Jody Lynn presenta su nuevo tema «Dearly Departed»
Jody Lynn Compositora de canciones con una vida lírica. Derramándolo todo, entregándose a su catexis. 🙂 Actualmente oriunda de Virginia, Jody ha vivido por todo Estados Unidos de costa a costa… y se siente afortunada de haber conocido a algunos espíritus afines en el camino a los que ahora considera amigos y familia. Jody ha estado escribiendo canciones desde que tenía 15 años, pero recientemente, con la repentina pérdida de su padre, ha entrado en un reino completamente nuevo de escritura y creatividad prolífica. Infunde todas sus emociones y lecciones aprendidas de la vida y el amor en la estructura de su música. Su deseo es que sus canciones la ayuden a conectarse con otros a través de estas experiencias compartidas o similares en un nivel mucho más personal y profundo. Jody está constantemente escribiendo, produciendo y grabando nuevas canciones o colaborando con otros músicos.
Jody Lynn Nos comenta: Si alguna vez has estado en una relación tóxica en la que la otra persona sentía que tenía la sartén por el mango, pero tú finalmente pudiste liberarte de sus garras, entonces «Dearly Departed» puede resonar contigo. Es una canción que escribí como metáfora de alguien que intenta enterrarte vivo en una relación, pero no sabía que eres más fuerte de lo que pensaba.
El esperado nuevo álbum de estudio de Faith Head, «The Horror of Things to Come», lleva al oyente por un oscuro viaje hacia el futuro.
Este oscuro capítulo en el catálogo musical de Faith Head refleja al mundo los horrores que la humanidad continúa trayendo sobre sí misma. En un mundo desprovisto de verdad objetiva, los hechos ofenden y la mera ciencia es calumnia, nuestro mundo da lugar a una realidad inversa. Un remanente de creyentes lucha dentro de sus filas con sus propios problemas que están secretamente ocultos en la fachada de la cultura religiosa. Pero para aquellos que perduren hasta el final, particularmente hasta el final del álbum, encontrarán esperanza.
Apegándose al sonido de batería totalmente natural y evitando el formato de canción de corte de galletas lanzado a las masas por la industria de la música, el último álbum de estudio de Faith Head se distingue de los falsos sonidos de batería muestreados de la música moderna y los predecibles arreglos musicales de rock. Los fanáticos de la reputación de la banda por el canto real, los riffs de headbanging y los solos de guitarra abrasadores encontrarán este álbum lleno de ganchos, ritmos, riffs pesados y trituraciones que saciarán sus sentidos de metal y hard rock.
Aunque un poco más doom que los singles anteriores al álbum, la paleta de diversidad de canciones ofrece algo para todos. Siguiendo con la premisa de no encerrarse en un género particular de hard rock y metal, Faith Head lleva al oyente a una montaña rusa de melodías, riffs contundentes y provocación lírica. Ningún grupo o tema está fuera de los límites de este álbum en esta colección de melodías digna de disparo con la selección de títulos de canciones provocativas.
Resumen de la canción
El álbum se abre con la introducción instrumental «Melodiam Pro Deperdito» con el trabajo de bajo de 12 cuerdas del fundador y bajista de la banda, Patrick «PFunk» Shipley que establece el tono de lo que está por venir. Basándose en el amor por los temas de las películas de terror y creando paisajes sonoros, la introducción debería prepararte para lo que viene a continuación.
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El siguiente es el primer sencillo del álbum, «Aberrations of Reality», con la versión del álbum con el regreso de Jimmie «JW» Webb en la voz, mientras que el sencillo tenía al cantante Adam Reed antes de que saliera del escenario. Le sigue la nueva canción «Victim Mobtality», que presenta un pre-estribillo de nü-metal con el flujo del estilo característico del cantante JW. Líricamente, la canción habla de la propensión de nuestras culturas a celebrar la mentalidad de la víctima, y a aquellos que la apoyan por la virtud, señalando en un formato de multitud, en la vida y en línea.
