Jody Lynn presenta su nuevo tema «Dearly Departed»
Jody Lynn Compositora de canciones con una vida lírica. Derramándolo todo, entregándose a su catexis. 🙂 Actualmente oriunda de Virginia, Jody ha vivido por todo Estados Unidos de costa a costa… y se siente afortunada de haber conocido a algunos espíritus afines en el camino a los que ahora considera amigos y familia. Jody ha estado escribiendo canciones desde que tenía 15 años, pero recientemente, con la repentina pérdida de su padre, ha entrado en un reino completamente nuevo de escritura y creatividad prolífica. Infunde todas sus emociones y lecciones aprendidas de la vida y el amor en la estructura de su música. Su deseo es que sus canciones la ayuden a conectarse con otros a través de estas experiencias compartidas o similares en un nivel mucho más personal y profundo. Jody está constantemente escribiendo, produciendo y grabando nuevas canciones o colaborando con otros músicos.
Jody Lynn Nos comenta: Si alguna vez has estado en una relación tóxica en la que la otra persona sentía que tenía la sartén por el mango, pero tú finalmente pudiste liberarte de sus garras, entonces «Dearly Departed» puede resonar contigo. Es una canción que escribí como metáfora de alguien que intenta enterrarte vivo en una relación, pero no sabía que eres más fuerte de lo que pensaba.
El esperado nuevo álbum de estudio de Faith Head, «The Horror of Things to Come», lleva al oyente por un oscuro viaje hacia el futuro.
Este oscuro capítulo en el catálogo musical de Faith Head refleja al mundo los horrores que la humanidad continúa trayendo sobre sí misma. En un mundo desprovisto de verdad objetiva, los hechos ofenden y la mera ciencia es calumnia, nuestro mundo da lugar a una realidad inversa. Un remanente de creyentes lucha dentro de sus filas con sus propios problemas que están secretamente ocultos en la fachada de la cultura religiosa. Pero para aquellos que perduren hasta el final, particularmente hasta el final del álbum, encontrarán esperanza.
Apegándose al sonido de batería totalmente natural y evitando el formato de canción de corte de galletas lanzado a las masas por la industria de la música, el último álbum de estudio de Faith Head se distingue de los falsos sonidos de batería muestreados de la música moderna y los predecibles arreglos musicales de rock. Los fanáticos de la reputación de la banda por el canto real, los riffs de headbanging y los solos de guitarra abrasadores encontrarán este álbum lleno de ganchos, ritmos, riffs pesados y trituraciones que saciarán sus sentidos de metal y hard rock.
Aunque un poco más doom que los singles anteriores al álbum, la paleta de diversidad de canciones ofrece algo para todos. Siguiendo con la premisa de no encerrarse en un género particular de hard rock y metal, Faith Head lleva al oyente a una montaña rusa de melodías, riffs contundentes y provocación lírica. Ningún grupo o tema está fuera de los límites de este álbum en esta colección de melodías digna de disparo con la selección de títulos de canciones provocativas.
Resumen de la canción
El álbum se abre con la introducción instrumental «Melodiam Pro Deperdito» con el trabajo de bajo de 12 cuerdas del fundador y bajista de la banda, Patrick «PFunk» Shipley que establece el tono de lo que está por venir. Basándose en el amor por los temas de las películas de terror y creando paisajes sonoros, la introducción debería prepararte para lo que viene a continuación.
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El siguiente es el primer sencillo del álbum, «Aberrations of Reality», con la versión del álbum con el regreso de Jimmie «JW» Webb en la voz, mientras que el sencillo tenía al cantante Adam Reed antes de que saliera del escenario. Le sigue la nueva canción «Victim Mobtality», que presenta un pre-estribillo de nü-metal con el flujo del estilo característico del cantante JW. Líricamente, la canción habla de la propensión de nuestras culturas a celebrar la mentalidad de la víctima, y a aquellos que la apoyan por la virtud, señalando en un formato de multitud, en la vida y en línea.
