Pearl Jam.

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Lanzada en 1991 como parte del álbum debut de Pearl Jam, Ten, “Jeremy” es una de las canciones más impactantes del grunge, no solo por su intensidad musical sino por la tragedia real que la inspiró. La canción fue escrita por Eddie Vedder tras leer en el periódico Dallas Morning News la historia de Jeremy Wade Delle, un adolescente de 15 años de Richardson que se suicidó frente a su clase el 8 de enero de 1991.

Según recuerda el sitio SongFacts, el artículo relataba:

“Como había faltado a clase, la profesora de inglés del segundo periodo le dijo a Jeremy que consiguiera una autorización de entrada en la secretaría. En cambio, regresó con el arma, según la policía. Caminó directamente al frente del aula. ‘Señorita, ya conseguí lo que buscaba’, dijo, y luego se metió el cañón en la boca y disparó”.

Vedder, conmovido por la noticia, relacionó la historia de Delle con la de un antiguo compañero de escuela que también vivía en silencio su sufrimiento. De hecho, en una entrevista de 1991 con la periodista Karen Bliss, contó que el niño “se puso como loco y trajo una pistola a clase un día”. Sin embargo, le disparó a una pecera.

Esa mezcla de experiencias dio origen a esta canción que no tardó en convertirse en uno de los himnos de Pearl Jam en el que se abordan temas como la soledad, el abandono familiar y el acoso escolar, reflejando la incomunicación que sufren muchos jóvenes.

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                                                     Video de «Daydreaming» de Radiohead

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El videoclip es un género audiovisual que, con el paso de los años, se ha ido perfeccionando hasta llegar a parecerse cada vez más al cine. Lo que al principio solo fue una herramienta de promoción de las canciones, se transformó en una forma de expresar la conceptualidad de los artistas, transmitir un mensaje y darle una nueva vida a los temas.

Michael Jackson fue uno de los pioneros en la transformación del videoclip con su inolvidable “Thriller”. Además, muchos directores de cine comenzaron su carrera en el mundo musical. Es más, realizadores consagrados dejaron su huella en este tipo de formato.

A continuación, 5 videoclips icónicos dirigidos por famosos directores de cine.

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Radiohead – “Daydreaming”

El clip estrenado en 2016 está dirigido por Paul Thomas Anderson y protagonizado por Thom Yorke, quien va pasando por diferentes locaciones -exteriores e interiores- sin seguir una lógica más que la de los sueños: paisajes nevados, hogares, playas y clínicas.

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The White Stripes – “I Just Don’t Know What To Do With Myself”

Sofia Coppola es la responsable del icónico videoclip de 2003 en blanco y negro protagonizado por Kate Moss -ícono de la moda de los 90 y 00s-, quien hace una coreografía de pole dance en ropa interior.

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Madonna – “Vogue”

“Vogue” está dirigido por David Fincher y recrea la cultura ball nacida en el under neoyorquino en los 80.

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Michael Jackson – “Bad”

Martin Scorsese dirige este clip en el que Michael Jackson se muestra como parte de una pandilla que se enfrenta a otra en un estacionamiento a través de una estilizada coreografía con raíces urbanas.

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Fatboy Slim – “Weapon of Choice”

Spike Jonze dirige este videoclip icónico de los 2000, filmado en el lobby del Hotel Marriott International en Los Ángeles y protagonizado por Christopher Walken. El actor interpreta a un hombre aburrido que de pronto realiza una coreografía de jazz moderno y tap que lo lleva a volar por los aires.

Alice Cooper.

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Alice Cooper vuelve a hacer historia. Medio siglo después de su último disco junto a la formación original, el ícono del shock-rock anunció el lanzamiento de The Revenge of Alice Cooper, que marca el regreso oficial del grupo que revolucionó la escena del hard rock en los años 70. La noticia fue confirmada por el propio Cooper y por el productor Bob Ezrin, quien también estuvo al frente de los legendarios Killers, School’s Out y Billion Dollar Babies.

