Diego Torrente Presenta su nuevo sencillo “LOCO” feat. Juani Agüero
“LOCO” LO NUEVO DE DIEGO TORRENTE
El nuevo sencillo del artista ya está disponible en todas las plataformas, una canción cargada de conflictos internos y vaivenes personales es el tercer adelanto de su próximo álbum que sale este año.
“Loco” es una canción de rock con guitarras al frente y energía directa, que explora el conflicto interno y la dualidad personal. Con un enfoque en el sonido de riffs y guitarras, combina intensidad emocional y una interpretación cruda. La participación de Juani Aguero al frente de las guitarras aporta una energía particular, con su experiencia tocando con Fito Paéz pero también de su repertorio más rock n´roll puro y duro, de garitos y amplificadores en saturación “11”.
“Loco”, a la vez, representa el lado B del próximo álbum. Un lado A más pop, como su anterior single y adelanto “Lady Calíope”, a un lado B que vuelve al rock de guitarras más crudo, a la energía más directa. “Loco” es una canción sobre ese otro lado que todos tenemos, pero también funciona como un regreso al lugar más natural dentro de la música.
SOBRE DIEGO TORRENTE
Diego Torrente es un cantautor argentino cuya obra se construye a partir del cruce entre el rock canción y nuevas exploraciones sonoras. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado una identidad marcada por la búsqueda de canciones con fuerte carga narrativa, colaborando con artistas como Rodrigo Manigot (Ella es tan cargosa) y Juan Rosasco, entre otros.
En 2025 presentó Sin razones evidentes, un álbum que marcó una nueva etapa en su recorrido. A partir del mismo proceso creativo, que dio origen a más de 20 canciones, surge también Cordillera (2026), la segunda parte de una obra planteada en dos capítulos.
“Cordillera” estará dividido en dos lados —uno pop, experimental y expansivo, y otro centrado en el rock canción— que funcionan como dos formas de expresar una misma identidad. El proyecto incorpora además nuevas colaboraciones, entre ellas Raúl Ruffino (Los Tipitos), Juani Agüero y Mauro Conforti, ampliando su universo sonoro sin perder el eje conceptual.
Más que hablar de distancia, Cordillera explora el contraste y la convivencia entre distintos lenguajes dentro de un mismo proyecto, consolidando una propuesta que integra tradición y evolución en una narrativa coherente.
GARRETT ANTHONY RICE DEJA QUE LA CANCIÓN SE FRACTURE EN «TRY TO MAKE IT RIGHT (OUR ENDGAME)»
Una pieza cambiante que oscila entre la apertura y la abrasión sin asentarse.
22 de junio de 2026 (Greystones, IE) // «Try To Make It Right (Our Endgame)» de Garrett Anthony Rice, el último sencillo de su próximo álbum doble Equinox, se desarrolla como una conversación que ya ha pasado el punto de reparación. Aunque el título implica que podría haber una solución, la propia canción rechaza esta idea, eligiendo en su lugar explorar la zona incómoda donde las negociaciones empiezan a flaquear.
The song starts off in an open, expansive sound space that has always been one of Rice’s signature characteristics. It is lonely in its reverberations, but without being overly dramatic about it, more like the gradual dissolution of late Britpop music rather than any form of self-examination. The song leaves enough room for this separation before it starts to change.
Escucha «Try To Make It Right (Our Endgame)»
La melodía se vuelve más centrada, aguda y algo dura, indicando que el subtexto por fin ha salido a la luz. Es un estallido rápido de energía, pero importante. El arroz no lo mantiene. Más bien, la música se aleja, volviendo al estado de antes, ahora diferente, y con la paz ya no tan fiable. Este proceso dinámico da forma a la canción.
Para el pasaje final, la tensión se ha acumulado en lugar de resolvida. La canción termina con una nota alta que hace parecer que debería terminar, pero no llega del todo, manteniendo al oyente en la expectativa. «Try To Make It Right (Our Endgame)» es especialmente atractiva para quienes conocen el legado de los compositores, que se dan cuenta de que a veces no decir algo dice más que decir algo
Sobre Garrett Anthony Rice: Originario del condado de Dublín, Irlanda, y viviendo actualmente en Greystones, condado de Wicklow, desde hace veinte años con su familia, Garrett Anthony Rice tiene la intención de causar un impacto significativo en la escena musical global en 2025.
«EQUINOX» es el primer álbum doble (18 canciones) lanzado por un artista debutante en solitario
Artist como su segundo disco en la historia de la música, así que la tarea de escribir y terminar este disco fue bastante abrumadora y enorme.