La canción que da título al álbum lleva al oyente de vuelta al elemento de terror del álbum con su rutina doomy de medio tiempo con una marcha rítmica al estilo de Godzilla en los riffs de apertura. El solo de apertura del guitarrista Tyler Anderson rasga una melodía que recuerda a un giro clásico del tema de terror. Más espeluznante aún es la inquietante melodía del pre-estribillo cantada por niños «durmiendo en los brazos de una pesadilla de la que no podemos despertar». La canción es un lamento por los fracasos de la humanidad para prevenir el ataque del mal dirigido a los niños del mundo. Después de esta canción está el último sencillo de la banda, «Artificial God», lanzado a principios de este año.
«Six Figure Sermon Writer» saca provecho con sus versos simples y resoplantes de hard rock y el gancho tortuosamente pegadizo del coro. Hablando del tema de los pastores de la iglesia que prosperan siendo estafadores del Evangelio y extorsionadores de la fe, Faith Head pone el foco en el tema que otros artistas basados en la fe parecen eludir. Independientemente de su sabor preferido de hard rock o metal, encontrará que es un éxito.
Profundizando en el mundo del funcionamiento interno de la iglesia, «La Sociedad Secreta de los Pecadores» cuenta las perspectivas personales e internas desde el púlpito hasta el banco trasero de todas las luchas que se encuentran dentro de la iglesia moderna. Llamando a todos a abandonar sus fachadas con la iglesia, SSOS toca las fibras del corazón del oyente con sus melodías y mensajes simples pero poderosos. Los fanáticos de las canciones que cuentan historias disfrutarán encontrándola como una nueva favorita. Siendo los álbumes y la pista de estudio más larga grabada de la banda, el viaje musical no puede llamarse monótono o aburrido, ya que cada verso presenta un riff o melodía diferente y una batería tribal que se une con el coro lacrimógeno con influencias de rock progresivo.
El título más controvertido del álbum, «God Didn’t Kill Himself», puede ofender a creyentes y no creyentes por igual si han juzgado el libro por su portada. Líricamente, la canción habla del pasado y de la continua influencia de los escritos de Friedrich Nietzsche en el mundo y no para su mejora. Rompiendo con el molde del rock y el metal modernos, la canción se basa en los riffs y melodías doomy del rock gótico y Black Sabbath. Con tres secciones musicales distintas, la canción comienza siendo empujada por una línea de bajo trepidante mezclada con melodías de guitarra superpuestas para ser impulsada hasta el final por un asalto de riffs de guitarra implacables.
La canción «Peddlers of Flesh» habla de la dura realidad de la creciente epidemia mundial de secuestro de niños, la industria del aborto y el tráfico sexual, junto con las élites protegidas que se entregan a ello. El oyente debe tener cuidado, ya que este tema provoca e invoca muchas emociones líricamente. Musicalmente, siendo el más «riff» de los riffs, la canción está influenciada por los géneros de thrash, old school y power metal en una mezcla de maestría metal.
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«Don’t Invite Them In» se mueve a su propia vibra con una mezcla de voces de estilo nü-metal y a todo gas. Pronto se convertirá en una nueva favorita del mosh pit para las actuaciones en vivo de Faith Head, la canción simplemente rebota de principio a fin. Líricamente, la canción advierte de los peligros de jugar sin saberlo con fuerzas oscuras a través del uso de prácticas ocultas modernas que se han abierto camino en la sociedad moderna a través de lo que parece ser benigno.
Otro lamento del álbum es «The Unfurling», que empuja al oyente sobre el borde final de la maestría de los riffs de rock. Comenzando con otro ritmo de bajo contundente al más puro estilo Faith Head, esta pista conduce con fuerza hasta el puente, donde los solos de guitarra se elevan a través del paisaje sonoro. Líricamente, la canción es un deseo de volver a la inocencia y lamenta la pérdida de la misma.
Finalmente, el álbum termina con una nota agridulce y brillante de esperanza con «Mercy and Grace» que completa el viaje musical. Melódico y radiante con armonías vocales, este tema limpia tu paleta musical con su mezcla de una balada de rock alternativo y progresiones de rock progresivo. El épico solo de guitarra de esta canción resuena en los grandes shredders melódicos de los anuales del rock. La letra de la canción habla de la perseverancia del amor de Dios por sus hijos a pesar de los errores que cometemos. Terminando el álbum al estilo típico de Faith Head, apuntando a la esperanza para aquellos que no conocen a Dios, «Mercy and Grace» probablemente será un favorito de la radio en poco tiempo.