La canción que da título al álbum lleva al oyente de vuelta al elemento de terror del álbum con su rutina doomy de medio tiempo con una marcha rítmica al estilo de Godzilla en los riffs de apertura. El solo de apertura del guitarrista Tyler Anderson rasga una melodía que recuerda a un giro clásico del tema de terror. Más espeluznante aún es la inquietante melodía del pre-estribillo cantada por niños «durmiendo en los brazos de una pesadilla de la que no podemos despertar». La canción es un lamento por los fracasos de la humanidad para prevenir el ataque del mal dirigido a los niños del mundo. Después de esta canción está el último sencillo de la banda, «Artificial God», lanzado a principios de este año.
«Six Figure Sermon Writer» saca provecho con sus versos simples y resoplantes de hard rock y el gancho tortuosamente pegadizo del coro. Hablando del tema de los pastores de la iglesia que prosperan siendo estafadores del Evangelio y extorsionadores de la fe, Faith Head pone el foco en el tema que otros artistas basados en la fe parecen eludir. Independientemente de su sabor preferido de hard rock o metal, encontrará que es un éxito.
Profundizando en el mundo del funcionamiento interno de la iglesia, «La Sociedad Secreta de los Pecadores» cuenta las perspectivas personales e internas desde el púlpito hasta el banco trasero de todas las luchas que se encuentran dentro de la iglesia moderna. Llamando a todos a abandonar sus fachadas con la iglesia, SSOS toca las fibras del corazón del oyente con sus melodías y mensajes simples pero poderosos. Los fanáticos de las canciones que cuentan historias disfrutarán encontrándola como una nueva favorita. Siendo los álbumes y la pista de estudio más larga grabada de la banda, el viaje musical no puede llamarse monótono o aburrido, ya que cada verso presenta un riff o melodía diferente y una batería tribal que se une con el coro lacrimógeno con influencias de rock progresivo.
El título más controvertido del álbum, «God Didn’t Kill Himself», puede ofender a creyentes y no creyentes por igual si han juzgado el libro por su portada. Líricamente, la canción habla del pasado y de la continua influencia de los escritos de Friedrich Nietzsche en el mundo y no para su mejora. Rompiendo con el molde del rock y el metal modernos, la canción se basa en los riffs y melodías doomy del rock gótico y Black Sabbath. Con tres secciones musicales distintas, la canción comienza siendo empujada por una línea de bajo trepidante mezclada con melodías de guitarra superpuestas para ser impulsada hasta el final por un asalto de riffs de guitarra implacables.
La canción «Peddlers of Flesh» habla de la dura realidad de la creciente epidemia mundial de secuestro de niños, la industria del aborto y el tráfico sexual, junto con las élites protegidas que se entregan a ello. El oyente debe tener cuidado, ya que este tema provoca e invoca muchas emociones líricamente. Musicalmente, siendo el más «riff» de los riffs, la canción está influenciada por los géneros de thrash, old school y power metal en una mezcla de maestría metal.
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«Don’t Invite Them In» se mueve a su propia vibra con una mezcla de voces de estilo nü-metal y a todo gas. Pronto se convertirá en una nueva favorita del mosh pit para las actuaciones en vivo de Faith Head, la canción simplemente rebota de principio a fin. Líricamente, la canción advierte de los peligros de jugar sin saberlo con fuerzas oscuras a través del uso de prácticas ocultas modernas que se han abierto camino en la sociedad moderna a través de lo que parece ser benigno.
Otro lamento del álbum es «The Unfurling», que empuja al oyente sobre el borde final de la maestría de los riffs de rock. Comenzando con otro ritmo de bajo contundente al más puro estilo Faith Head, esta pista conduce con fuerza hasta el puente, donde los solos de guitarra se elevan a través del paisaje sonoro. Líricamente, la canción es un deseo de volver a la inocencia y lamenta la pérdida de la misma.
