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Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

5 películas de terror que fueron nominadas a los Premios Oscar

Este año, los nominados a los Oscar sorprendieron al incluir dos películas de terror en la categoría de Mejor película: Sinners y FrankensteinEl cine de género no suele ser considerado por la Academia, por lo que esta inclusión resultó una verdadera novedad, aunque esperable si tenemos en cuenta que el cine de horror atraviesa uno de sus mejores momentos.

A lo largo de las 98 ediciones de los premios, solo un puñado de títulos de terror logró llegar a la nominación a Mejor película, y apenas uno de ellos consiguió quedarse con la estatuilla.

El exorcista

1973 – Dir. William Friedkin

En pleno Nuevo Hollywood, el terror vivió un gran renacimiento, y este film de corte religioso fue su máxima expresión. En los premios de la Academia obtuvo 10 nominaciones y ganó 2 estatuillas —Mejor sonido y Mejor guion adaptado—, pero su legado trascendió por completo la premiación. Hasta la actualidad sigue siendo considerada una de las obras más influyentes e importantes de la historia del cine de terror.

Tiburón

1975 – Dir. Steven Spielberg

En la década del 70, el cine de género vivió un fenómeno sin precedentes con Tiburón. No solo fue un éxito arrasador en taquilla, sino también una película ampliamente elogiada por la crítica. Gracias a su impacto, compitió por el Oscar a Mejor película y obtuvo tres estatuillas: Mejor sonido, Mejor banda sonora original —gracias al inolvidable trabajo de John Williams— y Mejor edición.

El silencio de los inocentes

1991 – Dir. Jonathan Demme

La película protagonizada por Anthony Hopkins es, hasta la fecha, la única cinta de terror que logró alzarse con el Oscar a Mejor película, además de obtener otras cuatro estatuillas. Si bien la historia del perspicaz caníbal se inscribe dentro del cine de género, lo cierto es que posee una fuerte base dramática y policial que parece haber encajado mejor en los estándares de la Academia.

Get Out

2017 – Dir. Jordan Peele

La ópera prima de Jordan Peele se inscribe dentro de la renovación contemporánea del terror y, gracias a su planteo de denuncia social y la potencia de su historia, llegó a competir por el Oscar a Mejor película, aunque finalmente obtuvo el premio a Mejor guion original. Esta película, que narra la historia de un hombre negro secuestrado por la familia de su novia blanca, también echa mano de elementos del thriller psicológico, lo que le permitió conectar con audiencias más amplias, incluso por fuera del público habitual del cine de género.

La sustancia

2024 – Dir. Coralie Fargeat

Esta no solo es una de las pocas películas de terror consideradas para la categoría de Mejor película en los Oscar, sino también la única del listado dirigida por una mujer. El film protagonizado por Demi Moore, que apuesta sin reservas al exceso y al body horror, fue ampliamente ignorado en la última edición de los premios: solo obtuvo el galardón a Mejor maquillaje y peinado.

Pasa a leer nuestra crítica de La sustancia: «El futuro llegó hace rato».

Jackass llega a su fin con la quinta película: qué dijo Johnny Knoxville

La franquicia Jackass anunció que llegará a su fin con el estreno de su quinta película, que se estrenará en cines el próximo 26 de junio. Johnny Knoxville, actor y cocreador del proyecto, confirmó que esta entrega será la última, poniendo cierre oficial a una aventura que comenzó hace más de 25 años.

En diálogo con la revista Rolling Stone, Knoxville explicó que siente que este es el mejor momento para despedirse del programa, que nació en el año 2000 como una serie de MTV. Tras tres exitosas temporadas, Jackass dio el salto al cine con varias películas que mantuvieron el mismo formato de retos extremos y bromas peligrosas que caracterizan al show desde sus inicios.

