La Radio del Coach de la Birra
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Carlos Segura
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Cuál fue la canción que inició el trash metal, cuyo sonido innovador sirvió de inspiración a bandas como Metallica, Slayer y Kreator.
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Motörhead .
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En octubre de 1980, Motörhead publicó el single “Ace of Spades”, una canción que, con un ritmo y agresividad inusual para la época, sirvió como piedra angular del thrash metal. El conjunto, por aquel entonces integrado por Lemmy Kilmister (bajo y voz), Eddie Clarke (guitarra) y Phil “Philthy Animal” Taylor (batería), ya contaba con algunos éxitos como Overkill y Bomber en su haber, pero con este tema elevaron su sonido a una nueva dimensión: más rápido, más brutal y más influyente.
Después de que Bomber, el tercer disco de los ingleses, lograra muy buenas repercusiones, la banda entró a Jackson’s Studios entre agosto y septiembre de 1980 bajo la producción de Vic Maile, un viejo conocido de Lemmy. Maile ayudó a replicar la ferocidad de un show en vivo, pero sin perder la crudeza. Además, propuso algunos trucos creativos que la banda dudó incluir, pero que terminaron funcionando bien.
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Motörhead. Foto: Facebook de Motörhead. .
La letra y el título surgieron del gusto de Lemmy por el póker y las máquinas tragamonedas. Él mismo explicó: “Usé metáforas de cartas y dados… no puedes cantar sobre frutas que giran”. A la hora de hablar sobre la importancia de la pista, Lemmy dijo en una entrevista con Bass que era “una de las mejores canciones que escribí”. Sin embargo, en su autobiografía reconoció que el éxito del tema lo “fosilizó”, aunque lo aceptaba porque los fans lo esperaban.
El sonido innovador del track sirvió de inspiración a bandas como Metallica, Slayer y Kreator, conjunto alemán que declaró que “’Ace of Spades’ fue el primer tema de thrash metal”. Por su parte, Max Cavalera de Sepultura hizo énfasis en la importancia de Motörhead:
“Sin ellos no habría Metallica, Slayer o Sepultura”, afirmó.
De hecho, James Hetfield fue aún más contundente cuando aseguró que
De The Beatles a Pink Floyd, pasando por Rosalía hasta Serú Girán, a continuación repasamos 10 canciones que hablan sobre el dinero.
Pink Floyd durante la producción de The Dark Side of the Moon en 1972
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El dinero es uno de los pilares en la vida de cualquier persona. Más allá de que es necesario para sobrevivir, permite acceder al lujo y a una vida que el sistema vende como superior, aunque ya ha sido probado que nunca es suficiente. El dinero forma parte de muchas canciones, ya sea venerando lujos y defenestrándolos, hablando sobre la necesidad de supervivencia y de lo conflictivo que puede ser en las relaciones amorosas. A continuación, 10 canciones que hablan sobre el dinero.
Gwen Stefani – «Rich Girl»
En esta suerte de reversión del clásico «If I Were a Rich Man» de El violinista en el tejado, Gwen Stefani va haciendo una lista de todas las cosas que se compraría si fuera una «chica rica». Lo cierto es que la letra se presenta bastante irónica, dado que la artista ya era muy famosa cuando estrenó la canción.
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AC/DC – «What Do You Do for Money Honey?»
En esta canción crítica sobre el poder que tiene el dinero sobre la personas, AC/DC postula en el estribillo: «¿Qué estás dispuesto a hacer por dinero?». De este modo, cuestionan la forma en la que las personas se ganan el dinero, la ambición por tener cosas materiales y lujosas y por perseguir la riqueza.
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The Beatles – «Can’t Buy Me Love»
Este hit de The Beatles ha sido identificado muchas veces como un mensaje sobre la prostitución, aunque la letra literalmente habla de que el dinero no puede comprar a las personas. Si bien se mencionan diferentes posesiones materiales como los anillos de diamantes, el yo de la letra expresa que no se interesa por el dinero.
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Serú Girán – «José Mercado»
En esta canción experimental y progresiva de Serú Girán, la letra hace referencia a un hombre que todo lo piensa en términos económicos y lujos pasajeros: «José Mercado compra todo importado. Lleva colores, síndrome de Miami». Una clara crítica al mundo de los negocios y el cipayismo.
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Donna Summer – «She Works Hard For The Money»
Para esta canción clásica de los años 80, Donna Summer se inspiró en una mujer a la que vio extenuada trabajando en un baño, tras una fiesta de los premios Grammy. La cantante decidió hablar sobre cómo le cuesta a muchas personas ganarse su dinero.
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Rosalía – «Millonaria»
En esta canción interpretada en catalán, Rosalía habla del sueño de ser millonaria que tenía de chica: «Qué se yo que nací para ser millonaria», expresa mientras lista los lujos que sueña poseer. En el videoclip hace de una joven que va a un programa de televisión para obtener dinero fácil.
