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Carlos Segura

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The Beatles: Disney quiso eliminar las malas palabras del nuevo documental pero Paul McCartney y Ringo Starr se opusieron

Casablanca es una película estadounidense de drama y romance de 1942.

Uno de los grande estrenos de Disney+ arribó en estos días: se trata de The Beatles: Get Back, una serie de tres partes dirigida por Peter Jackson compilada a partir de más de 60 horas de imágenes nunca antes vistas de la grabación de Let It Be que lleva al público a aquellas sesiones de The Beatles que se convirtieron en un momento crucial en la historia de la música.

Recientemente, Jackson dialogó con NME acerca de este documental y reveló que Disney tuvo la intención de eliminar todas las malas palabras que allí aparecen. Por supuesto, la plataforma no logró salirse con la suya, pues Paul McCartney y Ringo Starr se opusieron con firmeza.  

«Paul [McCartney] lo describe como ser muy crudo», dijo Jackson. «Me dijo: ‘Esa es una descripción muy precisa de cómo éramos en ese entonces’. Ringo [Starr] dijo: ‘Es verdadero’. La veracidad de esto es importante para ellos. No quieren un blanqueo. No quieren que se desinfecte. Disney quería eliminar todas las palabrotas y Ringo, Paul y Olivia [Harrison] dijeron: «Así es como hablamos. Así es como queremos que el mundo nos vea‘».

» alt=»» aria-hidden=»true» />The Beatles durante la grabación de Let It Be, 1969
The Beatles durante la grabación de Let It Be, 1969

Además, el director contó que luego de mostrarles el primer corte, esperaba que los miembros de la banda tuvieran algún reparo o corrección de cara a la edición final. Sin embargo, eso no sucedió: “Cuando terminaron de ver el producto terminado, yo esperaba notas. Hubiera sido normal recibir una devolución que dijera ‘Esa parte donde dije tal cosa, ¿podrías eliminarla?’ o ‘¿Podrías acortar esa conversación?. Pero no recibí nada. Ningún requerimiento ni nada. Uno de ellos dijo que lo vio y fue una de las experiencias más estresantes de su vida. ‘Pero no te haré correcciones’”.

La serie sigue a los cuatro miembros de la banda mientras planean su primer show en vivo en más de dos años y trabajan en 14 nuevas canciones, originalmente destinadas a ser lanzadas en un álbum en vivo. Además, incluye por primera vez en su totalidad el recordado e inolvidable concierto en la terraza del edificio de Apple Corps. (Savile Row, Londres), así como otras canciones y composiciones clásicas que aparecieron en sus dos últimos discos: Abbey Road y Let It Be. Las tres partes de The Beatles: Get Back ya están disponibles en Disney+.

Tatobox nos trae su nuevo tema“Será la luna”

El músico Venezolano Eduardo “Tato» Cedeño es la voz y compositor de este proyecto radicado en la ciudad de New York bajo el nombre de Tatobox quienes lanzan en plataformas como Spotify, Apple Music, Deezer, Pandora y más el track de “Será la luna”. Un tema que se refiere a una historia de amor y ruptura, sobre el ser humano en su propia búsqueda. Una forma de mirarnos a nosotros mismos y poder sanar las pérdidas en la vida, el reencuentro con el abrazo perdido y un recuerdo de esperanza, como lo expresa el mismo Tatobox en parte de letra.

“Será la Luna”, es el segundo sencillo que se desprende del EP “Como un Tepuy” de Tatobox, canción que vendrá acompañado por un videoclip animado donde se usan los elementos del cover o tapa del sencillo y que actualmente se encuentra en etapa de producción. El arte del tema de “Será la Luna” fue realizado por Gilberto López @biggil1966 quien es a su vez el diseñador encargado en materializar el concepto del EP «Como un Tepuy»

La página oficial del músico en Bandcamp https://tatobox.bandcamp.com y su canal de YouTube ofrecerán la canción un día antes para streaming y posteriormente para su descarga.

En este proceso creativo de «Será la Luna» participaron:

Eduardo “Tato” Cedeño: Guitars, Vox, Ismael Baiz: Drums, shakers, tambourine, synth, Fernando Colombet: Bass

Alejandro Berti: Trumpet, Music: Eduardo “Tato” Cedeño, Lyrics: Arquímedes Arévalo / Eduardo «Tato» Cedeño

Mixing: Ismael Baiz at Maelo Studio, Mastering: JP Kabche at Noiside Music, Batería, bajo y guitarra grabados en vivo en Multisound & Maelo studios Queens, NY.

