La Radio del Coach de la Birra
#YConCervezaEsMejor
La Radio del Coach de la Birra
#YConCervezaEsMejor
Navegar Autor
Carlos Segura
Amante de la Pizza, la Cerveza
Fútbol y #Rocanrol
Libre pensador, Cervezariano
Libre pensador y libre bebedor
#YconCervezaEsMejor
toma y deja tomar, ley de la birra
A fines de los años 80, el «Padrino del Soul» aseguró que el rap no era una revolución.
James Brown.
James Brown, nacido el 3 de mayo de 1933 en Barnwell, Carolina del Sur, fue una de las figuras más influyentes del siglo XX y era perfectamente consciente de ello. Mundialmente conocido como el «Padrino del Soul», el cantautor no solo se destacó en dicho género sino que, según su parecer, también fue uno de los máximos responsables del nacimiento de otro: el rap.
En una entrevista de 1987, cuando grupos como Run-DMC y los Beastie Boys ya eran nombres conocidos, Brown fue directo y señaló:
«Esas son malas copias; no voy a decir malas copias, son copias de lo que pensaban que yo hacía en los 60, como ‘Let the Brother Rapp’. Lo que están haciendo son cosas que yo hice hace años. La música rap es una especie de variación, es como el final de una canción de James Brown, lo que hacíamos al final«.
Con sus palabras, Brown apuntaba a los momentos improvisados y espontáneos al cierre de sus grabaciones y actuaciones en vivo, los cuales estaban cargados de la misma energía que el rap abrazaría años después.
Más allá de la opinión de Brown, lo que es innegable es que algunas de sus grabaciones fueron la base de sampling más usada en la historia del hip-hop. Tracks como «Funky Drummer» o «Think (About It)», de Lyn Collins, producido por él, fueron reutilizados en miles de temas. De hecho, Chuck D, el líder de Public Enemy, lo resumió de manera contundente: «James Brown presentó los mejores grooves. Hasta hoy, nadie se le ha acercado en términos de funk».
A más de tres décadas de su lanzamiento, sigue siendo un disco clave por su impacto comercial y su influencia en generaciones de músicos.
A principios de los años 90, el grunge dominaba la escena musical norteamericana con una fuerza que parecía no dejar espacio para ningún otro género. Nirvana había desplazado a Michael Jackson del número uno con Nevermind en 1991, y todo lo que sonara demasiado melódico o accesible corría el riesgo de quedar fuera de lugar. En ese contexto, Green Day remaba contra la corriente.
La banda originaria de Oakland, California, había lanzado su LP debut, 39/Smooth, en 1990 con resultados no tan satisfactorios: alrededor de 3.000 copias vendidas en su primer año. Su segundo proyecto, Kerplunk! (1991), fue un paso adelante, pero seguía siendo un producto del sello independiente Lookout! Records, sin distribución masiva ni presencia en radios mainstream. Sin embargo, lo que se venía iba a cambiar todo eso.
En 1994, Green Day se mudó a Reprise Records y grabó Dookie junto al productor Rob Cavallo. El disco, escrito en su mayor parte por el cantante y guitarrista Billie Joe Armstrong, tenía hits para todos los gustos: «Longview», «Basket Case» y «When I Come Around». El frontman describió el proceso de composición como hacerlo «con mucha incertidumbre sobre nuestro futuro, pero sin importarnos. Queriendo y temiendo ser una estrella de rock… si eso es siquiera posible».
Dookie de Green Day
El primer gran éxito de la banda
El resultado de su trabajo fue histórico, ya que no solo llegó al puesto dos del Billboard 200 de Estados Unidos, sino que Dookie también vendió más de 10 millones de copias en ese país y fue certificado diamante por la Recording Industry Association of America. El éxito se replicó en el Reino Unido, donde obtuvo la certificación de platino y se convirtió enel primer álbum de punk rock en alcanzar esa marca.
Su impacto en la siguiente generación de músicos fue directo y concreto. Blink-182 señaló al disco como la puerta que se abrió hacia el pop-punk masivo. Fall Out Boy citó sus ganchos melódicos como una influencia directa en sus primeros años. Por su parte, Paramore tomó la angustia del álbum y la desarrolló en su propio sonido en su debut de 2005, All We Know Is Falling.
