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Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

Los 3 mejores discos de Billy Idol

En la discografía de Idol, tres álbumes destacan por su impacto cultural y ventas, mientras que reflejan distintas etapas de su recorrido musical.

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Los 3 mejores discos de Billy Idol
Billy Idol.

Desde su salto del punk inglés como líder de Generation X hasta convertirse en ícono del rock de la década de los 80, Billy Idol construyó una exitosa carrera que lo llevó a la cima del cuarto arte gracias a su imagen explosiva, su estilo visual y su relación con el guitarrista Steve Stevens y el productor Keith Forsey.

A lo largo de los años, la música de William Michael Albert Broad (nombre real del artista) capturó la energía de géneros como el new wave y el hard rock con grandes resultados comerciales, fusionando riffs pegadizos con actitud rebelde.

En su discografía, tres álbumes destacan por su impacto cultural y ventas, mientras que reflejan distintas etapas de su recorrido musical. Por eso, hoy elegimos los 3 mejores discos del multipremiado cantautor británico.

3. Billy Idol (1982)

El álbum debut como solista de Idol estableció el sonido que iba a definir su carrera. Aunque vendió unas 615 mil copias según estimaciones, fue clave para posicionar su arte al otro lado del Atlántico, con temas emblemáticos como “White Wedding”, que alcanzó el top 40 en Billboard Rock, y “Hot in the City”, que fue número 23 en Hot 100.

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2. Charmed Life (1990)

Este cuarto LP mostró un Billy más emocional y orgánico que en sus obras anteriores. Su tema destacado, “Cradle of Love”, le valió un premio MTV. Charmed Life fue certificado platino en EE.UU., llegó al puesto 11 en Billboard 200, y también tuvo buena performance en Canadá, Europa y Australia con su mezcla de géneros tan variados como el jazz o el electro-blues.

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1. Rebel Yell (1983)

El segundo álbum de estudio fue el que catapultó al oriundo de la ciudad inglesa de Stanmore al estrellato. Contiene cuatro singles que se convirtieron en exitos: “Rebel Yell”, “Eyes Without a Face”, “Flesh for Fantasy” y “Catch My Fall”, los cuales recibieron una fuerte promoción en MTV.

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Nine Inch Nails se adentra en la pesadilla de la IA

La banda sonora de TRON: Ares muestra a Trent Reznor y Atticus Ross equilibrando la abstracción y la agresividad

 

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Trent Reznor suele mantener su faceta intelectual de compositor de bandas sonoras ganadoras de Óscar relativamente separada de su actividad principal como el frente Nine Inch Nails. Pero la banda sonora que él y su colaborador habitual Atticus Ross han creado para TRON: Ares es la primera vez que ha puesto la marca NIN en su trabajo cinematográfico. El nuevo álbum, el primero de Nine Inch Nails en cinco años, muestra a Reznor sumergido en todos sus temas favoritos: los sintetizadores de los ochenta, la violencia del rock industrial, el minimalismo del metal, las miniaturas de piano invernales, la segunda cara del álbum Low de David Bowie y el rincón más sudoroso del club gótico para todas las edades.

De las 24 canciones que componen el álbum, cuatro cuentan con la voz de Reznor. ‘As Alive As You Need Me to Be’ es puro oro negro de la vieja escuela de Nine Inch Nails —un tema oscuro y escabroso con Reznor rimando “infección” y “conexión” en un retorno ritual a sus grandes temas del poder, la sumisión y el control. El giro argumental es un coro de vocoder “yeah yeah yeah” que evoca a Daft Punk poniendo banda sonora a un rave en un cementerio. ‘I Know You Can Feel It’ suena como una loca canción grunge de los noventa devorando una triste canción trip-hop de los noventa, mientras Reznor entona un himno a la anticipación depredadora. La desoladoramente hermosa ‘Who Wants to Live Forever?’ establece su desolado gemido-canto sobre capas de hielo ambientales y cuenta con la encantadora y discreta colaboración a dúo de la artista española Judeline.Y termina el álbum con otro tema lleno de rabia y pesimismo, ‘Shadow of Me’. Temas igualmente intensos como ‘A Question of Trust’ y ‘Target Identified’ podrían haberse convertido en contribuciones igualmente destacadas al canon de NIN si Reznor les hubiera añadido voz. 

