La Radio del Coach de la Birra
#YConCervezaEsMejor
La Radio del Coach de la Birra
#YConCervezaEsMejor
Navegar Autor
Carlos Segura
Amante de la Pizza, la Cerveza
Fútbol y #Rocanrol
Libre pensador, Cervezariano
Libre pensador y libre bebedor
#YconCervezaEsMejor
toma y deja tomar, ley de la birra
Esta pieza de acción dirigida por Moritz Mohr y producida por Sam Raimi ofrece gore y secuencias frenéticas. Dale play en Prime Video.
.
Bill Skarsgård en Contra todos (2023).
.
La plataforma Prime Video estrenó el film Contra todos (2023), una pieza de acción dirigida por Moritz Mohr y producida por Sam Raimi que ofrece gore y secuencias frenéticas. La cinta logró triunfar en el streaming aunque las críticas que recibió no fueron las más favorables.
Este film está protagonizado por Bill Skarsgård, Jessica Rothe, Michelle Dockery y Brett Gelman y la sinopsis indica:
“Una película de acción distópica que sigue a Boy, una persona sorda con una imaginación vívida. Cuando su familia es asesinada, es entrenado por un chamán misterioso para reprimir su imaginación infantil y convertirse en una herramienta mortal”.
.Famke Janssen en Contra todos (2023).
.
Críticas
En cuanto a las críticas, El Periódico fue lapidario: “Exceso de tiroteos, golpes de artes marciales y planos ‘gore’. Las cosas no siempre salen bien por acumulación, sobre todo cuando debajo de esa superficie de hemoglobina (…) no hay nada que rascar”.
La Vanguardia dio su opinión sin escatimar en críticas negativas:
“Realizada con ineptitud, ortopédicamente montada, luce interpretaciones tan atractivas como un estornudo y un guion sin pies ni cabeza, más allá de la psicotronía”.
.
.
Sin embargo, no todos los comentarios fueron negativos. Diario La Razón dijo: “Un auténtico atracón ingente y a veces muy divertido de violencia (…) film de acción sin freno, vergüenza ni sentido de la contención”.
Finalmente, desde Fotogramas sumaron aspectos positivos de la película: “Mohr logra que sus brillantes escenas de acción e incansable comedia absurda nos hagan obviar esa sensación de ‘déjà-vu’ para disfrutar de la atracción”.
Netflix anunció que la protagonista de Little Storm Cloud volverá con una segunda temporada. Los fanáticos están de fiesta.
.
Jenna «mamacita» Ortega
.
“Ha sido una tortura”, dice Merlina, mientras agradece la demandante respuesta del público en un reciente video de Netflix que confirma la segunda temporada de Wednesday. Al fin la intriga finalizó y el fandom de la exitosa producción ansía que la plataforma de streaming dé a conocer la fecha de estreno.
El regreso de Merlina y el reparto de la serie, bajo la visión creativa de Tim Burton, dio vida a una Wednesday Addams que batió récords, convirtiéndose en la producción más exitosa de la N roja, con mil millones de horas reproducidas en solo tres semanas después de su debut y protagonizando el fenómeno viral que también sucedió en Stranger Things: un soundtrack casi descartado por la generación ochentosa, que renació en los oídos de la generación Z.
Ahora el gigante del streaming dio a conocer que la producción continuará con una segunda parte. Y lo que se puede predecir es que Nevermore Academy y todos los integrantes del elenco, entre ellos Enid, la mejor amiga de Wednesday, seguirán dando de qué hablar.
¿Cuándo se estrena la segunda temporada de Merlina?
Desde su estreno el 23 de noviembre de 2022, la celebrada serie marcó un hito dentro del legado de la plataforma de streaming, pues de acuerdo a un comunicado oficial de Netflix, la producción llegó a la cima en tan solo una semana, obteniendo reconocimientos en los MTV Movie & TV Awards y los People’s Choice Awards por su impacto cultural y su óptima recibida entre la audiencia.
La llegada de una nueva pieza audiovisual es el desenlace que millones de ansiosos espectadores esperaban. La fecha oficial de su estreno no fue anunciada, sin embargo, considerando que su filmación comenzó en mayo de 2024, se puede esperar que la propuesta de Burton salga a la luz a fines de 2024 o principios de 2025.
Además de Jenna Ortega como Wednesday Addams se confirmó el regreso en roles protagónicos de Catherine Zeta-Jones como Morticia Addams, Luis Guzmán como Gomez y Unati Lewis-Nyawo como Ritchie Santiago. También volveremos a ver a Emma Myers como Enid Sinclair y Hunter Doohan como Tyler.
