stairway To Heaven» que su banda enfrentó hace poco. Sobre tal demanda, Robert aseguró que fue un incidente «desagradable» y «desafortunado».

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Por su parte, Macca fue el encargado de reavivar la pelea entre los Beatles y los Rolling Stones al calificar a estos segundos como «una banda de covers de blues». Ni corto ni perezoso, el propio Jagger le contestó a los pocos días. Lógicamente, ese intercambio entre ellos no pasó inadvertido por sus fans y suscitó un fuerte debate en las redes sociales.

La realidad es que se trata de un conflicto que todavía da mucho que hablar, aunque no caben dudas de que durante muchos años los miembros de ambos grupos han sabido llevarse bien, y hasta han colaborado en algunas canciones especiales.

El fútbol es un deporte que mueve multitudes y que ha sido el motor detrás de muchas producciones cinematográficas como las tres películas que queremos recomendarte hoy, las cuales podés encontrar en Netflix.

Roberto Baggio: El divino

2021 – Dir: Letizia Lamartire

Este proyecto gira en torno a la vida del legendario futbolista italiano Roberto Baggio, figura indiscutible del fútbol internacional entre las décadas de los 80 y 90. Deportista que vistió las casacas de los tres más importantes y populares clubes en Italia (Juventus, Inter y AC Milan), Roberto fue el sexto de ocho hermanos, quien mostró un talento sobresaliente en el deporte y formó parte del club Vicenza cuando cumplió 15 años. Tres años más tarde, firmó un contrato con la Fiorentina.

Sin embargo, poco después, el jugador sufrió una lesión grave en la rodilla que lo dejó marcado el resto de su brillante carrera. En momentos donde la medicina del deporte no era tan avanzada como en la actualidad, Baggio se sometió a dolorosas operaciones que lo llevaron a una profunda depresión que solo fue aliviada cuando se acercó al budismo. Eventualmente, el futbolista se convirtió en el ícono que, aún hoy, el mundo recuerda y celebra.

River, el más grande siempre

2019 – Dir: Marcelo Altmark, Luis Scalella, Mariano Mucci

River, el más grande siempre, es un largometraje que se enfoca en el club de Núñez. Este documental recorre la historia riverplatense en 92 minutos repletos de emoción para sus hinchas. Algunas de las perlas del film son los testimonios inéditos y exclusivos para la película de personajes como Marcelo Gallardo, Norberto Alonso, Enzo Francescoli y Rodolfo D’Onofrio; la consagración ante Boca en Madrid como súmmum festivo; y la voz de «Palito» Ortega cantando una nueva versión del emblemático himno de Ignacio Copani.

Rudo y cursi

2008 – Dir: Carlos Cuarón

En un pueblo rural de Jalisco, dos medios hermanos, Beto (Diego Luna) y Tato Verdusco (Gael García Bernal), trabajan en una plantación de plátanos, tratando de sobrevivir día a día, mientras comparten una pasión juntos: el fútbol. En el campo es donde pueden escapar, aunque sea por poco tiempo, de la dura realidad en la que viven.

Ambos son descubiertos por un cazatalentos venido a menos, Batuta (Guillermo Francella). Aunque se les considera viejos para el deporte profesional, sus talentos son evidentes, Beto como un imbatible portero y Tato como un sólido delantero. Así, ambos llegarán a la Ciudad de México, para formar parte de escuadras diferentes y enemigas.

Las vidas de estos hermanos cambiarán de la noche a la mañana, involucrándose con mujeres, con apuestas y con malos manejos, hasta llegar al partido final, donde, como rivales, jugaran mucho más que un simple partido.

En el aniversario su publicación, repasamos la creación y el legado del legendario cuarto álbum de Led Zeppelin.

La historia habla por sí sola. Aunque en el presente resulte inverosímil, Led Zeppelin no fue siempre sinónimo de grandilocuencia, ni tampoco pudo ostentar el consentimiento unánime que sugirió dieciséis años después Appetite for Destruction (1987), el disco debut de Guns N’ Roses, discípulos y herederos. Tras una trilogía homónima, el grupo conformado por Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham seguía dividiendo el panorama entre quienes se aferraban a su estrépito discerniendo el advenimiento de una nueva era estética, y entre se anclaban a la corriente en boga oponiendo argumentos consecuentes a la dilatación del período psicodélico que vislumbraron: Jefferson Airplane, Jimmy Hendrix, Janis Joplin, Pink Floyd, The Doors, y tantas más.

Toda esa tremolina terminó el 8 de noviembre de 1971 cuando a través de Atlantic Records publicaron Led Zeppelin IV, un verdadero tanque legendario que arrasó con la suspicacia contextual y trascendió las fronteras generacionales para alcanzar la gloria. Cincuenta años después, la atesora con firmeza, sin una marea de discusiones bizantinas, pues en el mundo moderno entrañan delirios arcaicos. Era una controversia prematura que, si bien dejó correr mucha agua bajo el puente en esa época, con el transcurso de los años cesó gracias al sólido dique erguido por canciones como “Black Dog”, “Going to California”, “When the Levee Breaks”, y por supuesto, “Rock and Roll”.

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El cuarto trabajo discográfico catapultó al grupo británico hacia el estrellato y rápidamente se le adjudicó el cuarto número romano para desdoblar la mística precedente. A pesar de ello, la carencia rotular posibilitó una anomalía en la nomenclatura tradicional a expensas del itinerario que definió y orientó la osadía del cuarteto. Significó una bisagra a nivel conceptual y contemplativo, ya que la premisa consistió en diferenciarlo de los demás con cuatro símbolos esotéricos en su edición original, uno por cada miembro, en pos de focalizar lo esencial abstrayendo el epígrafe de hipótesis metafísicas. A su vez, dejó al descubierto una adscripción bilateral en virtud que direccionó al oído novato a percatarse del tridente eclipsado; como también resignificó la apreciación de quienes lo impugnaron desprevenidos. Houses of the Holy (1973) y Physical Graffiti (1975) ratificaron el desacierto con la misma intensidad.