El resto del álbum es una fascinante colección de bandas sonoras cinematográficas. En los dos últimos lanzamientos de Nine Inch Nails, Ghosts V: Together y Ghosts VI: Locusts, ambos de 2020, Reznor se adentra en lo más profundo de la abstracción y la desolación sin ritmo, con resultados sorprendentemente convincentes. Gran parte de este material sigue la misma línea, a menudo impregnado de drones, zumbidos y ruidos de sintetizadores vintage que evocan el futurismo de ciencia ficción de principios de los ochenta que encarnó la primera película de TRON en 1982. Reznor también es productor ejecutivo de la nueva entrega de la franquicia, que trata sobre el primer encuentro de la humanidad con seres de inteligencia artificial, y se inclina por el carácter distópico y espeluznante de ese concepto con los títulos y las vibraciones de ‘Building Better Worlds’ y ‘Empathetic Trust’. Citando a uno de los compañeros de viaje de Reznor en el rock alternativo, seremos excelentes mascotas.

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Solo un masoquista se sentaría a escuchar más de una hora de este álbum de principio a fin —lo que significa que está perfectamente dirigido al público principal de Nine Inch Nails. Tomados de forma aislada, algunos de sus mejores momentos —como ‘Echoes’, que recuerda a Erik Satie convertido en Cylon, y ‘Infiltrator’— presentan una implosión seductora y llena de bajos, presentan interesantes giros en la tensión entre el hambre demasiado humana y la angustia androide con la que Reznor ha estado jugando durante décadas. Para el próximo verdadero disco de Nine Inch Nails, debería buscar un equilibrio más completo entre la agresividad y la abstracción. Quizás tengamos un nuevo Downward Spiral para nuestros tiempos.

DUPLEXIDAD

Pop-Rock/Punk

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DUPLEXITY lanza su nuevo sencillo ‘Mercy’

El aclamado dúo de hermanos de pop-rock DUPLEXITY se complace en anunciar el lanzamiento de su 13º sencillo, «Mercy», que debutó el 19 de septiembre de 2025.

LOS ÁNGELES, CA, ESTADOS UNIDOS, 18 de septiembre de 2025 – Esta evocadora canción, «Mercy», explora magistralmente las tumultuosas emociones de la traición y la pérdida, capturando la cruda experiencia de sentirse descartado por alguien en quien alguna vez confió profundamente. Mientras sumerge a los oyentes en la cruda honestidad de las letras, ‘Bathed my body hundreds of times, but I feel dirty, out of my mind’ transmite la lucha de tratar de limpiarse de los restos fantasmales de un amor que salió mal. Esta sincera exploración de la rabia y la resiliencia resuena profundamente, lo que la hace ideal para los oyentes que aprecian la narración poderosa.

El dúo, compuesto por los hermanos Savannah Judy y Luke Judy, comparte su deseo de conectarse con el público a través de una narración auténtica. «Con ‘Mercy’, queríamos canalizar los sentimientos de ira y resistencia al perdón que provienen de la angustia. ¡Es un reflejo de nuestras propias experiencias y del viaje universal de darnos cuenta de que no siempre tienes que mostrar misericordia cuando alguien te lastima!»

MERCY surgió de una reflexión de nuestras propias experiencias y del viaje universal de darnos cuenta de que no siempre tienes que mostrar misericordia cuando alguien te lastima».

Savannah Judy audiencias a través de una narración auténtica. «Con ‘Mercy’, queríamos canalizar los sentimientos de ira y resistencia al perdón que provienen de la angustia. ¡Es un reflejo de nuestras propias experiencias y del viaje universal de darnos cuenta de que no siempre tienes que mostrar misericordia cuando alguien te lástima!»