Jackass
Jackass. Foto: Paramount Pictures

Lo que se sabe sobre Jackass 5

Jackass 5 reunirá a varios integrantes originales, como Steve-O y Chris Pontius, además de algunos de los rostros que se incorporaron en entregas recientes. La película también incluirá material inédito de Bam MargeraSegún Knoxville, el film mantendrá el estilo característico de la franquicia, con acrobacias y situaciones de alto riesgo, aunque él mismo ya no podrá recibir golpes en la cabeza por recomendación médica. Aun así, adelantó que el equipo intentará completar una prueba que nunca antes habían logrado.

Aunque en ocasiones anteriores Knoxville había mencionado que otras películas serían las últimas, esta vez aseguró que la decisión es definitiva. Con Jackass 5, la franquicia pondrá fin a un fenómeno que se extendió por más de dos décadas, dejando un legado exitoso que, con el paso del tiempo, se transformó en un clásico del humor absurdo y bizarro.

Warner Bros. prepara la primera película de Game of Thrones

Warner Bros. confirmó el desarrollo de un largometraje basado en el universo de Game of Thrones, lo que marcaría el debut oficial de la franquicia en el cine. El proyecto, revelado a través de un perfil publicado por The Hollywood Reporter sobre el autor de la saga, George R.R. Martin, se centrará en la Conquista de Aegon: la campaña militar de Aegon I Targaryen para unificar los Siete Reinos bajo un solo estandarte.

Según trascendió, el guion estará a cargo de Beau Willimon, reconocido por su trabajo en las series House of Cards y Andor, lo que sitúa al proyecto en manos de alguien con amplia experiencia en narrativas políticas de gran complejidad.

El salto de Westeros al cine

Princesa Rhaenyra Targaryen y Príncipe Daemon Targaryen.
Princesa Rhaenyra Targaryen y Príncipe Daemon Targaryen. Foto: Twitter de HBO Latinoamérica.

También se informó que tanto HBO como el brazo cinematográfico de Warner presentarán versiones simultáneas de esta historia. Sin embargo, la pensada para el cine apunta a convertirse en una superproducción de alto presupuesto, con un despliegue visual descomunal y una narrativa que sus responsables comparan con Dune (2021).

La idea de trasladar la franquicia de GOT a la pantalla grande no es nueva. En 2013, los showrunners originales de la serie, David Benioff D.B. Weiss, ya habían propuesto cerrar el programa con una trilogía cinematográfica inspirada en el modelo de El señor de los anillos (2001), propuesta que fue rechazada en su momento por los ejecutivos de la cadena para no afectar el modelo de suscripciones a plataformas de streaming.

El anuncio llega además en medio de un contexto de transformación dentro de la industria, con negociaciones sobre una posible adquisición de Warner Bros. por parte de Paramount Skydance. El director ejecutivo de Paramount, David Ellison, declaró recientemente que Game of Thrones es su serie favorita de la cadena, comentario que muchos interpretaron como una señal de continuidad para la franquicia.

De concretarse, el filme sobre Aegon el Conquistador será el primer proyecto de la saga concebido exclusivamente para el cine. Mientras tanto, el universo de Game of Thrones continúa expandiéndose en televisión: La casa del dragón prepara su tercera temporada, mientras que El caballero de los siete reinos ya tiene confirmada una segunda entrega.

Scary Movie 6: qué películas va a parodiar y cuándo estrena

Scary Movie está de vuelta. Desde el estreno de Scary Movie 5 en 2013, la franquicia estaba en pausa. Ahora, más de 10 años después, el público está más que ansioso por conocer la propuesta de Scary Movie 6, el film que se estrenará a mediados de año y que aún no ha lanzado ningún tráiler oficial.

Las películas de terror que serán parodiadas

Si bien aún no se difundieron imágenes del film, el sitio Dread Central reveló cuáles serán algunos de los principales títulos contemporáneos que formarán parte de la nueva entrega. Y la selección apunta a éxitos recientes.