Por esta razón, la ecuación validó la devoción del fan promedio de la banda londinense cuando tergiversó de manera involuntaria su génesis. En el imaginario colectivo se cristalizó honrar con fervor la lucidez de “Immigrant Song” o “Since I’ve Been Loving You” –incluidos en el álbum anterior-, luego de alucinar con la destreza del guitarrista Jimmy Page en “Stairway to Heaven”, y no viceversa. Es raro tropezar con ese apasionamiento y tenacidad desmedida en defensa de la cronología, sin denotar una afortunada e inusual herencia melómana, o la vanagloria de un cuento snob. El riff sublime del ex líder de The Yardbirds, la vocalización aguda de Robert Plant, y un encadenamiento infinito de reinterpretaciones ajenas, perpetuaron a la cuarta pieza del repertorio como una reliquia universal que subsistió desde el auge hasta el agotamiento de las convenciones genéricas con el propósito de aflorar un clásico popular de todos los tiempos.

A pesar de sus ocho minutos de extensión, “Stairway To Heaven” fue la canción que más veces sonó en las radios norteamericanas. Pero el éxito colosal trajo también sus polémicas. Al igual que “Moby Dick”, “Whole Lotta Love” y “The Lemon Song”, por solo mencionar algunas, también fue acusada de plagio. Esto derivó un juicio pertinaz impulsado por la descendencia del músico fallecido Randy Wolfe, que alegó objeciones para develar la similitud armónica con el riff de “Taurus”, la canción incluida en el álbum debut de la banda Spirit de 1968. La jurisprudencia se hizo eco de la cadencia interminable de “Stairway To Heaven”, lo que se reflejó en un altercado legal casi surrealista que se dirimió finalmente a mediados del año pasado absolviendo a los británicos de los alegatos en su contra.

La agrupación se pasó el otoño y el invierno de 1970 elaborando las canciones del álbum en cuestión. Las grabaciones arrancaron en los estudios Island de Londres, y luego abandonaron la capital inglesa para abstraerse en el emblemático Headley Grange, una casa de campo en Hampshire que albergó a varias bandas como Bad Company, Fleetwood Mac, Genesis, Peter Frampton y The Pretty Things. Utilizaron el Rolling Stones Mobile Studio para grabar la mayor parte de las pistas con el ingeniero Andy Johns, quien también diseñó algunas de sus antecesores. Una vez concluida la estadía campestre, Led Zeppelin regresó a su tierra natal con el objetivo de registrar la espléndida melodía de “Stairway To Heaven”. La mezcla inició en los estudios Sunset Sound de Los Ángeles con Page a la cabeza; no obstante, la ultimación del proceso se retrasó hasta julio debido a las giras estivales del cuarteto.

El resultado exteriorizó un abordaje ecléctico con diversos matices y colores que cohabitan armoniosamente en un espiral magnético. El enigma se abre con el frenesí que irradian el par de hits mencionados, «Black Dog» y «Rock and Roll»; mientras que en “The Battle of Evermore” disminuyen el nerviosismo con el fin de sacar a la luz la sensibilidad folk del insigne compositor y productor. Asimismo, en “Four Sticks” y “Misty Mountain Hop” centellean los arreglos laberínticos y las progresiones inherentes al cambio de paradigma musical.

En el lapso de tres años, Led Zeppelin irrumpió con un temperamento multilateral influenciado por el hard rock, el blues, el folk, el rock psicodélico y la música celta, india y árabe. Con el correr del tiempo fue considerada uno de los pioneros del heavy metal junto a Deep Purple y Black Sabbath. Su cuarto disco le sirvió para proclamar el trono, una vez depurado el modo de acoplar tanta incidencia sonora en una fórmula ruidosa y eficaz. Cinco décadas después de su publicación, podemos afianzar la relevancia de Led Zeppelin IV dado que transparentó la sagacidad anacrónica de difuminar los límites del rock para expandir su legado con una obra inmortal.

El curioso objeto muestra al icónico baterista sentado con una remera estampada con su propio nombre con la tipografía del grupo metalero mientras que en una de sus manos sostiene un par de baquetas.

Los fans de Metallica suelen encontrar toda clase de maneras de demostrar su amor por la banda. Por estos días, se viralizó el caso de Prince Midnight, un artista plástico que creó un inodoro inspirado en Lars Ulrich. El curioso objeto muestra al icónico baterista sentado con una remera estampada con su propio nombre con la tipografía del grupo metalero mientras que en una de sus manos sostiene un par de baquetas.

Si bien ya esta obra se ha hecho famosa en internet por su originalidad, la pieza debutará de manera oficial en una exposición de arte de Midnight que se llevará a cabo el próximo jueves 3 de diciembre en Brass Mug en Tampa, Florida. Durante esa misma velada, Prince Midnight brindará un espectáculo musical con una guitarra que hizo con los huesos de su propio tío. Tal instrumento es otra de sus creaciones más conocidas.

El nacido en Grecia sin dudas ha encontrado la mejor manera de publicitar su trabajo al contar con el apoyo de miles de seguidores de Metallica que compartieron su publicación de Facebook y la replicaron en otras redes sociales como Twitter e Instagram. A continuación, podés mirar la imagen de esa escultura tan singular que además funciona como toilet sin ningún problema.