La Radio del Coach de la Birra
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Carlos Segura
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De Jimi Hendrix a Motörhead, repasamos los cuatro mejores covers de “Johnny B. Goode” de Chuck Berry.
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Pocas canciones en la historia del rock tienen el peso cultural de “Johnny B. Goode”, el clásico de Chuck Berry lanzado en 1958. Considerada fundacional dentro del género, la pista fue incluida incluso en el disco de oro de la sonda Voyager como representación de la música de la Tierra.
Desde su publicación, el track no solo se volvió un himno del rock & roll, sino que también se convirtió en uno de los más versionados y reverenciados por el impacto que supo tener en las generaciones que le siguieron a Berry. Por eso, hoy queremos contarte sobre cuatro de los mejores covers de “Johnny B. Goode”.
Jimi Hendrix
La versión de Jimi Hendrix aparece en varias grabaciones en vivo y ha sido publicada en discos post mortem. Hendrix se mantiene bastante fiel al tempo y estructura original de Berry, pero incorpora sus característicos solos extendidos, distorsiones y su estilo personal de guitarra al final, lo que le da una energía diferente.
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John Lennon con Yoko Ono & Chuck Berry
Durante el festival Toronto Rock & Roll Revival de septiembre de 1969, John Lennon, Yoko Ono y Chuck Berry se unieron para interpretar “Johnny B. Goode” como parte del set de la Plastic Ono Band. En esa presentación, el exBeatle asumió la voz principal con Berry acompañando.
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Grateful Dead & The Beach Boys
El 27 de abril de 1971 en el Fillmore East, Grateful Dead invitaron a The Beach Boys para una jam donde ambos tocaron “Johnny B. Goode” como parte del set. En esa versión en vivo, se mezclan lo improvisado característico de Jerry García y compañía con los coros vocales de los Beach Boys, lo que produce una versión bastante diferente a los covers más rockeros.
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Motörhead
La versión más agresiva de “Johnny B. Goode” llegó de la mano de Motörhead, quienes no dudaron ni un segundo en presentarle al mundo su cover del track en el programa The Late Night With David Letterman en 1991. Lemmy y compañía transformaron el clásico de Berry al acelerar el tempo y agregar guitarras más pesadas, así como una voz rasposa que poco tiene que ver con el tono juvenil y fresco del original
La producción revive los crímenes del hombre que inspiró a algunos de los personajes más aterradores del cine, como Norman Bates, Buffalo Bill y Leatherface.
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Monstruo: La historia de Ed Gein.
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Netflix vuelve a sumergirse en los rincones más oscuros de la mente humana con Monstruo: La historia de Ed Gein, la nueva serie producida por Ryan Murphy e Ian Brennan, el dúo responsable de Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer y Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menendez. La producción revive los crímenes del hombre que inspiró a algunos de los personajes más aterradores del cine, como Norman Bates, Buffalo Bill y Leatherface.
El actor Charlie Hunnam se pone en la piel del llamado «Carnicero de Plainfield», interpretando a un asesino rural cuya perturbadora vida dejó una huella indeleble en la cultura popular. “Tenés que tener una enorme cantidad de amor y empatía por el personaje que interpretás para poder habitarlo”, declaró el actor en una entrevista. «Porque, por más despreciables que hayan sido los actos de Ed, yo quería encontrar lo humano que había ahí dentro”.
A continuación, repasamos cinco datos reales sobre Ed Gein que inspiraron esta nueva producción de Netflix.
1. Tenía un vínculo enfermizo con su madre
Edward Theodore Gein nació en 1906 y creció en un entorno rural y profundamente religioso. Su madre, Augusta, ejerció sobre él una autoridad rígida y puritana que marcó su visión del mundo y su relación con la sexualidad. Esa educación represiva, combinada con el temprano aislamiento (la familia se trasladó a una granja en las afueras de Plainfield y Ed rara vez salía) favoreció la construcción de una dependencia emocional extrema hacia Augusta. Después de la muerte de ella en 1945, Gein selló muchas habitaciones de la casa como una suerte de santuario y empezó a exhibir conductas que hoy se interpretan como patologías asociadas a un duelo obsesivo y a desorganización afectiva.