Cuando el trío recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, el presentador y ejecutivo musical Matt Pinfield afirmó que el disco «hizo que muchos jóvenes agarraran guitarras, bajos y baterías y quisieran cantar y escribir canciones. Y de eso se trata el rock ‘n’ roll, el punk rock. De esa belleza, de ese amor, de transmitir ese don. Y eso es lo que hace tan especial a Green Day».
Stephen King elogió Widow’s Bay, pero declaró que, dentro de Apple TV, hay una serie incluso mejor.
Widow’s Bay es la serie de terror furor en Apple TV.
Una de las series furor de este último tiempo es Widow’s Bay, la nueva producción de terror que está arrasando en vistas en Apple TV+. La tira no solo cautivó al público amante del género, sino también a uno de sus grandes referentes: nada más y nada menos que Stephen King, quien la elogió, pero declaró que, dentro de la plataforma, hay una incluso mejor.
El show, protagonizado por Matthew Rhys como el alcalde de un pueblo isleño de Nueva Inglaterra que intenta promover el turismo local a pesar de episodios paranormales, fue un gran éxito en su primera temporada, lo que llevó a Apple a confirmar una segunda entrega.
La serie está influenciada por la obra del propio King, quien recurrió a X para compartir su opinión sobre ella, además de mencionar otro título de su preferencia: «WIDOW’S BAY es buena. MAXIMUM PLEASURE GUARANTEED es todavía mejor. Es como si Hitchcock hubiera vuelto para hacer una más. Y Tatiana Maslany está muy bien. El juego de emociones en su cara es bastante increíble. Pasa de la comedia al terror en un instante«.
Maximum Pleasure Guaranteed, también producida por Apple TV+, cuenta la historia de Paula (Maslany), una mujer recientemente divorciada e inmersa en una disputa por la custodia de sus hijos, que cree ser testigo de un crimen y queda envuelta en un misterio complejo. La serie fue creada por David J. Rosen, showrunner de Us & Them.
La comedia dramática se estrenó el pasado 20 de mayo y recibió buenas críticas, con un 93 por ciento de aprobación en Rotten Tomatoes, sumando ahora a King entre sus nuevos aficionados. El escritor completó su elogio a Maslany con un último comentario: «Lo que sea que le estén pagando, no es suficiente«.
Interpretaciones que van del ska-punk al metal industrial, pasando por el cello clásico, el rock y el ultimo te volara la mente…
Metallica.
«Enter Sandman», el primer single del llamado álbum negro de Metallica, con los años logró convertirse en uno de los temas más queridos de la banda estadounidense. Con una estructura directa y poco compleja, más accesible que muchos de sus otros tracks, para muchísimos oyentes pasó a ser una canción de entrada al género.
La pieza marcó, además, un punto de inflexión en la carrera de la banda: ese enfoque más accesible, pegadizo y melódico abrió la canción a interpretaciones que van del ska-punk al metal industrial, pasando por el cello clásico y el rock.
A continuación, los 6 covers más destacados de «Enter Sandman».
Motörhead
Lemmy Kilmister y su banda entregaron una versión más cruda y con tintes punk, rasposa y contundente, que muchos consideran la más cercana, en espíritu, a la original. El hecho de que uno de los referentes de Metallica hiciera su propia versión de una de sus canciones le da un peso simbólico difícil de igualar.
Apocalyptica
El cover de Apocalyptica es uno de los más singulares. El cuarteto finlandés de cellos comenzó su carrera precisamente como banda de covers de Metallica, y su versión de «Enter Sandman» demuestra que el arreglo para cuerdas clásicas no le quita ni un gramo de intensidad al tema.
Die Krupps
Pioneros alemanes del metal industrial, los Die Krupps incluyeron su versión en el EP Tribute to Metallica (1992), convirtiéndose en uno de los primeros grupos en fundir guitarras distorsionadas con electrónica.