Mientras lo puedes escuchar en nuestra rotación diaria y te dejamos esta versión acústica:

De Ozzy Osbourne a Bob Dylan: Los productos más extraños vendidos por músicos

Desde peluches y colonias, pasando por ropa interior, a continuación repasamos algunos de los productos vendidos por grandes artistas de la música.

 
 

Las celebridades de la música se convierten en grandes íconos del pop y la cultura en general. Esto ha hecho que durante años los músicos y músicas, actores y deportistas sean convocados por diferentes marcas y empresas como estrategia de marketing. Así hemos visto a Lou Reed ser la cara de una publicidad de motocicletas o a las divas del pop de los 2000 oficiar de actrices para comerciales de gaseosa. A continuación recogemos la lista de Far Out Magazine sobre los productos más extraños que las estrellas de rock han vendido a lo largo de sus carreras.

Ozzy Osbourne: Peluche de murciélago sin cabeza

El frontman de Black Sabbath ha sido conocido a lo largo de los años por diferentes actitudes transgresoras, pero posiblemente la vez que arrancó la cabeza de un murciélago con la boca arriba del escenario sea la más legendaria. Lo cierto es que Ozzy pensó que desde el público le habían arrojado un murciélago de plástico, y sin saberlo decapitó uno real. En 2019 lanzó como merchandising oficial un murciélago con la cabeza desmontable. «Hoy es el aniversario número 37 de cuando arranqué la cabeza de un murciélago! Celébralo con este peluche conmemorativo decapitable», anunció en su Twitter para promocionar el producto.

Bob Dylan: Victoria’s Secret

Si hay dos cosas que parecen estar diametralmente alejadas son Bob Dylan y la ropa interior femenina. Pero, para sorpresa de muchos, el cantante expresó en una conferencia de prensa de 1965 que si tuviera que vender algún producto, sería ropa interior para mujer. Finalmente, esto se volvió realidad cuando el compositor fue protagonista de un comercial de 2004 de la famosa marca de ropa Victoria’s Secret junto a la supermodelo Adriana Lima, quien vistió de ángel como es la marca registrada de la empresa. La publicidad contó con «Love Sick» de Dylan como banda sonora y se volvió un verdadero hito dentro del mundo publicitario.

 

The Flaming Lips: Gomitas en forma de feto

La banda estadounidense ha lanzado diferentes productos con forma de feto, como una manera provocativa de enviar un mensaje sobre temas tabú, aunque sin explicación específica. Uno de los ítems que lanzaron The Flaming Lips fueron gomitas masticables en forma de feto y también un jabón y un llavero.

Alice Cooper: Equipamiento para golf

El cantante gótico es un gran amante del golf y esto lo ha llevado a protagonizar publicidades de la marca especializada Callaway. Lejos de verlo con los extravagantes vestuarios que lo caracterizan, en el comercial Alice viste un equipo de golf aunque, fiel a su estilo, aparece acompañado de una serpiente, algo que le dio un toque de humor a la publicidad. Además, Cooper escribió un libro sobre el tema titulado Golf Monster: My 12 Steps to Becoming a Gold Addict.

 

Kiss: Colonia

Kiss es una banda que a lo largo de su historia se ha caracterizado por dar suprema importancia al aspecto estético, sobre todo al maquillaje, por lo cual no sorprende que estén cercanos al mundo de la cosmética. Así fue que en 2006, la banda responsable de «I Was Made for Lovin’ You» haya lanzado su propia línea de colonias para hombres y mujeres. Esta fue bien recibida por la crítica especializada, ya que se trató de una mezcla de bergamota, bálsamo, neguilla, sándalo, anís y pimienta blanca. Claramente la alquimia de Kiss creó un potente aroma, ya que sería inesperado que la banda hubiera producido un suave perfume.

 

Robert Smith revela cuál fue la primera banda que vio en vivo

En una vieja entrevista con Rolling Stone, el líder de The Cure rememoró el primer concierto al que asistió.

A la hora de hablar sobre música, las de Robert Smith son palabras mayores, ya que tras casi 50 años de carrera como uno de los íconos del gothic rock el inglés es uno de los más autorizados cuando se trata de expresar una opinión sobre otra banda.

Precisamente esto fue lo que el líder de The Cure hizo durante una entrevista con Rolling Stone en 2004. Según recuerda Far Out Magazine, en el diálogo, Smith rememoró el primer concierto al que asistió, uno de la banda irlandesa Thin Lizzy.