2. Los asesinatos de Plainfield
El caso estalló públicamente en noviembre de 1957, cuando desapareció Bernice Worden, propietaria de una ferretería de Plainfield. La investigación dio un vuelco cuando su hijo encontró la tienda con la caja registradora abierta y manchas de sangre, y una pista llevó a la policía hasta la propiedad de Gein. El registro de la granja condujo al hallazgo del cuerpo mutilado de Worden y a una investigación que conectó a Gein con la desaparición, años antes, de Mary Hogan, una tabernera local. Gein terminó por confesar ambos homicidios y admitió además haber exhumado cadáveres para extraer piezas que luego manipulaba. La secuencia de desapariciones, la evidencia forense y la confesión fueron el eje de su detención y de la investigación que siguió.
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3. Escondía partes humanas en su casa
Cuando la policía registró la casa de Gein encontraron objetos que describieron como “confecciones” hechas a partir de restos humanos: cráneos reutilizados como recipientes, máscaras y prendas confeccionadas con piel, órganos conservados en frascos y objetos de uso doméstico fabricados con partes humanas. Estos hallazgos dieron cuenta de una morfología de actos (desentierros, necrofilia, confección de objetos) que explican por qué su caso fue excepcional y por qué provocó tanto horror como fascinación mediática. La naturaleza y la disposición de esos objetos también alimentaron las hipótesis sobre su estado mental y sus motivaciones simbólicas.
4. Murió internado en una institución de salud mental
Tras su arresto, Gein fue examinado por psiquiatras y en enero de 1958 fue internado en el Hospital Central Estatal de Waupun. A comienzos de la década de 1960 fue sometido a evaluaciones periódicas y, en 1968, fue considerado apto para juicio y declarado culpable del asesinato de Bernice Worden. Sin embargo, los tribunales también determinaron que no estaba en plena posesión de sus facultades al cometer el crimen, por lo que volvió a ser internado en instituciones psiquiátricas. Intentos posteriores de libertad condicional, como el de 1974, fueron rechazados. Pasó sus últimos años en centros de salud mental y murió en 1984 por complicaciones derivadas de un cáncer de pulmón. Su tumba en el cementerio de Plainfield fue objeto de actos vandálicos (incluida la sustracción de la lápida), lo que subraya el carácter casi mítico que adquirió su figura.
5. Inspiró películas: de Psicosis a La masacre de Texas
Los relatos sobre su caso influyeron de forma decisiva en la ficción de terror del siglo XX. Escritores y cineastas tomaron elementos concretos -desde el aislamiento y la relación con la madre hasta las «máscaras» o los hallazgos macabros- para construir personajes que quedaron en la memoria de la cultura popular: Norman Batesen Psicosis, Leatherface en La masacre de Texas y rasgos de Buffalo Bill en El silencio de los inocentes. Además de adaptaciones y films directamente sobre su vida (como Deranged o Ed Gein: The Butcher of Plainfield), su figura continúa reapareciendo en series y documentales contemporáneos.
Dwayne Johnson ha estado recibiendo grandes comentarios por su desempeño dramático en la cinta de Benny Safdie.
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Entramos con todo en los últimos tres meses del año, y el cine se prepara para entregar algunas de las producciones más esperadas por los amantes del séptimo arte. Una de ellas, The Smashing Machine, que tiene brillando al mismísimo Dwayne Johnson.
Producida por A24 y dirigida por Benny Safdie, la película tiene a «La Roca» interpretando a Mark Kerr, campeón de artes marciales mixtas y UFC, un papel que ha generado gran expectación sobre su figura, considerando las producciones que suele protagonizar.
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Quizás por primera vez en su carrera, Johnson se alejó de las producciones relajadas, para probarse a sí mismo en una actuación dramática que ya está consiguiendo muy buenas críticas.
El soundtrack de «The Smashing Machine»
Así, tras estrenarse en festivales, el filme finalmente comenzó a tener su estreno masivo, revelando otros detalles de ella, como la banda sonora.
Es cierto que en una película lo más importante son la historia y las actuaciones, pero hay largometrajes que se han quedado en la retina de los cinéfilos solo por la música que acompaña a las escenas. Es por eso que The Smashing Machine ha reunido a una variedad de artistas en la suya.
La lista de temas en cuestión la lidera las leyendas Bruce Sprinsgteen y Rod Stewart; sin embargo, hay para otros gustos. Revísala completa a continuación.