Garrett lanzó su álbum debut bajo el alias de (i) CONSULT en octubre de 2023, titulado «Reflections Part II, the very best of……» que se emitió en 93 países y despertó el interés del productor británico Chris Potter (The Rolling Stones, Paul McCartney, U2 y The Verve/Richard Ashcroft) a finales de 2023.
De un total de 30 demos posibles, 18 fueron seleccionados y grabados a lo largo de 2024, tanto en Reino Unido como en Irlanda, y ya los reconocidos y estimados profesionales de la música que trabajaron en este disco y lo han escuchado lo están alabando como el disco del año.
«My Sons» fue el primer sencillo del disco lanzado el 28 de febrero de 2025 que Garrett escribió para la señora Peggy Gallagher, madre de Liam y Noel de OASIS, cuando aún estaban distanciados. La canción se relaciona con otros temas diversos del álbum, que los profesionales de la industria ya promocionan como uno de los mejores álbumes irlandeses jamás hechos.
«EQUINOX» estará disponible para guardar previamente cerca del momento de su lanzamiento en vinilo y en todas las plataformas.
Joe Caruso Presenta su nuevo sencillo “Back to Broken”
Back to Broken es una canción de blues-rock enérgica que describe una relación disfuncional entre marido y mujer. La canción realmente impacta desde el riff de introducción hasta el final. Recuerda a algunas canciones clásicas de los Rolling Stones y Black Crowes, mientras utiliza cambios de acordes interesantes y riffs de guitarra para mantenerla dentro del género rock moderno. Este es el sexto lanzamiento de mi próximo álbum «Tales from Two Cities», previsto para este otoño. Los músicos invitados son los Pub Rats, ¡mi banda universitaria de Georgetown!
Mientras se dirigía hacia el norte desde Washington DC hasta Nueva York en enero de 2025, el compositor Joe Caruso se encontró deteniéndose en cada área de descanso del camino para garabatear furiosamente las letras. Conduciendo por Maryland, Delaware y Nueva Jersey, palabras y frases le venían en breves estallidos de inspiración, y inmediatamente se apartaba de la autopista para teclearlas en su smartphone antes de olvidarlas. «Sinceramente pensé que había terminado de grabar mi primer álbum», dice, «pero un día apareció esta idea y sentí que realmente necesitaba terminarla.»
La canción que no le dejaba en paz, ‘7 Hours a Day’, era una canción con matices de los Stones y Black Crowes que también era profundamente autobiográfica. No solo se convirtió en la canción principal de su colección debut «Tales from Two Cities», sino que «7 Hours» sirvió tanto como ajuste de cuentas como declaración de propósito.
Estoy sobreeducado y tengo demasiado que decir, intenté perseguir mi pasión pero la vida se interpuso, pasé una década fichando cada día, para escalar una escalera corporativa que se extendía aún más, ahora trabajo duro para no hacer mucho y seguir cobrando, para poder tocar la guitarra 7 horas al día.
El personaje de «7 Hours» es emblemático del álbum «Tales from Two Cities»; al mismo tiempo, mirando atrás en un pasado que no puede cambiar y viendo un presente y futuro que está decidido a vivir de forma diferente. Es un tema entretejido a lo largo del debut de Caruso.
«Las canciones de «Tales from Two Cities» o bien se originaron o se completaron mientras vivía en Nueva York y Washington, D.C.», dice. «Estas dos ciudades han sido los polos gemelos de mi vida geográfica, social y emocionalmente… desde que nací.»
Inspirado en radios FM rock de los 70 y 80 hasta música americana, folk y clásica de cantautor, Caruso lleva a los oyentes en un viaje que refleja el sonido y la sensación de los discos clásicos que le formaron.
«Sole Survivor» tiene la intensidad pegadiza de Pete Townshend de la época de «Empty Glass» y «Acadia» se eleva con armonías y violines que recuerdan a «The Jayhawks». La canción con tintes latinos «Waiting on the Wind» contrasta maravillosamente con el dolor al estilo Nilsson de «Shy Girl». «Found out Early» recuerda a Hall and Oates de los 70, mezclado con ELO, mientras que «Thinking About You Now» podría ser fácilmente una canción perdida de los primeros años de Squeeze. «New York City» —un homenaje crudo a su ciudad natal, reflejando el intenso dinamismo de portada y directo de la ciudad— se inspiró en su padre, un fotógrafo de noticias, cuyas fotos aparecían periódicamente en la portada de los legendarios tabloides de la ciudad como el NY Daily News y The New York Post.