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Daryl Hall & John Oates – «Rich Girl»
Este clásico soul de los años 70 habla sobre una chica rica que puede depender del dinero de su padre. Si bien la melodía es tierna y amigable, la letra dice que el dinero no arregla todos los problemas ni la hará mejor persona.
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Los Auténticos Decadentes – «El dinero no es todo»
La banda cuenta la historia de una persona que está quebrada económicamente. «La que ganás, te la gastás», agrega el coro del tema que va en contra de ahorrar dinero y habla de disfrutar el momento. La canción se estrenó en el año 2000, cuando muchos argentinos no tenían trabajo, y está narrada desde el humor.
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Destiny’s Child – «Bills, Bills, Bills»
Este tema pop habla del dinero en las relaciones amorosas. Mientras que este factor estuvo a cargo del hombre durante mucho tiempo, el trío de mujeres se queja de tener que sostener a su novio que usa su auto, no llena el tanque, utiliza sus tarjetas y no paga ninguna de las cuentas.
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Pink Floyd – «Money»
Esta es la canción más famosa sobre el dinero. De hecho, la introducción cuenta con sonidos de cajas registradoras y monedas que luego se van uniendo como base del tema. El hit de Pink Floyd es una crítica al sistema de consumo feroz y la prisión que representa el dinero para gran parte de la humanidad.
El 29 de junio de 1995, Soda Stereo lanzó Sueño Stereo, su séptimo y último disco de estudio. Repasamos 5 datos de este trabajo inolvidable.
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Soda Stereo.
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El 29 de junio de 1995, Soda Stereo lanzó Sueño Stereo, su séptimo y último disco de estudio. Aquel álbum, cargado de psicodelia, electrónica y una melancolía anticipada, no solo marcó la despedida artística de una de las bandas más importantes del continente sino que también reveló, sin proponérselo, el nivel creativo al que podía llegar Soda cuando ya no sentía la obligación de gustar ni de perdurar.
Con canciones como “Zoom”, “Disco eterno” o “Ella usó mi cabeza como un revólver”, el disco condensó una época y una tensión. Fue compuesto y grabado luego de un período de separación informal que había comenzado tras la abrupta cancelación de la gira Dynamo en 1993, cuando Gustavo Cerati decidió dejar todo y mudarse a Chile para el nacimiento de su primer hijo.
Durante ese impasse, cada uno de los integrantes exploró otros proyectos y no estaba claro si volverían a juntarse. Pero lo hicieron, y el resultado fue un disco introspectivo, sofisticado y vanguardista, que funcionó como testamento sonoro y emocional del fin de una era para la banda porteña.
A continuación, 5 datos clave de Sueño Stereo a 30 años de su lanzamiento.
Soda Stereo – Sueño Stereo
1. Iba a ser un disco doble
Sueño Stereo iba a ser, en su concepción original, un disco doble. Uno con las canciones “convencionales” y otro completamente instrumental y ambient. La compañía discográfica lo consideró inviable comercialmente y truncó el plan. Solo sobrevivieron dos piezas de esa idea: la misteriosa “X-Playo” -sin la voz de Cerati- y “Sonoman”, editada más tarde en Comfort y música para volar. Zeta Bosio confesó años después que ese costado ambient y electrónico era una pasión compartida con Gustavo, pero que quedó en el tintero.
“Cuando nos dimos cuenta de que todo ese rollo experimental estaba bueno, pensamos en mezclarlo y hacer un disco de canciones y otro ambient. Pegaba también con el juego de palabras que estábamos barajando para el título: Sueño Stereo (…) Pero teníamos una compañía nueva, era el primer disco de Soda para BMG, y ellos se negaron rotundamente a editar un disco doble experimental, ja. No la vieron, hubiera sido genial”.
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2. Estuvo signado por una tragedia familiar de Zeta
El 4 de julio de 1994, mientras Soda comenzaba a esbozar su nuevo disco, un trágico accidente marcó un antes y un después en la vida personal de Zeta y, por extensión, en el devenir emocional de la banda. Esa mañana, sus hijos Simón y Tobías (de 4 y 3 años)se dirigían al jardín de infantes cuando el auto en el que viajaban fue embestido por un colectivo. En medio del caos, el vehículo se incendió. Simón sobrevivió con graves quemaduras, pero Tobías no logró salir con vida.
“Nunca pensé en dejar de tocar, pero tampoco sabía cuándo volvería a hacerlo”, recordaría Zeta, atravesado por el dolor. El impacto emocional fue enorme y obligó a detener cualquier avance musical durante meses. “Lo de Zeta nos hizo barajar y dar de nuevo”, confesó Cerati. Pero también fue un punto de reencuentro humano entre los integrantes, que volvió a despertar ese lazo fraterno que, con el tiempo y las giras, se había erosionado. La tragedia, paradójicamente, los volvió a unir como banda y como amigos.