En la charla, el músico de 62 años, quien durante una parte de su vida batalló con las drogas y la bebida, utilizó una comparación para describir qué tan buenos eran sus colegas.

“Thin Lizzy fueron fabulosos”, aseguró el nacido en Crawley, en el condado de Sussex. “Probablemente los vi diez veces en dos años. El sonido real de ellos en vivo era tan abrumador que era mejor que beber«.

Sin lugar a dudas, las palabras de Smith dejaron a las claras lo bueno que es el conjunto hoy comandado por Scott Gorham, el cual nació cuando Robert era un niño de tan solo 7 años y que, durante su camino musical, más precisamente en 1972, popularizó la balada irlandesa «Whiskey in the Jar».

 

Jimi Hendrix: Los 3 guitarristas que influenciaron su carrera

En 1967, el músico habló sobre quiénes lo ayudaron a formar su estilo y los tres guitarristas que tuvieron un efecto transformador en su forma de tocar.

Jimi Hendrix pasó a la historia como uno de los mejores y más importantes guitarristas de la historia del rock, pero al igual que cualquier otro colega suyo, él también fue influenciado por otros expertos de las seis cuerdas que dieron que hablar en su época. Durante una entrevista de 1967 con Steve Barker, el músico habló sobre quiénes lo ayudaron a formar su estilo y los tres violeros que tuvieron un efecto transformador en su forma de tocar.

Tal y como recuerda Far Out Magazine, en aquella oportunidad el nacido en Seattle dijo: «Me gustaba Elmore James, lo primero de Muddy Waters y cosas así. Robert Johnson y todos esos tipos viejos«. Posteriormente, cuando fue consultado por si sentía alguna conexión con los músicos de blues de antaño, el artista fue tajante al asegurar: «¡No, porque ni siquiera puedo cantar! Donde comencé a tocar la guitarra fue en el noroeste, en Seattle, Washington».

“No hay muchos de los verdaderos cantantes de blues allá. Cuando realmente aprendí a tocar fue en el sur del país. Luego entré en el ejército durante unos nueve meses. Pero encontré una manera de salir de eso. Cuando salí, me fui al sur y todos estaban tocando blues, y fue entonces cuando realmente comencé a interesarme en la escena», continuó.

Un año después del mencionado diálogo, Hendrix volvió a nombrar a Waters, esta vez durante una entrevista con Rolling Stones. “El primer guitarrista que conocí fue Muddy Waters”, comentó en aquella oportunidad. “Escuché uno de sus viejos discos cuando era un niño y me asustó muchísimo, porque escuché todos esos sonidos. Pensé: ‘Vaya, ¿de qué se trata todo eso?’. Fue genial».

Robert Plant propone una solución para el conflicto entre The Beatles y The Rolling Stones

El vocalista de Led Zeppelin opinó al respecto y hasta sugirió una manera de calmar las aguas en ese supuesto conflicto entre los dos titanes del rock.

Robert Plant se animó a hablar sobre la legendaria rivalidad entre The Beatles y The Rolling Stones. De acuerdo con lo reportado por medios especializados como NME, el vocalista de Led Zeppelin opinó al respecto y hasta sugirió una manera de solucionar ese supuesto conflicto entre los dos titanes del rock.

Para empezar, el ídolo de 73 años se permitió dudar de la vigencia de esa disputa entre los Fab Four y los liderados por Mick Jagger. Concretamente, señaló: «No creo que exista ninguna pelea. Se conocen desde 1963. Se aman desesperadamente».

En cuanto al modo de resolver esas diferencias, se animó a decir que Paul McCartney «debería tocar el bajo con los Stones». Vale recordar que este no es el único asunto sobre el que Plant habló por estos días, pues recientemente se refirió al proceso judicial sobre «Stairway To Heaven» que su banda enfrentó hace poco. Sobre tal demanda, Robert aseguró que fue un incidente «desagradable» y «desafortunado».

» alt=»» aria-hidden=»true» />Paul McCartney / The Rolling Stones
Paul McCartney (Foto: Mary McCartney) / The Rolling Stones (Foto: Jerzy Bednarski)

Por su parte, Macca fue el encargado de reavivar la pelea entre los Beatles y los Rolling Stones al calificar a estos segundos como «una banda de covers de blues». Ni corto ni perezoso, el propio Jagger le contestó a los pocos días. Lógicamente, ese intercambio entre ellos no pasó inadvertido por sus fans y suscitó un fuerte debate en las redes sociales.