La carátula del álbum
Desde fuera, mirar la portada, deja espacio para la especulación y la interpretación. Pero en el interior de la cubierta del CD, hay una cita de «Como gustéis» Acto II, Escena VII de Shakespeare, que insinúa más su significado para el oyente.
Todo el mundo es un escenario,
Y todos los hombres y mujeres no son más que jugadores;
Tienen sus salidas y sus entradas,
Y un hombre en su tiempo desempeña muchos papeles,
Dejando mucho para el ojo del espectador, el significado general debe quedar claro que Faith Head está advirtiendo al oyente que algo horrible está a punto de hacer su entrada en el escenario mundial. Sea lo que sea, la humanidad estará asombrada pero horrorizada por ello, o al menos aquellos que no se dejan seducir por su influencia. En lugar de definir esta cifra no binaria, la banda considera que es más una prueba de Rorschach para el oyente. ¿Cuál de tus miedos a lo desconocido pondrás en su lugar sombrío en el escenario que acecha en un futuro incierto? ¿Qué papel jugará en estos tiempos inciertos?
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La banda
El último álbum de estudio de Faith Head presenta la formación actual de la banda con el regreso del vocalista, Jimmie «JW» Webb de la era del EP «Genesys» de la banda. Además, se suman a la alineación los guitarristas Lebron Estrada y Tyler Anderson. La sección rítmica de la banda sigue siendo la misma con el baterista Dale Adams y el bajista y fundador Patrick «PFunk» Shipley. Volviendo al sonido original de doble guitarra de la banda, el álbum representa gran parte de lo que puedes esperar escuchar de sus futuras actuaciones en vivo. Faith Head concluye el último de sus conciertos de 2024 en octubre y sigue planeando conciertos para 2025 para promocionar el nuevo álbum.
Valter Borrione presenta su tema «Mid-August Waltz»
Compuse esta pieza para guitarra clásica en agosto de 2020. Es una pieza que está inspirada en la ligereza y la calidez del verano.
Mi biografía en breve: después de haber tocado durante muchos años en bandas locales de mi ciudad, Aosta, como bajista, en 2018 comencé a estudiar la guitarra fingerpicking y el género del delta blues. De este estudio nacieron una serie de composiciones breves o más bien «reflexiones musicales», inspiradas en la investigación interior, el mundo natural, la vida e incluso la muerte. Así que decidí grabar mis «reflexiones» para compartirlas y aquí estoy. Espero que las disfruten. Buena vida a todos. Valter
Karaboudjan presenta su nuevo tema «Revendeur d’écume»
El Karaboudjan zarpa hacia la mayor de las travesías, el viaje nacional de Francia. Siguen sus flujos internos con sus referencias literarias, sacudidos por las olas del sonido de los años 60, las reverberaciones primaverales y las melodías anatolianas del saz. Pegado a su huso interior, Karaboudjan desarrolla una intensa historia con armonías beatlesianas y pura energía de garage rock’n roll.
Este single se publica en colaboración con el sello LaCouveuse y Baco DistribuGon después de Yerevanum con muchos más acentos mundiales y psicodélicos que el lado más garage-pop de los 60. Karaboudjan es una banda armenio-picardista fundada en 2021 que narra su viaje después de un primer EP en 2022, una treintena de conciertos este año en toda Francia y está preparando un LP conceptual para 2025.
Midnite Special presenta su nuevo tema Charlie is a killing machine
Midnite Special es la música del guitarrista y cantante Liam Shevill, residente en Gales (Reino Unido).
El proyecto es un intento de crear música rock pegadiza y con estribillos, todo grabado por él mismo en su actual hogar cerca de las Montañas Negras en Gales.
La música de Midnite Special es totalmente autoeditada bajo el sello Crock-O-Sheet Records, que también se utiliza para publicar la música de la otra banda de Liam, Friday Night Lights.