The Smashing Machine llega a los cines chilenos el 16 de octubre.
JPG and Sereia – «Vem (Nick Layne Club Mix)»
Daniel Barross & Fabio Pelosi – «Tropical Dream»
Masayoshi Takanaka – «You Can Never Come To This Place»
Sublime – «Santeria»
Sugar Ray – «Every Morning»
Faith Hill – «This Kiss»
12 Fingers – «Sarara (Krauze Mix)» (ft. Viviane Cruz)
Lil Suzy – «Take Me In Your Arms»
Jack Clement – «When I Dream»
Rod Stewart – «Rhythm Of My Heart»
BIlly Swan – «Don’t Be Cruel»
Jon Secada – «Just Another Day»
Squeeze – «Tempted»
Brian McKnight – «Back At One»
Witch – «Home Town»
Melanie – «Beautiful People»
B’z – «Konya Tsukino Mieru Okani»
Tomoyasu Hotei – «Kimigayo»
Nala Sinephro – «The Star-Spangled Banner»
Robert Lester Folsom – «My Stove’s On Fire»
Hadda Brooks – «That’s My Desire»
Bruce Springsteen – «Jungleland»
The Cleaners From Venus – «Corridor Of Dreams»
Timi Yuro – «Make The World Go Away»
The Alan Parsons Project – «Limelight»
Revisa el trailer extendido y cuándo puedes ver el nuevo material audiovisual sobre el fallecido Ozzy Osbourne, que llega al streaming.
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El fallecimiento de Ozzy Osbourne ha sido una dura pérdida para muchos, pero los fanáticos han encontrado algo de consuelo en difrente material que audiovisual sobre el músico. Ese es el caso de un nuevo documental de Paramount.
Titulado Ozzy: No Escape From Now es una producción que explora los últimos años de vida del «Príncipe de las Tinieblas», en torno a su parkinson y dolencias físicas en general.
«Ozzy Osbourne se enfrenta a su identidad y a su mortalidad tras el fin de su mundo. Lidiando con problemas de salud y párkinson, se pregunta si podrá volver a actuar mientras la música siga siendo el pilar de su vida», menciona IMDB como reseña oficial.
Dirigido por Tania Alexander, reconocida con premios BAFTA, la producción estaba en desarrollo mientras el músico seguía vivo. Sin embargo, nadie imaginó que moriría y al final la película terminaría siendo un homenaje póstumo.
Además de Ozzy, el largometraje involucró a su familia que lo acompañó durante todo este tiempo en su enfermedad: Sharon, su esposa y manager; y sus hijos Jack, Kelly y Aimee. Los tres aparecen en la cinta.
Por otro lado, también contiene atractivas apariciones de grandes nombres del rock, como Slash, James Hetfield, Duff McKagan, Rob Trujillo, Billy Idol o Chad Smith, que contextualizan la estima artística que Ozzy generaba y refuerzan su influencia global.
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¿Dónde ver el documental sobre Ozzy?
Hay que recordar que este no será el único documental en estrenarse pronto. Sharon & Ozzy Osbourne: Coming Home, de la BBC, iba a estrenarse el pasado 18 de agosto, pero con la muerte del cantante, lo retiraron de la programación y llegó este 2 de octubre a las plataformas de la cadena británica.
Ozzy: No Escape From Now, el documental de Paramount, se estrenará a nivel mundial este 7 de octubre. Revisa el trailer extendido a continuación.
Ozzy: No Escape From Now, el documental de Paramount, se estrenará a nivel mundial este 7 de octubre. Revisa el trailer extendido a continuación.
Grabado en las oficinas de NPR durante el Mes de la Herencia Hispana, el especial combinó humor, crítica social y guiños culturales.
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Después de anunciarlo por redes sociales hace algunas semanas, finalmente 31 Minutos presentó su propio Tiny Desk Concert grabado en las ya icónicas oficinas de NPR, en el marco del Mes de la Herencia Hispana. El especial, de poco más de 20 minutos, combina humor, crítica social y guiños culturales que pasaron inadvertidos para muchos.
El concierto reunió a los personajes más queridos de la serie chilena: Tulio Triviño, Juan Carlos Bodoque, Patana, Mario Hugo, Juanín Juan Harry y Guaripolo, junto a una sólida banda integrada por Pedropiedra, Felipe y Pablo Ilabaca, “Toño” Corvalán, Marcelo Wilson y la comediante Jani Dueñas, bajo la dirección de los creadores del show, Pedro Peirano y Álvaro Díaz.