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Canciones descartadas y una secuencia conceptual demasiado compleja
Sueño Stereo también tiene un lado oculto: las canciones que quedaron afuera. En una decisión de último momento, la banda dejó fuera del disco cuatro temas que, originalmente, formaban parte de una secuencia conceptual. Se trata de “Sonoman”, “Planeador”, “Coral” y “Superstar”. Todas fueron publicadas más tarde, en 1996, en el “falso MTV Unplugged” Comfort y música para volar.
“Creo que todo lo que grabamos fue al disco, no quedaron canciones de descarte, salvo las que después fueron a parar al disco unplugged: ‘Coral’, ‘Superstar’, ‘Sonoman’ y ‘Planeador’, que en realidad es un demo que grabé ahí con toda la banda tocando al mismo tiempo. A Gustavo le gustó mucho cómo sonaba eso y no quiso regrabarlo, pero sí le grabó una letra encima”, recordó el productor Eduardo Bergallo.
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Una experiencia londinense: grabación y mezcla entre pubs, cintas y graffitis
Luego de grabar las bases en Buenos Aires con Eduardo Bergallo, Soda viajó a Londres para grabar las voces y mezclar el álbum en el estudio Matrix, ubicado en el subsuelo de un pub. A pesar de su apariencia decadente, el lugar tenía historia: por allí habían pasado The Smiths, Björk, Ride y Massive Attack. “Era un estudio muy under, todo grafiteado, parecía un baño de pub”, recordó Zeta Bosio. Incluso Cerati dejó algunos dibujos en las paredes.
Ahí, trabajaron junto al joven ingeniero Clive Goddard, y usaron un micrófono de cinta de los años 30 que aportó un tono particular a la voz. Si bien intentaron contactar a productores como Flood o Alan Moulder, finalmente fueron los tres integrantes quienes lideraron la producción junto a Goddard. Durante los días libres, el grupo se empapó de la escena local y asistió al festival Tribal Gathering, donde vieron a Orbital, Moby y 808 State, profundizando su conexión con la electrónica que marcaría el sonido del disco.
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Soñar de a dos: el concepto detrás del arte
El título Sueño Stereo surgió de una charla entre Gustavo Cerati y su amiga Gabriela Malerba: ¿es posible soñar de a dos, sincronizados como siameses? La respuesta fue que no, pero esa idea de conexión marcó la estética del disco. Junto al diseñador Alejandro Ros, trabajaron sobre la noción de dualidad, sincronía y concepción, que derivó en una tapa con parlantes y espermatozoides con auriculares, símbolo de un vínculo sonoro y genético.
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La portada original, que mostraba a dos siameses unidos por la cabeza, fue descartada por su crudeza, pero el espíritu del disco siguió latente.
El resto del arte del álbum mantuvo ese juego entre lo onírico y lo simbólico: imágenes que combinaban objetos dispares buscaban evocar asociaciones ilógicas, como en un sueño.
“En un primer momento pensamos en esa imagen [la de los siameses] para que fuera la tapa del disco, pero como no todos los integrantes del grupo estaban convencidos, la descartamos, y nos quedamos con el concepto de soñar en stereo y la idea de la concepción como parte del asunto. De ahí esos espermatozoides/auriculares”, explicó Zeta.
La esperada biopic sobre Bruce Springsteen, Deliver Me From Nowhere, acaba de presentar su primer tráiler oficial.
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Deliver Me From Nowhere, la película sobre Bruce Springsteen, estrena el primer tráiler.
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La esperada biopic sobre Bruce Springsteen, Deliver Me From Nowhere, acaba de presentar su primer tráiler oficial. Protagonizada por Jeremy Allen White (The Bear) en el rol de “El Jefe”, la película se centra en un momento clave y menos explorado de la carrera del músico: la creación de su sexto disco de estudio, Nebraska, grabado en 1982.
De qué se trata Deliver Me From Nowhere
Dirigida por Scott Cooper (Crazy Heart), la cinta se aleja de la típica épica del ascenso al estrellato para enfocarse en una etapa de introspección y vulnerabilidad. A comienzos de los 80, Springsteen estaba a punto de convertirse en un fenómeno global gracias a Born in the U.S.A., pero en paralelo transitaba una crisis personal que quedó plasmada en las canciones despojadas y oscuras de Nebraska, grabadas de forma casera en un portaestudio.
Quiénes actúan en la biopic
Además de Allen White, el elenco incluye a Jeremy Strong (Succession), quien interpreta al histórico manager y productor de Springsteen, Jon Landau; y a Stephen Graham (Adolescencia), en el papel de Douglas Springsteen, el conflictivo padre del músico. Otros nombres del reparto son Odessa Young, Paul Walter Hauser y Johnny Cannizzaro.
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Jeremy Allen White como Bruce Springsteen. Foto: Mark Seliger. .
