Green Day.

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El punk fue el estallido que rompió con la monotonía musical de los 70. Rechazó las largas improvisaciones y la pomposidad conceptual, defendiendo canciones cortas, directas y cargadas de energía. Su esencia no era seguir reglas sino desafiar las existentes.

A pesar de su postura anti prog-rock, los punks abrazaron influencias inesperadas. Johnny Rotten admiraba a Peter Hammill y The Damned trabajó con Pink Floyd. El post-punk, por su parte, bebió del krautrock y de sonidos cósmicos como Hawkwind, expandiendo la paleta del movimiento.

Hoy, el punk vive en rincones tan diversos como el rap de Chicago, el psychobilly, el ska o el post-punk británico, manteniendo su espíritu transgresor y su constante reinvención. A lo largo de los años, el género adoptó la forma básica del instrumental y cientos de bandas incorporaron este tipo de composiciones en sus discos. A continuación, 5 ejemplos.

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“Amphetanarchy” – Viagra Boys

Una explosión de energía cruda y desinhibida, con el estilo clásico de los Viagra Boys, donde el bajo y el saxo son los protagonistas.

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“Last Ride In” – Green Day

“Last Ride In” se aleja de la típica estructura de canciones de Green Day, con percusiones y timbales al frente, arreglos de cuerdas y un ritmo irresistible.

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“2:52” – Fuel

Fuel fue una banda de punk/post-hardcore melódico de Bay Area a finales de los 80 y principios de los 90. Su primer y único disco fue Monuments to Excess, que contiene “2:52”, un corte instrumental que encapsula toda la energía del conjunto californiano.

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“Mokini” – Boom Boom Kid

“Mokini” aparece como un interludio a mitad de El disco del verano. Nekro silba y tose sobre un bajo corpulento y saturado, mientras la batería lo sigue, acelerando, pero sin llegar a explotar en ningún momento.

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“Reel Ten” – The Plugz

“Reel Teen” es la canción encargada de cerrar Repo Man, la película de Alex Cox estrenada en 1984. Con guitarras melancólicas y coros emotivos, el conjunto captura perfectamente la brillantez peculiar del film de culto.

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Funkadelic. Foto: Bruce W. Talamon.

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Es curioso que uno de los géneros más festivos dentro del amplio espectro del rock y sus fusiones se llame funk. Sin embargo, el término elegido para categorizarlo tiene origenes y significados muy diferentes al espíritu que subyace en su música. De hecho, el significado de diccionario de “funk” es canguelo, temor, miedo. En el siglo XVI y hasta comienzos del XX, se utilizaba para describir a un “olor nauseabundo” provocado, puntualmente, por un mal aroma derivado del tabaco.

En el mismo sentido, durante la primera mitad del siglo XX, el adjetivo “funky” pasó a identificar los locales desagradables y malolientes. Por caso: uno de los más afamados de Nueva Orleans, donde solía tocar Buddy Bolden -uno de los pioneros del jazz- a comienzos de 1900, se llamaba Funky Butt Hall.

A partir de 1950, se empezó a utilizar el término para describir a un tipo de jazz -el funky jazz-, y desde finales de los 60 tomó ya el significado que hoy conocemos: líneas de bajo al frente, con mucho groove, slapping, popping, ritmos sincopados, cortes, fraseos con instrumentos de vientos al unísono y guitarras rítmicas en semicorcheas.

Con todo, tanto para quienes incursionar en el género, aquellos que estén ávidos de incorporar nuevos descubrimientos, o para los que están avezados en la materia y busquen debatir sobre arbitrariedades, en Indie Hoy elegimos estos 10 discos de funk esenciales.

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Sly & The Family Stone – Stand!

1969 – Epic Records

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Sly & The Family Stone fue una de las bandas más originales de la historia más allá del funk. Su formación clásica integraba miembros blancos y negros por igual, y mujeres en misma cantidad que hombres. Su bajista, Larry Graham, fue el creador del “thumpin’ and pluckin’”, técnica mejor conocida como slapping. La irrupción de la banda comandada por Sylvester Stewart en el festival de Woodstock en 1969 dejó sorprendidos a productores, colegas y el público. Ese mismo año publicaron Stand!, su tercer disco y el más popular de Sly y compañía, con más de 3 millones de copias vendidas. Aunque no por eso es esencial: se sostiene por su versatilidad, su psicodelia, sus melodías expresadas en canciones como “Stand!“,“ I Want to Take Your Higher“ y “Everyday People“.

