Una banda de grunge alternativo de Orlando, Florida, que lleva 3+ años tocando en directo.
Acaban de lanzar su primer sencillo como banda después de tocar en directo por Orlando durante 2+ años. La canción es un Alt Rock, Grungy que tiene un riff característico y un estribillo pesado. Hemos recibido buena respuesta y buscamos un impulso para que se le diera a más gente.
Paul on Bridges Presenta su nuevo sencillo “Kick ‘em out – Short Cut”
Lanzado el 20 de marzo de 2026, «Kick ‘em Out» es un himno folk-punk antifascista de Paul on Bridges que canaliza la frustración por el auge de la extrema derecha en todo el mundo. La canción es tanto una declaración de protesta como un recordatorio de que el silencio no es una opción cuando los valores democráticos están bajo presión.
Construida alrededor de una guitarra acústica pero arreglada con batería, bajo y guitarra eléctrica, la canción mezcla raíces folk con actitud punk. A pesar de su mensaje directo, se transmite con un guiño tanto como con un puño levantado, demostrando que las canciones políticas no tienen que perder su energía ni su sentido del humor para dejar claro el mensaje. Es un llamado a alzar la voz, alzar la voz y negarse a normalizar el odio.
El Sencillo marca un paso hacia una dirección folk-punk más enérgica para Paul on Bridges, manteniendo al mismo tiempo el filo político y la composición melódica que han definido el proyecto hasta ahora.
«Escribí esta canción porque el fascismo solo crece cuando la gente se queda callada. A veces, lo más punk que puedes hacer es simplemente decir: aquí no.» — Paul sobre Bridges
Créditos
Batería: Raphael Redding
Bajo: Philip Brand Electric
Guitarra: Nils Mauermann
Guitarra solista: Matthias Grimm
Guitarra acústica, voz principal, coros: Paul Assmann
Hunter Benson Presenta su nuevo sencillo “Last to Know”
Hunter Benson es un artista de rock, country y americana de Redondo Beach, California. Inspirado en el rock sureño, grunge y la América clásica, su sonido mezcla la aspereza impulsada por la guitarra con un lirismo reflexivo y un fuerte sentido de la melodía. Benson escribe a partir de lo que ha vivido, anclando sus canciones en la lucha, la fe y la resiliencia, en lugar de en una narrativa abstracta.
Para él, la música se ha convertido en una forma de procesar la pérdida y buscar comprensión. A los tres años, fue alcanzado por un rayo y perdió a su padre en el mismo incidente. Ese momento ha moldeado gran parte de lo que escribe hoy: duelo, fe, ira, entrega y la búsqueda de sentido. Su próximo EP Seeking, que saldrá el 27 de marzo de 2026, pone esos temas en primer plano. A lo largo de cinco temas, reflexiona sobre la pérdida y la responsabilidad mientras intenta entender el cambio y el perdón. «Come and Gone», que aparecerá en la película Pellett (2026), se centra en lo rápido que puede girar la vida. «Heaven’s Letter» retoma la muerte de su padre, mientras que la canción que da título al álbum busca orientación. La canción final, «Last to Know», se inclina hacia un sonido rock más pesado y mira hacia dentro lo que realmente importa antes de que se acabe el tiempo.
Con conciertos en su ciudad natal con entradas agotadas y una posición de finalista en el Beach Life Festival Battle of the Bands, Benson sigue construyendo su proyecto y creando una audiencia atraída por su composición directa y personal. Aunque está arraigada en su propia experiencia, su música resuena más allá de su historia, hablando a cualquiera que navegue por la pérdida, la duda o la necesidad de conexión.
Last to Know impacta como una tormenta con un himno de hard rock puro. Un riff de guitarra monótono con una sección rítmica contundente atraviesa sin parar. Los versos se apretan antes de que el estribillo suba con toda su fuerza y las voces ásperas no suavizan el golpe. Esta canción enfrenta líricamente una verdad sencilla: nunca sabemos cuándo se acaba nuestro momento, así que mira hacia dentro y limpia tu alma mientras aún puedas. Esta canción es tensa, directa, perfecta para playlists de rock moderno y hard Americana.
UniversalDice Presenta su nuevo sencillo “This Is Not Surrender”
«This Is Not Surrender» es el último sencillo de UniversalDice, lanzado el 23 de marzo de 2026. Este es otro paso adelante para la banda en una vibrante canción de 6 minutos que es un himno para nuestros tiempos. Este sencillo y el ya lanzado «War and Peace, part 1» formarán parte del próximo álbum «Be Reasonable.»