Cómo será el nuevo disco

El disco, compuesto por 14 canciones más dos bonus tracks, incluirá un remix de “Return of the Spiders”, tema del álbum Easy Action (1970). El primer adelanto, “Black Mamba” -que cuenta con la participación de Robby Krieger, guitarrista de The Doors-, se estrenará hoy, martes 22 de abril, a través del programa de radio Alice’s Attic.

El regreso se da con los miembros originales: Michael Bruce en guitarra, Dennis Dunaway en bajo y Neal Smith en batería. Según Cooper, la química entre ellos se mantiene intacta. “Fue muy parecido a como si este fuera nuestro siguiente álbum después de Muscle of Love. Simplemente dijimos: ‘OK, este es el próximo disco’. ¿No es gracioso después de 50 años? De repente, todo encaja perfectamente”, declaró a Billboard.

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Ezrin también destacó la energía que persiste entre los integrantes: “Ninguno ha cambiado mucho como persona. Cuando están juntos, es como si acabaran de salir del secundario y estuvieran colgados en el café del barrio. Vuelven a ser quienes eran cuando se conocieron… y hacen música como hace más de 50 años”.

Según explicaron, el álbum es fruto de una serie de reencuentros que se fueron dando con el tiempo. En 2011, los cuatro miembros vivos tocaron en la ceremonia de ingreso al Rock & Roll Hall of Fame, lo que propició nuevas colaboraciones en los discos solistas de Cooper y ocasionales presentaciones en vivo.

“Es más como una reunión familiar que un reencuentro artístico. Alice y Bob nos llamaron y dijeron: ‘Sí, queremos hacer un álbum’, porque había muchas canciones dando vueltas”, comentó Dunaway.

The Revenge of Alice Cooper:
01. Black Mamba
02. Wild Ones
03. Up All Night
04. Kill The Flies
05. One Night Stand
06. Blood On The Sun
07. Crap That Gets In The Way Of Your Dreams
08. Famous Face
09. Money Screams
10. What A Syd
11. Inter Galactic Vagabond Blues
12. What Happened To You
13. I Ain’t Done Wrong
14. See You On The Other Side
15. Return of the Spiders 2025 (bonus track)
16. Titanic Overunderture (bonus track)

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En la actualidad es difícil imaginar una película que no contenga canciones de rock si cuenta con música popular en su banda sonora. Sofia Coppola se animó a musicalizar con rock indie y alternativo su biopic de María Antonieta, mientras que películas como Trainspotting se volvieron de culto en parte gracias a su soundtrack rockero. Sin embargo, el rock no siempre fue parte del cine.

En sus comienzos, el cine no incluía música popular y mucho menos rock, ya que ni siquiera existía el género como tal. La primera aparición del rock en el cine fue en la década del 50 de la mano del film Semilla de maldad (1955), de Richard Brooks, protagonizado por Glenn Ford, Anne Francis, Louis Calhern y Margaret Hayes.

La sinopsis adelanta: “Un soldado veterano acepta un empleo como profesor en un conflictivo colegio público. Enseguida comprende que no será tarea fácil ganarse el respeto de los alumnos, algunos de los cuales son delincuentes en potencia. A pesar de que el ambiente es poco propicio, está decidido a trabajar duro para hacer de sus alumnos hombres de provecho”.

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Cuál fue la primera canción de rock que sonó

Como canción para los créditos iniciales, el director seleccionó “Rock Around the Clock”, compuesta en 1952 por Max C. Freedman y James E. Myers y grabada dos años después por Bill Haley & His Comets. Esta versión se hizo altamente conocida en el mundo y su espíritu rebelde se amalgamó de maravilla con el concepto de la película que versaba sobre el mundo juvenil.

Gracias a su aparición en el film, fue la primera canción de rock en lograr ser número 1 en las listas de Estados Unidos. Este hito musical y cinematográfico significó para muchos historiadores el nacimiento del rock and roll como género, aunque sus inicios puedan rastrearse en composiciones anteriores.