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Tower of Power – Tower of Power

1973 – Warner Bros. Records

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El homónimo de Tower of Power es un disco con mucho funk y del bueno: muy preciso para quienes se están iniciando en el género. No obstante, hay algo de lugar para el soul y alguna balada de medio tiempo, además de melodías atractivas, sostenidas de manera brillante por su cantante Lenny Williams. También se destacan el ritmo sincopado de su baterista David Garibaldi y el saxo barítono tan personal de Emilio Castillo. Un dato de color es que a Luis Miguel le gustaba mucho Tower Power en su adolescencia. El mexicano incluso reclutaría a los saxofonistas Stephen Kupka y Emilio Castillo para grabar “Qué nivel de mujer“, basada en su tema “Attitude Dance” del disco Monster of a Leash (1991).

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Earth, Wind & Fire – The Best of Earth, Wind & Fire Vol. 1

1978 – ARC/Columbia Records

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Si bien es un compilado, The Best of Earth, Wind & Fire Vol. 1 amerita su inclusión por varios motivos. En principio, porque la banda comandada por Maurice White y compañía no es puramente funk, y en este disco se aglutinan varias canciones destacados del género. En segundo lugar, porque tiene tres temas inéditos y uno de ellos es una versión inmejorable de “Got to Get You into My Life” de The Beatles. De hecho, en manos de los estadounidenses, el tema que los Fab Four publicaron en Revolver se convierte en una máquina de funk que mantiene la melodía intacta del original. Esta reversión fue el primer single del disco e incluso ganó un Grammy.

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Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik

1991 – Warner Bros. Records

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Muchos discos de los Red Hot Chili Peppers podrían ingresar en una lista de funk –Stadium Arcadium (2006), I’m With You (2011)-, pero elegimos el quinto de sus trabajos porque es el que mostró a la banda incursionando en el género por primera vez. Blood Sugar Sex Magik es también uno de los mejores álbumes de la banda californiana; no solo porque es un trabajo que rebalsa de funky, si no por cómo lo mixturan con el rap, el hard rock y baladas como “Under the Bridge“. El disco producido por el legendario Rick Rubin ostenta tantos inolvidables riffs de guitarra de John Frusciante como virtuosas líneas de bajo de Flea, en composiciones que exploran temáticas arriesgadas para la época.

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James Brown – James Brown’s Funky People

1986 – People Records

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El Ministro del Nuevo Funk tenía que estar en una lista de discos del género que se precie de tal, aunque evitaremos caer en lugares comunes eligiendo otro álbum compilado. Hay argumentos para hacerlo: las recopilaciones clásicas de R&B en los años 80 fueron muy destacadas, pero la mejor de la época fue Funky People. Sobre todo porque es una selección de James Brown que arrojó luz sobre las producciones de otros artistas de People Records, el sello que dirigió entre 1971 y 1976, y publicó a destacados músicos como los J.B.’s, Lyn Collins, Fred Wesley y Maceo and the Macks.

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Betty Davis – Betty Davis

1973 – Just Sunshine Records

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El disco debut de Betty Davis es un desparramo de funk salvaje, tal como era el espíritu libre de la cantautora nacida en Carolina del Norte. Su nombre de nacimiento era Betty Gray Mabry, pero adoptó el apellido de Miles Davis cuando se casaron. La pareja solo duró dos años a finales de la década de los 60, pero quedó una buena relación entre ambos. De hecho, juntos luego compusieron “You And I” para tercer el disco de la primera modelo profesional negra. Asimismo, si bien Betty ya componía para los Chambers Brothers, su vínculo con el trompetista la estimulo aún más y la animaría a cantar. Dejó solo tres álbumes (y un cuarto inédito de los 70 publicado recién en 2009) y ninguno tiene desperdicio, aunque el más funk es el primero. La banda del disco -integrada por el bajista Larry Graham y el baterista Greg Errico de Sly & the Family Stone– genera una atmósfera pesada de puro funk fusionado con el rock de las guitarras reiterativos y la voz rabiosa de Betty.