Desde el inicio, con los clásicos “Equilibrio espiritual” y “Baila sin cesar”, el Tiny Desk de 31 Minutos se presentó como un homenaje tanto a su público latinoamericano como a la cultura pop chilena. Pero más allá de la música, el episodio estuvo lleno de referencias ocultas y comentarios ácidos disfrazados de humor.
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Los guiños y las referencias del Tiny Desk de 31 minutos
Tulio abrió la sesión con la siguiente broma: «Esta es la primera vez en Washington D.C. de 31 Minutos, que es el tiempo en que expiran nuestras visas de trabajo”, haciendo referencia a las políticas migratorias estadounidenses. Durante “Objeción denegada”, se coló una línea inédita: “Alza la mano si se te venció la Waiver, alza la mano si eres ilegal”, otra crítica cómica pero directa a la situación de los migrantes latinos.
Entre canción y canción, el show también rindió tributo a distintos fenómenos de la cultura popular global. Hubo menciones al “Chamaquito del buen abogao”, apariciones del Niño Poeta con su melancólico “no sé por qué lo hago”, y hasta un breve homenaje musical a Los Prisioneros, emblema del rock político chileno. Además, uno de los arreglos musicales incluyó un guiño al tema principal de Better Call Saul.
«En partes educativo y simplemente absurdo, el programa de títeres chileno @31minutos realiza su primer viaje a Estados Unidos para convertir el Tiny Desk en un verdadero patio de juegos», anticipa un mensaje que acompaña a la presentación de la sesión.
31 Minutos en el Tini Desk
31 Minutos en el Tini Desk
31 Minutos debutó este lunes 6 de octubre en el canal de YouTube de NPR Music, marcando su primera presentación en Estados Unidos dentro del ciclo “El Tiny Takeover”, dedicado a celebrar el Mes de la Música Latina. Con una puesta en escena cargada de humor y música en vivo, el grupo liderado por Álvaro Díaz y Pedro Peirano transformó la emblemática oficina-estudio de NPR en Washington D. C. en un verdadero set de Titirilquén.
Entre solos de guitarra envueltos en neblina y coros que mezclaron rock y ternura, los personajes —Tulio Triviño, Juan Carlos Bodoque, Patana y compañía— ofrecieron un show “impactante” y que inscribe al icónico noticiario de títeres chileno se suma a la lista de artistas nacionales que han pasado por las célebres sesiones acústicas de NPR, como Mon Laferte, Ana Tijoux y Rubio. La llegada de 31 minutos al Tiny Desk marca un nuevo hito para el programa que, desde su estreno hace más de dos décadas, ha logrado trascender fronteras y generaciones con su irreverencia, crítica social y humor absurdo. Hasta el momento, a una hora de su estreno, el registro supera las 2.500.000 visitas.
Simmons ha participado en múltiples producciones de Hollywood, algunas de mayor y otras de menor éxito.
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Gene Simmons es una de las figuras más grandes de la música. Su creatividad, virtuosismo y carisma en Kiss lo consolidaron como un músico respetado y sinónimo de entretenimiento. Será por eso que también incursionó en el mundo de la actuación.
Como muchas bandas exitosas, Kiss tuvo su propia película, Kiss contra los fantasmas de 1978, la cual marcó la primera aparición en cine de Simmons, aunque no sería la última. Desde los años 80 hasta la actualidad, el compositor ha participado en múltiples producciones de Hollywood, algunas de mayor y otras de menor éxito.
3 películas en las que actúaGene Simmons.
Fuera de control
1984 – Dir. Michael Crichton
“En un futuro cercano, un agente especializado en robots disfuncionales descubre un complot homicida del que su hijo se convierte en objetivo”, reza la sinopsis sobre esta película de ciencia ficción que, si bien no ha sido valorada positivamente, muestra a Simmons en una escena más que desopilante.