Misfit Memoirs fue el último álbum lanzado por UniversalDice! Incluye los cuatro sencillos previamente lanzados, «Curse», «Once Upon a Time», «Slip Away» y «A Very Small Man», además de diez canciones nuevas más de UniversalDice. El álbum es una mirada atrás a la familia, el amor, la vida y las cosas que nos hacen quienes llegamos a ser. Las canciones del álbum se han escuchado 750.000 veces desde su lanzamiento en septiembre de 2024. Fue nombrado Álbum Indie del Año por la revista Indie Shark Music.
La música de UniversalDice se sitúa en algún punto dentro de la categoría de indie rock clásico, atrayendo tanto a los fans del rock clásico como del indie orientado a un rock aventurero y sorprendente. El objetivo de la banda es que la música suene bien y que tenga sentido. No hay limitaciones, así que la banda puede tocar a tope o usar un cuarteto de cuerda si es necesario. Líricamente, UniversalDice pertenece a una categoría aparte, utilizando un estilo lírico conversacional desde una perspectiva humanista fiel a la realidad. Esta banda NO es moderna, anticuada, atrevida, genérica, rebelde, tradicional, actual, moderna, retro, alternativa o mainstream, etc. Esto simplemente NO es lo que esperabas. ¡No nos creáis solo a nosotros!
Misfit Memoirs de UniversalDice (Gerry Dantone) lo ha conseguido—se ha llevado el codiciado premio al «Álbum del Año» y marca un momento decisivo en el rock moderno. Esto no es solo un reconocimiento; es una rotunda afloración de la capacidad de UniversalDice para capturar el espíritu del tiempo con emoción cruda, narración incisiva y una paleta sonora que desafía toda categorización. Con Misfit Memoirs, la banda ha creado una obra expansiva y conceptual que resuena tan profundamente como entretiene, y Rolling Stone está aquí para celebrar ese logro.
Alex Vanderville Presenta su nuevo sencillo “Al Final”
Alex Vanderville es un compositor, cantante y músico originario de Morelia, Michoacán. Desde muy temprana edad descubrió su gusto por la música, pues disfrutaba cantar las canciones de comerciales que pasaban en la televisión. Creció identificandose con música de bandas de los 80’ s 90’ s (Nirvana, NIN, Soundgarden, Jeff Buckley, Stone Temple Pilots, INXS, Duran Duran…), así como clásicos atemporales tanto en inglés y en español.
La música de Alex Vanderville no se puede encasillar en un solo género, es más bien la amalgama del estruendoso rock con las melodías del pop, lo cual resulta en canciones fuertes, pero a la vez fáciles de entender, interpretar y apropiarse.
También incorpora elementos no tan comunes que le otorgan más riqueza y versatilidad a sus canciones, tales como la música industrial, arreglos de cuerdas, violines e instrumentos de viento.
Su disco homónimo cuenta con 10 canciones compuestas por Alex Vanderville y producidas por Paulino Reyes Buenrostro, mejor conocido como Chinito, de Chinito Records. El material audiovisual se lanzará de forma gradual a lo largo de este año, sin embargo, el artista ha ofrecido adelantos exclusivos en conciertos locales y en programas de radio especializados en música.
“Solo” es el sencillo debut de este artista y parte de su primer álbum solista, el cual nos da una introducción (o no) sobre lo que nos espera. Con un sonido rock, genuino, visceral, estridente, pesado, enérgico, acompañando a una gran voz, rememora su sonido del pasado, pero también inaugura este nuevo capítulo.
Porcelana es la contraparte de Solo. Al ser más melódica y romántica tiene la finalidad de darle al escucha la percepción de que musicalmente puede esperar cualquier cosa de Alex, a quien le gusta ir adaptando las melodías y letras al estilo que mejor refleje el sentimiento.
En este caso el estilo va más orientado a una balada Indie Rock más acústico, incorporando unas armonías vocales también cantadas por él mismo que ayudan a dar una atmósfera más soñadora a la canción que junto a la letra refuerzan el sentimiento de idealización que llega a tener una persona al enamorarse de alguien. La canción adopta igualmente elementos de influencias como Jeff Buckley, Cocteau Twins, Portishead, Jimmy Gnecco los cuales forman parte de la inspiración de Alex para crear sus melodías.