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Funkadelic – One Nation Under a Groove

1978 – Warner Bros. Records

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Tal como su título lo indica, ingresar en la escucha del décimo álbum de los Funkadelic es inmiscuirse en un universo de puro funk, pero con leyes propias: canciones extensas, con riff reiterados, aunque con pasajes muy versátiles dentro del mismo tema. One Nation Under a Groove es un disco en el que priman las melodías sexy -elemento inherente al funk-, la psicodelia y el rupturismo muy propio de la banda comandada por George Clinton. Insoslayable álbum del género.

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Ohio Players – Skin Tight

1974 – Mercury Records

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El origen de Ohio Players data de 1959, aunque tuvieron dos etapas iniciales: la primera hasta 1970 y luego siguieron con nuevos músicos hasta el presente. Skin Tight es su quinto disco y el segundo disco de la historia en ser anunciados como un lanzamiento cuadrafónico (estéreo de cuatro canales). Contiene solo seis canciones, pero muy efectivas con alto contenido de funk cruzado con jazz (como un adelanto de lo que sería el acid jazz). Su portada es una de tantas en las que una banda presenta a una mujer semidesnuda en poses sensuales. Sin embargo, lo que hoy podría interpretarse como cosificación, en aquel entonces buscaba representar a una mujer negra como símbolo de liberación frente a la opresión que sufrían los afroamericanos en Estados Unidos. Dato no menor: R.E.M. interpretó la canción “Skin Tight”en la gira de Green en 1989.

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The Isley Brothers – Get into Something

1970 – T-Neck Records

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The Isley Brothers es la banda más antigua de las seleccionadas en esta lista. De hecho, comenzaron en 1954 como un trío vocal en Cincinnati, Estados Unidos, conformado por los hermanos O’Kelly Isley Jr., Rudolph Isley y Ronald Isley. Su octavo disco se publicó en 1970 y se destaca por tener varias joyas del funk, como “Keepin On Doin’“, el primer single del disco y una pieza en la que hacen gala de sus dotes vocales. Y como para ratificar que es una gema del género, el disco arranca con el tema que le da nombre a la placa que en su versión completa -de casi 8 minutos- tiene todos los elementos para convertirse en una canción perfecta.

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Prince – Prince

1979 – Warner Bros. Records

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El segundo disco de Prince es una máquina funk de melodías irresistibles y entradoras con clásicos como “I Wanna Be Your Lover“. Como sucedió con su álbum debut, el artista oriundo de Mineápolis se encargó de la composición, producción y ejecución de casi todos los instrumentos, a excepción de la intervención del bajista André Cymone y el baterista Bobby Z, a quienes describió como “ayudantes enviados del cielo”. Rogers Nelson hizo muchas canciones del género, pero este material es el que ostenta su groove más puro. Otro dato a tener en cuenta es que en octubre de 2019 se publicó una reedición por los 40 años del disco que contiene una versión acústica de “I Feel for You”.

Se dice popularmente que siempre hay una primera vez para todo en la vida y lo mismo ocurre en el mundo de la música, ya que a lo largo de la historia se han marcado cientos de hitos. Un claro ejemplo de lo anterior se dio cuando los Backstreet Boys se convirtieron en el primer grupo en vender un millón de copias de un disco en una semana. Esto ocurrió en 1999 tras la salida de Millennium, el esperadísimo tercer LP de la mítica boyband estadounidense.

Tras el éxito mundial que significó Backstreet’s Back en 1997, el quinteto integrado por AJ McLean, Howie Dorough, Nick Carter, Kevin Richardson y Brian Littrell regresó al estudio y entre octubre de 1998 y marzo de 1999 se metió en diversos estudios alrededor del mundo para trabajar codo a codo con productores de la talla de Max Martin, Kristian Lundin, Rami Yacoub, Robert John “Mutt” Lange, Patrik “The Hitmaker” Lindqvist y Stephen Lipson.

De aquellas maratónicas sesiones surgieron hits como “Larger than Life”, “Show Me the Meaning of Being Lonely”, “The One” y la aclamada “I Want It That Way”, que se convirtió en el single principal del disco. Millennium obtuvo buenas reseñas de parte de la crítica especializada, pero donde destacó fue en las ventas.

De hecho, además de conseguir la marca del millón de unidades vendidas en una semana, el LP supo ostentar el récord de ventas en un año, con 11 millones de ejemplares en Estados Unidos en 1999. Sumado a eso, fue nominado a cinco premios Grammy y se convirtió en uno de los álbumes más exitosos de todos los tiempos, con 24 millones de copias comercializadas en todo el mundo.