.
La primera imagen del reparto de Merlina en el inicio de la segunda temporada. Cortesía de Netflix.
.
El tráiler completo de la segunda temporada de la serie aún es un enigma, sin embargo, la reconocida firma pochoclera dio a conocer una serie de teasers que capturan la audaz e ingeniosa naturaleza de su protagonista para mostrar un poco más sobre las sombrías (y turbias) aventuras que se esperan de la segunda entrega. A continuación te compartimos uno de los avances más recientes.
Analizamos las razones por las que la nueva película de Todd Phillips está teniendo tan mala recepción del público y la crítica.
.
Joker: Folie à Deux (2024)
.
Joker: Folie à Deux (o Joker 2) llegó a los cines semanas atrás y, a pesar de haber sido una de las películas más esperadas del año, no cumplió con las expectativas del público y la crítica. La secuela dirigida por Todd Phillips y protagonizada por Joaquin Phoenix y Lady Gaga está siendo un desastre en taquilla y recibiendo mucho comentarios negativos… ¿Por qué?
Lo cierto es que Joker 2 está lejos de ser una mala película, aunque se aleja bastante de la primera entrega de 2019 que se convirtió en un éxito absoluto. Esto parece haber sido la condena total para la segunda, que aborda desde diferentes perspectivas y tonos la continuación de la historia. A continuación analizamos por qué Joker 2 recibió tantas malas críticas.
.
Lady Gaga y Joaquin Phoenix en Joker: Folie à Deux.
.
Su reflexión sobre la maldad
Esta secuela parece reflexionar acerca de lo que se plantea en la primera entrega. Sin ser explícito, el primer film “justifica” la maldad del Guasón al mostrarlo como víctima de una sociedad corrompida, de una familia enferma y violenta y de una patología mental. Así, lejos de ser condenado socialmente por sus crímenes, se convierte en un ídolo popular.
En este film, la idea central es la pregunta de si este personaje está realmente disociado entre Arthur Fleck y Guasón, siendo que los crímenes los comete el segundo y el primero es solo una víctima de la esquizofrenia. Este es un aspecto psicológico y moralmente muy interesante -que además es presentado en el corto animado que inicia el film-, que parece poner en duda la posibilidad de “justificar” al asesino.
De todos modos, esta reflexión quita el costado de villano heroico y de figura de consumo pop, por lo cual el personaje se vuelve más deprimente y menos atractivo. Posiblemente, lo que le sucede al personaje de Lee haya sido lo que le pasó a gran parte del público: si se mata la fantasía, se mata el amor y la admiración.
.
Joaquin Phoenix en Joker: Folie à Deux
.
La ausencia de referencias populares
Mientras Joker se presentó como un cóctel de referencias y relecturas del cine de Martin Scorsese, específicamente de El rey de la comedia y de Taxi Driver, esta segunda parte no ofrece referencias tan palpables para el gran público.
El alejamiento del cine mainstream
Esta secuela es lenta, de larga duración, con muchos momentos sin diálogos, reflexiva y por momentos errante en su trama. Por un lado, juega entre la realidad y la ficción constantemente: las escenas se dividen entre lo que Arthur imagina -ahí es donde ingresa el musical- y lo que sucede realmente, por lo cual no es una narración lineal.
Por el otro, y a diferencia de su antecesora, se aleja de los estándares mainstream y del cine de entretenimiento. Si bien no es una propuesta de vanguardia o cine arte, sí es sombría, con una fuerte crítica al sistema de salud mental y la exhibición constante de una persona en completa depresión y desarrollo de su patología psiquiátrica. El musical no mitiga esto, por el contrario, casi siempre lo refuerza.
.
Lady Gaga y Joaquin Phoenix en Joker 2.
.
La extraña mezcla de géneros
En concordancia con el punto anterior, Joker 2 es bastante difícil de definir. Posiblemente uno de sus puntos más débiles es que no llega a desarrollar del todo los diferentes “géneros” por los que navega.
Es una película que por momentos es musical, aunque las canciones son parte del acervo popular (jazz de los ’80 y ’70) y no un medio narrativo que reemplaza los diálogos. Por otro lado, es un drama psicológico que tiene como escenario principal un hospital psiquiátrico, pero tampoco este aspecto se desarrolla a fondo. Y hacia la mitad, el film se convierte en un drama judicial.
La sustancia echa mano a un puñado de referencias cinematográficas que ayudan a crear una zona conocida para el espectador.