“I Just Dropped By To Say Hello” es el primer sencillo del próximo álbum del vocalista principal de Filadelfia Chris Murray, “Classics (featuring Gabe Preston)”.
Murray se encuentra con una voz de canto única, conmovedora y sensible mientras está debidamente respaldado por su banda instrumental, Soul Frequency. La pista en sí es un arreglo inspirado en la versión de Johnny Hartman de la canción original, y cuenta con Chris Murray en la voz principal, Gabe Preston en el saxo tenor, Christian Smith en el piano, Omeed Nyman en el bajo y Jack Thomas en la batería. Habrá un video musical para el sencillo lanzado a finales de este año, y se espera que el álbum completo se lance en enero de 2025. Nuestro objetivo es llegar a una mayor audiencia mundial de oyentes que ya disfrutan escuchando todo tipo de jazz, y este sencillo en particular cae más en la categoría de balada ahumada. Al expandir nuestra audiencia mundial, nos gustaría poder realizar más espectáculos en todo el mundo para esas audiencias en el proceso. Esperamos que disfrutes escuchando esta canción tanto como nosotros disfrutamos armando la música, pero siempre estamos abiertos a cualquier comentario si eso significa expandir nuestro propio crecimiento como artistas.
Christopher Murray es un cantante de jazz y blues con alma que vive en Filadelfia. Aunque está influenciado por artistas como Al Jarreau, Nat King Cole, Rachelle Farrell y Whitney Houston, su voz siempre apunta a ser única a través de incontables años de experiencia cantando para la iglesia y por toda Filadelfia. Además, está respaldado por una banda colectiva de músicos, Soul Frequency, que incorpora una mezcla de jazz, R&B, música latina e incluso rap y hip-hop en algunas actuaciones. La banda suele estar formada por entre 4 y 10 integrantes, a veces incluso más, debido a la amplia variedad de músicos de diferentes orígenes que tienen cada uno algo único que aportar a la mesa en cada canción.
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Es gracias al canto poderoso de Murray y a la versatilidad de los individuos que pueden ofrecer versiones frescas, suaves, teatrales, con mucho ritmo y originales de éxitos populares como Summertime, Nature Boy, My Way y muchos más. Murray & Soul Frequency siempre se esfuerzan por actuar en festivales y lugares donde saben que las frecuencias de las almas resuenan más con la música. Incluso si se trata de un público diferente en cada actuación, Murray no es ajeno a dar la bienvenida a la multitud de una manera que pueda emocionarlos con lo que suceda en el escenario.
El álbum debut, «Introducing Chris Murray CLASSICS featuring Gabe Preston», se lanzará en enero de 2025, con al menos dos sencillos que se lanzarán a fines de 2024 («I Just Dropped By to Say Hello» el 15 de octubre y «My Way» en diciembre).
THUNDERCLAP! presenta el tema «The Littlest Monster»
Quiver, el monstruo más pequeño, nos deleita con historias de sus travesuras y reflexiona sobre el tema del escapismo. ¿De qué se trata todo esto de disfrazarse? ¿De dónde salió? Bueno, más allá de las fuentes históricas reales y ya sea superficial o profunda, todos queremos ser otra persona de vez en cuando, ¿no es así? … Olvidémonos de NOSOTROS esta noche y feliz Halloween para todos.
¿Alguna vez quisiste ser otra persona por una sola noche? Ya seas fanático de lo macabro o de Halloween, este guiño nostálgico a todo lo que nos asustaba cuando éramos niños está encapsulado en el nuevo clásico de THUNDERCLAP, «Let’s forget about us tonight».
De Motörhead a Kiss, a continuación repasamos 5 canciones de los Stones que fueron versionadas por bandas de metal y hard rock.
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The Rolling Stones.
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Los Rolling Stones son una de las bandas más influyentes en la historia del rock y lograron forjar un legado que trascendió generaciones e incluso estilos musicales. Desde sus inicios en la escena británica a principios de los años 60, los Stones se distinguieron por su fusión única de blues, rock y actitud rebelde, una cualidad que luego se replicaría en otros géneros.