Lobos es el tercer sencillo antes del lanzamiento completo del disco y se regresa un poco a la dinámica de “Solo” , un rock más fuerte, atmosférico y experimental el cual viene acompañado de una voz más presente y que va acrecentando bajo su dirección la energía de la canción.
Llena de energía y de actitud se ha convertido en un referente en las presentaciones en vivo.
En el transcurso de este proyecto, Alex ya se ha presentado en varios festivales locales y en ciudades alrededor de Morelia, así convirtiéndose poco a poco y en poco tiempo en un referente de la escena independiente local.
“Al final” llega con un sonido más tranquilo y la incorporación de instrumentos de cuerda que envuelven una letra que habla acerca del distanciamiento en una relación y el último intento por salvar lo construido.
El video fue grabado y editado por Alex y tiene lugar en la feria de Aguascalientes del aaño pasado.
También ya pueden escuchar en todas las plataformas las demás canciones las cuales tendrán poco a poco su propio Spotlight audiovisual.
A la par también se encuentra en desarrollo su siguiente disco, el cual espera lanzar a finales de este año.
One Last Time Presenta su nuevo sencillo “Jill Got Jacked in LA!!»
One Last Time – San Diego Punk, Ruidoso y Local
Nacida en los garajes y la escena de San Diego, One Last Time ofrece un punk rock crudo, rápido y descaradamente ruidoso. Impulsados por la aspereza costera y el caos de la vida en el sur de California, la banda mezcla la agresividad punk clásica con un toque moderno, ese tipo de golpe que golpea fuerte tanto si estás en el foso como en la autopista.
Formado en 2024, el grupo de veteranos locales del punk rock comenzó a crear canciones con sus tempos vertiginosos, ganchos para gritar junto y homenajes a sus influencias. Su música canaliza desde el hardcore temprano del sur de California hasta la energía surf-punk, unida con letras que responden al aburrimiento, el agotamiento y la absurdidad cotidiana de la vida.
One Last Time está llevando su sonido más allá de los límites. Su álbum debut, ¡Jill Got Jacked In La!, captura la mezcla característica de velocidad, actitud y corazón de la banda: una instantánea de una escena que se niega a morir.
Si te gustan bandas como Black Flag, Descendents, Guttermouth o The Vandals, aquí te sentirás como en casa. Sube el volumen, abre algo y bienvenido al ruido.
Sunday’s Child Presenta su nuevo sencillo “Say Goodbye»
SUNDAY’S CHILD fue formado por el compositor neoyorquino Joshua Nage en 2007. Josh se propuso crear una experiencia auditiva única emparejando algunos de los temas más frescos de la actualidad con algunos de los músicos más destacados de la ciudad, incluyendo al guitarrista Scott Metzger (John Mayer, Phil Lesh & Friends, Joe Russo Almost Dead), el batería Sammy Merendino (Billy Joel, Cyndi Lauper, Lou Reed, Foreigner, The Beach Boys, Sarah MacLauchlan), el productor Benjy King (Patty Smyth, Scandal), y el vocalista nominado al Grammy Ari Hest.
El lanzamiento ‘Easy Living’ de Sunday’s Child es un álbum de alternativa para adultos que demuestra una composición sobresaliente y una musicalidad muy atractiva. «This Side of Paradise» es extremadamente pegadiza y muestra las letras adorables e inolvidables que dan tanto atractivo a este CD. Esta canción también muestra las increíbles voces de la banda, que destacan en todos los aspectos: tono, control, tono, interpretación, armonías y arreglos. Además, «Say Goodbye» y «Hop on the Train» recuerdan al estilo Beatles, con letras poéticas bien elaboradas acompañadas de melodías simples y memorables.
Canción tras canción, Sunday’s Child mantiene cautivos a los oyentes de su sonido expresivo, altamente emotivo y enérgico. No es de extrañar que estos músicos sean muy solicitados por algunos de los mejores intérpretes de la actualidad. Para rematar, este CD se produce con el máximo cuidado y calidad. Esta es otra experiencia musical demasiado buena para perderse. – Lea Plumier y equipo de críticos de RadioIndy.
Nacho Sarmiento presenta “Guardián”, una canción íntima sobre la pérdida y la presencia que permanece.
Construida desde el piano y una interpretación vocal íntima, “Guardián” es una canción de rock/pop emocional que aborda la pérdida desde un lugar profundamente cercano.