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Los oyentes pueden esperar el sonido característico de DUPLEXITY en «Mercy», con instrumentación dinámica y voces apasionadas que elevan la intensidad emocional de la canción. Como los fanáticos esperan, la capacidad del dúo para tejer narrativas poderosas en su música asegura que «Mercy» resonará con cualquiera que haya enfrentado pruebas similares del corazón.

Además del lanzamiento del sencillo, los fanáticos pueden esperar un conmovedor video musical que representa visualmente los temas de la canción, mejorando aún más la conexión emocional con los espectadores. El video estará disponible en todas las plataformas principales después del lanzamiento del sencillo. «Mercy» está disponible para pre-guardar ahora en Spotify, lo que garantiza que los fanáticos puedan experimentar esta nueva y convincente canción en el momento en que se lance en Spotify, Apple Music y todas las plataformas de transmisión. DUPLEXITY invita a los fans a unirse a ellos para una serie de fiestas virtuales de escucha, donde actuarán, compartirán ideas sobre la creación de «Mercy» y participarán en una sesión de preguntas y respuestas en vivo. Los detalles sobre cómo unirse a cada sesión especial se pueden encontrar en las páginas sociales y el sitio web de DUPLEXITY.

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Acerca de DUPLEXITY:

DUPLEXITY es un dúo dinámico de pop-rock conocido por su emotiva narración y su sonido impactante. Provenientes de Los Ángeles, CA, han capturado los corazones de muchos con sus temas identificables y sus auténticas actuaciones en vivo. DUPLEXITY se ha ganado seguidores dedicados desde su formación en 2023, desde Sunset Strip en Los Ángeles hasta Nueva York, House Of Blues y, más recientemente, abriendo para Benson Boone en el escenario SXSW Future of Music de Rolling Stone.

Steve Creep and the Wildcards

Rock/Punk

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Steve Creep and the Wildcards Presentan el sencillo «45»

Steve Creep and the Wildcards muestran un lado más sentimental con «45» Inmediatamente después de su tercer sencillo, Revolution Radio, la banda regresa con una dinámica diferente en su cuarto sencillo para «45», una historia real sobre un amigo de la escuela secundaria que se quitó la vida cuando era adolescente. La canción recorre las emociones de la culpa de los sobrevivientes, el resentimiento y el afrontamiento de la pérdida mientras intentan seguir adelante.

La fórmula de melodías pegadizas y guitarras en capas recordará a cualquiera que esté familiarizado con el sonido de la banda, pero a medida que la canción pasa por una variedad de estados de ánimo, incluido un interludio de armonía de guitarra doble (a la Thin Lizzy) entre versos y una modulación a medida que la canción toma un giro sonoro en la segunda mitad. El estado de ánimo se siente como un cruce entre Runaway Train de Soul Asylum y Hard Luck Woman de Kiss, combinando guitarras acústicas con capas eléctricas y una pista de batería de rock que mantiene el ritmo de la canción.

Esta canción seguramente captará los oídos de la radio que ha apoyado a Wind Me Up, Bottles And Cans y Revolution Radio, que colectivamente han obtenido más de 300 mil transmisiones hasta la fecha, además de recibir una recepción acogedora en más de 50 estaciones de radio por Internet en todo el mundo, junto con algunas reproducciones de radio FM.

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Mezzo Pazzo

Pop – Rock/Punk

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Mezzo Pazzo Presentan el sencillo » SpiritZ Dance»

SpiritZ Dance  es la canción principal del nuevo álbum CTRL+Z

Mezzo Pazzo es un cuarteto de rock arraigado en el área de La Louvière y Mons. La banda se formó en 2020 alrededor de Angel, el excantante y guitarrista de [Inc.Ognito]. Para marcar su llegada, grabaron un álbum debut en Rec’n’Roll Studio (Bruselas). Este primer capítulo es posiblemente la forma más representativa de mostrar todas las facetas de su musicalidad. Dicho esto, después de dos años desafiantes, están de vuelta con una nueva alineación y el anuncio de nuevas pistas que aparecerán en un próximo álbum programado para 2025.