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U2. Foto: @rossandrewstewart.

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Después de su maratónica residencia en The Sphere de Las Vegas, U2 regresó al estudio de grabación para trabajar en nueva música. Ahora, el guitarrista de la banda, The Edge, ofreció más detalles sobre lo que podría ser su próximo disco y reveló que, para este proyecto, se han reunido con Brian Eno.

Así lo declaró en una nueva entrevista con la BBC Radio 2 (vía Consequence), donde dijo: “Estábamos en el estudio el otro día trabajando en algo de música loca nueva. Bono y yo estamos trabajando en una especie de música folk irlandesa de ciencia ficción… que podría terminar convirtiéndose en parte del nuevo álbum de U2. Aún no estamos seguros, lo veremos”.

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The Edge continuó explicando la dinámica de trabajo de la banda dentro del estudio de grabación:

“Parte de nuestro proceso consiste en desviarnos ampliamente del camino… y luego, el proceso de volver a encauzar las cosas es, de alguna manera, cómo logramos música con un sonido único”.

Por otro lado, reveló que el baterista Larry Mullen Jr., quien se había ausentado de los shows en Las Vegas para recuperarse de una cirugía, regresó al grupo:

“Lo tenemos en el estudio… está bien, tomándolo con calma, pero está de vuelta en la batería y grabando con nosotros”,

Concluyó The Edge.

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Jimi Hendrix.

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Nacido el 27 de noviembre de 1942 en Seattle, Jimi Hendrix revolucionó la música en su corta pero intensa carrera. Sin duda alguna, fue más que un guitarrista: fue un entusiasta inquieto e inconforme que llevó el rock a nuevos territorios. En el día de hoy el músico cumpliría 82 años y es por eso que recordamos su legado con 5 bandas y artistas que lo versionaron.

Desde su irrupción con The Jimi Hendrix Experience, el músico demostró que no era un guitarrista común y corriente. Canciones como “Purple Haze”, “Little Wing” y “Voodoo Child (Slight Return)” se convirtieron en himnos atemporales y su música influyó a cientos de artistas, sobre todo a guitarristas, en todo el mundo.

Desde Pappo a The Cure, a continuación repasamos 5 bandas y artistas que versionaron a Jimi Hendrix.

Red Hot Chili Peppers – “Castles Made Of Sand”

La banda californiana rindió homenaje a Hendrix en múltiples ocasiones. Esta interpretación destaca por cómo combina el estilo distintivo de los Red Hot Chili Peppers con el espíritu original de la canción de Jimi. Un claro ejemplo de la influencia de Hendrix en John Frusciante.

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Pappo – “Pequeña ala” (“Little Wing”)

De una leyenda de la guitarra a otra: la versión de Pappo de “Little Wing” tal vez sea una de las más conocidas y conmovedoras. El Carpo le da un giro muy personal a la canción y adapta la letra al español. Aunque respeta la esencia melódica y emocional del tema original, la interpretación del músico argentino tiene un carácter más áspero y visceral.

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The Cure – “Purple Haze”

Incluida en el álbum tributo Stone Free: A Tribute to Jimi Hendrix, la versión de “Purple Haze” por The Cure es una interpretación con un giro post-punk que fusiona la energía psicodélica del mítico guitarrista con texturas más oscuras. Sin duda alguna, uno de los covers más llamativos.

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Divididos – “Voodoo Chile” (“Voodoo Child”)

Que Ricardo Mollo, cantante y guitarrista de Divididos, sea un fanático acérrimo de Hendrix no sorprende. Sin embargo, para el lanzamiento de su disco de 1991, Acariciando lo áspero, la banda argentina decidió incluir su propia versión de “Voodoo Child”. El resultado fue un cover avasallante, digno del power trío compuesto, en aquel entonces, por Mollo, Diego Arnedo y Federico Gil Solá.

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John Mayer – “The Wind Cries Mary”

Si se habla de fanáticos de Hendrix, John Mayer es uno de los más destacados. Al igual que su ídolo, posee una habilidad innata para transmitir emociones a través de las seis cuerdas con una combinación única de delicadeza y virtuosismo. En su versión de “The Wind Cries Mary”, el músico respeta la estructura melódica original, pero aporta matices sutiles tanto con su guitarra como con su interpretación vocal.