El músico y compositor chileno radicado en España, Nacho Sarmiento, presenta “Guardián”, su nuevo single, disponible en todas las plataformas digitales.
La canción surge a partir de la pérdida del hermano de un amigo, con quien Sarmiento coescribió la letra, transformando esa experiencia en un relato íntimo y cargado de significado.
“Guardián nace desde una experiencia muy cercana. Es una canción que busca quedarse en ese lugar donde alguien ya no está físicamente, pero sigue presente de alguna forma”, señala el artista.
A lo largo de la canción, el sonido evoluciona desde una fragilidad inicial hacia una mayor intensidad, manteniendo siempre una conexión directa con la emoción. Su coro —“Solo me quedará tu espíritu guardián”— sintetiza la idea central del tema: la permanencia simbólica de quienes ya no están físicamente, pero siguen presentes de otra forma.
La producción estuvo a cargo de Raúl Céspedes y Martín Benavides, dos destacados músicos chilenos, y fue grabada entre estudios de Santiago de Chile y Barcelona, construyendo un sonido que evoluciona desde la intimidad hacia una mayor fuerza emocional.
Con este lanzamiento, Nacho Sarmiento continúa consolidando una nueva etapa artística, más íntima y centrada en la interpretación y el peso emocional de sus canciones. Durante 2026, el artista seguirá lanzando nueva música y expandiendo su proyecto, con presentaciones en vivo previstas en Barcelona en los próximos meses, marcando un nuevo impulso en la proyección de su carrera.
Sobre el músico
Nacho Sarmiento es un músico y compositor chileno radicado en España. Su obra se caracteriza por letras honestas y una mirada emocional sobre la vida cotidiana, donde transforma experiencias personales en relatos musicales cargados de significado.
Tras una primera etapa marcada por un sonido rock pop, hoy su propuesta mantiene esa identidad, incorporando nuevos matices más íntimos —como el piano— y poniendo un mayor énfasis en la emoción y la interpretación.
Con apariciones en medios internacionales y actuaciones que han llevado su música a ciudades como Barcelona y Berlín, continúa desarrollando una propuesta personal y genuina, guiada por la búsqueda de conexión emocional con el oyente.
Allen Brooks lanza una nueva canción oscura y atrevida titulada ‘Caviar and Cigarettes’
El compositor y músico de toda la vida de Kansas City, Missouri, Allen Brooks ha presentado su último sencillo, «Caviar and Cigarettes», ya disponible en todas las plataformas digitales de streaming. La canción ofrece un sonido rockero nostálgico que mezcla los tonos sombríos de The Cure con la crudeza cruda de Nirvana y Alice in Chains. Abriendo con un estribillo oscuro y contagioso, la canción capta inmediatamente al oyente antes de profundizar cuando entra la batería. La potente voz de Brooks lleva la canción con una energía inquietante, evocando tanto reflexión como intensidad.
El resultado es una canción que se siente atemporal y arraigada en el pasado, pero que resuena con un toque moderno. Brooks, que creció en Grandview, Missouri, describe su música como espontánea e inspirada por todo lo que le rodea. Hijo de los 60 y 70 y artista en directo desde los 80, Brooks canaliza décadas de influencia musical en su composición. En «Caviar and Cigarettes» colaboró con talento internacional, incluyendo al batería argentino Mariano Vega y al ingeniero/coproductor afincado en Italia Andrew Caccese. Este enfoque global subraya el compromiso de Brooks con la creación de música que sea tanto personal como universalmente identificable. Como mejor dice Allen: «¡Aférrate a lo que crees y tus sueños siempre se harán realidad!»
SOBRE ALLEN BROOKS
Allen Brooks creció en Grandview, Misuri, y tras servir en la Marina de los Estados Unidos (1980-1984), realizó giras por Estados Unidos como músico profesional durante la mayor parte de su vida adulta. Aquí tienes algunas de las bandas de las que Brooks ha sido miembro oficial: ‘Fiancé’, ‘Bishop Steel’, ‘Roxx Gang’, ‘Mojo Gurus’, ‘Walter’, ‘The Blessed Virgin Larry’, ‘Hagas’, ‘Satisfaction’ (banda tributo a los Rolling Stones), ‘Armure De Ruisseaux’, ‘Brick Top Social Club’, ‘Jett Blakk’, ‘A Circle Of Faith’ y Psychodelic Caravan.