Finalmente, el álbum termina con una nota agridulce y brillante de esperanza con «Mercy and Grace» que completa el viaje musical. Melódico y radiante con armonías vocales, este tema limpia tu paleta musical con su mezcla de una balada de rock alternativo y progresiones de rock progresivo. El épico solo de guitarra de esta canción resuena en los grandes shredders melódicos de los anuales del rock. La letra de la canción habla de la perseverancia del amor de Dios por sus hijos a pesar de los errores que cometemos. Terminando el álbum al estilo típico de Faith Head, apuntando a la esperanza para aquellos que no conocen a Dios, «Mercy and Grace» probablemente será un favorito de la radio en poco tiempo.
La carátula del álbum
Desde fuera, mirar la portada, deja espacio para la especulación y la interpretación. Pero en el interior de la cubierta del CD, hay una cita de «Como gustéis» Acto II, Escena VII de Shakespeare, que insinúa más su significado para el oyente.
Todo el mundo es un escenario,
Y todos los hombres y mujeres no son más que jugadores;
Tienen sus salidas y sus entradas,
Y un hombre en su tiempo desempeña muchos papeles,
Dejando mucho para el ojo del espectador, el significado general debe quedar claro que Faith Head está advirtiendo al oyente que algo horrible está a punto de hacer su entrada en el escenario mundial. Sea lo que sea, la humanidad estará asombrada pero horrorizada por ello, o al menos aquellos que no se dejan seducir por su influencia. En lugar de definir esta cifra no binaria, la banda considera que es más una prueba de Rorschach para el oyente. ¿Cuál de tus miedos a lo desconocido pondrás en su lugar sombrío en el escenario que acecha en un futuro incierto? ¿Qué papel jugará en estos tiempos inciertos?
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La banda
El último álbum de estudio de Faith Head presenta la formación actual de la banda con el regreso del vocalista, Jimmie «JW» Webb de la era del EP «Genesys» de la banda. Además, se suman a la alineación los guitarristas Lebron Estrada y Tyler Anderson. La sección rítmica de la banda sigue siendo la misma con el baterista Dale Adams y el bajista y fundador Patrick «PFunk» Shipley. Volviendo al sonido original de doble guitarra de la banda, el álbum representa gran parte de lo que puedes esperar escuchar de sus futuras actuaciones en vivo. Faith Head concluye el último de sus conciertos de 2024 en octubre y sigue planeando conciertos para 2025 para promocionar el nuevo álbum.
Valter Borrione presenta su tema «Mid-August Waltz»
Compuse esta pieza para guitarra clásica en agosto de 2020. Es una pieza que está inspirada en la ligereza y la calidez del verano.
Mi biografía en breve: después de haber tocado durante muchos años en bandas locales de mi ciudad, Aosta, como bajista, en 2018 comencé a estudiar la guitarra fingerpicking y el género del delta blues. De este estudio nacieron una serie de composiciones breves o más bien «reflexiones musicales», inspiradas en la investigación interior, el mundo natural, la vida e incluso la muerte. Así que decidí grabar mis «reflexiones» para compartirlas y aquí estoy. Espero que las disfruten. Buena vida a todos. Valter
Midnite Special presenta su nuevo tema Charlie is a killing machine
Midnite Special es la música del guitarrista y cantante Liam Shevill, residente en Gales (Reino Unido).
El proyecto es un intento de crear música rock pegadiza y con estribillos, todo grabado por él mismo en su actual hogar cerca de las Montañas Negras en Gales.
La música de Midnite Special es totalmente autoeditada bajo el sello Crock-O-Sheet Records, que también se utiliza para publicar la música de la otra banda de Liam, Friday Night Lights.
“I Just Dropped By To Say Hello” es el primer sencillo del próximo álbum del vocalista principal de Filadelfia Chris Murray, “Classics (featuring Gabe Preston)”.
