Christopher Walken.

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No es normal que una banda de rock termine sintiéndose culpable por afectar la vida de una estrella de Hollywood, pero eso es exactamente lo que le pasó a Blue Öyster Cult con Christopher Walken. Desde hace décadas el actor es atormentado por una frase que pronunció en un sketch de Saturday Night Live, al punto de que la propia banda llegó a compadecerse.

Todo comenzó en el año 2000, cuando Walken fue anfitrión del programa nocturno. Entre los segmentos de esa noche participó en un falso documental inspirado en Behind the Music de VH1, que mostraba la grabación del clásico “(Don’t Fear) The Reaper” de Blue Öyster Cult.

En el sketch, Will Ferrell interpretó a Gene Frenkel, un percusionista ficticio obsesionado con hacer sonar su campana por encima de todo. Walken, en el papel de un productor, alentaba sin descanso al músico con la frase: “¿Adivinen qué? Tengo fiebre y la única receta es más campana”.

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Esta escena se convirtió en una de las más memorables de la historia del programa. Sin embargo, nadie imaginó que esa simple broma seguiría a Walken por el resto de su vida. Según Ferrell, el actor llegó a decirle que ese sketch había “arruinado su vida”, aunque nunca supo si lo decía en broma o en serio.

Por su parte, Blue Öyster Cult también quedó atada al chiste. Su guitarrista, Buck Dharma, reconoció en 2020 que la banda no solo tuvo que aceptar la nueva asociación con la campana, sino que incluso comenzaron a tocarla en vivo después del éxito del sketch. Lo más irónico es que, en la grabación original de la canción, el sonido de la campana era apenas perceptible.

“La gente solía llevar campanas a los conciertos… y hay una razón por la que los percusionistas cobran, porque realmente saben tocar la campana (…) Nunca la tocábamos en vivo, pero después del sketch nos sentimos obligados a hacerlo. Así que ahora lo hacemos”, declaró Dharma.

R.E.M. Foto: Facebook de R.E.M.

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En 1992, R.E.M. lanzó el disco Automatic for the People. Para cuando el álbum salió, la banda oriunda de Atenas, Georgia ya tenía una inmensa presencia y popularidad global. “Everybody Hurts” es uno de los platos fuertes de Automatic for the People y uno de los mayores éxitos indiscutibles de la banda.

Aunque escrita mayormente por Bill Berry, baterista de la banda, todos los integrantes aparecen como compositores en los créditos. Peter Buck, guitarrista, contó en una entrevista al respecto: “Bill la trajo y era una canción country de un minuto de duración. No tenía estribillo ni puente, solo el verso”.

Y profundizó: “Analizamos como cuatro ideas acerca de cómo abordar la canción y terminamos inclinándonos por algo parecido a ‘Pain in My Heart’ de Otis Redding. Nos costó muchos definir los arreglos y quién tocaría cada parte. Finalmente Bill no tocó la batería en la grabación. Éramos Mike, yo y una máquina de percusión, y luego superpusimos todo”.

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En cuanto a cómo fue grabar el álbum, Buck explica en Reveal: The Story of R.E.M.: “Escribíamos una canción los jueves, la grabábamos y nunca más la tocábamos. Al final teníamos una lista de 25 canciones”. Los arreglos del álbum estuvieron a cargo del bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones.

Pero volviendo a “Everybody Hurts”, fue escrita especialmente para ayudar a adolescentes consternados con pensamientos suicidas, aunque gente de todas las edades ha manifestado que la canción les salvó la vida. Así lo definió el cantante de la banda, Michael Stipe: “La canción rápidamente dejó de pertenecer a nosotros y comenzó a pertenecer a todos los demás, y eso significa muchísimo para mí”.

“Everybody Hurts” se convirtió en algo mucho más grande de lo que la banda había imaginado. Llegó al puesto 29 de la lista de Billboard Hot 100, y más importante aún, ha sido utilizada por organizaciones de prevención del suicidio como parte de su mensaje de esperanza y luz al final del túnel, el cual todavía hoy es sumamente importante.

                                                                      The Beatles. Foto: © Apple Corps Ltd.