Su sonido crudo, junto con la personalidad magnética de Mick Jagger y los riffs inolvidables de Keith Richards, los posicionaron como los íconos definitivos del rock ‘n’ roll. Sin embargo, a lo largo de los años, su música y actitud inspiró a una amplia gama de artistas, incluidos aquellos del mundo del heavy metal y el hard rock.
De Motörhead a Kiss, a continuación repasamos 5 canciones de los Stones que fueron versionadas por bandas de metal y hard rock.
La historia de la música está plagada de bandas formadas por hermanos. A continuación repasamos 10 de las más destacadas.
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Oasis y Haim.
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A lo largo de la historia de la música han surgido una infinidad de bandas formadas por hermanos. De alguna manera, estos proyectos se encaminaron al éxito aportando no solo talento sino también una interacción especial que se tradujo en un estilo sonoro irreplicable.
Esta relación fraternal a menudo generó una sinergia única que se manifestó en composiciones memorables y algunos discos inolvidables. Es por eso que a continuación te presentamos un recorrido por 10 bandas destacadas formadas por hermanos.
The Allman Brothers Band
Formada por los hermanos Duane y Gregg Allman, además de Butch Trucks, Berry Oakley, Jai Johanny Johanson y Dickey Betts, esta banda de rock sureño fusionó elementos de blues y country, convirtiéndose en pionera del género en la década de 1970. Su álbum At Fillmore East es considerado un clásico del rock en directo.
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Oasis
Si de banda de hermanos se habla, no se puede dejar fuera a Oasis. Esta banda británica liderada por los hermanos Liam y Noel Gallagher fue fundamental en la escena del Britpop de los años 90, influyendo a cientos de grupos y artistas que llegarían luego. Con himnos como “Wonderwall” y “Don’t Look Back in Anger”, su rivalidad personal y profesional se convirtió en parte de su leyenda.
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The Beach Boys
En la década de los 60, los hermanos Brian, Carl y Dennis Wilson formaron The Beach Boys, una de las bandas de rock más icónicas y queridas de la historia. Con armonías vocales únicas y arreglos instrumentales innovadores, el conjunto creó algunos himnos inoxidables y veraniegos como “Good Vibrations”, “God Only Knows” y “California Girls”.
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Kings of Leon
Compuesta por los hermanos Caleb, Nathan y Jared Followill, Kings of Leon logró ganarse un lugar dentro del rock alternativo y tuvo gran relevancia sobre todo los primeros años de la decada de 2010. Temas como “Sex on Fire” y “Use Somebody” marcaron su ascenso en la escena musical.
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The Jackson 5
Este grupo, queincluía a los hermanos Jackie, Tito, Jermaine, Marlon y Michael Jackson, fue pionero en la música pop y soul en la década de 1970. Con su energía contagiosa e hipnóticas presentaciones, produjeron éxitos que siguen sonando al día de hoy como “I Want You Back” y “ABC”.
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The Carpenters
Fundada por los hermanos Karen y Richard Carpenter, esta banda de soft rock se destacó en los años 70 por sus melodías suaves. Temas como “Close to You” y “We’ve Only Just Begun” son algunos ejemplos de su característico estilo melódico y sensible.
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The Kinks
Los hermanos Ray y Dave Davies fueron la fuerza impulsora detrás de esta banda británica de rock, conocida por su sonido distintivo y letras ingeniosas. Clásicos como “You Really Got Me” y “Lola” solidificaron su lugar en la historia del rock.
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AC/DC
Sin duda alguna, AC/DC es una de las bandas más emblemáticas del rock y fue fundada por los hermanos Malcolm y Angus Young. Con el paso de los años, el conjunto australiano se convirtió en uno de los más influyentes del género, caracterizándose por su energía electrizante y riffs de guitarra memorables.
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The Proclaimers
Los gemelos Charlie y Craig Reid son conocidos por su música folk-rock y letras emotivas. Con éxitos como “I’m Gonna Be (500 Miles)”, su música trascendió varias generaciones, llevándolos a una sólida carrera internacional.
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The Warning
The Warning es el nombre del power trio compuesto por las hermanas Villarreal, que ha acaparado la atención del mundo por usar la frase «el rock no tiene reglas» como emblema de lucha.
Analizamos La sustancia, película de la directora francesa Coralie Fargeat protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley.