The Mighty Mighty Bosstones
Referentes del ska-punk de Boston, grabaron su versión para el EP Where’d You Go? (1992). La banda prescindió de su característica sección de vientos y optó por una aproximación más directa, aunque con un guiño inesperado: una cita melódica de «Can’t Smile Without You» de Barry Manilow intercalada en el arreglo.
Ween
Ween cierra la lista con una versión de rock sin adornos que, pasada la primera impresión, se asienta en un sólido trabajo de guitarras. El solo de Dean Ween disipa cualquier duda sobre la seriedad del homenaje.
Cachicamo con Caspa y Leyko el Perro de la IIII Dimensión
Cachicamo con Caspa (oficialmente Cachicamo con Caspa y Leyko el Perro de la IIII Dimensión) es un proyecto musical y cómico venezolano originario de Carora, estado Lara. El grupo se convirtió en un fenómeno de culto en internet a mediados de la década de los 2000 por fusionar de manera humorística la música tropical bailable (como la raspacanilla y la cumbia larense) con clásicos del rock y pop internacional.
«Cuando empezamos a tocar, en cuanto sonaban los primeros acordes de esa canción, las chicas jóvenes en la audiencia se asustaban».
Ozzy Osbourne conoció muy bien la historia de la música, especialmente la del heavy metal y el hard rock, dos géneros en los que se especializó. En una entrevista con NME en 2016, fue invitado a repasar el soundtrack de su vida y definió a «Black Sabbath», la pista que abre el álbum debut homónimo de su banda de 1970, como “la pista más aterradora jamás escrita”.
Al hablar sobre el tema, el artista británico recordó cómo su obra provocaba reacciones intensas en el público: «Cuando empezamos a tocar, en cuanto sonaban los primeros acordes de esa canción, las chicas jóvenes en la audiencia se asustaban. Pensaban que éramos amigos de Satanás o algo así. Ahí fue cuando comenzó todo eso del ‘Príncipe de las Tinieblas'».
La canción, caracterizada por su uso del intervalo conocido como «El intervalo del diablo» (término que se refiere al intervalo de tritono, una combinación de notas que son consideradas disonantes y se asocian con el diablo), estableció el tono oscuro y siniestro que definiría a Black Sabbath y al propio Osbourne.
La película de Michael Jackson superó a Bohemian Rhapsody como la biopic musical más exitosa en la historia del cine.
Michael rompió los records de taquilla.
A pocos meses de su estreno, se confirmó que la película de Michael Jackson superó aBohemian Rhapsodycomola biopic musical más exitosa en la historia del cine. Según confirmó Deadline, Michael acumula 911,9 millones de dólares en taquilla mundial, frente a los 910,9 millones que recaudó el film sobre Freddie Mercury y Queen en 2018.
Dirigida por Antoine Fuqua y protagonizada por Jaafar Jackson (sobrino real del Rey del Pop), la película recorre la vida de Michael Jackson desde sus primeros años con los Jackson 5 hasta la gira mundial de Bad a fines de los 80. Desde su estreno en abril, cuando registró el mejor fin de semana de apertura para una biopic musical, la producción sostuvo su desempeño de manera consistente en la taquilla.
Con su reciente estreno en Japón, Michael tiene chances concretas de cruzar la barrera de los 1.000.000.000 de dólares, una cifra que este 2026 solo fue alcanzada por Super Mario Galaxy: la película. Hay un dato que vincula ambas producciones musicales: Graham King, productor británico de Bohemian Rhapsody, es también uno de los productores ejecutivos de Michael.
Lionsgate, distribuidora del film en Estados Unidos, ya confirmó que habrá una secuela, ahondando más en la vida del artista. Uno de los directivos de la empresa, Adam Fogelson, señaló que esta segunda entrega podría no continuar cronológicamente desde donde termina la primera, que es con Michael en 1988 presentándose en el estadio de Wembley, seguido de un cartel que reza «su historia continúa».
Esta segunda parte de la vida de Jackson enfrentará una de las cuestiones que la primera dejó de lado y por la que fue duramente criticada: las polémicas alrededor de su vida y las acusaciones de abuso sexual infantil. El guion original de la película tocaba este tema en el tercer acto, pero una cláusula de un acuerdo legal impidió que se mencionara a Jordan Chandler, uno de los denunciantes.