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En la historia de la música popular, pocos momentos fueron tan impactantes como la llegada de los Beatles a Estados Unidos en 1964. La banda de Liverpool no solo llevó consigo su sonido innovador, sino que desató una histeria juvenil sin precedentes: la Beatlemanía. El 7 de febrero de 1964, los Fab Four aterrizaron en el Aeropuerto Internacional JFK de Nueva York y fueron recibidos por más de 3 mil fanáticos, además de un enjambre de periodistas curiosos por conocer a los jóvenes británicos que estaban dominando las listas de éxitos.

Dos días después, su histórica aparición en The Ed Sullivan Show fue vista por más de 73 millones de personas, marcando un antes y un después en la televisión estadounidense y consolidando el inicio de la Invasión Británica. A pesar de su éxito arrollador, los Beatles no estuvieron exentos de controversias y censuras en Estados Unidos. A medida que su música evolucionaba y sus letras abordaban temas más profundos, algunas canciones fueron prohibidas en distintas estaciones de radio por considerarse inapropiadas o tocar temas polémicos. A continuación, tres ejemplos.

“Lucy in the Sky with Diamonds”

Incluida en el álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, fue señalada por supuestamente hacer referencia al LSD, lo que llevó a su prohibición en algunas emisoras estadounidenses. A pesar de las especulaciones, John Lennon siempre aclaró que la canción fue inspirada por un dibujo de su hijo Julian, de su compañera Lucy O’Donnell rodeada de estrellas. En 1971, explicó en The Dick Cavett Show: “Nunca fue sobre LSD; mi hijo me mostró el dibujo y pensé que era hermoso”.

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“A Day in the Life”

La canción de cierre del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band fue prohibida por su insensibilidad hacia una muerte trágica, tras el verso sobre un aparente suicidio. Años antes, la BBC prohibió la línea “I’d love to turn you on”, aunque la banda sospechaba que tendrían problemas en la radio. Paul McCartney recordó: “John y yo nos miramos y pensamos: ‘Sí, es una canción sobre drogas. ¿Lo sabes, verdad?’”.

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“Ticket To Ride”

“Ticket to Ride” es una de las canciones que se prohibieron tras los ataques del 11 de septiembre de 2001. En este caso, por las líneas “I think I’m gonna be sad / I think it’s today … She ought to think twice … She’s got a ticket to ride / And she don’t care” (Creo que voy a estar triste / Creo que es hoy… Ella debería pensarlo dos veces… Ella tiene un boleto para ir / Y no le importa), consideradas insensibles.

Bob Dylan

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El rock y el pensamiento filosófico han estado intrínsecamente conectados desde los primeros días del género, cuando los músicos comenzaron a explorar temas profundos que iban más allá de las letras simples sobre el amor y la diversión.

El género, caracterizado por su irreverencia y su capacidad para cuestionar las normas vigentes, se convirtió en un vehículo ideal para expresar preguntas filosóficas complejas sobre la vida, la existencia, el amor y el sentido de ser.

A continuación recopilamos cuatro canciones filosóficas que marcaron épocas.

Bob Dylan – “Like a Rolling Stone”

Probablemente hay muchas canciones de Bob Dylan que podrían estar en esta lista, pero la frase “How does it feel?” de “Like a Rolling Stone” logra sintetizar el cambio del siglo XX, especialmente en los años 60, de un pensamiento racional a uno que valora tanto la razón como el conocimiento intuitivo y corporal.

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The Beatles – “The Word”

En Rubber Soul (1965), John Lennon declara que la palabra clave es “amor”, entendiendo el amor como compasión y empatía. A través de su experiencia personal, sugiere que el amor libera de los miedos y limitaciones del ego, invitando a dar la vida por algo más grande que uno mismo.

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The Rolling Stones – “You Can’t Always Get What You Want”

Los Rolling Stones, en esta canción, reconocen que la vida es una negociación entre deseo y necesidad. Mick Jagger sugiere que, aunque no todos seremos íconos, debemos seguir luchando por nuestras metas, pues la vida nos llevará a lo que necesitamos ser.

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Bob Marley and The Wailers – “Running Away”

“Running Away” de Bob Marley refleja el conflicto interno de alguien perdido en el materialismo. A través de la frase “Who feels it knows it” (quien lo siente lo sabe), Marley destaca la importancia del conocimiento intuitivo.

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