Entre ellos figura Sinners (2025), el musical de vampiros que se convirtió en la película más nominada en la historia de los Oscar. También aparecerá La hora de la desaparición (2025), uno de los films más celebrados del último año, cuya carga dramática y terrorífica promete material fértil para la parodia. No faltará tampoco el body horror de La sustancia (2024), así como fragmentos reconocibles de sagas populares como Un lugar tranquilo (2018) y Terrifier (2018).

La elección confirma que la nueva película, con dirección de Michael Tiddes, buscará dialogar con el terror más reciente y con fenómenos que el público tiene aún frescos en la memoria.

Scary Movie 3
Scary Movie 3. Foto: Dimension Films.

El regreso del elenco original y nuevas incorporaciones

En cuanto al reparto, la sexta entrega contará con el regreso de figuras históricas como Regina HallAnna FarisLochlyn MonroeDave SheridanCheri OteriChris Elliott y Jon Abrahams. Entre las nuevas incorporaciones se suman Damon Wayans Jr.Kim Wayans y Heidi Gardner, ampliando el universo cómico de la franquicia.

El film llegará a los cines el 12 de junio y el guionista Marlon Wayans adelantó a Entertainment Weekly que será una película “de igual oportunidad para ofender a todos». Y agregó: “Solo queremos hacer reír a todo el mundo, no nos importa si eres sensible. Incluso las personas sensibles necesitan reírse de sí mismas”.

Con su humor irreverente y espíritu provocadorScary Movie 6 busca recuperar la esencia que convirtió a la saga en uno de los fenómenos paródicos más taquilleros de los años 2000.

Los 6 mejores power trios de la historia

Hoy repasamos los mejores power trios de todos los tiempos, esos que marcaron épocas y cambiaron la música para siempre

Los 6 mejores power trios de la historia

The Police / Cream

Desde sus comienzos hace décadas atrás, el formato de trío conformado por guitarra, bajo y batería fue una de las fórmulas más concisas y potentes del rock. Aunque una mayor cantidad de instrumentos ofrece más posibilidades sonoras, reducirlos a únicamente tres obliga a cada intérprete a dar lo mejor de sí y que el sonido se mantenga compacto pero expansivo.

Las bandas que mejor supieron explotar esta estructura se convirtieron en referentes del cuarto arte, no solo por su virtuosismo individual, sino también por su química, presencia en vivo y capacidad de reinventar lo que un trío podía hacer. Por eso, hoy repasamos los mejores power trios de todos los tiempos, esos que marcaron épocas y cambiaron la música para siempre.

6. Motörhead

Formado en 1975 por Lemmy Kilmister (voz y bajo), Larry Wallis (guitarra) y Lucas Fox (batería), Motörhead fue, sin lugar a dudas, uno de los mejores power trios gracias a su estilo de hard rock brutal que anticipó el thrash metal. Su guitarra-bajo-batería se convirtió casi en sinónimo de velocidad, lo que volvió a la banda una referencia, especialmente después de que su mítico single “Ace of Spades” (1980) alcanzara altos puestos en Reino Unido.

5. The Police

Compuesto por Sting (voz y bajo), Andy Summers (guitarra) y Stewart Copeland (batería), The Police explotó desde finales de los 70 con una fusión de rock, reggae y new wave que asombró a propios y extraños. Su álbum Synchronicity (1983) fue número uno en múltiples países, y el sencillo “Every Breath You Take” se quedó con el Grammy de Canción del Año.

4. Rush

El trío canadiense formado por Geddy Lee (bajo y voz), Alex Lifeson (guitarra) y Neil Peart (batería) es uno de los mejores power trios por llevar el rock progresivo al mainstream. Con álbumes como 2112 (1976) y Moving Pictures (1981), Rush vendió millones de discos y se convirtió en uno de los nombres más respetados en la historia del rock.