A veces no hace falta un gran estudio para grabar un gran disco.
A veces no hace falta un gran estudio para grabar un gran disco. Así lo demuestran bandas y artistas que apostaron por las grabaciones caseras o por locaciones alternativas para lograr importantes álbumes de la música popular.
4 discos que fueron grabados en casas:
Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik (1991)
La banda se instaló en una mansión ubicada en Laurel Canyon, Los Ángeles, para grabar este disco que representa un gran salto de popularidad en su carrera. Junto al productor Rick Rubin, los músicos experimentaron la convivencia y la creación bajo el mismo techo. Se trata del quinto álbum de Red Hot Chili Peppers, el cual vio la luz en 1991 y reúne grandes hits como «Give It Away», «Under the Bridge», «Suck My Kiss» y «Breaking the Girl», canciones que reflejan la versatilidad sonora y creativa que la agrupación comenzaría a desplegar a partir de entonces.
Bruce Springsteen – Nebraska (1982)
Este disco estrenado en 1982 es uno de los más peculiares de la carrera de Springsteen y, en gran parte, se debe a cómo fue grabado. El músico registró en su casa de Nueva Jersey los demos en una portaestudio con la intención de regrabarlos luego en el estudio junto a la E Street Band; sin embargo, finalmente se decidió por publicar estas versiones originales. Esto le otorga al álbum un sonido más despojado y menos grandilocuente comparado con sus trabajos anteriores. Se trata de una obra fuertemente intimista, recorrida por un cierto pesimismo y letras de gran profundidad. Es un disco que representa un quiebre en la carrera de The Boss, quien en una entrevista con Rolling Stone habló del proceso: «Iban a ser demos. Luego tenía un pequeño Echoplex y las mezclé un poco, y eso fue todo. Esa fue la cinta que se convirtió en disco. Finalmente pensamos: ‘Oh, ese es el álbum'».
Kate Bush – Hounds of Love (1985)
Este disco icónico fue grabado en el Wickham Farm Studio, el estudio casero ubicado detrás de la casa familiar de la artista. Lo cierto es que fue un proceso extenso que implicó el registro de demos, la posterior producción de estos en un estudio profesional y, finalmente, la regrabación de las canciones que hoy se encuentran entre las más reconocidas de su carrera.
Paul McCartney – McCartney (1970)
En 1970, Paul McCartney estrenó su primer disco solista, un paso que se sentía como un salto al vacío luego de la ruptura de The Beatles. El músico se había instalado en su granja de Campbeltown, en Escocia, durante un período fuertemente signado por la depresión y el alcoholismo, mientras convivía con su esposa Linda y sus hijos. Allí, en pleno enfrentamiento con John Lennon, se dispuso a componer y luego a grabar de manera casera en su casa de St John’s Wood con una «Studer, un micrófono y nervio». Este álbum terminó completándose luego en los estudios Morgan y Abbey Road.
A lo largo de la historia de la música popular, muchas canciones nacieron de impulsos, desafíos internos o apuestas que, si bien en su momento parecían menores, terminaron convirtiéndose en piezas fundamentales dentro de la cultura popular.
A lo largo de la historia de la música popular, muchas canciones nacieron de impulsos, desafíos internos o apuestas que, si bien en su momento parecían menores, terminaron convirtiéndose en piezas fundamentales dentro de la cultura popular. En algunos casos, se trató de ejercicios creativos autoimpuestos para romper estructuras o probar nuevos caminos compositivos. Lejos de ser simples anécdotas de estudio, este tipo de retos funcionó como motor artístico. Obligaron a sus autores a salir de la zona de confort, experimentar con nuevas perspectivas narrativas o escribir bajo presión.
The White Stripes – «Seven Nation Army»
Cuando comenzó a desarrollar «Seven Nation Army”, Jack Whitese propuso un reto particular: escribir una canción capaz de sostenerse sin un estribillo tradicional. La idea era comprobar si podía construir un tema apoyándose casi exclusivamente en un riff central y en una estructura repetitiva. El resultado apareció en Elephant (2003) y terminó superando cualquier expectativa.