Murray se encuentra con una voz de canto única, conmovedora y sensible mientras está debidamente respaldado por su banda instrumental, Soul Frequency. La pista en sí es un arreglo inspirado en la versión de Johnny Hartman de la canción original, y cuenta con Chris Murray en la voz principal, Gabe Preston en el saxo tenor, Christian Smith en el piano, Omeed Nyman en el bajo y Jack Thomas en la batería. Habrá un video musical para el sencillo lanzado a finales de este año, y se espera que el álbum completo se lance en enero de 2025. Nuestro objetivo es llegar a una mayor audiencia mundial de oyentes que ya disfrutan escuchando todo tipo de jazz, y este sencillo en particular cae más en la categoría de balada ahumada. Al expandir nuestra audiencia mundial, nos gustaría poder realizar más espectáculos en todo el mundo para esas audiencias en el proceso. Esperamos que disfrutes escuchando esta canción tanto como nosotros disfrutamos armando la música, pero siempre estamos abiertos a cualquier comentario si eso significa expandir nuestro propio crecimiento como artistas.
Christopher Murray es un cantante de jazz y blues con alma que vive en Filadelfia. Aunque está influenciado por artistas como Al Jarreau, Nat King Cole, Rachelle Farrell y Whitney Houston, su voz siempre apunta a ser única a través de incontables años de experiencia cantando para la iglesia y por toda Filadelfia. Además, está respaldado por una banda colectiva de músicos, Soul Frequency, que incorpora una mezcla de jazz, R&B, música latina e incluso rap y hip-hop en algunas actuaciones. La banda suele estar formada por entre 4 y 10 integrantes, a veces incluso más, debido a la amplia variedad de músicos de diferentes orígenes que tienen cada uno algo único que aportar a la mesa en cada canción.
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Es gracias al canto poderoso de Murray y a la versatilidad de los individuos que pueden ofrecer versiones frescas, suaves, teatrales, con mucho ritmo y originales de éxitos populares como Summertime, Nature Boy, My Way y muchos más. Murray & Soul Frequency siempre se esfuerzan por actuar en festivales y lugares donde saben que las frecuencias de las almas resuenan más con la música. Incluso si se trata de un público diferente en cada actuación, Murray no es ajeno a dar la bienvenida a la multitud de una manera que pueda emocionarlos con lo que suceda en el escenario.
El álbum debut, «Introducing Chris Murray CLASSICS featuring Gabe Preston», se lanzará en enero de 2025, con al menos dos sencillos que se lanzarán a fines de 2024 («I Just Dropped By to Say Hello» el 15 de octubre y «My Way» en diciembre).
THUNDERCLAP! presenta el tema «The Littlest Monster»
Quiver, el monstruo más pequeño, nos deleita con historias de sus travesuras y reflexiona sobre el tema del escapismo. ¿De qué se trata todo esto de disfrazarse? ¿De dónde salió? Bueno, más allá de las fuentes históricas reales y ya sea superficial o profunda, todos queremos ser otra persona de vez en cuando, ¿no es así? … Olvidémonos de NOSOTROS esta noche y feliz Halloween para todos.
¿Alguna vez quisiste ser otra persona por una sola noche? Ya seas fanático de lo macabro o de Halloween, este guiño nostálgico a todo lo que nos asustaba cuando éramos niños está encapsulado en el nuevo clásico de THUNDERCLAP, «Let’s forget about us tonight».
De Motörhead a Kiss, a continuación repasamos 5 canciones de los Stones que fueron versionadas por bandas de metal y hard rock.
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The Rolling Stones.
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Los Rolling Stones son una de las bandas más influyentes en la historia del rock y lograron forjar un legado que trascendió generaciones e incluso estilos musicales. Desde sus inicios en la escena británica a principios de los años 60, los Stones se distinguieron por su fusión única de blues, rock y actitud rebelde, una cualidad que luego se replicaría en otros géneros.
Su sonido crudo, junto con la personalidad magnética de Mick Jagger y los riffs inolvidables de Keith Richards, los posicionaron como los íconos definitivos del rock ‘n’ roll. Sin embargo, a lo largo de los años, su música y actitud inspiró a una amplia gama de artistas, incluidos aquellos del mundo del heavy metal y el hard rock.
De Motörhead a Kiss, a continuación repasamos 5 canciones de los Stones que fueron versionadas por bandas de metal y hard rock.
Drama, romance, misterio, suspenso, documental y más en esta lista de películas que se estrenaron en Netflix en estos días.