.
Demi Moore en La sustancia (2024).
.
La sustancia es una de las películas que está llamando la atención en esta segunda mitad del año. El film dirigido por Coralie Fargeat y protagonizado por Demi Moore y Margaret Qualley cuenta la historia de una actriz de Hollywood que experimenta la decadencia de su carrera y acude a un peligroso recurso que promete sacar lo mejor de sí.
La película se inscribe dentro de subgénero del body horror y se volvió tendencia en redes sociales gracias a los testimonios de múltiples espectadores que contaron sus impactantes experiencias viendo este film no apto para impresionables.
Más allá de ese sensacionalismo, La sustancia echa mano a un puñado de referencias cinematográficas que ayudan a crear una zona conocida para el espectador y sumar el film a una genealogía. A continuación, 4 películas referenciadas en La sustancia.
El resplandor
1980 – Dir: Stanley Kubrick
La película de Stanley Kubrick está presente en diferentes momentos de La sustancia. Por un lado, hay un guiño ineludible en los estudios de televisión donde trabaja la protagonista: pasillos extensos con un alfombrado estampado en colores cálidos. Más adelante en la historia, estos pasillos límpidos pero tenebrosos se cubrirán de sangre, tal como en El resplandor.
.
.
Carrie
1976 – Dir: Brian De Palma
Si de baños de sangre hablamos, hay que mencionar la adaptación cinematográfica de la novela de Stephen King a cargo de Brian De Palma. Esta referencia también fue clave en Revenge, el film anterior de Fargeat, por lo que es una simbología recurrente en su corta pero potente filmografía.
.
.
El hombre elefante
1980 – Dir: David Lynch
Esta cinta de David Lynch se suma al universo de referencias de La sustancia. La deformidad, el fenómeno físico como espectáculo y el rechazo de la gente son claves de El hombre elefante que son parte del clímax del film de Fargeat y corresponden a su momento más grotesco.
.
.
Réquiem por un sueño
2000 – Dir: Darren Aronofsky
Las referencias a la película dirigida por Darren Aronofsky se vuelven difíciles de ignorar cuando Fargeat recurre a la televisión como caja idiotizante y a planos detalle de heridas y jeringas, además de una sordidez que va in crescendo.
El esperado nuevo álbum de estudio de Faith Head, «The Horror of Things to Come», lleva al oyente por un oscuro viaje hacia el futuro.
Este oscuro capítulo en el catálogo musical de Faith Head refleja al mundo los horrores que la humanidad continúa trayendo sobre sí misma. En un mundo desprovisto de verdad objetiva, los hechos ofenden y la mera ciencia es calumnia, nuestro mundo da lugar a una realidad inversa. Un remanente de creyentes lucha dentro de sus filas con sus propios problemas que están secretamente ocultos en la fachada de la cultura religiosa. Pero para aquellos que perduren hasta el final, particularmente hasta el final del álbum, encontrarán esperanza.
Apegándose al sonido de batería totalmente natural y evitando el formato de canción de corte de galletas lanzado a las masas por la industria de la música, el último álbum de estudio de Faith Head se distingue de los falsos sonidos de batería muestreados de la música moderna y los predecibles arreglos musicales de rock. Los fanáticos de la reputación de la banda por el canto real, los riffs de headbanging y los solos de guitarra abrasadores encontrarán este álbum lleno de ganchos, ritmos, riffs pesados y trituraciones que saciarán sus sentidos de metal y hard rock.
Aunque un poco más doom que los singles anteriores al álbum, la paleta de diversidad de canciones ofrece algo para todos. Siguiendo con la premisa de no encerrarse en un género particular de hard rock y metal, Faith Head lleva al oyente a una montaña rusa de melodías, riffs contundentes y provocación lírica. Ningún grupo o tema está fuera de los límites de este álbum en esta colección de melodías digna de disparo con la selección de títulos de canciones provocativas.
Resumen de la canción
El álbum se abre con la introducción instrumental «Melodiam Pro Deperdito» con el trabajo de bajo de 12 cuerdas del fundador y bajista de la banda, Patrick «PFunk» Shipley que establece el tono de lo que está por venir. Basándose en el amor por los temas de las películas de terror y creando paisajes sonoros, la introducción debería prepararte para lo que viene a continuación.
.
.