La banda extrae su energía y esencia central de la música de los años 70 a 90, al tiempo que incorpora influencias clásicas, de banda sonora y de rock más alternativo. Con dos guitarras, un bajo, una batería y cuatro voces, y a pesar de la pesadez de algunos riffs, la melodía siempre tiene prioridad en el sonido de Mezzo Pazzo. En última instancia, es en el escenario donde la banda revela su verdadera identidad.

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«SpiritZ Dance» el videoclip

Spiders on drugs

Rock/Punk

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Spiders on Drugs Presentan el tema «Playing Nice»

«Playing Nice» es una pista de indie pop atmosférico sobre perder señales, perder el tiempo y finalmente negarse a seguirle el juego. Con versos de ensueño, un coro inquietantemente emocional y un sutil impulso hacia adelante, la canción combina vulnerabilidad con fuerza silenciosa. Para los fanáticos del indie pop introspectivo con profundidad lírica y producción temperamental. Encaja bien en listas de reproducción con pop alternativo emocional, dream pop o indie liderado por mujeres.

Spiders on Drugs es una banda que desafía el género y fusiona emociones crudas con letras afiladas, actitud audaz y honestidad inquebrantable. Arraigados en el rock alternativo pero sin miedo a aventurarse en paisajes sonoros punk, indie y cinematográficos, su música es a la vez confrontativa y vulnerable, una voz para aquellos que se sienten fuera de sintonía con el mundo.

Spiders on Drugs ofrece canciones que exploran cuestiones existenciales, desilusión social, traición, caos interno y supervivencia emocional, a menudo desde una perspectiva claramente femenina. Spiders on Drugs se formó a partir de una frustración compartida con las tendencias superficiales y un hambre de expresión más profunda. Su nombre, en parte humor, en parte amenaza, refleja la mezcla de absurdo y amenaza de la banda. Líricamente ricos y emocionalmente intensos, caminan por la cuerda floja entre la rebelión y la reflexión, el caos y el control.

Con seguidores leales y crecientes, la banda se ha labrado un espacio para los forasteros, los que dicen la verdad y aquellos que se niegan a tocar bien. Esta no es música para los débiles de corazón. Es para los que piensan demasiado, los inadaptados, los que ya han tenido suficiente, y aún así siguen adelante.

Playing Nice es una canción de indie pop introspectiva e introspectiva que explora la tensión entre la autosupresión y el anhelo de liberarse. Construida alrededor de guitarras de ensueño, texturas en capas y voces cargadas de emociones, la canción captura los momentos tranquilos de realización: las señales que perdemos, los patrones que repetimos y la voz que finalmente dice «no más».

Líricamente, traza un viaje a través de la duda, la retrospectiva y el despertar. Cada verso revela una nueva capa de conflicto interno, mientras que el coro se convierte en una negativa catártica a seguir jugando con las reglas de otra persona. El arreglo equilibra la profundidad atmosférica con un pulso constante, creando un paisaje sonoro que se siente íntimo y expansivo.

Esta canción, parte del álbum debut Rexistilence, señala una nueva dirección en nuestro próximo álbum programado para su lanzamiento a finales de este año.

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Westwell

Folk/Acoustic – Pop – Rock/Punk

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Westwell presentan el tema «Ten Feet Tall» 

Ten Feet Tall es un himno a una relación de padre e hijo y al paso del tiempo y de los roles de generación en generación.

Westwell is a band born of deep roots and shared vision. Formed by singer-songwriters James and Gus Corsellis, a father and son duo, alongside producer and multi-instrumentalist Jamie Biles, the group writes and records from their studio tucked away in the Oxfordshire countryside. What began as a quiet collaboration has steadily grown into something far-reaching.

Su música combina una composición reflexiva con un sonido rico y melódico moldeado por el indie y el folk-rock. Se inspiran en artistas como The National, Fleet Foxes, Bon Iver y Jason Isbell, al tiempo que se hacen eco de la profundidad emocional de poetas como WH Auden, Raymond Carver y Mary Oliver. Westwell elige el camino menos transitado, empujando los límites creativos mientras se mantiene firme en la honestidad y el oficio.