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La fuerza del amor
2009 – Dir. Mike Judge
En esta película, el músico comparte elenco con grandes figuras como Ben Affleck, Mila Kunis, Jason Bateman y J.K. Simmons. En esta comedia romántica, Simmons tiene un papel secundario e interpreta a un abogado llamado Joe Adler. La sinopsis adelanta: “Joel, propietario de una empresa de perfumería, trata de enfrentarse a un cúmulo de problemas personales y profesionales, como empleados que intentan aprovecharse de él o su mujer, que posiblemente le es infiel”.
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¿Por qué él?
2016 – Dir. John Hamburg
Simmons tiene una fuerte inclinación hacia la comedia y así lo demuestra en una de las películas más recientes en las que participó. En este caso, se interpreta a sí mismo, e incluso comparte elenco con Paul Stanley. El film está protagonizado por Bryan Cranston y James Franco, y la sinopsis adelanta: “Una reunión familiar toma un giro inesperado cuando Ned Fleming se da cuenta de que el novio millonario de su hija está a punto de pedirle su mano en matrimonio”.
Dave Mustaine y compañía oficializaron en agosto pasado la publicación de un disco final, así como una gira mundial de despedida.
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Megadeth comienza a decir adiós como banda, a través de la publicación de «Tipping Point», el primer sencillo del último disco que planean publicar.
En agosto pasado, Dave Mustaine y compañía oficializaron que lanzaron un álbum de estudio final, seguido de una gira mundial de despedida.
“Hay tantos músicos que han llegado al final de su carrera, ya sea accidental o intencionalmente. La mayoría no logran despedirse en sus propios términos, y en esa situación me encuentro ahora mismo», comentó en ese entonces el líder y frontman del grupo.
“Estamos deseando que escuchen este álbum y nos vean de gira”, continuó. “Si alguna vez hubo un momento perfecto para lanzar un nuevo álbum, es ahora. Si alguna vez hubo un momento perfecto para dar la vuelta al mundo, es ahora. Este también es el momento perfecto para anunciarles que es nuestro último álbum de estudio. Hemos hecho muchos amigos a lo largo de los años y espero verlos a todos en nuestra gira mundial de despedida.
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Lo nuevo de Megadeth
Así, los íconos del thrash metal finalmente han compartido el primer adelanto del próximo LP homónimo, junto a un videoclip que muestra al cantante encerrado en una prisión mientras la banda toca junto a él, antes de escapar y alcanzar la libertad.
Sobre el track, Mustaine explicó: “Todos tenemos diferentes ‘puntos de inflexión’ y pueden variar de un día para otro. Creo que todos estamos al límite ahora mismo, y es fácil dejarse llevar por esa sensación. Pero es importante no dejarse vencer por las circunstancias”.
El álbum llega después de que Mustaine confirmara a finales del año pasado que había estado en el estudio trabajando en la continuación de ‘The Sick, The Dying and the Dead!’ de 2022.
Por otro parte, hasta el momento las fechas de la gira de despedida no han sido anunciadas.
La película protagonizada por Jack Black se estrenó en cines el 03 de octubre de 2003 y sigue resonando como un canto subversivo y sincero: más que un musical cómico, es una fábula de libertad creativa y conexión humana.
Cuando «School of Rock» se estrenó en octubre de 2003, pocos imaginaron que se convertiría en una película de culto. Dirigida por Richard Linklater y protagonizada por Jack Black como Dewey Finn, rompió los moldes del cine infantil y musical. Con humor y ternura mostró una idea poco común: enseñar no desde la rigidez, sino desde la pasión. 23 años después, la película sigue vigente, sin depender de modas pasajeras.
Desde el inicio, «School of Rock» apostó por la autenticidad. El guion de Mike White eligió a niños que realmente sabían tocar instrumentos, no solo actuar, lo que generó una química real con Black. Esa decisión fue clave: pocas comedias con niños se arriesgan a priorizar el talento musical, pero justo ahí estuvo gran parte de su encanto. Jack Black explicó que su personaje recuerda a figuras despreocupadas como Falstaff de Shakespeare, porque Dewey Finn es irreverente, exagerado y a la vez vulnerable. Esa mezcla de ego y nobleza marca el corazón de la historia: un impostor que termina convertido en líder y mentor.
La película también se alejó de la comedia típica de su época: evitó burlas groseras y clichés sexistas, apostando por un relato con corazón. Mientras muchas cintas familiares de los 2000 usaban chistes fáciles o estereotipos, «School of Rock» encontró su fuerza en lo colectivo. Un momento clave es cuando Dewey anima al tímido Lawrence, el tecladista, con un simple “tú perteneces al grupo, eres genial”, mostrando que su sueño rockero era inclusivo.