Cuándo se estrena la película
Con estreno previsto para el 24 de octubre, la película cuenta con la bendición del propio Springsteen, quien visitó el set durante el rodaje y celebró la interpretación de White. En una entrevista reciente con Variety, el músico contó: “Me presentaron la idea y dije: ‘Suena divertido’. Es interesante porque se enfoca en un período muy específico de mi vida, cuando grababa Nebraska y, en paralelo, Born in the U.S.A., mientras atravesaba dificultades personales que me acompañaron siempre”.
El entusiasmo fue compartido por el elenco. Strong la describió como “una de las mejores experiencias laborales que he tenido”. Por su parte, Graham confesó que se emocionó hasta las lágrimas al recibir un mensaje de apoyo del propio Springsteen: “Fue el mensaje más hermoso que recibí en mi vida”.
El tráiler oficial de Deliver Me From Nowhere.
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Nebraska: El disco despojado y sombrío que cambió la carrera de Bruce Springsteen
Publicado en septiembre de 1982, Nebraska es el sexto álbum de estudio de Springsteen y uno de los más atípicos -y reverenciados- de su carrera. A diferencia del sonido expansivo de discos anteriores como Darkness on the Edgeof Town o The River, acá el músico de Nueva Jersey eligió el camino opuesto: un conjunto de canciones grabadas en soledad, con una simple grabadora de cuatro pistas y una estética cruda, casi fantasmal.
Originalmente concebidas como demos para ser reinterpretadas junto a la E Street Band, las canciones fueron registradas en su hogar con medios precarios: guitarra acústica, armónica, algún toque de mandolina, órgano y pandereta. Sin embargo, cuando llegó el momento de pasar al estudio profesional, Springsteen sintió que algo esencial se perdía con la producción más pulida. “Esa fue la cinta que se convirtió en disco”, recordó años después. “Pensamos: ‘Oh, ese es el álbum’”.
Nebraska retrata un Estados Unidos sombrío y al margen: criminales, fugitivos, almas solitarias y personas en el límite, enfrentadas a dilemas existenciales o directamente a la desesperanza. Historias mínimas y devastadoras como “Highway Patrolman”, “State Trooper” o la canción que da nombre al disco -inspirada en los asesinatos reales cometidos por Charles Starkweather- construyen un paisaje emocional que el propio Springsteen definiría como “las voces que no tenían cabida en otros discos”.
Desde el rock hasta el folk y el pop más crudo, a continuación repasamos seis de las mejores canciones anti amor de todos los tiempos.
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Fleetwood Mac.
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No caben dudas de que el amor es el principal protagonista de una gran cantidad de canciones. Sin embargo, no todas hablan acerca del amor ideal, sino que algunas, por el contrario, reflejan lo que pasa cuando las cosas salen mal. En esos casos, las decepciones, rupturas, traiciones o simplemente el cansancio de estar con la persona equivocada toman el primer lugar.
Las canciones anti amor no buscan consolar a los oyentes, sino ser un canal para que el artista pueda decir las cosas como son, sin filtros ni adornos. Desde el rock hasta el folk o el pop más crudo, muchos grupos y cantantes usaron sus tracks para descargar frustraciones sentimentales.
A continuación, seis de las mejores canciones anti amor de todos los tiempos.
6. The J. Geils Band – “Love Stinks”
Single principal del álbum Love Stinks (1980), producido por SethJustman. Es un rock directo con letra cruda sobre el desamor y el triángulo amoroso que inspiró la canción. Grabada en Long View Farm, alcanzó el Top 40 en EE.UU. y Canadá.
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5. Joan Jett & the Blackhearts – “I Hate Myself for Loving You”
Del disco Up Your Alley (1988), coescrito con Desmond Child y producido por KennyLaguna. Con solo de MickTaylor, se convirtió en uno de sus temas emblemáticos.
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4. Fleetwood Mac – “Go Your Own Way”
Incluida en Rumours (1977), producida por la banda y escrita por Lindsey Buckingham tras su ruptura con StevieNicks. Su letra expresa el dolor y las tensiones internas del grupo durante la grabación del disco.
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3. Def Leppard – “Love Bites”
Parte de Hysteria (1987), producido por MuttLange. Balada pesada cuya letra se enfoca en la toxicidad amorosa. Alcanzó la cima del ranking Billboard y representa el lado oscuro del enamoramiento.
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2. Bob Dylan – “Don’t Think Twice (It’s All Right)”
Del álbum The Freewheelin’ Bob Dylan (1963), producido por TomWilson. Aunque cuenta con un tono suave, el tema destila resignación y liberación ante un amor perdido.
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1. Nazareth – “Hair of the Dog”
Incluida en el álbum homónimo de 1975, producido por RogerGlover, la pista presenta un riff pesado y una letra frontal en la que la palabra “perro” hace referencia al amor tóxico. Esta canción encarna la furia contra una relación destructiva.
Mel Brooks regresa a sus 99 años con la secuela de una de sus obras maestras, ‘Spaceballs 2’, la parodia de ‘Star Wars’.