El siguiente es el primer sencillo del álbum, «Aberrations of Reality», con la versión del álbum con el regreso de Jimmie «JW» Webb en la voz, mientras que el sencillo tenía al cantante Adam Reed antes de que saliera del escenario. Le sigue la nueva canción «Victim Mobtality», que presenta un pre-estribillo de nü-metal con el flujo del estilo característico del cantante JW. Líricamente, la canción habla de la propensión de nuestras culturas a celebrar la mentalidad de la víctima, y a aquellos que la apoyan por la virtud, señalando en un formato de multitud, en la vida y en línea.
La canción que da título al álbum lleva al oyente de vuelta al elemento de terror del álbum con su rutina doomy de medio tiempo con una marcha rítmica al estilo de Godzilla en los riffs de apertura. El solo de apertura del guitarrista Tyler Anderson rasga una melodía que recuerda a un giro clásico del tema de terror. Más espeluznante aún es la inquietante melodía del pre-estribillo cantada por niños «durmiendo en los brazos de una pesadilla de la que no podemos despertar». La canción es un lamento por los fracasos de la humanidad para prevenir el ataque del mal dirigido a los niños del mundo. Después de esta canción está el último sencillo de la banda, «Artificial God», lanzado a principios de este año.
«Six Figure Sermon Writer» saca provecho con sus versos simples y resoplantes de hard rock y el gancho tortuosamente pegadizo del coro. Hablando del tema de los pastores de la iglesia que prosperan siendo estafadores del Evangelio y extorsionadores de la fe, Faith Head pone el foco en el tema que otros artistas basados en la fe parecen eludir. Independientemente de su sabor preferido de hard rock o metal, encontrará que es un éxito.
Profundizando en el mundo del funcionamiento interno de la iglesia, «La Sociedad Secreta de los Pecadores» cuenta las perspectivas personales e internas desde el púlpito hasta el banco trasero de todas las luchas que se encuentran dentro de la iglesia moderna. Llamando a todos a abandonar sus fachadas con la iglesia, SSOS toca las fibras del corazón del oyente con sus melodías y mensajes simples pero poderosos. Los fanáticos de las canciones que cuentan historias disfrutarán encontrándola como una nueva favorita. Siendo los álbumes y la pista de estudio más larga grabada de la banda, el viaje musical no puede llamarse monótono o aburrido, ya que cada verso presenta un riff o melodía diferente y una batería tribal que se une con el coro lacrimógeno con influencias de rock progresivo.
El título más controvertido del álbum, «God Didn’t Kill Himself», puede ofender a creyentes y no creyentes por igual si han juzgado el libro por su portada. Líricamente, la canción habla del pasado y de la continua influencia de los escritos de Friedrich Nietzsche en el mundo y no para su mejora. Rompiendo con el molde del rock y el metal modernos, la canción se basa en los riffs y melodías doomy del rock gótico y Black Sabbath. Con tres secciones musicales distintas, la canción comienza siendo empujada por una línea de bajo trepidante mezclada con melodías de guitarra superpuestas para ser impulsada hasta el final por un asalto de riffs de guitarra implacables.
La canción «Peddlers of Flesh» habla de la dura realidad de la creciente epidemia mundial de secuestro de niños, la industria del aborto y el tráfico sexual, junto con las élites protegidas que se entregan a ello. El oyente debe tener cuidado, ya que este tema provoca e invoca muchas emociones líricamente. Musicalmente, siendo el más «riff» de los riffs, la canción está influenciada por los géneros de thrash, old school y power metal en una mezcla de maestría metal.
.
.
«Don’t Invite Them In» se mueve a su propia vibra con una mezcla de voces de estilo nü-metal y a todo gas. Pronto se convertirá en una nueva favorita del mosh pit para las actuaciones en vivo de Faith Head, la canción simplemente rebota de principio a fin. Líricamente, la canción advierte de los peligros de jugar sin saberlo con fuerzas oscuras a través del uso de prácticas ocultas modernas que se han abierto camino en la sociedad moderna a través de lo que parece ser benigno.
Otro lamento del álbum es «The Unfurling», que empuja al oyente sobre el borde final de la maestría de los riffs de rock. Comenzando con otro ritmo de bajo contundente al más puro estilo Faith Head, esta pista conduce con fuerza hasta el puente, donde los solos de guitarra se elevan a través del paisaje sonoro. Líricamente, la canción es un deseo de volver a la inocencia y lamenta la pérdida de la misma.