Los primeros recuerdos de Caruso como tocando eran más dedicados que musicales. Recuerda que sus padres le obligaron a tomar clases de guitarra en cuarto de primaria. «Era solo un niño pequeño con una guitarra acústica para principiantes, haciendo fingerpicking y tocando cosas jazzísticas», recuerda. «Pero cuando escuché «Feels Like the First Time» de Foreigner en la radio pensé: ‘vaya, ¿cómo es posible que mi guitarra acústica sea el mismo instrumento básico que hace ese sonido en la radio?’ No tenía ni idea. Simplemente sabía que necesitaba una guitarra eléctrica así.»
Su oportunidad de pasarse a la electricidad llegó gracias a un delito menor a los 12 años, cuando su tío—que estaba atravesando un divorcio conflictivo—necesitó su ayuda. «Su exmujer había cambiado las cerraduras y él necesitaba sacar algunas de sus cosas del sótano de su antigua casa una noche a las 2 de la madrugada. Era lo bastante pequeño para entrar por la ventana del sótano, así que mi tío me bajó con una linterna diciéndome ‘consigue lo que puedas’. Saqué dos guitarras, un teclado y un montón de sus otras cosas.» Su recompensa por su esfuerzo fue la guitarra eléctrica semi-hueca Gretsch de su tío, que Caruso aún posee hoy en día.
«Cuentos de dos ciudades» se remonta a ese momento. «Básicamente llevo escribiendo este álbum desde que tenía 12 años, lo que lo convierte quizás en el disco de mayor duración de la historia», dice, riéndose de las cuatro décadas que han transcurrido entre medias.
En esos años se graduó en la Harvard Business School, se casó, tuvo un hijo y pasó años trabajando en empresas estadounidenses y en start-ups. Siguió tocando la guitarra y haciendo música con amigos en DC, pero no era su principal objetivo.
El punto de inflexión llegó durante la pandemia de Covid, cuando perdió su trabajo. El «sobreeducado» Caruso miró las apuestas de vida o muerte que se apoderaban del mundo y de repente empezó a fijarse más en sus decisiones pasadas y sus deseos de futuro. «Compré equipo de grabación casero para terminar por fin de escribir estas canciones y grabar algunas demos», dice. «Todo el proceso me resultó liberador. Disfruté de mi trabajo corporativo en su mayor parte, pero no abordaba mi pasión por la música. Con el tiempo, esa pérdida de la música como parte de mi ser y como vía creativa me alcanzó. Decidí centrar mi tiempo principalmente en escribir, grabar e interpretar mis canciones originales.»
Los músicos/productores Bill McGarvey (Valentine Smith, Winter Hours, Liquor Giants) y Mike Tichy (Mooney Suzuki, Jim Breuer) escucharon las maquetas y firmaron para grabar y producir el álbum. Con Caruso en DC intercambiando archivos de audio de ida y vuelta al estudio de McGarvey en Hoboken, a solo una milla al otro lado del río Hudson desde Manhattan, la grabación del álbum reflejaba su proceso de composición.
Caruso sigue haciendo regularmente el trayecto de 230 millas entre Washington y Nueva York para tocar en conciertos y visitar a su familia. También está ocupado planificando la promoción de «Tales from Two Cities» con programas en directo, podcasts, prensa y radio. Y, por supuesto, sigue escribiendo nuevas canciones a lo largo del camino; rellenando melodías y palabras inconclusas mientras registra los kilómetros.
MARKUS D’AMBROSI & THE OFFICER feat. MC LILLO PRESENTAN EL TEMA FANTASY GIRL
Con «Fantasy Girl», Markus D’Ambrosi & The Officer feat. MC Lillo presentan una moderna reinterpretación Afro House de un auténtico clásico del Freestyle. Basada en la legendaria versión original de Johnny O, la canción combina melodías nostálgicas con ritmos Afro House, percusiones hipnóticas y una energía de club totalmente actual.
Markus D’Ambrosi lleva más de 30 años activo como DJ y productor en la escena internacional. Sus lanzamientos recientes «Mariposa», «Rhythm Is Gonna Get You», «Ella Es Perfecta» y «Big Bang Move» lograron presencia en las listas Dance mientras su audiencia en Spotify sigue creciendo en distintos países.
La producción cuenta además con The Officer, una de las voces más reconocidas de la escena Freestyle europea. Con éxitos como «Cry» y «La Musica», más de 40 maxisingles, cuatro álbumes y participación en más de 150 recopilatorios, sigue siendo una figura destacada del género.