Desde que lanzaron su primera canción a fines de 2023, han llamado la atención tanto por su composición como por su diseño de sonido.

Con varios lanzamientos que ya llegan a un público amplio y el apoyo temprano de BBC Introducing, se han labrado un espacio que se siente silenciosamente seguro. Con nueva música en camino, Westwell continúa ofreciendo canciones que se sienten familiares y silenciosamente nuevas, moldeadas por la experiencia y contadas con cuidado.
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The 59 Sound

Rock/Punk

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The 59 Sound presentan su nueva tema HOLDING ON es el segundo lanzamiento del nuevo álbum Borderlines.

El holandés Vic de Wee, que ha estado en la escena desde hace aparentemente una eternidad, cambió su sonido grunge por un estilo de Rock que reflejaba más su nuevo hogar, Málaga, donde se juntó con los hermanos Mateo Juan A. (voz, guitarra y armónica), Jorge (guitarra rítmica) y José M. (bajo), junto con Aurelio Tello, un baterista madrileño.

Los 59 Sound llevan desde principios de 2014, cuando se presentaron en Málaga capital y en el XX Festival Rocksario.

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Mess Out

Popular Music – Rock/Punk

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Mess Out presenta su nueva canción Awake.

Banda de punk rock de Francia con una pequeña dosis de violencia.

Mess Out es una banda atípica de Lyon que combina hábilmente las melodías contagiosas del punk rock, la energía sin filtrar del punk clásico y la agresión cruda del metal. La banda ha estado actuando en el escenario desde 2018 en una explosión de adrenalina, cautivando a la audiencia con su pasión cruda y su presencia dinámica.

Su nuevo tema Awake es un tema incisivo y directo, que denuncia la violencia contra las mujeres a través de los ojos de un hombre que se niega a apartar la mirada. Las letras son frontales, inquietantes, llevadas por una intensidad musical furiosa, un estribillo pegadizo y un puente final con influencias atropelladas.

Está programado para su lanzamiento el 19 de septiembre, acompañado de un video en vivo filmado en Winterock Fest, disponible en YouTube. La banda estará en concierto en Lyon y en FestinRock en las próximas semanas.

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Fito Páez estrenó su concierto para Tiny Desk

Después de anunciarlo en sus redes sociales este fin de semana, Fito Páez finalmente presentó su Tiny Desk Concert de NPR.

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Después de anunciarlo en sus redes sociales este fin de semana, Fito Páez finalmente presentó su Tiny Desk Concert de NPR. La presentación del músico rosarino se dio en el marco de la inauguración del Latin Music Month de la radio pública estadounidense, sumándose a una tradición que celebra artistas y proyectos de la música latina.

«Qué honor tener a Fito Páez, uno de los pioneros del rock argentino, en el Tiny Desk”, anunciaron desde NPR en la presentación del episodio. En el mismo texto destacan su trayectoria y legado: desde su debut como solista en 1984, en los albores de la democracia argentina tras la dictadura, hasta convertirse en un símbolo del rock en español.

El set, grabado en la icónica oficina ubicada en Washington D.C., mostró a un Fito cercano y divertido. El artista repasó clásicos de su carrera como «A rodar mi vida” y “Mariposa tecknicolor”, estrenó «Sale el sol» de su nuevo disco Novela y cerró con un combo letal: «Circo Beat» desembocando en «Tercer mundo».

Con esta participación, Páez se une a un selecto grupo de músicos argentinos que han pasado por el formato, entre ellos Ca7riel y Paco Amoroso, Trueno, Nicki Nicole, Nathy Peluso y Juana Molina. «¡Unas ganas de que lo vean, porque fue tan hermoso!», expresó Fito en su cuenta de Instagram sobre el estreno de esta presentación.

El Tiny Desk de Fito Páez a continuación.

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