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La película de Spaceballs (La loca historia de las galaxias en España y S.O.S. Hay un Loco Suelto en el Espacio en Latinoamérica), inigualable parodia de Star Wars estrenada en 1987, tendrá secuela. Cuarenta años después de su desternillante éxito, el pasado 2024 comenzó a rumorearse la posible llegada de Spaceballs 2 junto a Josh Gad. Ahora, parece que el sueño está a punto de materializarse. Y es que se ha anunciado que tanto Mel Brooks como otros miembros del reparto original van a regresar.
El propio Mel Brooks, la mente responsable detrás de la primera, ha sido el encargado de dar la noticia. El cineasta escribió el guion, hizo la música, fue productor y dirigió la original. Ahora, con un video teaser publicado en redes sociales, ha confirmado que Spaceballs 2 será una realidad. En la pieza, se ríe una vez más del fenómeno de las franquicias.
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«Hace 38 años, solo había una trilogía de Star Wars«, señala. «Pero desde entonces ha habido una trilogía de precuelas, una trilogía de secuelas, una secuela de la pecuela, una precuela de la secuela, incontables spin-offs de televisión, una película spin-off de un spin-off de televisión que es a la vez precuela y secuela…», prosigue, antes de atizar a otras muchas sagas. «Por no mencionar… 2 Dunes, 7 Jurassic Parks, 2 Avatar y otras 3 Avatar en camino, lo que hacen 5 Avatar, 36 películas del UCM con 2 Robert Downey Jr., el intento 1 del Universo DC, el intento 2 del Universo DC…», enumera, junto a muchas otras.
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«Pero en 38 años solo ha habido una Spaceballs… hasta ahora», concluyen las letras al estilo de los créditos de apertura de Star Wars. Es entonces cuando Mel Brooks, a punto de cumplir 99 años, confirma la secuela. «Después de 40 años, nos hemos preguntado, ¿qué quieren los fans? Pero, en lugar de eso, vamos a hacer esta película», pronuncia sencillamente. Una última broma que da paso incluso a la fecha de estreno. Spaceballs 2 se estrenará en cines en 2027.
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¿Quién vuelve en Spaceballs 2?
De cara a Spaceballs 2, Mel Brooks no será guionista ni director. La leyenda del cine de comedia cede el testigo a Benji Samit, Dan Hernandez y Josh Gad como guionistas y a Josh Greenbaum (Barb y Star van a Vista Del Mar) como director. Sin embargo, Brooks sí que regresará tanto como productor como repitiendo su inolvidable papel de Yogurt, su parodia de Yoda. Su último trabajo en pantalla -al margen de doblaje- fue en 2005 con un cameo en Los productores, adaptación de su musical de Broadway. Y en esta secuela no estará solo.
Bill Pullman y Rick Moranis también volverán a Spaceballs 2 como Lone Starr y Lord Casco. Junto a ellos estarán dos nuevos fichajes. El hijo de Pullman, Lewis Pullman, sigue creciendo en su carrera y, tras brillar como Sentry en Thunderbolts* de Marvel, ahora se une a la película con su padre. También ficha por esta secuela la actriz Keke Palmer y se rumorea que el propio Josh Gad también formará parte del reparto.
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Sus papeles se mantienen en secreto, así como la sinopsis de la película. En cualquier caso, Amazon describe Spaceballs 2 como «una segunda parte secuela que no es una precuela ni un reboot, pero con elementos de reboot como película de expansión de franquicia». La trama, el título y la fecha concreta de estreno se darán a conocer más adelante.
’28 años después’ retoma el mundo apocalíptico imaginado por Danny Boyle y Alex Garland en 2002. Te contamos todo lo que debes recordar sobre la saga.
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En el 2002, Danny Boyle y Alex Garland unieron esfuerzos para dar un giro por completo nuevo al género de zombis. El resultado fue 28 días después, una perspectiva pesimista que llevó a sus personajes a terrenos novedosos y macabros. Para eso, el guion exploró en una pandemia capaz de arrasar al mundo entero en menos de un mes y además, sacar a flote lo peor del ser humano. En medio de ambas cosas, el argumento de Alex Garland mostró elementos incómodos como el odio entre sobrevivientes y la violencia humana, por encima de los infectados.
En 2007, la historia continuó con 28 semanas después, a cargo de Juan Carlos Fresnadillo, que también escribió el guion. La cinta, intentó captar la atmósfera perturbadora y siniestra de la original, pero solo lo logró a medias. En especial, porque el interés de la trama, estaba mucho más en la acción y las escenas sangrientas, que en la crueldad de un mundo arrasado a todo nivel. Aun así, la cinta permitió vislumbrar las posibilidades de un universo en expansión. Particularmente, la idea de un virus que, en lugar de curarse o poder ser aislado, se volvía más virulento e imparable con el correr del tiempo.