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Laura Dern y Liam Hemsworth en Una aventura en Marruecos.
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Netflix renovó su catálogo con nuevas películas de diversos géneros y nacionalidades. Si estás buscando qué ver, te presentamos cuatro que te pueden interesar.
Lo que hay dentro
2024 – Dir: Greg Jardin
Sinopsis: Un reencuentro de amigos de la universidad justo antes de una boda se convierte en una pesadilla existencial cuando alguien aparece por sorpresa con un misterioso maletín.
Sinopsis: Chile, 1955. Cuando la popular escritora María Carolina Geel asesina a su amante, el caso cautiva a Mercedes, la tímida actuaria del juez encargado del caso. Después de visitar el departamento de la escritora, Mercedes comienza a cuestionar su vida, identidad y el rol de la mujer en la sociedad al encontrar en ese hogar un oasis de libertad.
Elenco: Elisa Zulueta, Francisca Lewin, Marcial Tagle, Pablo Macaya.
Duración: 95 minutos.
Origen: Chile.
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Una aventura en Marruecos
2024 – Dir: Susannah Grant
Sinopsis: Una novelista solitaria llega a un prestigioso retiro para escritores en Marruecos con la esperanza de encontrar inspiración. Allí conoce a un hombre más joven, con quien entabla una amistad que se convierte en una tórrida relación que cambiará sus vidas.
Sinopsis: A 30 años del asesinato de María Soledad Morales, sus compañeras de escuela, las jóvenes que pelearon para que la verdad saliera a la luz, se reúnen en Catamarca para conmemorar la muerte de su amiga y recorrer los pasos de una tragedia que marcó un hito. María Soledad fue el primer caso reconocido como femicidio que tuvo Argentina.
Hay grupos que en apenas unos pocos discos lograron definir, no solo su sonido, sino también el de épocas y generaciones enteras.
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Sex Pistols / The Smiths / Joy Division
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El universo de la música está lleno de artistas que han dejado una marca significativa con catálogos limitados. Hay grupos y proyectos que en apenas unos pocos discos lograron definir, no solo su sonido, sino también el de épocas y generaciones enteras.
Como bien dice el popular dicho, muchas veces menos es más, y hay cientos de bandas y artistas que sirven como ejemplo de cómo trascender sin la necesidad de publicar muchos discos. A continuación, 10 bandas y músicos emblemáticos que pasaron a la historia con 5 discos o menos.
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The Velvet Underground
Con solo cuatro álbumes de estudio, The Velvet Underground se posiciona como una de las bandas más influyentes de la historia del rock. Su debut, The Velvet Underground & Nico (1967), rompió esquemas con su fusión de rock experimental y arte conceptual, definiendo el proto-punk y el art rock.
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Joy Division
Con solo dos álbumes, Unknown Pleasures (1979) y Closer (1980), Joy Division redefinió el post-punk. La voz sombría y perturbada de Ian Curtis, acompañada por el bajo hipnótico de Peter Hook y la percusión minimalista de Stephen Morris, forjaron un sonido que fusionaba la desesperación emocional con una precisión casi clínica. Tras la trágica muerte de Curtis, el legado de Joy Division se consolidó y su corta pero influyente discografía sigue siendo una piedra angular del rock alternativo.
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Jeff Buckley
Jeff Buckley apareció como un rayo, de forma abrupta, avasallante y fugaz. Grace (1994) es su único álbum de estudio completo, pero eso fue suficiente para que fuera considerado uno de los cantautores más excepcionales de la década de los 90.
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The Smiths
Con solo cuatro álbumes de estudio, The Smiths se convirtió en uno de los grupos más influyentes de la música británica de los años 80. Liderado por Morrissey y Johnny Marr, su sonido melódico y sus letras introspectivas, a menudo melancólicas, resonaron profundamente con la juventud de la época y el indie rock inglés.
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Rage Against the Machine
Con solo cuatro discos de estudio, Rage Against the Machine se consolidó como una de las bandas más influyentes del rock alternativo y del metal en los años 90. Su debut homónimo de 1992 no solo presentó su sonido explosivo, fusionando rock, metal y rap, sino que también introdujo una potente crítica social y política signada por una época de agitación y cambio.