Aportando energía adicional aparece MC Lillo, un carismático entertainer, rapero y maestro de ceremonias que sabe cómo conectar con el público y elevar la atmósfera de cualquier evento. También ha conseguido reconocimiento en Italia gracias a canciones emitidas por radio.
Juntos, Markus D’Ambrosi, The Officer y MC Lillo unen tres generaciones de entretenimiento para la pista de baile. «Fantasy Girl» conecta la historia del Freestyle con el Afro House moderno y devuelve un clásico atemporal a las pistas de baile actuales.
Aric Coyote Presenta su nuevo sencillo “Born to Be Free”
Aric Coyote: Aric Coyote es un artista afincado en el norte de California con raíces musicales que se remontan a influencias folk y rock clásico, además de abarcar las eras new wave/punk/indie rock. Las canciones y la música de Armic combinan los sonidos regionales de cantautores, cantautores y rockeros de la costa este, el corazón del país y la costa oeste que le han inspirado a lo largo de su trayectoria musical. Durante la última década, Aric ha aparecido en la escena de bares/cafés y micrófonos abiertos del norte de California, mientras escribía, interpretaba y trabajaba en talleres su catálogo de baladas, canciones de amor, meditaciones y rockeros potentes.
The Remainders Presenta su nuevo sencillo “More Than Enough”
Una balada rock sobre el arrepentimiento personal y las palabras que desearíamos poder dejar de decir
La Crosse, WI — 19 de junio de 2026
Todos hemos dicho algo por lo que daríamos cualquier cosa por retractarnos. More Than Enough, el nuevo single de The Remainders, del oeste de Wisconsin, vive en ese dolor — una palabra descuidada en un momento difícil, una disculpa que llega demasiado tarde, una persona a la que queremos que se ha ido antes de que podamos arreglarlo.
Para el compositor y vocalista principal Andy Temte, la canción comenzó como una carta que ya no podía enviar. Escrito en cariñosa memoria de su cuñada Brenda, que falleció en 2017, es la disculpa que no llegó a terminar. «La mayoría de nosotros llevamos el peso de una disculpa que nunca completamos — una persona a la que herimos, palabras que duelen hondo, palabras que retiraríamos si pudiéramos», dice Temte. «Es un mensaje universalmente humano con el que todos podemos conectar.»
More Than Enough nunca estuvo destinada a ser solo la historia de una familia. La canción busca la gracia que la vida no siempre concede: la oportunidad de decirle a alguien que era «todo, y más que suficiente».
Musicalmente, el single es una balada moderna de rock clásico con un corazón poco común. Cuerdas, flauta y piano se grabaron en directo con un conjunto de cámara completo en el Capella Center for the Performing Arts, difuminando la línea entre banda de rock y orquesta. Es la última colaboración padre-hijo entre Andy y su hijo y socio comercial, Nick Temte, quien produjo, ingenierizó y masterizó la pista y toca bajo, batería y teclados.
«A través de esta canción, animo a los oyentes a aspirar a vivir una vida de gracia, dignidad y compasión», añade Temte. «En vez de derribar a otros, levantémoslos alto y animémoslos a ellos.»
Acerca The Remainders
Con base en La Crosse, Wisconsin, The Remainders celebran 22 años de «Rock’n Out and Doin’ Good» — haciendo música para difundir alegría y apoyar a su comunidad a través de alianzas filantrópicas y actuaciones. La banda está liderada por Andrew Temte , exCEO, autor y podcaster de gestión empresarial, y ha abierto para artistas como Styx, Foreigner, Heart, Steve Miller Band, Chicago, Lynyrd Skynyrd y REO Speedwagon.
Esteban Panadero Presenta su nuevo sencillo “Come Back”
Come Back es una canción de Post-Punk / Dark Wave que explora el amor eterno más allá de la muerte. Atormentado por el recuerdo de su ser amado perdido, el protagonista la llama desde la oscuridad hasta que ella reaparece. Entre melancolía, romanticismo oscuro y atmósferas sobrenaturales, decide seguirla hacia las sombras para reencontrarse con su amor perdido.
Tras muchos años de estudios musicales y tras obtener diplomas musicales profesionales, Esteban Panadero decidió dedicarse a la composición musical y a la escritura de letras. Cantante y pianista, vive a pocos kilómetros de París.
Su deseo es hacer del mundo un lugar mejor; su música es un mensaje universal que habla a todo el mundo, a través de todas las épocas.
Desea abrir los ojos de quienes no pueden ver, eliminar las fronteras y el odio, hacer que la humanidad sea más humana en un mundo único compartido por todos. Lanza un llamamiento o un grito de esperanza musical.