3. Nirvana

Aunque su carrera fue relativamente breve, el conjunto formado por Kurt Cobain (voz y guitarra), Krist Novoselic (bajo) y Dave Grohl (batería) redefinió el rock de los 90. Sus letras introspectivas y sonido crudo dejaron una marca imborrable en el cuarto arte, especialmente tras la salida de Nevermind (1991), el LP que los llevó a estar en boca de todos. Su sencillo “Smells Like Teen Spirit” rompió barreras y la banda se convirtió en referente del grunge, vendiendo más de 30 millones de copias solo con ese álbum.

2. The Jimi Hendrix Experience

Formada en 1966 por Jimi Hendrix (guitarra y voz), Noel Redding (bajo) y Mitch Mitchell (batería), esta agrupación supo quedar en la historia gracias a innovación y sonido. En solo tres años publicaron trabajos fundamentales como Are You Experienced? (1967) y Electric Ladyland (1968). Su técnica, la experimentación con el feedback, wah-wah y efectos, los posicionó como pioneros del hard rock y de la psicodelia.

1. Cream

El conjunto británico formado por Eric Clapton (guitarra y voz), Jack Bruce (bajo y voz) y Ginger Baker (batería) no compartió demasiado tiempo (nació en 1966 y se separó en 1968, con breves reencuentros en 1993 y 2005), pero en ese corto lapso de tiempo marcaron historia. Su tercer álbum, Wheels of Fire (1968), fue el primer doble álbum de rock en alcanzar el estatus de platino, mientras que tracks como “Sunshine of Your Love”, “White Room” y “Crossroads” redefinieron lo que un trío podía lograr en términos de volumen, virtuosismo y presencia.

3 bandas fundamentales para entender el rap metal

La posmodernidad llegó con la fusión de los géneros en el mundo del arte, algo que también derivó -en muchos casos- en la extinción de los mismos. En lo que respecta a la música, a mitad del siglo XX los artistas comenzaron a experimentar mezclando sus influencias de diferentes géneros -algo en lo que The Beatles hicieron un aporte paradigmático- y así nacieron nuevas sonoridades.

A mediados de los 80 nació la fusión entre el heavy metal y el hip hop, que se conoce como rap metal. Muchas bandas comenzaron a tomar elementos de estos géneros musicales que pueden presentarse como totalmente opuestos y que derivan de tradiciones muy diferentes, pero que tuvieron un fuerte impacto en la cultura popular.

Un ejemplo de vanguardia fue «Sabotage» de Beastie Boys, que vio la luz en 1994 y explotó la cultura de los samples utilizando el famoso riff del tema homónimo de Black Sabbath y parte de su base de batería para rapear sobre ello.

Así, el rap metal tiene diferentes manifestaciones: puede contener una base melódica metalera e incluir una sección rapeada, o, en cambio, las bases pueden derivar del hip hop aunque la interpretación sea cercana al heavy metal. Por el momento de su explosión, muchas de estas bandas gozaron de popularidad gracias a la fuerte presencia en canales de televisión musicales como MTV.

3 bandas fundamentales del rap metal.

Limp Bizkit

La banda se formó en 1994 pero recién en 1999 lograría un éxito masivo. Fred Durst es el vocalista y compositor, y su estilo como cantante está más ligado al hip hop, aunque no escatima en guturales cuando la canción lo requiere. Su estética también responde al mundo urbano, pero la base de guitarras y rítmica proviene del metal. Entre sus canciones clave se cuentan «Break Stuff», «Nookie» y la versión de «Behind Blue Eyes» de The Who.

P.O.D. (Payable on Death)

La banda formada en 1992 tiene una fuerte impronta cristiana y su estilo navega entre el nu metal, el metal alternativo y el grunge, aunque la interpretación vocal suele contener rap. En hits como «Youth of the Nation», el ritmo varía de una base hiphopera a patrones metaleros. Además, combina solos de guitarra más cercanos al heavy pero una letra de denuncia rapeada.