Blondie

Debbie Harry, la vocalista de Blondie, fue partícipe en la creación de varias canciones que marcaron el punk rock y el new wave. Sin embargo, considera que hay tres tracks de la banda que destacan sobre el resto. Dos de ellos son clásicos: “Heart of Glass” y “Rapture“, que siguen siendo emblemáticos. Y en tercer lugar, una joya más reciente: “Mother”, lanzada en 2011.

En diálogo con The Guardian, la cantante habló específicamente de este tema de Panic of Girls que representa una evolución significativa en el sonido de Blondie, ya que incorporó elementos electrónicos y una energía renovada.

“Las letras encajaron perfectamente y dijeron exactamente lo que quería expresar sobre los ‘niños de la noche’ que van a clubes y viven en un universo alternativo oscuro, alejado de su vida diaria“, comentó la también actriz.

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Por otro lado, en una charla con la revista Q, contó: “’Mother’ trata sobre un club en el Meatpacking District de Manhattan, que ahora está cerrado. Fue una parte importante de mi vida durante mucho tiempo. Tenían noches temáticas y yo me disfrazaba para ir a ver a gente divertida haciendo cosas raras”, sentenció.

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Iggy Pop

Iggy Pop, quien definió el caos elegante del proto-punk con su torso desnudo y su rugido salvaje, siempre tuvo una brújula especial y precisa para la reverencia musical. Las veces que ha versionado una canción, lo hizo insertando su propio ADN existencial.

Es por eso que a continuación repasamos tres grandes covers donde Pop no solo se destaca, sino que además sale victorioso.

The Who – “I Can’t Explain“

La versión de Iggy fue incluida en Avenue B (1999). Con un pulso lento y melancólico, su interpretación refleja a alguien que ya no grita para ser entendido, sino que acepta el malentendido.

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Richard Berry – “Louie Louie”

“Louie Louie”, himno del garage rock, se convierte en una exorcizada versión punk en manos de Iggy y The Stooges. Le arranca la inocencia fiestera y la transforma en descontrol puro.

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The Kinks – “You Really Got Me”

Iggy transforma el clásico de The Kinks en un ritual de invocación, con un filo sexual más explícito y cavernoso.

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Joy Division

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La historia de Joy Division no se cuenta en años, sino en grietas. Grietas que se abren en el asfalto de la Mánchester postindustrial de fines de los 70; grietas en la voz temblorosa de Ian Curtis, en su cuerpo bailando como si quisiera liberarse de sí mismo. En apenas tres años, la banda compuesta por Curtis, Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris no solo fundó las bases del post-punk, sino que definió un nuevo modo de exorcisar las inquietudes.

El nacimiento de Joy Division se da en pleno estallido punk, tras asistir a un show de los Sex Pistols en 1976. Mientras muchos replicaban la furia sin forma del género, ellos la volvían estructura, atmósfera y sombra.

Closer (1980), lanzado poco después del suicidio de Curtis, fue y sigue siendo un disco póstumo en todo sentido: es el sonido del final, hermoso y trágico. La muerte de Curtis, con apenas 23 años, cerró la historia de Joy Division de forma abrupta y definitiva. Pero lo que dejaron no se borró: su legado no solo empapó el sonido de la década de los 80, sino que se transformó en una estética.

“Disorder”

El punto de partida. Una batería frenética, un bajo como latido y la línea de apertura que lo dice todo: “I’ve been waiting for a guide to come and take me by the hand”.

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“She’s Lost Control”

Basada en una experiencia real de Curtis. El sonido metálico de la caja, el fraseo robótico, la pérdida de control físico y emocional: la canción suena como una crisis epiléptica convertida en mantra.

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“Atmosphere”

Cuerdas sintéticas, tambores fúnebres y la voz de Curtis como un susurro venido del más allá. Una canción para flotar.

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“Love Will Tear Us Apart”

El momento más accesible y al mismo tiempo más devastador. Un riff pop inmortal envuelve la confesión de un amor que ya no puede sostenerse. Paradójicamente, su mayor éxito fue también su epitafio.

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“Decades”

La despedida: un teclado lúgubre introduce un poema sobre juventud rota y ruinas interiores.