Finalmente, el álbum termina con una nota agridulce y brillante de esperanza con «Mercy and Grace» que completa el viaje musical. Melódico y radiante con armonías vocales, este tema limpia tu paleta musical con su mezcla de una balada de rock alternativo y progresiones de rock progresivo. El épico solo de guitarra de esta canción resuena en los grandes shredders melódicos de los anuales del rock. La letra de la canción habla de la perseverancia del amor de Dios por sus hijos a pesar de los errores que cometemos. Terminando el álbum al estilo típico de Faith Head, apuntando a la esperanza para aquellos que no conocen a Dios, «Mercy and Grace» probablemente será un favorito de la radio en poco tiempo.
La carátula del álbum
Desde fuera, mirar la portada, deja espacio para la especulación y la interpretación. Pero en el interior de la cubierta del CD, hay una cita de «Como gustéis» Acto II, Escena VII de Shakespeare, que insinúa más su significado para el oyente.
Todo el mundo es un escenario,
Y todos los hombres y mujeres no son más que jugadores;
Tienen sus salidas y sus entradas,
Y un hombre en su tiempo desempeña muchos papeles,
Dejando mucho para el ojo del espectador, el significado general debe quedar claro que Faith Head está advirtiendo al oyente que algo horrible está a punto de hacer su entrada en el escenario mundial. Sea lo que sea, la humanidad estará asombrada pero horrorizada por ello, o al menos aquellos que no se dejan seducir por su influencia. En lugar de definir esta cifra no binaria, la banda considera que es más una prueba de Rorschach para el oyente. ¿Cuál de tus miedos a lo desconocido pondrás en su lugar sombrío en el escenario que acecha en un futuro incierto? ¿Qué papel jugará en estos tiempos inciertos?
.
.
La banda
El último álbum de estudio de Faith Head presenta la formación actual de la banda con el regreso del vocalista, Jimmie «JW» Webb de la era del EP «Genesys» de la banda. Además, se suman a la alineación los guitarristas Lebron Estrada y Tyler Anderson. La sección rítmica de la banda sigue siendo la misma con el baterista Dale Adams y el bajista y fundador Patrick «PFunk» Shipley. Volviendo al sonido original de doble guitarra de la banda, el álbum representa gran parte de lo que puedes esperar escuchar de sus futuras actuaciones en vivo. Faith Head concluye el último de sus conciertos de 2024 en octubre y sigue planeando conciertos para 2025 para promocionar el nuevo álbum.
De Motörhead a Kiss, a continuación repasamos 5 canciones de los Stones que fueron versionadas por bandas de metal y hard rock.
.
The Rolling Stones.
.
Los Rolling Stones son una de las bandas más influyentes en la historia del rock y lograron forjar un legado que trascendió generaciones e incluso estilos musicales. Desde sus inicios en la escena británica a principios de los años 60, los Stones se distinguieron por su fusión única de blues, rock y actitud rebelde, una cualidad que luego se replicaría en otros géneros.
Su sonido crudo, junto con la personalidad magnética de Mick Jagger y los riffs inolvidables de Keith Richards, los posicionaron como los íconos definitivos del rock ‘n’ roll. Sin embargo, a lo largo de los años, su música y actitud inspiró a una amplia gama de artistas, incluidos aquellos del mundo del heavy metal y el hard rock.
De Motörhead a Kiss, a continuación repasamos 5 canciones de los Stones que fueron versionadas por bandas de metal y hard rock.
La historia de la música está plagada de bandas formadas por hermanos. A continuación repasamos 10 de las más destacadas.
.
Oasis y Haim.
.
A lo largo de la historia de la música han surgido una infinidad de bandas formadas por hermanos. De alguna manera, estos proyectos se encaminaron al éxito aportando no solo talento sino también una interacción especial que se tradujo en un estilo sonoro irreplicable.
Esta relación fraternal a menudo generó una sinergia única que se manifestó en composiciones memorables y algunos discos inolvidables. Es por eso que a continuación te presentamos un recorrido por 10 bandas destacadas formadas por hermanos.
The Allman Brothers Band
Formada por los hermanos Duane y Gregg Allman, además de Butch Trucks, Berry Oakley, Jai Johanny Johanson y Dickey Betts, esta banda de rock sureño fusionó elementos de blues y country, convirtiéndose en pionera del género en la década de 1970. Su álbum At Fillmore East es considerado un clásico del rock en directo.
.
.
Oasis
Si de banda de hermanos se habla, no se puede dejar fuera a Oasis. Esta banda británica liderada por los hermanos Liam y Noel Gallagher fue fundamental en la escena del Britpop de los años 90, influyendo a cientos de grupos y artistas que llegarían luego. Con himnos como “Wonderwall” y “Don’t Look Back in Anger”, su rivalidad personal y profesional se convirtió en parte de su leyenda.