Linkin Park

Las tres bandas mencionadas pueden enmarcarse tanto en el rap metal como en el nu metal y Linkin Park es, posiblemente, la más representativa de este último. Uno de sus recursos principales para lograr un sonido propio fue la inclusión de teclados -algo que los acercó más al metal sinfónico-, aunque el aspecto más característico era la convivencia del rapeo de Mike Shinoda y las melodías del fallecido Chester Bennington (ahora reemplazado por Emily Armstrong).

5 personajes del cine que traumaron a los millennials

Casi todos son villanos, algunos más sanguinarios que otros; algunos son sobrenaturales y otros, de carne y hueso. Pero los cinco personajes de películas que repasamos a continuación tienen en común el haber traumado a las audiencias milenial que, aún hoy, ya como adultos, recuerdan con escalofríos a cada uno de ellos.

Tronchatoro – Matilda

Si nos muestran una gran torta de chocolate, es muy probable que pensemos en la película Matilda y en la directora Tronchatoro, una mujer temeraria que les hace la vida imposible a los alumnos del colegio al que asiste la protagonista. A través de inteligentes planos en contrapicado, un peinado bien tirante y un uniforme con reminiscencias militares, se construyó este personaje que no necesita ser sobrenatural para provocar terror y trauma en los espectadores —y, ciertamente, en los personajes del film—.

El hombre pálido – El laberinto del fauno

En la película de Guillermo del Toro, vemos a una niña enfrentarse a un ser fantástico que le encomienda una difícil tarea y, además, le da una importante lección en un momento convulso de la historia de España. Del Toro es un verdadero maestro a la hora de diseñar criaturas y, con El hombre pálido —un hombre que tiene los ojos en las palmas de las manos—, realmente alcanzó su punto máximo, haciendo de esta figura una presencia inquietante incluso para quienes no vieron la película.

La otra madre – Coraline

Dicen que los ojos son la ventana del alma pero, tanto en el personaje antes citado como en el que abordamos ahora, esta parte del cuerpo resulta la más perturbadora. Este personaje, La otra madre, es uno de los villanos de la historia: busca encerrar a la niña protagonista y colocarle botones en los ojos, tal como los que ella tiene. Con solo ese detalle, el personaje se construye como profundamente traumático.

Lord Voldemort – Harry Potter

Para quienes leyeron los libros antes que las películas, Voldemort ya era un personaje temible y escalofriante, tanto por sus acciones como en lo conceptual. El apodado “El Innombrable” es un villano implacable, sin arrepentimientos y con la muerte como objetivo, y cuando la obra fue adaptada al cine, su estética fue inquietante. Encarnado por Ralph Fiennes, este personaje resulta tan traumático en el papel como en la pantalla.

Regan MacNeil – El exorcista

Regan MacNeil no azotó las pesadillas solo de los millennials, sino también de generaciones anteriores y posteriores. El personaje de la niña poseída traumó incluso a la propia actriz que la interpretó, Linda Blair, y también a las audiencias, que quedaron mucho más atormentadas por ella que por cualquier otra criatura del cine de terror.

La ley de Las Vegas: la nueva comedia animada para adultos que llegó a Netflix

Para los amantes de la animación para adultos, Netflix acaba de estrenar la serie La ley de Las Vegas. Se trata de una propuesta provocadora, de comedia ácida y un cóctel de referencias a la cultura popular que fascinará a quienes disfrutaron de programas como Rick and Morty y Bojack Horseman.

Creada por Cullen Crawford, la historia sigue a Lincoln Gumb, un abogado que ejerce en Las Vegas y se enfrenta a casos insólitos en un entorno que desafía cualquier lógica. El personaje cuenta con la voz de Adam Scott, conocido por su trabajo en Severance. Tras la muerte de su madre, una figura destacada en el ámbito legal local, Lincoln intenta sostener una ética rígida en un contexto que la pone a prueba.