Para él, la música adquiere todo su sentido cuando se une en torno a ideas humanistas, cuando la creación artística está conectada con la emoción y el corazón, cuando las letras abordan temas importantes.
SnowStorm Presenta su nuevo sencillo “Familiar Eventually”
“NICOLE” es una canción de rock cruda, impulsada por la guitarra, de SnowStorm (Lucerna, Suiza). Construida sobre una narrativa de romance de oficina con humor negro, combina un espíritu rock de los años 70, una actitud punk y una composición aguda sin complicar demasiado el mensaje.
SnowStorm es una banda suiza de rock alternativo que combina la potencia con raíces blues con la atmósfera Dark Wave y una composición hábilmente elaborada. Inspirándose en grupos como Black Sabbath y The Beatles, la banda ofrece un sonido a la vez crudo y refinado, rebelde y poético.
Formada por músicos experimentados Pete Borel y Roberto «Marshal» La Mantia, SnowStorm es el producto de décadas de experiencia compartida tanto en el escenario como en el estudio. Su colaboración creativa comenzó en la vibrante escena musical de Lucerna de los años 80 y se reavivó en 2022 tras haber emprendido largos y divergentes viajes musicales.
Marshal forjó su camino con la legendaria banda de doom metal Saint Vitus (EE. UU.) y Domina and the Slaves (ZH), y actualmente también lidera la banda de Sedel motorslug.
Pete, un consumado guitarrista de sesión y de estudio, ha tocado con The Bucks, The Dead End Cowboys y ha compartido escenario con Emmylou Harris y The Dixie Chicks.
Su reunión como SnowStorm señala una visión musical clara: crear música que canalize profundidad emocional con fuerza sonora — íntima, intensa, áspera y melódica.
Technofear Presenta su nuevo sencillo “Familiar Eventually”
Familiar Eventualmente es el primer sencillo de After the Noise, el próximo álbum conceptual de Technofear.
La canción mezcla metal alternativo cinematográfico, electrónica atmosférica y voces de barítono oscuro para explorar una idea simple pero inquietante: cómo la gente se adapta gradualmente a cosas que antes le parecían extrañas. Inspirado en la atmósfera y ambigüedad de la era berlinesa de Bowie, el tema prefiere el ambiente, la tensión y la reflexión por encima del espectáculo.
Los aficionados al metal atmosférico moderno pueden conectar con su combinación de pesadez melódica, temas filosóficos y narrativa cinematográfica.
Etho Rawr Presenta su nuevo sencillo “V4n∑zzz∆ Uwu”
V4n∑zzz∆ Uwu, Etho RAWR presenta un nuevo lanzamiento inspirado en la búsqueda de calma dentro del movimiento constante de la ciudad.
«V4n∑zzz∆ Uwu » (Vanessa) retrata ese momento íntimo donde los pensamientos se mezclan con el paisaje urbano, transformando trayectos cotidianos en espacios de contemplación y refugio emocional. La canción se desarrolla como una balada contemporánea con sutiles influencias electrónicas, especialmente presentes en el tratamiento de las voces y los detalles de producción. Guitarras brillantes y melodías envolventes construyen una atmósfera cálida, soñadora y ondulante, una firma sonora característica de Etho RAWR en sus composiciones más personales.
El resultado es una experiencia que se siente cercana y emocional, sin perder el pulso urbano que atraviesa toda la obra. Este proyecto combina texturas suaves, arreglos melódicos cuidadosamente elaborados y elementos electrónicos que aportan profundidad y movimiento. El trabajo vocal incorpora efectos discretos de procesamiento digital que expanden la sensación etérea del tema, permitiendo que la voz flote entre la nostalgia y la esperanza. Cada elemento contribuye a crear un paisaje sonoro que invita a desconectarse por un instante del ruido exterior.
La esencia de «V4n∑zzz∆ Uwu » habita en ese contraste entre la inmensidad de la ciudad y los pequeños espacios de paz que encontramos dentro de ella. Es una canción que podría acompañar un viaje en metro, una caminata nocturna o esos momentos en los que el entorno desaparece y solo permanecen los pensamientos y la música. Con este lanzamiento, Etho RAWR continúa expandiendo su identidad artística hacia territorios más íntimos y emotivos, explorando nuevas formas de sensibilidad dentro de una estética que combina influencias urbanas, dream-pop alternativo y producción electrónica contemporánea. «V4n∑zzz∆ Uwu » es una invitación a perderse en una atmósfera cálida y envolvente, donde el movimiento de la ciudad se transforma en una experiencia profundamente personal.