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El origen del proyecto también es interesante: White se inspiró en The Langley Schools Music Project, donde coros infantiles versionaban clásicos del rock y el pop con inocencia. Esa esencia está en la película, que mezcla himnos del rock con canciones originales de la banda ficticia. Incluso, para usar “Immigrant Song” de Led Zeppelin en la escena final, se grabó un video con Jack Black pidiéndole al grupo su permiso, que al final fue concedido. Esa secuencia resume bien una de las virtudes de la película: mostrar el arte como un acto de fe. La música en School of Rock no es solo espectáculo, sino un medio para expresarse y unirse. Para muchos millennials, fue la puerta de entrada a formar su propia banda con la idea de que el rock no era solo cosa de estrellas.
¿Y qué pasó con la “clase” de Dewey en estos años? El legado también está en su elenco infantil, que sigue conectado. En 2023, Jack Black anunció una reunión por los 20 años del estreno, invitando a sus antiguos alumnos a tocar y celebrar juntos. Algunos siguieron en el mundo del espectáculo, como Miranda Cosgrove con iCarly, mientras otros tomaron caminos distintos. Tristemente, Kevin Clark —Freddy en la película— murió en 2021 en un accidente, una pérdida muy sentida por sus compañeros y fans.
El éxito del filme también se reflejó en adaptaciones posteriores. En 2015 llegó la versión teatral con música de Andrew Lloyd Webber y entre 2016 y 2018 Nickelodeon produjo una serie basada en la historia. Ambas mantuvieron el espíritu del original: la música como vínculo y motor de cambio. De cara al futuro, Jack Black ha dicho que estaría dispuesto a volver como Dewey si Mike White escribe una secuela, incluso bromeando con un título: «School of Rock 2: Electric Boogaloo». Aunque no hay nada confirmado, la idea sigue viva.
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Volver a ver «School of Rock» hoy muestra que su fuerza no está en la nostalgia, sino en su honestidad. La película no teme ser torpe, ruidosa y emocionalmente caótica, y ahí radica su valor. En un cine cada vez más pulido, aquí se celebra el desorden creativo, los errores con buenas intenciones y la osadía de subir al escenario aunque no seamos perfectos.
23 años después, Dewey Finn sigue siendo un maestro improbable, molesto y entrañable. La película recuerda que educar también es contagiar entusiasmo, que la música no brilla solo en el virtuosismo sino en la unión, y que los sueños, aunque parezcan imposibles, merecen intentarse. Ese es su mayor legado: no solo enseñarnos a rockear, sino a creer en nosotros mismos cuando nadie más lo hace.
Bastion Rose lanzará su nuevo sencillo, «Atlas Slumbers», antes del lanzamiento de su álbum debut Traces of Gold
BLOOMINGTON, IN – La banda de hard rock Bastion Rose está lista para lanzar su nuevo sencillo, «Atlas Slumbers», el viernes 3 de octubre. La nueva y poderosa canción servirá como vista previa antes del muy esperado lanzamiento de su álbum debut de larga duración, Traces of Gold, que estará disponible en todas partes el viernes 7 de noviembre. Tanto el álbum como el sencillo fueron producidos por el tres veces ganador del Grammy David Bottrill (Tool, Rush, Godsmack, Mastodon, Coheed y Cambria, Muse).
“»Atlas Slumbers» aborda un concepto profundo, reimaginando el mito griego de Atlas. La narrativa de la canción sigue a un Atlas cansado mientras toma la decisión final de abandonar su carga y dejar que el mundo se caiga. La letra explora la lucha de cargar con un peso inmenso y la liberación final que se encuentra al dejar ir. Con riffs poderosos y una construcción catártica, la canción es una mezcla convincente de los ángeles más oscuros del rock clásico y la intensidad moderna del post-grunge y el metal.
Traces of Gold es un testimonio de resiliencia, transformando la adversidad personal en una experiencia musical poderosa, auténtica y cargada de emociones. El álbum se basa en el éxito del EP debut de la banda, Fade to Blue, que ha obtenido más de un millón de reproducciones, así como en los sencillos lanzados anteriormente del álbum, «Humble Me», «Cinnamon Fire» y «Garden of Stone».