Este año, 28 años después, el equipo de la película original, se une de nuevo para lo que será la primera parte de una trilogía ya confirmada. Danny Boyle vuelve como director para profundizar en su universo, esta vez reimaginando sus principales elementos para unir cada una de las historias anteriores. Por lo que es necesario, tener una idea más o menos clara de lo ocurrido hasta el momento en que comienza el relato. Para echarte una mano con eso, te dejamos todo lo que debes recordar antes de ver la nueva cinta. Del origen de la tragedia a cómo lo afrontó una Inglaterra dividida y echa pedazos por el horror zombis. Un recorrido por lo mejor del cine actual.
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28 días después (2002)
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Cilllian Murphy como Jim en ‘Exterminio’
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Estrenada en el 2002, la cinta reformula el género de zombis. Por lo que la infección, que se extiende por el mundo, comienza por un accidente biológico, antes que magia o hechicería. De hecho, el primer contagio ocurre cuando un grupo de activistas medioambientales, entran en un laboratorio de Cambridge. Eso, para intentar liberar a un grupo de chimpancés, infectados de una rara cepa del virus de la rabia. Cuando uno de los animales muerde a un miembro del grupo, se produce una mutación inmediata con resultados que son visibles minutos después. Una reacción de ira pura, irracional e imparable, que convierte a cualquiera en monstruos sanguinarios.
Lo demás, ocurre de manera vertiginosa. El colapso total de Inglaterra es inevitable y pronto, todo el país sucumbe a la infección. Pero la película no lo muestra de manera directa, sino que recurre a un recurso original. Eso, al enfocar la atención del guion en Jim (Cillian Murphy) un mensajero en bicicleta, despierta de un coma y encuentra Londres desierta. Todavía no sabe lo que ha ocurrido o la rápida propagación del virus. Algo que hace de su primer recorrido por una ciudad fantasmal, vacía y casi irreconocible, una de las secuencias icónicas del cine de terror.
Mientras recorre este siniestro paisaje, se encuentra con otros supervivientes. Selena (Naomie Harris), Frank (Brendan Gleeson) y Hannah (Megan Burns), y juntos intentan encontrar un lugar seguro. Pero pronto, el grupo descubre que a lo que debe temer no únicamente a la infección. En medio de la crisis, los pocos que no han sido contagiados se han convertido en facciones violenta y se enfrentan entre sí, con inusitada crueldad.
La película culmina con una extracción de rescate y la imagen de los infectados muriendo de inanición. Por lo que deja la puerta abierta a que el virus no se extendió por todo el mundo — no de inmediato — y que es posible, el fin de la epidemia consista en aislar los lugares afectados.
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28 semanas después (2007)
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Robert Carlyle como Don en ’28 semanas después’.
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Estrenada cinco años después de la original, la película toma la premisa de un posible final de la crisis de la original para llevarla a un terreno por completo nuevo. Por lo que comienza con un prólogo aterrador en el que sigue a Don (Robert Carlyle) y Alice (Catherine McCormack), un matrimonio que intenta sobrevivir al asedio de los infectados en una cabaña. Pero finalmente, y en medio de una situación confusa, termina por abandonarla a una horda de infectados y huir en una lancha, dándola por muerta.
Veintiocho semanas después, la emergencia parece controlada por completo. Los infectados han muerto por inanición y las zonas con peligro infeccioso, se encuentran vigiladas y aisladas. Por lo que la OTAN, junto al ejército estadounidense, permiten el regreso de los evacuados en tierras británicas. Entre ellos, Don y sus hijos, a los que mintió, asegurándoles que intentó salvar a Alice y que no logró en medio del caos. La culpabilidad provoca que, luego de saber que la mujer sobrevivió debido a que es inmune al virus, intente contactarla. Eso, a pesar de que ella se encuentra aislada y que, a pesar de no presentar los síntomas, sí puede contagiar.
Qué es precisamente lo que ocurre cuando ambos se reencuentran. Don, infectado, termina por matar a Alice y convertirse en el foco de toda una nueva ola de contagios, más violentos y brutales que la primera. Algo que terminó por sumir en el caos a la recién liberada Londres, después a Inglaterra y por último, al mundo entero. De hecho, la cinta culmina mostrando escenas de los infectados en París, dejando claro que el virus rebasó los límites ingleses y se extiende a través del planeta.
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28 Años después (2025)
Todavía no hay muchos detalles acerca de la historia, más allá de que se ambienta veintiocho años después de los sucesos de la segunda película. También, que no hay cura a la vista y que el mundo entero se encuentra sumido en las consecuencias de un apocalipsis a todos los niveles. En medio de la situación, Isla (Jodie Comer) y Jamie (Aaron Taylor-Johnson) establecieron frente a la costa de Northumberland, un territorio seguro.
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No obstante, no está claro si el virus mutó o de qué manera, los infectados originales han sobrevivido a las sucesivas cepas. Todas preguntas que la cinta deberá responder, mientras muestra la civilización que surgió al ocaso de la humanidad. Un escenario en escombros que como el tráiler mostró, la cinta indagará en profundidad.