La realidad es que se trata de un conflicto que todavía da mucho que hablar, aunque no caben dudas de que durante muchos años los miembros de ambos grupos han sabido llevarse bien, y hasta han colaborado en algunas canciones especiales.

3 películas sobre fútbol para ver en Netflix

El fútbol es un deporte que mueve multitudes y que ha sido el motor detrás de muchas producciones cinematográficas como las tres películas que queremos recomendarte hoy, las cuales podés encontrar en Netflix.

Roberto Baggio: El divino

2021 – Dir: Letizia Lamartire

Este proyecto gira en torno a la vida del legendario futbolista italiano Roberto Baggio, figura indiscutible del fútbol internacional entre las décadas de los 80 y 90. Deportista que vistió las casacas de los tres más importantes y populares clubes en Italia (Juventus, Inter y AC Milan), Roberto fue el sexto de ocho hermanos, quien mostró un talento sobresaliente en el deporte y formó parte del club Vicenza cuando cumplió 15 años. Tres años más tarde, firmó un contrato con la Fiorentina.

Sin embargo, poco después, el jugador sufrió una lesión grave en la rodilla que lo dejó marcado el resto de su brillante carrera. En momentos donde la medicina del deporte no era tan avanzada como en la actualidad, Baggio se sometió a dolorosas operaciones que lo llevaron a una profunda depresión que solo fue aliviada cuando se acercó al budismo. Eventualmente, el futbolista se convirtió en el ícono que, aún hoy, el mundo recuerda y celebra.

River, el más grande siempre

2019 – Dir: Marcelo Altmark, Luis Scalella, Mariano Mucci

River, el más grande siempre, es un largometraje que se enfoca en el club de Núñez. Este documental recorre la historia riverplatense en 92 minutos repletos de emoción para sus hinchas. Algunas de las perlas del film son los testimonios inéditos y exclusivos para la película de personajes como Marcelo Gallardo, Norberto Alonso, Enzo Francescoli y Rodolfo D’Onofrio; la consagración ante Boca en Madrid como súmmum festivo; y la voz de «Palito» Ortega cantando una nueva versión del emblemático himno de Ignacio Copani.

Rudo y cursi

2008 – Dir: Carlos Cuarón

En un pueblo rural de Jalisco, dos medios hermanos, Beto (Diego Luna) y Tato Verdusco (Gael García Bernal), trabajan en una plantación de plátanos, tratando de sobrevivir día a día, mientras comparten una pasión juntos: el fútbol. En el campo es donde pueden escapar, aunque sea por poco tiempo, de la dura realidad en la que viven.

Ambos son descubiertos por un cazatalentos venido a menos, Batuta (Guillermo Francella). Aunque se les considera viejos para el deporte profesional, sus talentos son evidentes, Beto como un imbatible portero y Tato como un sólido delantero. Así, ambos llegarán a la Ciudad de México, para formar parte de escuadras diferentes y enemigas.

Las vidas de estos hermanos cambiarán de la noche a la mañana, involucrándose con mujeres, con apuestas y con malos manejos, hasta llegar al partido final, donde, como rivales, jugaran mucho más que un simple partido.

6 trilogías de cine atípicas que mejoraron con la segunda y tercera película

Existe la creencia popular de que las sagas cinematográficas solo van a peor y, aunque en muchos casos es así, estos ejemplos con la excepción.

Si hablamos de sagas cinematográficas, el pensamiento más habitual es que, cuanto más tiempo pase, peor serán las películas. Podríamos poner muchos ejemplos y preguntarnos por qué los estudios no se dieron cuenta de que, a veces, es mejor parar a tiempo que cerrar tarde y mal, pero esto no va de eso. Aquí vamos a recopilar los casos donde ocurrió justo lo contrario.

Aunque parezca increíble, hay trilogías que mejoran con el tiempo y, aunque en su primera entrega no dan con el tono adecuado, lo solucionan y sacan una nueva película para dejar con buen sabor de boca al público. En el mundo de los superhéroes ha sucedido en varias ocasiones y Capitán América, Lobezno y Batman pueden hablar mucho de ello.

Si no nos crees, echa un vistazo a esta lista de trilogías donde la primera película es mala, pero consiguen cerrar la historia con la guinda del pastel.