.
.
The Beach Boys
En la década de los 60, los hermanos Brian, Carl y Dennis Wilson formaron The Beach Boys, una de las bandas de rock más icónicas y queridas de la historia. Con armonías vocales únicas y arreglos instrumentales innovadores, el conjunto creó algunos himnos inoxidables y veraniegos como “Good Vibrations”, “God Only Knows” y “California Girls”.
.
.
Kings of Leon
Compuesta por los hermanos Caleb, Nathan y Jared Followill, Kings of Leon logró ganarse un lugar dentro del rock alternativo y tuvo gran relevancia sobre todo los primeros años de la decada de 2010. Temas como “Sex on Fire” y “Use Somebody” marcaron su ascenso en la escena musical.
.
.
The Jackson 5
Este grupo, queincluía a los hermanos Jackie, Tito, Jermaine, Marlon y Michael Jackson, fue pionero en la música pop y soul en la década de 1970. Con su energía contagiosa e hipnóticas presentaciones, produjeron éxitos que siguen sonando al día de hoy como “I Want You Back” y “ABC”.
.
.
The Carpenters
Fundada por los hermanos Karen y Richard Carpenter, esta banda de soft rock se destacó en los años 70 por sus melodías suaves. Temas como “Close to You” y “We’ve Only Just Begun” son algunos ejemplos de su característico estilo melódico y sensible.
.
The Kinks
Los hermanos Ray y Dave Davies fueron la fuerza impulsora detrás de esta banda británica de rock, conocida por su sonido distintivo y letras ingeniosas. Clásicos como “You Really Got Me” y “Lola” solidificaron su lugar en la historia del rock.
.
.
AC/DC
Sin duda alguna, AC/DC es una de las bandas más emblemáticas del rock y fue fundada por los hermanos Malcolm y Angus Young. Con el paso de los años, el conjunto australiano se convirtió en uno de los más influyentes del género, caracterizándose por su energía electrizante y riffs de guitarra memorables.
.
.
The Proclaimers
Los gemelos Charlie y Craig Reid son conocidos por su música folk-rock y letras emotivas. Con éxitos como “I’m Gonna Be (500 Miles)”, su música trascendió varias generaciones, llevándolos a una sólida carrera internacional.
.
.
The Warning
The Warning es el nombre del power trio compuesto por las hermanas Villarreal, que ha acaparado la atención del mundo por usar la frase «el rock no tiene reglas» como emblema de lucha.
Una lista integrada por obras que no lograron cumplir con las expectativas ni del público ni de la crítica especializada.
.
Guns N’ Roses – Chinese Democracy (2008) / John Lennon – Some Time in New York City (1972) / David Bowie – Tonight (1984)
.
Este fin de semana, la revista Rolling Stone publicó una lista con los 100 discos más decepcionantesde la historia integrada por obras que, por motivos diferentes, no lograron cumplir con las expectativas ni del público ni de la crítica especializada.
En un texto previo al listado, el popular medio compartió un mensaje sobre la fundamentación de su elección y cómo se llevó a cabo:
“Es necesario hacer algunas advertencias antes de que varios ejércitos de fans empiecen a planear incendiar nuestras oficinas o enviar equipos SWAT a nuestras casas. Amamos absolutamente algunos de estos álbumes. Un álbum puede ser visto como decepcionante en el momento en que salió y ser reevaluado para siempre después. Esto tiene mucho que ver con el momento y dónde está el consenso crítico en un determinado instante”.
Desde la revista también explicaron que el entendimiento de un disco como “decepcionante” se hace dentro del marco de cada banda y su trayectoria, poniendo de ejemplo a los grupos Radiohead y U2 y sus discos The King of Limbs y Songs of Innocence, añadiendo que serían vistos “como una obra maestra si casi cualquier otro lo hubiera lanzado”.
A continuación podés ver los 10 primeros puestos de la lista.
10. Michael Jackson – Invincible (2001)
“Michael regresó después de una ausencia de seis años para intentar recuperar su trono con Invincible. Fue el producto de 30 millones de dólares, cinco años y una cantidad absurda de compositores y productores. Pero aún así, sonaba como si una inteligencia artificial hubiera sido encargada de generar canciones de Michael Jackson. No había un solo momento en el álbum que sonara remotamente fresco u original“.
.
.
9. Yes – Tales From Topographic Oceans (1973)
“Tiene momentos muy buenos, especialmente el cierre del álbum, ‘Ritual (Nous Sommes du Soleil)’. Pero siguió a The Yes Album, Fragile y Close to the Edge, tres de los mejores álbumes en la historia del prog”.