El ‘Universo DC’ de James Gunn y Peter Safran emprende la búsqueda de actrices para ser la nueva Wonder Woman.
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James Gunn confirmó hace solo unos días que Wonder Woman tendrá una película propia en el nuevo Universo DC. La compañía ya tiene en marcha un proyecto que, aunque no cuenta con ningún nombre adherido, está en pleno desarrollo. Por eso, muchos fans sueñan con ver a las grandes actrices del momento dando vida a la Mujer Maravilla. Un rol que en el anterior DCEU recayó en Gal Gadot, pero que próximamente contará con un nuevo rostro.
Gadot interpretó a Diana, princesa de las amazonas, entre 2016 y 2023. Su primera aparición como Wonder Woman fue en Batman v. Superman: Amanecer de la Justicia, donde tuvo un breve cameo al final de la cinta para debutar en el DCEU. Después protagonizó su película propia en 2017, una de las más aclamadas de la extinta franquicia. También tuvo una secuela bastante peor recibida, así como un papel protagonista en las dos versiones de La Liga de la Justicia. Además, apareció con cameos en ¡Shazam! La furia de los dioses y en The Flash.
Sin embargo, con la llegada de Peter Safran y James Gunn, el Universo DC se ha reiniciado por completo. Y aunque en un primer momento parecía que Gal Gadot contaría con una tercera película junto a Patty Jenkins, finalmente Wonder Woman 3 fue cancelada. Además, aunque no es 100% oficial, parece claro que los ejecutivos quieren una nueva actriz para distanciarse de la anterior franquicia, como ya han hecho con David Corenswet y Superman. Así, hay algunas opciones que suenan muy fuerte que encajarían a la perfección en el papel.
5 actrices para Wonder Woman
Adria Arjona
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A día de hoy, Adria Arjona es la candidata ideal para la mayoría de fans del Universo DC. Desde hace muchos meses, los rumores vinculan a la actriz de Bix en Andor con el papel de Wonder Woman. Y es que en la serie de Star Wars ha demostrado tener el carácter y fortaleza necesarias para el papel de la princesa de Temiscira. No sabemos si realmente James Gunn y Peter Safran la tienen entre sus opciones, pero sin duda sería un fichaje ideal para sustituir a Gal Gadot.
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Ana de Armas
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Otra opción que en las últimas semanas ha ganado peso es la de Ana de Armas. La cubana es una de las actrices de moda en Hollywood, especialmente por sus últimos trabajos en el cine de acción. Tanto en James Bond: Sin tiempo para morir como en Ballerina, del universo John Wick, ha demostrado sus impresionantes habilidades para pelear. Además, por supuesto, de su carisma y aura amable en pantalla, imprescindible para encarnar a Wonder Woman.
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Eiza González
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En la misma línea se sitúa Eiza González. En la muy reciente La Fuente de la Juventud ha demostrado de lo que es capaz dentro del género de acción y aventuras. Además, ya intentó trabajar para DC al hacer la audición de Catwoman para la película The Batman. Finalmente perdió el papel contra Zoë Kravitz, pero ahora con Wonder Woman podría llegarle una nueva oportunidad.
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Alexandra Daddario
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Eterna candidata a ser Wonder Woman, Alexandra Daddario vuelve a sonar una vez más entre los fans, como ya ocurriera hace más de diez años, antes del fichaje de Gal Gadot. La actriz dio el salto a la fama con True Detective y desde entonces no ha dejado de demostrar que tiene el potencial par cualquier tipo de rol, consolidándose con series como The White Lotus. Como extra, ya ha trabajado en DC con el universo animado del Tomorrowverse, donde le puso voz a Lois Lane. Además, en Percy Jackson dio vida a la semidiosa griega Annabeth Chase, hija de Atenea.
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Monica Barbaro
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Credit: Giulia Parmigiani
Aunque no es la principal favorita en ninguna, Monica Barbaro está en todas las listas de actrices que deberían convertirse en la nueva Wonder Woman del Universo DC. Con ella, la franquicia se aseguraría a una de las actrices más talentosas de la actualidad. Sin ir más lejos, su impresionante papel en A Complete Unknown le valió la nominación a los Premios Oscar a Mejor actriz de reparto. Dadas las críticas que siempre ha recibido Gal Gadot por su falta de talento y capacidad actoral, sería un salto cualitativo considerable.
De David Bowie a Charly García y Pedro Aznar, repasamos 4 covers emocionantes de «God Only Knows», la hermosa canción de The Beach Boys.
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«God Only Knows» es una de las mejores canciones de The Beach Boys. Foto: Instagram de The Beach Boys.
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“God Only Knows” de The Beach Boys es una de las canciones más bellas de la historia de la música. Incluida en el disco Pet Sounds, logró fascinar a diversas generaciones y a múltiples músicos que decidieron versionarla.