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Más allá de la música, Bastion Rose crea cortometrajes profesionales y conceptuales para todos sus videos, explorando temas de amor y miedo, caos y seducción, y vida y muerte.
Acerca de Bastion Rose
Con sede en Bloomington, Indiana, Bastion Rose es una banda de hard rock cuyo sonido combina el lado más oscuro del rock clásico con el poder crudo y emocional del post-grunge. La banda es una fuerza creativa en ascenso, conocida por sus poderosos riffs, musicalidad dinámica y seguidores dedicados en las redes sociales, así como por sus más de 50,000 suscriptores en YouTube. Su música, elogiada por su energía cruda y su profunda profundidad emocional, es un testimonio de su visión artística única.
“En la canción me gusta mencionar aspectos de la historia: hay historias terribles y a la vez siempre una esperanza de que algo cambie”, explicó la artista mexicana.
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Esta semana, Natalia Lafourcade nos comparte un nueva incursión —que resulta bastante inesperada tomando en cuenta el rumbo de sus últimos discos— entre los géneros del rap y el spoken word (traducida en español como “palabra hablada”) para inaugurar un nuevo sencillo, titulado ‘La Cometierra’. Esta poderosa dirección que emprende, donde se aleja considerablemente de su zona de confort ligada con géneros más tradicionales, marca un nuevo capítulo en su trayectoria musical; colaborando junto al productor Cheche Alara y con Michael H. Brauer, quien realizó la mezcla.
Con ‘La Cometierra’, Lafourcade presenta el tema principal de la nueva serie original de Prime Video, cuya historia toma inspiración de la novela homónima de la autora argentina Dolores Reyes. Durante la serie, se retrata a un grupo de niños en México, marcados por la violencia machista y las desapariciones presentes en la sociedad. Sin embargo, en un día cualquiera, descubren dones sobrenaturales en una de las niñas, la cual utilizan como herramienta para sanar y una forma de resistir.
“En la canción me gusta mencionar aspectos de la historia y crear un puente con las realidades que hoy en día vivimos y miramos, mismas que desde hace muchos años nos generan frustración y quiebres profundos en nuestros tejidos sociales”, comparte Natalia en un comunicado de prensa. “Me gusta que en esta historia se aborda la fuerza de un poder, un don que en el proceso de abrazarlo e integrarlo a su vida, la protagonista logra ayudar a muchas personas. Hay historias terribles y a la vez siempre una esperanza de que algo cambie”.
El tema fue realizado en colaboración directa con la guionista de la serie, Mónica Herrera. Y, también, fue trabajado en conjunto de Elier Contreras, programador y cocreador del mundo sonoro —además del reconocido Cheche Alara.
“Siento que la canción resalta la importancia de hacer la conexión con nuestras causas y dones para poder aportar algo positivo al mundo en que vivimos. Habla de valores, habla de realidades y de la fuerza interna. De cuidar nuestras comunidades y fortalecer la tribu. En lo personal comulgo con este tipo de valores. Sembrar nuestra semilla y cuidar sus raíces. Es un mensaje importante en estos tiempos. El sernos leales, el respetarnos y respetar la vida”, continúa la artista mexicana.
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Concluye: “Me gusta habitar una voz que relata la historia que se cuenta en primera persona y a la vez se amolda a cualquier historia. Al final yo me siento identificada con ‘La Cometierra’ y espero muchos encuentren este reflejo. Quise acompañar esta historia desde la mirada urbana y moderna sin perder la esencia de mi mundo, pero sabiendo que estoy al servicio de esta historia y lo que los personajes van transitando en cada etapa”.
La artista latinoamericana más premiada de la historia de los Latin Grammy —obteniendo 8 nominaciones por su último proyecto Cancionera— inauguró su gira por México, Europa, Estados Unidos y Canadá en el mes de abril de este año. Lafourcade volverá a presentarse en el Auditorio Nacional de México el próximo 7 de octubre.
Conciertos próximos en Latinoamérica:
15 de mayo en Movistar Arena, Bogotá
19 de mayo en Anfiteatro Parque de la Exposición, Lima
22 de mayo en Movistar Arena, Santiago
26 de mayo en Auditorio Nacional Adela Reta, Montevideo