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El terror es uno de los mejores vehículos para narrar las atrocidades del mundo actual. Esto no es una novedad para el cine, pero en otras épocas este rol fue para la ciencia ficción. De hecho, en décadas pasadas, el terror se dedicó más bien al entretenimiento puro y duro. En los últimos 10 años, el cine de género volvió a tomar la posta de ser espejo de las sociedades y de echarnos en cara nuestras propias miserias. La sustancia, film que se puede ver en el cine, es un ejemplo.
La sustancia es la segunda película de la directora francesa Coralie Fargeat y está protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley. Es el film que viene dando que hablar desde su estreno en Cannes y, al llegar a las salas comerciales, entró en la categoría de esa “película fenómeno” que despierta curiosidad porque hace desmayar a los espectadores, vomitar o dejar la sala. Más allá del sensacionalismo, La sustancia es una película que versa sobre nuestros tiempos.
La historia presenta a una diva de Hollywood en decadencia. El día que cumple 50 años, la mujer es despedida de su programa televisivo en el que hace rutinas de ejercicios y decide someterse a un extraño tratamiento que promete “sacar su mejor versión”. Como es de esperar, esta es una pésima decisión que tendrá consecuencias imparables y sumamente asquerosas.
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Margaret Qualley tiene un rol fundamental en La sustancia (2024).
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Con el estreno, la expresión body horror (o terror corporal) comenzó a circular, ya que es una pieza que revaloriza este subgénero emparentado al cine de David Cronenberg. Este director influenció a muchos realizadores, incluida a Julia Ducournau y la reciente Titane. En La sustancia, el vehículo del body horror tiene sentido porque el cuerpo es el protagonista: la degradación/regeneración, la vejez/juventud, la belleza/monstruosidad y una mercancía para ganar dinero.
La violencia con la que la(s) protagonista trata a su cuerpo puede parecer exagerada. Sin embargo, y como es una película dirigida por una mujer, para nosotras no parece tan inverosímil. Los personajes se inyectan sin parar y entran en la paradoja de enaltecer su cuerpo, pero llevándolo a la más miserable degradación. La juventud es efímera, pero la protagonista decide que revertirá esta ley natural a cualquier costo -una premisa muy propia de nuestros tiempos-.
En la vida real nos encontramos con anuncios que se presentan amables, límpidos y armónicos -en general asociando belleza a salud- mientras nos venden cientos de elixires de juventud eterna. La sustancia tiene la valentía de mostrar el lado b: el asco, la podredumbre, lo que se oculta debajo del maquillaje, las reacciones físicas y el resultado monstruoso.
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Demi Moore en La sustancia (2024), la película del momento.
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En este film también se pone en funcionamiento el concepto de Doppelgänger para desarrollar una trama que se divide en dos personajes que en realidad son el mismo. El recurso de una puerta que oculta al monstruo es clave para esto, así como la idea de una parte que es la que se muestra y se exhibe frente a los reflectores y otra que queda enclaustrada en la oscuridad sosteniendo la bella ficción.
La película está repleta de referencias y homenajes al cine, siendo que estamos en la era definitiva de los easter eggs y la intertextualidad. El resplandor y sus pasillos tenebrosos y el baño de sangre de Carrie son algunas referencias que ayudan a crear una zona conocida para el espectador y sumar el film a una genealogía.
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Demi Moore en La sustancia (2024).
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Otro aspecto para resaltar es la actuación de Dennis Quaid, quien es presentado mediante planos incómodos como la crítica al sistema patriarcal, al hombre que exige la belleza que él no se ocupa de tener. Él no tiene escrúpulos para exprimir el cuerpo de las mujeres como máquinas de hacer dinero que se vuelven rápidamente desechables.
La sustancia es una película testigo de nuestro tiempo, tal vez algo obvia en sus simbologías pero no por ello menos efectiva. Combina belleza estética con gore, se inscribe dentro de una tradición del cine y ciertamente no pasa desapercibida. Entre el tono cruento que tiene casi toda la historia, el film también se permite el humor hacia el final mediante el grotesco y entrega una pieza que cumple su cometido con creces.