.
.
8. Stevie Wonder – Stevie Wonder’s Journey Through “The Secret Life of Plants” (1973)
“La banda sonora de un documental basado en un libro que afirma que las plantas son sensibles y pueden comunicarse entre ellas y con los humanos (…) Muchas de las pistas son instrumentales acompañadas de efectos de sonido de la naturaleza, y todo se siente sorprendentemente improvisado, como un completo desperdicio de su talento“.
.
.
7. Beach Boys – Smiley Smile (1967)
“Smiley Smile es un experimento de lo-fi encantadoramente extraño que destaca como uno de los mejores álbumes de los Beach Boys en su vasto catálogo. Pero este fue el sucesor de Pet Sounds“.
.
.
6. Bruce Springsteen – Human Touch (1992)
“Bruce lanzó Human Touch el mismo día que Lucky Town, un álbum ligeramente superior, y recibió las peores críticas de su carrera. Los discos se vendieron bien al principio, pero unos meses después había montones de ellos en las tiendas de CDs usados. Por primera vez en su carrera, [Bruce Springsteen] había fallado“.
.
.
5. Guns N’ Roses – Chinese Democracy (2008)
“Todos habíamos leído los reportes sobre las interminables y absurdamente costosas sesiones de Chinese Democracy. Pero aún teníamos la esperanza de que Axl hubiera pasado todos esos años puliendo su obra maestra y que el resultado final demostraría que los críticos estaban equivocados. Eso no sucedió (…) sigue siendo una profunda decepción. Y el hecho triste de que no hayan ofrecido nada nuevo desde entonces, salvo descartes reciclados de Chinese Democracy, es aún más desalentador”.
.
.
4. David Bowie – Tonight (1984)
“Hay muy pocas composiciones originales de Bowie, y una sobreabundancia de viejas canciones de Iggy que no necesitaban ser modernizadas para los ochenta. Todo el álbum se siente extrañamente apresurado. El fiasco destruyó casi todo el impulso que había ganado con Let’s Dance. Pasaría mucho, mucho tiempo antes de que lo recuperara”.
.
.
3. Bob Dylan – Self Portrait (1970)
“Poco después de escuchar Self Portrait de Bob Dylan por primera vez, el crítico de Rolling Stone Greil Marcus escribió el comienzo más famoso de una reseña en la historia de la crítica de rock: ‘¿Qué es esta mierda?’ Estaba respondiendo a una extraña mezcolanza de covers, grabaciones en vivo y originales adornados con cuerdas y coros que componen el álbum“.
.
2. The Rolling Stones – Their Satanic Majesties Request (1967)
“Cerca del apogeo del movimiento psicodélico, unos meses después de que los Beatles sorprendieran al mundo con Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, los Rolling Stones lanzaron Their Satanic Majesties Request. Es un álbum tremendamente ambicioso en el que utilizan mellotrones, cuerdas y ritmos africanos en un intento fallido de superar a sus competidores en lo psicodélico“.
.
.
1. John Lennon – Some Time in New York City (1972)
“Escuchar Some Time in New York City hoy en día es casi inconcebible si se considera que sus dos álbumes anteriores fueron Plastic Ono Band e Imagine. Ambos son obras maestras atemporales. Some Time in New York City es tan desechable como los periódicos en la portada“.
Analizamos La sustancia, película de la directora francesa Coralie Fargeat protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley.
.
.
El terror es uno de los mejores vehículos para narrar las atrocidades del mundo actual. Esto no es una novedad para el cine, pero en otras épocas este rol fue para la ciencia ficción. De hecho, en décadas pasadas, el terror se dedicó más bien al entretenimiento puro y duro. En los últimos 10 años, el cine de género volvió a tomar la posta de ser espejo de las sociedades y de echarnos en cara nuestras propias miserias. La sustancia, film que se puede ver en el cine, es un ejemplo.
La sustancia es la segunda película de la directora francesa Coralie Fargeat y está protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley. Es el film que viene dando que hablar desde su estreno en Cannes y, al llegar a las salas comerciales, entró en la categoría de esa “película fenómeno” que despierta curiosidad porque hace desmayar a los espectadores, vomitar o dejar la sala. Más allá del sensacionalismo, La sustancia es una película que versa sobre nuestros tiempos.