Un dúo improbable en una ciudad desbordada

El contrapunto llega con Sheila Flambe, una maga callejera que acompaña al protagonista en sus aventuras. El personaje tiene la voz de Janelle James (Abbott Elementary). La dinámica entre ambos sostiene gran parte del tono de la serie: él intenta aplicar la ley con seriedad; ella aporta caos y desparpajo. El elenco se completa con las voces de Aimee García, Stephen Root, Keith David, Shannon Gisela, George Wallace, Paget Brewster, entre otros.

La ley de Las Vegas es una comedia sin miedo a la incorrección y Las Vegas funciona como el escenario perfecto para que un protagonista acartonado tenga que enfrentarse a las situaciones más insólitas y así también cambiar su punto de vista sobre el derecho vs. la realidad.

Recepción de la crítica

En lo que respecta al recibimiento por parte de la crítica, la recepción fue mayormente positiva. Desde Variety celebran el humor filoso: «La densidad de chistes de La ley de Las Vegas, tan poco frecuente en la televisión estos días, la hace enormemente simpática. También lo hacen las interpretaciones vocales«. Por otro lado, NME destacó que: «La comedia legal animada de Netflix es cruda, tonta y muy divertida». Desde el mismo medio le dieron cuatro estrellas sobre cinco y la recomendaron enfáticamente: «Merece la pena embarcarse por los inventivos lugares a los que llega el creador Cullen Crawford».

En IGN señalaron similitudes con Rick and Morty y hasta con Los Simpson: «La ley de Las Vegas es una serie que es consciente de sí misma como programa de televisión, que marca el ritmo mientras lo lanza todo contra la pared… y la mayor parte se queda pegado». Sin embargo, no todas las miradas fueron entusiastas. The Hollywood Reporter cuestionó que la serie prioriza las referencias por encima de la construcción narrativa. Con su mezcla de sátira legal cultura popLa ley de Las Vegas busca un lugar dentro del competitivo terreno de la animación para adultos.

Man on the Run llegó a Prime Video: qué dijo Paul McCartney sobre la película

Man on the Run, el documental sobre la gesta de Wings, llegó a Prime Video. Tras una larga espera, el film que narra el giro musical de Paul McCartney después de la ruptura de The Beatles ya se encuentra disponible en streaming.

La película, dirigida por Morgan Neville, presenta material de archivo —incluyendo registros y música inédita— en el que aparecen John Lennon, Ringo Starr, George Harrison, Mick Jagger y otras figuras de la música. A esto se suman entrevistas y los testimonios del propio McCartney sobre cómo, junto a su esposa Linda, formó una banda distinta que no tardó en irrumpir en la escena de la música popular como una de las más relevantes de los años 70. De hecho, el título del documental remite al tercer disco del grupo, Band on the Run.

La sinopsis oficial describe al film como “un retrato íntimo del recorrido de Paul McCartney tras The Beatles junto a su esposa Linda y Wings. El documental, dirigido por Morgan Neville, ganador del Óscar, explora la reinvención de McCartney a través de imágenes de archivo inéditas que capturan tanto las dificultades como los triunfos de su redefinición en una nueva era musical”.

Paul McCartney en Man on the Run. Foto: Prime Video

La reseña de McCartney sobre el documental

Por su parte, Paul McCartney inauguró ayer su cuenta en Letterboxd y, además de listar sus películas favoritas, publicó su propia reseña sobre el documental: “Es una locura; como si una etapa de mi vida pasara ante mis ojos. Es maravilloso porque está lleno de distintas emociones y facetas. Una de las cosas más importantes para mí es ver tanto a Linda, lo cual es genial para mí y para los niños”.