Nas – «I Gave You Power»
Incluida en It Was Written (1996), «I Gave You Power» nació como un desafío conceptual dentro del proceso creativo de Nas. El rapero buscaba llevar el storytelling del hip hop a otro nivel escribiendo una canción narrada íntegramente desde la perspectiva de un arma. El resultado fue uno de los temas más celebrados de su discografía.
Foo Fighters – «Enough Space»
Según contó Dave Grohl en el documental Foo Fighters: Back and Forth, «Enough Space» nació durante una gira europea de Foo Fighters, cuando se encontró con el desafío de componer una canción específicamente pensada para abrir los shows en estos países. Grohl explicaba que, a diferencia de los shows en Estados Unidos, donde el público suele hacer un pogo más agresivo, en Europa la gente «salta» al ritmo de la música. Entonces empezó a imaginar un riff y un ritmo que acompañaran ese movimiento colectivo. Para encontrar el pulso correcto, literalmente compusó el riff saltando.
Nirvana – «Smells Like Teen Spirit»
Tal vez el caso más conocido. Según contó Kurt Cobain, el riff principal de «Smells Like Teen Spirit” nació casi como un desafío personal. El líder de Nirvana quería escribir una canción que capturara la dinámica explosiva de Pixies, una de sus bandas favoritas y una influencia clave en el sonido del grupo. A partir de esa idea comenzó a trabajar sobre un riff simple, repetitivo y pegadizo, construido con acordes pesados pero con una estructura accesible y casi himno. El resultado fue uno de los riffs más simples y distintivos de la historia del rock.
Prime Video renovó su catálogo con nuevas películas y a continuación repasamos las 4 mejores.
Samara Weaving en Sobre tu cadáver (2026)
Prime Video renovó su catálogo con nuevas películas y a continuación repasamos las 4 mejores.
El día del fin del mundo: Migración
2026 – Dir: Ric Roman Waugh
Duración: 97 minutos.
Reparto: Gerard Butler, Morena Baccarin.
Origen: Estados Unidos.
Cinco años después de la casi extinción de la Tierra, la familia Garrity abandona su búnker en Groenlandia para emprender una nueva y desesperada lucha por sobrevivir. En una carrera contrarreloj, cruzarán los territorios devastados de Europa en busca de un nuevo refugio antes de que la siguiente catástrofe los alcance.
Sobre tu cadáver
2026 – Dir: Jorma Taccone
Duración: 105 minutos.
Reparto: Jason Segel, Samara Weaving, Timothy Olyphant, Juliette Lewis.
Origen: Estados Unidos.
Una pareja con problemas se dirige a una cabaña remota supuestamente para reconectar, pero cada uno tiene planes secretos para matar al otro.
En México 1986, una camiseta azul quedó en la historia cuando Maradona marcó ante Inglaterra dos goles inolvidables. Décadas después, al saber que será subastada, Tití Malvestiti, un humilde utilero que estuvo junto a la selección argentina en México 86 y quedó marcado por la pérdida, emprende un último viaje para enfrentar su pasado y reconstruir la relación con su hija.
Un buen ladrón
2025 – Dir: Derek Cianfrance
Duración: 126 minutos.
Reparto: Channing Tatum, Kirsten Dunst, Ben Mendelsohn, LaKeith Stanfield.
Origen: Estados Unidos.
La historia real de Jeffrey Manchester, un criminal que asaltó 45 McDonald’s entrando por un agujero que hacía en el techo en medio de la noche. Tras ser arrestado, escapó de prisión y vivió escondido en una tienda de Toys R Us durante aproximadamente seis meses.
Las lecturas van desde un caso de homicidio ficticio hasta la confesión de Freddie Mercury sobre su propia sexualidad.
Queen.
Décadas después de su lanzamiento, «Bohemian Rhapsody», la canción más emblemática de Queen, sigue sin tener una interpretación definitiva. Las lecturas van desde un caso de homicidio ficticio hasta la confesión de Freddie Mercury sobre su propia sexualidad.