Trilogía Annabelle: ‘Annabelle’, ‘Annabelle: Creation’ y ‘Annabelle vuelve a casa’

Es difícil que un cuento de muñecas endemoniadas despierte interés hoy en día. Aún más difícil es conseguir remontar una franquicia que parecía haber muerto en su primera entrega. Pero eso es lo que ha conseguido la saga Annabelle, que ha ido ‘in crescendo’ desde el estreno de la primera entrega, Annabelle, en 2014. El realizador fue John R. Leonetti, cuya carrera se centra más en la fotografía que en la dirección, lo que explica que no terminase de funcionar.

La cosa mejoró de la mano de David F. Sandberg, que se encargó de Annabelle: Creation (2017), la segunda parte. Sandberg había dado el pelotazo con Nunca apagues la luz y se consagró poco después con su aporte a la saga Expediente Warren y, poco después, con Shazam! Aquí consiguió la complicada tarea de volver a conseguir el interés del público tras el frío recibimiento de su predecesora.

La saga iba remontando y terminó de cuajar en Annabelle vuelve a casa, de Gary Dauberman, guionista de las tres cintas y debutante como director. También fue gracias, en parte, a la participación de Vera Farmiga y Patrick Wilson como el matrimonio Warren, que siempre son un buen elemento a tener en cuenta. Esta tercera entrega va más acorde con las cintas de los parapsicólogos y, si eres fan del género pero no querías ni acercarte a la muñeca, dale una oportunidad.

Trilogía Lobezno: ‘X-Men orígenes: Lobezno’, ‘Lobezno Inmortal’ y ‘Logan’

Hay quien la considera una saga y quien no, pero todos están de acuerdo en una cosa: la joya de la corona, sin duda, es la última película. Desde el comienzo, Hugh Jackman hizo una magnífica interpretación de Lobezno, lo que, sumado a la popularidad del mutante, hizo que 20th Century Fox decidiera desarrollar una cinta en solitario, X-Men orígenes: Lobezno. No se equivocó porque fue un éxito en taquilla, pero la crítica no acompañó esta buena acogida.

La lección quedó aprendida en Lobezno Inmortal, la cinta que vino después de Orígenes y que no es considerada una secuela, sino una nueva historia a raíz de X-Men: La decisión final. Sea como sea y viniera de donde viniera, la película mejoró respecto a su sucesora y se hizo con el favor del público y la prensa especializada. Sin embargo, lo mejor estaba por llegar.

Logan, el tercer volumen, fue la gran revolución de la franquicia de los mutantes y toda una ruptura para el cine de superhéroes. «Hugh Jackman aprovecha al máximo su salida con una actuación valiente en una película violenta pero sorprendentemente reflexiva que desafía las convenciones del género», dice Rotten Tomatoes. No se pudo cerrar de mejor manera esta trilogía que nunca pretendió serlo.

Trilogía Fear Street: ‘La calle del terror – Parte 1: 1994’, ‘La calle del terror – Parte 2: 1978’, ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’

Netflix ha juntado cine para adolescentes con terror y mucha sangre y les ha salido una trilogía tan resultona como la de Fear Street -en España, La calle del terror-. Se trata de un conjunto de tres películas que vieron la luz en semanas consecutivas, es decir, que el equipo creativo de la saga, a diferencia de los otros títulos de la lista, había planeado con anterioridad los acontecimientos de las tres cintas. Y se nota. Igual que en un filme lo mejor suele estar en el final, en esta franquicia la última entrega es la mejor sin desmerecer a las dos primeras.

La calle del terror 1994, 1978 y 1666 se ambientan en Shadyside, una pequeña población de Ohio que sufre la amenaza de la bruja Sarah Fier desde que fue ejecutada en 1666. Un grupo de adolescentes de los 90 capitaneados por Deena Johnson (Kiana Madeira) deciden investigar qué sucedió en el momento de su muerte y cómo pueden parar la sangría que se ha llevado por delante a decenas de vecinos.

Trilogía Capitán América: ‘El primer vengador’, ‘El soldado de invierno’ y ‘Civil War’

Otra de las trilogías cinematográficas atípicas de los últimos años es la protagonizada por Chris Evans. Efectivamente, nos referimos a Capitán América, una de las franquicias de Marvel más queridas por los fans. La primera, El primer vengador, llegaba a las salas en 2011, dispuesta a presentar en sociedad al conocido superhéroe de la Casa de las Ideas. Y así fue. El filme dirigido por Joe Johnston narra cómo el joven Steve Rogers (Evans), un muchacho de baja estatura y complexión delgada, llegó a convertirse en el héroe de Estados Unidos gracias a un programa experimental que lo convierte en un súper soldado. La cinta tuvo una acogida discreta en taquilla, con unos ingresos en caja de 370 millones de dólares. Un hecho que quizá tuvo que ver con la diversidad de opiniones que despertó el largometraje.