Lo cierto es que la película no solo exhibe el costado más talentoso y fascinante del músico nacido en Liverpool, sino también sus aspectos más cotidianos y menos rockeros. Aun así, él y el director decidieron mostrar su personalidad completa. “Hay partes que dan vergüenza ajena. Incluso le pregunté a Morgan Neville si deberíamos quitar algunas; como cuando cantaba ‘Mary Had a Little Lamb’ con una nariz roja y la banda llevaba trajes ridículos. Pensé que quizá no lo necesitábamos. Pero me dijo que no, que funcionaba, y que los altibajos hacían que el final pareciera más merecido. Creo que tiene razón”.

Como cierre de su opinión sobre Man on the Run, McCartney reflexionó: “En general, es un éxito. La gran pregunta después de The Beatles era: ¿cómo seguir con eso? ¿No te molestas? Y si lo intentás, ¿cómo? Creo que lo hicimos de una manera particularmente alocada, y eso es lo bueno de la película: muestra cómo lo logramos”.

A 30 años de Trainspotting: 5 razones por las que sigue siendo icónica

¿Qué hace que una película trascienda el paso del tiempo? A 30 años de su estreno, Trainspotting continúa siendo descubierta por nuevas generaciones, citada por cinéfilos y revisitada como una obra clave del cine de fin de siglo.

5 razones por las que Trainspotting sigue siendo icónica.

Los personajes

Se trata de una historia coral, en la que el protagonista es Mark Renton, un joven heroinómano interpretado por Ewan McGregor. Su vida se resume en pasar el tiempo sin ocupaciones —algo que se plasma en el concepto del título, que implica perder el tiempo mirando los trenes pasar— y también en la cofradía que tiene con sus amigos.

Sick BoySpud, Tommy y Begbie componen el elenco principal y cada uno de ellos representa un prototipo de los jóvenes hijos de la clase trabajadora de Edimburgo. El paso entre la adolescencia y la adultez, la hermandad que habilita el consumo y la idea de que serán todopoderosos por siempre son los pilares que sostienen a este grupo. Ese entramado coral también habilita el humor negro que equilibra las escenas más crudas.

La música

Si hay algo con lo que recordamos a Trainspotting instantáneamente, es con su banda sonora. El film cuenta con una recopilación de canciones de la época y otras en clave retro que cooperan en la construcción de una postura de los personajes ante la vida y el mundo. Blur, Iggy Pop, Brian Eno, Underworld, New Order y más integran este soundtrack en el que reina la música alternativa. La escena inicial con “Lust for Life” se convirtió en una de las aperturas más reconocibles del período.

La cultura de la época

La película se basa en la novela homónima de Irvine Welsh, publicada tres años antes del film, en 1993. Así, la historia se presenta como un reflejo de la cultura de drogas y anticapitalismo de los noventas y la realidad de los jóvenes sin una perspectiva hacia el futuro.

Por momentos, Trainspotting toma referencias directas e indirectas de La naranja mecánica (1971) para sumergirse en un mundo de padres automatizados o inexistentes y de jóvenes desenfrenados para quienes la vida no significaba nada. Un sentimiento propio del fin de milenio.

La innovación cinematográfica

Dirigida por Danny Boyle, la película logra atrapar al espectador desde el comienzo. Una de las razones es el frenetismo de la introducción, que se construye con un monólogo donde queda asentada la filosofía contra la que el protagonista se rebela. Este monólogo inicial de Renton establece el conflicto central mientras la cámara acompaña su huida por las calles de Edimburgo.

El montaje fragmentado, los recursos visuales y las secuencias que traducen la experiencia de la adicción al lenguaje cinematográfico marcaron tendencia. La propuesta estética influyó en buena parte del cine alternativo posterior.

El tono

El destino de casi todos los personajes es trágico: asistimos a sobredosismuertes traumáticas y abandono de la sociedad y la familia. Sin embargo, aun así, el director apela al humor negro y a escenas vitalizantes para el espectador.

Posiblemente sea este uno de los más grandes aciertos del film, aunque también es el que presenta una encrucijada: ¿es Trainspotting una romantización de las adicciones o una historia moralista sobre el uso de drogas? La ambigüedad es parte de toda su fuerza.