Seguramente, «Bohemian Rhapsody» sea una de las canciones de rock más reconocidas de la historia y, a la vez, una de las más misteriosas. Todos reconocen la melodía y muchos pueden recitar su letra, pero pocos logran explicar con precisión qué significa.
Es esa ambigüedad la que, durante décadas, sembró y alimentó una serie de teorías que intentan descifrar el mensaje detrás de la obra cumbre de Queen. A continuación, presentamos seis de ellas.
1. Trata sobre un homicidio
La lectura más literal de esta teoría parte de los propios versos: «Mamá, acabo de matar a un hombre / puse un arma contra su cabeza / apreté el gatillo y ahora está muerto«. La canción contiene, además, imágenes de juicio y condena, con figuras que interceden por el protagonista («Es solo un pobre muchacho de una familia pobre / perdónenle la vida de esta monstruosidad») sin que quede claro de qué monstruosidad se trata. La ambigüedad, como en todo lo que rodea a esta canción, parece a propósito.
2. Remite al viaje del héroe de Joseph Campbell
En 1949, el escritor estadounidense Joseph Campbell publicó The Hero with a Thousand Faces, un análisis de la estructura arquetípica del héroe presente en mitos y leyendas de distintas culturas. Se trata de un personaje que parte del mundo ordinario hacia una región de prodigios sobrenaturales, enfrenta fuerzas extraordinarias y regresa transformado. Algunos investigadores encuentran ecos de ese esquema en los versos de Mercury: «¿Esto es la vida real? ¿Esto es fantasía?», «Belcebú tiene un demonio reservado para mí», «Solo tengo que salir, tengo que irme de aquí cuanto antes«.
Freddie Mercury. Foto: Shinko Music Japan.
3. Es una disculpa a Mary Austin
Durante años, Mercury mantuvo un vínculo amoroso con Mary Austin antes de revelarle que era homosexual. Su familia, religiosa y conservadora, desaprobaba cualquier vínculo fuera de la heterosexualidad, lo que habría pesado sobre él durante ese período. Algunos intérpretes leen la canción como un autojuicio: el crimen y la condena serían metáforas de la culpa del cantante por la decepción. La recurrencia de la palabra árabe «Bismillah» («en el nombre de Dios») reforzaría la parte religiosa de esa culpa.
4. No tiene ningún significado
Esta no sería la primera vez que un compositor ajusta palabras a una melodía sin preocuparse demasiado por su coherencia o significado. Paul McCartney usó «huevos revueltos» («scrambled eggs») como letra provisional para acompañar a la melodía antes de escribir «Yesterday». Los ejemplos son incontables y es muy probable que el propio Mercury haya eligido palabras al azar por su sonoridad sin intención narrativa alguna.
El propio título da una pista que suele pasarse por alto. Según el diccionario Merriam-Webster, «bohemio» puede referirse a un artista que lleva una vida no convencional o a un errante. Mercury nació en Zanzíbar (África), viajó por el mundo y llevó una vida que difícilmente podría calificarse de ordinaria. «Rapsodia», por su parte, designa una obra lírica de alto contenido emocional. Desde esta lectura, la canción sería simplemente Mercury procesando sus emociones a través de imágenes caóticas y metafóricas, sin un argumento.
6. Es una confesión sobre su sexualidad
Muy probablemente, esta sea la teoría con más sustento testimonial. Lesley-Ann Jones, autora del libro Freddie Mercury: The Definitive Biography, pasó una semana con Jim Hutton, pareja de Mercury durante sus últimos años, quien le habría confirmado el origen de la canción. Mercury provenía de una familia zoroástrica profundamente religiosa (el zoroastrismo no reconoce la homosexualidad) y según Hutton nunca habría podido hacer una declaración pública al respecto. «Siempre tuvo que mantener la farsa de ser heterosexual, por su familia», dijo Hutton a Jones. «‘Bohemian Rhapsody’ fue la confesión de Freddie. Trataba sobre cómo podría haber sido su vida, y cuánto más feliz podría haber sido, si simplemente hubiera podido ser él mismo«, declaró.