Pese a ello, Marvel tenía claro que la trilogía saldría adelante, y tres años después estrenaba la segunda entrega, Capitán América: El soldado de Invierno. Una secuela que volvía a demostrar que la máxima de segundas partes nunca fueron buenas no se cumple siempre. En esta ocasión, la trama se centraba en la nueva vida de Steve Rogers en la actualidad, donde une fuerzas con Viuda Negra (Scarlett Johansson) y Falcon (Anthony Mackie) para luchar contra un antiguo colega del Capitán América, conocido ahora como El Soldado de Invierno. Quizá la aparición de otros personajes de Marvel, el hecho de que la acción transcurriera en nuestros días y un boca a oreja más favorable contribuyeron a que su recaudación superase los 710 millones de dólares.

En 2016, Capitán América: Civil War ponía fin a la trilogía, y lo hacía de la mejor forma posible. La cinta dirigida por los hermanos Anthony y Joe Russo lograba superar la barrera de los mil millones de dólares en taquilla. Y es que el hecho de ver en la gran pantalla el enfrentamiento de dos de los héroes más populares de Marvel, Capitán América e Iron Man, despertaba un gran interés. Un hecho que, unido a los halagos que recibió el filme por parte de la crítica internacional, la convirtió en una de las mejores películas del Universo Cinematográfico de Marvel.

Trilogía Planeta de los simios: ‘El origen del planeta de los simios’, ‘El amanecer del planeta de los simios’ y ‘La guerra del planeta de los simios’

El origen del planeta de los simios llegaba con la responsabilidad de mejorar el ‘remake’ del clásico protagonizado por Charlton Heston, que en 2001 dirigió Tim Burton. Superar a la que ha sido considerada como una de las peores películas de la filmografía del realizador no era complicado; y Rupert Wyatt salió airoso con un largometraje concebido como una precuela de la original. En el filme, protagonizado por James Franco, se narra cómo un inteligente chimpancé llamado Cesar consigue trazar un plan para liberar a un grupo de simios y poner en marcha una rebelión para protestar sobre el trato que reciben de la raza humana. La premisa es fantástica y consigue que enseguida te pongas del lado de los primates. Sin embargo, las partes del filme centradas en los humanos, llegan a resultar aburridas y en ocasiones algo forzadas.

Tres años después, Matt Reeves recogía el testigo de Wyatt y se ponía al mando de la secuela, El amanecer del planeta de los simios. Los más de 700 millones de dólares que recaudó en la taquilla mundial dejaban claro que el público prefería una historia más centrada en los simios, con menos humanos protagonistas. Reeves le otorgó una narrativa más cuidada, consiguiendo crear una trama más épica. Como demuestra el 90% de valoraciones positivas que obtuvo el filme en Rotten Tomatoes, la crítica internacional también quedó encantada con la entrada de Reeves en la franquicia.

La guerra del planeta de los simios ponía punto final, solo un año más tarde, a la trilogía protagonizada por Andy Serkis. Sin duda, nadie podría haber cerrado la historia de Cesar de una forma tan memorable como Matt Reeves. Y pese a no haber logrado el mismo recibimiento en taquilla que su antecesora -recaudó algo más de 490 millones de dólares-, sí consiguió meterse en el bolsillo al público y a la crítica.

La trilogía de Batman de Christopher Nolan: ‘Batman Begins’, ‘El caballero oscuro’ y ‘El caballero oscuro: La leyenda renace’

Cerramos este especial de trilogías que demuestran que no siempre la primera entrega es la mejor con la de El caballero oscuro. Simplemente, el hecho de denominarla así ya deja entrever que la segunda entrega fue con la que Christopher Nolan consiguió conquistar tanto al público como a la crítica. Por supuesto, no hay que quitar mérito al primer largometraje de este reinicio de la franquicia de Batman en la gran pantalla. Batman Begins demostraba que había una nueva forma de adentrarse en el mundo de los superhéroes, al contar la historia de Bruce Wayne (Christian Bale) desde otra perspectiva.