Mientras actuaba con las bandas mencionadas, Allen forjó amistades increíbles compartiendo escenario de costa a costa con muchos artistas, entre ellos Dr. Hook, The Kentucky Headhunters, Steppenwolf, Lou Gramm’s Foreigner, Head East, George Lynch, Black Oak Arkansas, Ratt, Molly Hatchet, Silento, Jimmie VanZandt, Killer Dwarfs, Bernie Williams (NY Yankees), Henry Lee Summer, Spread Eagle, Scatterbrain, Daisy Berkowitz y Jackyl.
D.D.R. desata «Anything Less Than More» — un himno de alto riesgo de amor, pérdida y negarse a asentarse.
Por el compositor y novelista Stephen Paul
Hay un momento en toda relación en el que la verdad atraviesa el ruido—cuando te das cuenta de que eso casi no es suficiente y nunca lo fue.
«Anything Less Than More», el último lanzamiento de D.D.R., captura ese momento con intensidad cinematográfica y honestidad sin complejos. Combinando el peso emocional de una balada poderosa con la fuerza motriz del rock de arena, el tema ofrece un sonido que se siente a la vez atemporal e inmediato, diseñado para la reflexión nocturna y la liberación a todo volumen.
Pero las raíces de la canción se remontan a su lanzamiento.
Originalmente escrita en 2012 mientras trabajaba en turnos de tarde en un YMCA local, la canción comenzó con un pensamiento fugaz: «cualquier cosa menos que más.» A partir de ahí, se abrieron las compuertas creativas. En las horas silenciosas, intermedias—cuando el edificio se vaciaba y el ruido se desvanecía—esa sola frase se convirtió en la base de algo más grande: una revelación sobre el amor, los estándares y el coste de conformarse.
Más de una década después, esa idea no se ha desvanecido—se ha afilado.
Ahora plenamente cobrada vida con la ayuda de la plataforma global de grabación Musiversal, «Anything Less Than More» llega a la meta como la versión que siempre debió ser: plenamente realizada, cargada de emoción y sonoramente poderosa.
Aunque el origen de la canción se remonta a un momento tranquilo y a una sola frase, su base se construyó años antes estudiando el oficio de los grandes compositores de rock de los 80 que dominaron el arte del himno. Inspirado por artistas como Bon Jovi, Def Leppard y Whitesnake, Stephen Paul desarrolló una profunda apreciación por la estructura, la melodía y el tipo de estribillos que no solo aterrizan, sino que te elevan y se quedan contigo. Esa influencia está entretejida en el ADN de «Anything Less Than More», donde la honestidad emocional se encuentra con una arquitectura de composición deliberada y probada por el tiempo.
Impulsada por guitarras potentes, una sección rítmica implacable y un estribillo diseñado para ser gritado desde el borde del escenario, la canción transforma el desamor en desafío. No se trata solo de amor perdido—se trata de estándares recuperados.
«No lo cambiaría por menos que más.»
Esa frase se convierte tanto en una confesión como en un grito de guerra.
Escrita por Stephen Paul, un compositor y novelista conocido por combinar narrativas emocionales con sensibilidades rockeras impulsadas por ganchos, la canción refleja una identidad creativa más amplia: una que trata la música no solo como entretenimiento, sino como una línea directa hacia algo real. Mientras muchas producciones modernas persiguen tendencias, D.D.R. apuesta por la melodía, la estructura y la claridad lírica, entregando canciones que parecen vividas más que fabricadas.
La producción es pulida pero dinámica, dejando espacio tanto para la contención como para la explosión. Desde su apertura medida hasta sus picos himnóticos, la canción se construye con propósito, culminando en un tramo final que canaliza la tensión hacia la liberación.
«Anything Less Than More» forma parte de un catálogo creciente de D.D.R. que explora el amor, la pérdida, la resiliencia y la identidad, siempre anclada por ganchos fuertes y un instinto para saber qué hacen que los momentos encajen.
D.D.R. es el proyecto musical del compositor y novelista Stephen Paul, que mezcla el rock de estadio inspirado en los años 80 con temas modernos y agudos estribillos líricos. Conocido por crear canciones que equilibran el humor, el desamor y la honestidad, D.D.R. ofrece música que conecta tanto a nivel emocional como visceral.
Con una audiencia internacional en crecimiento y un apoyo creciente de comisarios, emisoras de radio y plataformas independientes, D.D.R. sigue ganando impulso como una voz distintiva en el rock moderno.