El disco se estrenó en 1966, cuando la banda californiana mantenía una fuerte rivalidad con The Beatles. En este álbum, Brian Wilson llegó a su máxima complejidad y destreza como compositor. De hecho, Paul McCartney dijo que “God Only Knows” era “una gran canción: melodía, armonías, ¡la letra! Es una gran canción, la amo”.
A continuación, 4 covers emocionantes de “God Only Knows”, la hermosa canción de The Beach Boys.
Joss Stone
La cantante de soul hizo su propia versión de este tema para su segundo álbum. En su cover apostó por bajar el tempo de la original e incluyó arreglos de cuerdas que conforman la instrumentación junto a un piano. Stone prescindió de las armonías de voces y le dio a su interpretación su característico estilo R&B.
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Jamie Cullum
Para la edición especial de su disco Twentysomething, el músico británico imprimió su estética jazzera y contó con una plena instrumentación de cuerdas. Cullum dejó de lado los arreglos vocales y apostó por una interpretación despojada pero potente gracias a su voz de talante retro.
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David Bowie
Bowie contó con banda completa yun conjunto de cuerdas conducido por Arif Mardin. Esta versión fue incluida en el disco Tonight. Aquí, el Duque Blanco logra que parezca una canción de su autoría.
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Charly García y Pedro Aznar
En el disco Tango 4 de 1991, García y Aznar grabaron grandes canciones en conjunto e incluyeron algunas versiones. El cover en español se titula “Solo Dios sabe” y conserva la dulzura de la original, pero son los teclados y sintetizadores los que tienen preponderancia en la instrumentación, así como las armonías de voces.
A falta de un mes para su estreno en cines, ‘Superman’, de James Gunn, ha presentado un nuevo tráiler cargado de acción.
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Falta exactamente un mes para el estreno de Superman, de James Gunn, y DC ha decidido subir todavía más la expectación de los fanáticos con el lanzamiento de un nuevo tráiler. El avance en cuestión incluye varias secuencias ya vistas en clips previos, pero también presume de unas cuantas escenas todavía no vista. Y lo mejor de todo es que está cargado de acción.
El reluciente avance de Superman deja en claro que la secuencias de pelea y destrucción no van a faltar. Desde Lex Luthor y sus secuaces destruyendo la Fortaleza de la Soledad, hasta el Hombre de Acero batiéndose a golpes de puño con la ayuda de Krypto, o sacando provecho de su visión de calor e hipervelocidad para doblegar a sus enemigos, el vértigo no escasea.
El ritmo frenético del tráiler de Superman también da a entender que James Gunn no va a perder el tiempo al momento de introducir a los personajes. Los minutos disponibles —tanto de la película como de los espectadores— son extremadamente valiosos y parece que el director no quiere desperdiciarlos en explicaciones innecesarias.
Asimismo, Superman deja en claro que el Luthor de Nicholas Hoult no anda con rodeos. El villano quiere destruir al héroe, a las personas que lo criaron desde que llegó a la Tierra y también a Lois Lane, y no tiene pudor en decirlo en voz alta.
El tráiler de Superman que se ha lanzado hoy también permite apreciar con mayor detalle la paleta de colores y la estética general más comiquera que le ha otorgado James Gunn. Un cambio radical —y seguramente muy bienvenido— en comparación con la apariencia sombría del Snyderverse.
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Superman, de James Gunn, se estrena el 11 de julio
Días atrás, James Gunn confirmó que Superman está 100 % lista y preparada para llegar a las salas de cine de todo el mundo. El director de la película y cojefe de DC Studios también reveló que su duración total, incluyendo créditos y escenas postcréditos, es de 2 horas y 9 minutos. Asimismo, desmintió que el corte original fuese más extenso y que Warner Bros le haya obligado a acortarlo para su proyección en cines. «No hay nada de verdad en ello. Y no podrían hacerlo incluso aunque quisieran, [porque] es una película de DC Studios», mencionó.
Superman será la primera gran prueba de fuego para el nuevo Universo DC bajo la conducción del propio Gunn y de Peter Safran. El largometraje introducirá a David Corenswet como Clark Kent/Superman y a Rachel Brosnahan como Lois Lane. Además, Nicholas Hoult será Lex Luthor y otros protagonistas confirmados son Nathan Fillion (Guy Gardner/Linterna Verde), Isabela Merced (Hawkgirl), Edi Gathegi (Mr. Terrific), Anthony Carrigan (Metamorpho) y María Gabriela de Faría (The Engineer).
El desarrollo de Superman ha costado unos 225 millones de dólares y se estima que la película debería recaudar unos $500 millones para tener éxito. No obstante, para que Warner y DC la consideren un verdadero hit esa cifra debería estar más cercana a los 700 millones de dólares.
Superman, de James Gunn, se estrena el próximo 11 de julio solo en cines.