Nolan ya se había ganado a los amantes del género, pero con el estreno de El caballero oscuro consiguió ganarse también a esa parte del público más reacia a este tipo de largometrajes. Su historia, oscura y cargada de dramatismo, y la brillante interpretación del Joker que hizo Heath Ledger son dos de los puntos claves del filme que antes de su estreno ya era considerado, por gran parte de la crítica, como una genialidad del séptimo arte. Por todo ello, la cinta conseguiría ingresar en caja la friolera de mil millones de dólares.

El caballero oscuro: La leyenda renace cerraba la trilogía, y aunque no consiguió superar a su predecesora, dejó con un buen sabor de boca a los espectadores. Algunos de ellos se quedaron con ganas de ver cómo continuaba la historia de Wayne, después de haber visto cómo se enfrentaba a uno de los villanos más poderosos de su historia cinematográfica. Pero para otros este fue el mejor final que la saga de Nolan pudo haber tenido.

Led Zeppelin IV, el más grande hito del rock pesado, cumple 50 años

En el aniversario su publicación, repasamos la creación y el legado del legendario cuarto álbum de Led Zeppelin.

La historia habla por sí sola. Aunque en el presente resulte inverosímil, Led Zeppelin no fue siempre sinónimo de grandilocuencia, ni tampoco pudo ostentar el consentimiento unánime que sugirió dieciséis años después Appetite for Destruction (1987), el disco debut de Guns N’ Roses, discípulos y herederos. Tras una trilogía homónima, el grupo conformado por Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham seguía dividiendo el panorama entre quienes se aferraban a su estrépito discerniendo el advenimiento de una nueva era estética, y entre se anclaban a la corriente en boga oponiendo argumentos consecuentes a la dilatación del período psicodélico que vislumbraron: Jefferson Airplane, Jimmy Hendrix, Janis Joplin, Pink Floyd, The Doors, y tantas más.

Toda esa tremolina terminó el 8 de noviembre de 1971 cuando a través de Atlantic Records publicaron Led Zeppelin IVun verdadero tanque legendario que arrasó con la suspicacia contextual y trascendió las fronteras generacionales para alcanzar la gloria. Cincuenta años después, la atesora con firmeza, sin una marea de discusiones bizantinas, pues en el mundo moderno entrañan delirios arcaicos. Era una controversia prematura que, si bien dejó correr mucha agua bajo el puente en esa época, con el transcurso de los años cesó gracias al sólido dique erguido por canciones como “Black Dog”, “Going to California”, “When the Levee Breaks”, y por supuesto, “Rock and Roll”.

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Led Zeppelin en 1971 – Foto: Atlantic Records

El cuarto trabajo discográfico catapultó al grupo británico hacia el estrellato y rápidamente se le adjudicó el cuarto número romano para desdoblar la mística precedente. A pesar de ello, la carencia rotular posibilitó una anomalía en la nomenclatura tradicional a expensas del itinerario que definió y orientó la osadía del cuarteto. Significó una bisagra a nivel conceptual y contemplativo, ya que la premisa consistió en diferenciarlo de los demás con cuatro símbolos esotéricos en su edición original, uno por cada miembro, en pos de focalizar lo esencial abstrayendo el epígrafe de hipótesis metafísicas. A su vez, dejó al descubierto una adscripción bilateral en virtud que direccionó al oído novato a percatarse del tridente eclipsado; como también resignificó la apreciación de quienes lo impugnaron desprevenidos. Houses of the Holy (1973) y Physical Graffiti (1975) ratificaron el desacierto con la misma intensidad.

Por esta razón, la ecuación validó la devoción del fan promedio de la banda londinense cuando tergiversó de manera involuntaria su génesis. En el imaginario colectivo se cristalizó honrar con fervor la lucidez de “Immigrant Song” o “Since I’ve Been Loving You” –incluidos en el álbum anterior-, luego de alucinar con la destreza del guitarrista Jimmy Page en “Stairway to Heaven”, y no viceversa. Es raro tropezar con ese apasionamiento y tenacidad desmedida en defensa de la cronología, sin denotar una afortunada e inusual herencia melómana, o la vanagloria de un cuento snob. El riff sublime del ex líder de The Yardbirds, la vocalización aguda de Robert Plant, y un encadenamiento infinito de reinterpretaciones ajenas, perpetuaron a la cuarta pieza del repertorio como una reliquia universal que subsistió desde el auge hasta el agotamiento de las convenciones genéricas con el propósito de aflorar un clásico popular de todos los tiempos.