La historia presenta a una diva de Hollywood en decadencia. El día que cumple 50 años, la mujer es despedida de su programa televisivo en el que hace rutinas de ejercicios y decide someterse a un extraño tratamiento que promete “sacar su mejor versión”. Como es de esperar, esta es una pésima decisión que tendrá consecuencias imparables y sumamente asquerosas.
.
Margaret Qualley tiene un rol fundamental en La sustancia (2024).
.
Con el estreno, la expresión body horror (o terror corporal) comenzó a circular, ya que es una pieza que revaloriza este subgénero emparentado al cine de David Cronenberg. Este director influenció a muchos realizadores, incluida a Julia Ducournau y la reciente Titane. En La sustancia, el vehículo del body horror tiene sentido porque el cuerpo es el protagonista: la degradación/regeneración, la vejez/juventud, la belleza/monstruosidad y una mercancía para ganar dinero.
La violencia con la que la(s) protagonista trata a su cuerpo puede parecer exagerada. Sin embargo, y como es una película dirigida por una mujer, para nosotras no parece tan inverosímil. Los personajes se inyectan sin parar y entran en la paradoja de enaltecer su cuerpo, pero llevándolo a la más miserable degradación. La juventud es efímera, pero la protagonista decide que revertirá esta ley natural a cualquier costo -una premisa muy propia de nuestros tiempos-.
En la vida real nos encontramos con anuncios que se presentan amables, límpidos y armónicos -en general asociando belleza a salud- mientras nos venden cientos de elixires de juventud eterna. La sustancia tiene la valentía de mostrar el lado b: el asco, la podredumbre, lo que se oculta debajo del maquillaje, las reacciones físicas y el resultado monstruoso.
.
Demi Moore en La sustancia (2024), la película del momento.
.
En este film también se pone en funcionamiento el concepto de Doppelgänger para desarrollar una trama que se divide en dos personajes que en realidad son el mismo. El recurso de una puerta que oculta al monstruo es clave para esto, así como la idea de una parte que es la que se muestra y se exhibe frente a los reflectores y otra que queda enclaustrada en la oscuridad sosteniendo la bella ficción.
La película está repleta de referencias y homenajes al cine, siendo que estamos en la era definitiva de los easter eggs y la intertextualidad. El resplandor y sus pasillos tenebrosos y el baño de sangre de Carrie son algunas referencias que ayudan a crear una zona conocida para el espectador y sumar el film a una genealogía.
.
Demi Moore en La sustancia (2024).
.
Otro aspecto para resaltar es la actuación de Dennis Quaid, quien es presentado mediante planos incómodos como la crítica al sistema patriarcal, al hombre que exige la belleza que él no se ocupa de tener. Él no tiene escrúpulos para exprimir el cuerpo de las mujeres como máquinas de hacer dinero que se vuelven rápidamente desechables.
La sustancia es una película testigo de nuestro tiempo, tal vez algo obvia en sus simbologías pero no por ello menos efectiva. Combina belleza estética con gore, se inscribe dentro de una tradición del cine y ciertamente no pasa desapercibida. Entre el tono cruento que tiene casi toda la historia, el film también se permite el humor hacia el final mediante el grotesco y entrega una pieza que cumple su cometido con creces.
Si te gustan las películas que toman inspiración de la vida real, entonces esta lista es para vos. Dale play en Max.
.
Zachary Quinto y Jacob Elordi en la película En esa dirección.
Si te gustan las películas que toman inspiración de la vida real, entonces esta lista es para vos. Te recomendamos cuatro cintas que podés disfrutar en Max.
En esa dirección
2023 – Dir: Jeff Darling
Sinopsis: Un cuidador de animales recoge a un autoestopista que resulta ser un astuto asesino en serie.
Elenco: Zachary Quinto, Jacob Elordi, Ananyaa Shah, Josh Archer.
Duración: 96 minutos.
Origen: Estados Unidos.
.
Dumb Money
2023 – Dir: Craig Gillespie
Sinopsis: Film basado en hechos reales sobre un hombre que enojó a Wall Street tras hacerse rico invirtiendo en una pequeña empresa.
Elenco: Paul Dano, Pete Davidson, Vincent D’Onofrio, America Ferrera, Nick Offerman, Anthony Ramos, Sebastian Stan, Shailene Woodley, Seth Rogen.
Duración: 106 minutos.
Origen: Estados Unidos.
.
Joika
2024 – Dir: James Napier Robertson
Sinopsis: Una bailarina de ballet estadounidense se enfrenta a duros retos para demostrar su talento y ser aceptada en el prestigioso Ballet Bolshoi en Rusia.