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Television
Television es una banda que, con apenas dos álbumes fundamentales en los 70 (y uno homónimo en los 90), marcó para siempre el post-punk y under neoyorkino. Su debut, Marquee Moon (1977), es un referente del rock de guitarras, con largos solos intrincados y una estructura poco convencional que desafiaba los límites del punk tradicional. Tom Verlaine y Richard Lloyd crearon una interacción de guitarras que fue tan cerebral como visceral.
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The Postal Service
Con solo un LP, Give Up (2003), The Postal Service se convirtió en una banda emblemática del indie pop y la electrónica de los 2000. El proyecto paralelo de Ben Gibbard (Death Cab for Cutie) y Jimmy Tamborello fusionó electrónica minimalista con letras profundamente personales, creando un sonido fresco y emocionante.
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Lauryn Hill
Aunque fue su único disco solista, The Miseducation of Lauryn Hill (1998) se coronó como un hito absoluto en la música. Su mixtura de R&B, hip hop, reggae y soul, junto con letras profundamente personales sobre vínculos, la espiritualidad y la identidad, marcó un nuevo estándar en la música urbana.
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My Bloody Valentine
Con solo tres álbumes, My Bloody Valentine cambió el curso del rock alternativo y el shoegaze. Su obra maestra Loveless (1991) es una odisea de texturas sónicas y capas de guitarras distorsionadas que influyó en innumerables bandas posteriores. Al día de hoy, la banda liderada por Kevin Shields sigue siendo un punto de referencia para la música experimental y el dream pop.
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Sex Pistols
Con solo un álbum de estudio, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols (1977), los Sex Pistols cambiaron para siempre el curso del punk y la contracultura en el Reino Unido y más allá. Aunque su carrera fue breve, su impacto fue absolutamente revolucionario.
Scott, responsable de grandes films como Alien y Blade Runner, citó sus películas favoritas, rescatando varias del género ciencia ficción.
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Ridley Scott. Foto: Gage Skidmore.
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Ridley Scott es uno de los grandes maestros del cine de ciencia ficción y épico. El responsable de grandes films como Alien y Blade Runner se sometió al usual cuestionario de Letterboxd que invita a reconocidas figuras del cine a listar sus cuatro películas favoritas y dejar una breve explicación sobre su selección. A continuación, las repasamos.
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2001: Odisea en el espacio
1968 – Dir. Stanley Kubrick
Esta es una pieza fundamental para cualquier amante del cine de ciencia ficción. El film fue una gran fuente de inspiración para Scott, específicamente para pensar un concepto clave de Alien, que se estrenaría en 1979. “La computadora sabe que la misión es más importante que la gente, eso lo copiamos en Alien“, explicó en diálogo con Letterboxd.
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Star Wars
1977 – Dir. George Lucas
El director pensaba filmar la película Tristán e Isolda, pero al toparse con Star Wars tuvo una epifanía: “Estuve deprimido por tres meses. ‘¿Cómo puedo hacer Tristán e Isolda si este tipo hace esto?’”. Finalmente, este impacto tuvo un resultado más que positivo: “Luego, entregué el guion de Alien en seis semanas. Fue un accidente“.
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Blade Runner
1982 – Dir. Ridley Scott
Scott se animó a elegir una película de su autoría, siendo plenamente consciente de lo influyente que fue el film para las generaciones venideras y para el género en sí mismo. “Una película que sentó las bases para muchas cosas“, expresó.
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La guerra del fuego
1981 – Dir. Jean-Jacques Annaud
Luego de haber citado películas canónicas, Scott recomendó una joyita personal: “Una película que la gente no conoce y es muy inteligente y brillante“, adelantó. Para introducirla, explicó brevemente la historia: “Es prehistórica, es sobre una tribu que descubre el fuego a través de los relámpagos. Llevan el fuego en una canasta, esa es la historia. Es fantástica”.