A pesar de sus ocho minutos de extensión, “Stairway To Heaven” fue la canción que más veces sonó en las radios norteamericanas. Pero el éxito colosal trajo también sus polémicas. Al igual que “Moby Dick”, “Whole Lotta Love” y “The Lemon Song”, por solo mencionar algunas, también fue acusada de plagio. Esto derivó un juicio pertinaz impulsado por la descendencia del músico fallecido Randy Wolfe, que alegó objeciones para develar la similitud armónica con el riff de “Taurus”, la canción incluida en el álbum debut de la banda Spirit de 1968. La jurisprudencia se hizo eco de la cadencia interminable de “Stairway To Heaven”, lo que se reflejó en un altercado legal casi surrealista que se dirimió finalmente a mediados del año pasado absolviendo a los británicos de los alegatos en su contra.

La agrupación se pasó el otoño y el invierno de 1970 elaborando las canciones del álbum en cuestión. Las grabaciones arrancaron en los estudios Island de Londres, y luego abandonaron la capital inglesa para abstraerse en el emblemático Headley Grange, una casa de campo en Hampshire que albergó a varias bandas como Bad Company, Fleetwood MacGenesisPeter Frampton y The Pretty Things. Utilizaron el Rolling Stones Mobile Studio para grabar la mayor parte de las pistas con el ingeniero Andy Johns, quien también diseñó algunas de sus antecesores. Una vez concluida la estadía campestre, Led Zeppelin regresó a su tierra natal con el objetivo de registrar la espléndida melodía de “Stairway To Heaven”. La mezcla inició en los estudios Sunset Sound de Los Ángeles con Page a la cabeza; no obstante, la ultimación del proceso se retrasó hasta julio debido a las giras estivales del cuarteto.

El resultado exteriorizó un abordaje ecléctico con diversos matices y colores que cohabitan armoniosamente en un espiral magnético. El enigma se abre con el frenesí que irradian el par de hits mencionados, «Black Dog» y «Rock and Roll»; mientras que en “The Battle of Evermore” disminuyen el nerviosismo con el fin de sacar a la luz la sensibilidad folk del insigne compositor y productor. Asimismo, en “Four Sticks” y “Misty Mountain Hop” centellean los arreglos laberínticos y las progresiones inherentes al cambio de paradigma musical.

En el lapso de tres años, Led Zeppelin irrumpió con un temperamento multilateral influenciado por el hard rock, el blues, el folk, el rock psicodélico y la música celta, india y árabe. Con el correr del tiempo fue considerada uno de los pioneros del heavy metal junto a Deep Purple y Black Sabbath. Su cuarto disco le sirvió para proclamar el trono, una vez depurado el modo de acoplar tanta incidencia sonora en una fórmula ruidosa y eficaz. Cinco décadas después de su publicación, podemos afianzar la relevancia de Led Zeppelin IV dado que transparentó la sagacidad anacrónica de difuminar los límites del rock para expandir su legado con una obra inmortal.

Fan de Metallica crea un inodoro con la forma de Lars Ulrich

El curioso objeto muestra al icónico baterista sentado con una remera estampada con su propio nombre con la tipografía del grupo metalero mientras que en una de sus manos sostiene un par de baquetas.

Los fans de Metallica suelen encontrar toda clase de maneras de demostrar su amor por la banda. Por estos días, se viralizó el caso de Prince Midnight, un artista plástico que creó un inodoro inspirado en Lars Ulrich. El curioso objeto muestra al icónico baterista sentado con una remera estampada con su propio nombre con la tipografía del grupo metalero mientras que en una de sus manos sostiene un par de baquetas.

Si bien ya esta obra se ha hecho famosa en internet por su originalidad, la pieza debutará de manera oficial en una exposición de arte de Midnight que se llevará a cabo el próximo jueves 3 de diciembre en Brass Mug en Tampa, Florida. Durante esa misma velada, Prince Midnight brindará un espectáculo musical con una guitarra que hizo con los huesos de su propio tío. Tal instrumento es otra de sus creaciones más conocidas.

El nacido en Grecia sin dudas ha encontrado la mejor manera de publicitar su trabajo al contar con el apoyo de miles de seguidores de Metallica que compartieron su publicación de Facebook y la replicaron en otras redes sociales como Twitter e Instagram. A continuación, podés mirar la imagen de esa escultura tan singular que además funciona como toilet sin ningún problema.