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En la actualidad es difícil imaginar una película que no contenga canciones de rock si cuenta con música popular en su banda sonora. Sofia Coppola se animó a musicalizar con rock indie y alternativo su biopic de María Antonieta, mientras que películas como Trainspotting se volvieron de culto en parte gracias a su soundtrack rockero. Sin embargo, el rock no siempre fue parte del cine.

En sus comienzos, el cine no incluía música popular y mucho menos rock, ya que ni siquiera existía el género como tal. La primera aparición del rock en el cine fue en la década del 50 de la mano del film Semilla de maldad (1955), de Richard Brooks, protagonizado por Glenn Ford, Anne Francis, Louis Calhern y Margaret Hayes.

La sinopsis adelanta: “Un soldado veterano acepta un empleo como profesor en un conflictivo colegio público. Enseguida comprende que no será tarea fácil ganarse el respeto de los alumnos, algunos de los cuales son delincuentes en potencia. A pesar de que el ambiente es poco propicio, está decidido a trabajar duro para hacer de sus alumnos hombres de provecho”.

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Cuál fue la primera canción de rock que sonó

Como canción para los créditos iniciales, el director seleccionó “Rock Around the Clock”, compuesta en 1952 por Max C. Freedman y James E. Myers y grabada dos años después por Bill Haley & His Comets. Esta versión se hizo altamente conocida en el mundo y su espíritu rebelde se amalgamó de maravilla con el concepto de la película que versaba sobre el mundo juvenil.

Gracias a su aparición en el film, fue la primera canción de rock en lograr ser número 1 en las listas de Estados Unidos. Este hito musical y cinematográfico significó para muchos historiadores el nacimiento del rock and roll como género, aunque sus inicios puedan rastrearse en composiciones anteriores.

Blondie

Debbie Harry, la vocalista de Blondie, fue partícipe en la creación de varias canciones que marcaron el punk rock y el new wave. Sin embargo, considera que hay tres tracks de la banda que destacan sobre el resto. Dos de ellos son clásicos: “Heart of Glass” y “Rapture“, que siguen siendo emblemáticos. Y en tercer lugar, una joya más reciente: “Mother”, lanzada en 2011.

En diálogo con The Guardian, la cantante habló específicamente de este tema de Panic of Girls que representa una evolución significativa en el sonido de Blondie, ya que incorporó elementos electrónicos y una energía renovada.

“Las letras encajaron perfectamente y dijeron exactamente lo que quería expresar sobre los ‘niños de la noche’ que van a clubes y viven en un universo alternativo oscuro, alejado de su vida diaria“, comentó la también actriz.

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Por otro lado, en una charla con la revista Q, contó: “’Mother’ trata sobre un club en el Meatpacking District de Manhattan, que ahora está cerrado. Fue una parte importante de mi vida durante mucho tiempo. Tenían noches temáticas y yo me disfrazaba para ir a ver a gente divertida haciendo cosas raras”, sentenció.

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Iggy Pop

Iggy Pop, quien definió el caos elegante del proto-punk con su torso desnudo y su rugido salvaje, siempre tuvo una brújula especial y precisa para la reverencia musical. Las veces que ha versionado una canción, lo hizo insertando su propio ADN existencial.

Es por eso que a continuación repasamos tres grandes covers donde Pop no solo se destaca, sino que además sale victorioso.

The Who – “I Can’t Explain“

La versión de Iggy fue incluida en Avenue B (1999). Con un pulso lento y melancólico, su interpretación refleja a alguien que ya no grita para ser entendido, sino que acepta el malentendido.

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Richard Berry – “Louie Louie”

“Louie Louie”, himno del garage rock, se convierte en una exorcizada versión punk en manos de Iggy y The Stooges. Le arranca la inocencia fiestera y la transforma en descontrol puro.

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The Kinks – “You Really Got Me”

Iggy transforma el clásico de The Kinks en un ritual de invocación, con un filo sexual más explícito y cavernoso.

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Joy Division

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La historia de Joy Division no se cuenta en años, sino en grietas. Grietas que se abren en el asfalto de la Mánchester postindustrial de fines de los 70; grietas en la voz temblorosa de Ian Curtis, en su cuerpo bailando como si quisiera liberarse de sí mismo. En apenas tres años, la banda compuesta por Curtis, Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris no solo fundó las bases del post-punk, sino que definió un nuevo modo de exorcisar las inquietudes.

El nacimiento de Joy Division se da en pleno estallido punk, tras asistir a un show de los Sex Pistols en 1976. Mientras muchos replicaban la furia sin forma del género, ellos la volvían estructura, atmósfera y sombra.

Closer (1980), lanzado poco después del suicidio de Curtis, fue y sigue siendo un disco póstumo en todo sentido: es el sonido del final, hermoso y trágico. La muerte de Curtis, con apenas 23 años, cerró la historia de Joy Division de forma abrupta y definitiva. Pero lo que dejaron no se borró: su legado no solo empapó el sonido de la década de los 80, sino que se transformó en una estética.

“Disorder”

El punto de partida. Una batería frenética, un bajo como latido y la línea de apertura que lo dice todo: “I’ve been waiting for a guide to come and take me by the hand”.

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“She’s Lost Control”

Basada en una experiencia real de Curtis. El sonido metálico de la caja, el fraseo robótico, la pérdida de control físico y emocional: la canción suena como una crisis epiléptica convertida en mantra.

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“Atmosphere”

Cuerdas sintéticas, tambores fúnebres y la voz de Curtis como un susurro venido del más allá. Una canción para flotar.

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“Love Will Tear Us Apart”

El momento más accesible y al mismo tiempo más devastador. Un riff pop inmortal envuelve la confesión de un amor que ya no puede sostenerse. Paradójicamente, su mayor éxito fue también su epitafio.

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“Decades”

La despedida: un teclado lúgubre introduce un poema sobre juventud rota y ruinas interiores.

Led Zeppelin.

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“Kashmir” es una de las composiciones más épicas de Physical Graffiti (1975) de Led Zeppelin y ha logrado permanecer en la historia del rock como un himno monumental. En sí, la canción no solo se distingue por su inconfundible riff, sino por su estructura compleja, su fusión de influencias orientales y su epicidad.

Por eso, versionarla es casi un acto de audacia o de locura. ¿Cómo reimaginar algo tan inamovible? Algunos lo intentaron y fallaron con contundencia. Sin embargo, algunos pocos lograron hacer propia la esencia de “Kashmir”, con formas nuevas y sombras propias.

A continuación, tres grandes covers de “Kashmir” de Led Zeppelin.

1. Heart y Jason Bonham

Son varias las veces que Heart, el icónico grupo encabezado por las hermanas Ann y Nancy Wilson, interpretaron “Kashmir” en vivo. Sin embargo, esta memorable versión junto a Jason Bonham (hijo del fallecido baterista de Zeppelin, John Bonham) es de las mejores que se han hecho.

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2. Orquesta filarmónica de Londres

En 1997, la Orquesta filarmónica de Londres lanzó el disco Kashmir: Symphonic Led Zeppelin, un conjunto de versiones instrumentales y orquestales de las mejores canciones de la banda británica con los arreglos de Jaz Coleman y la dirección de Peter Scholes. Su cover de “Kashmir” vuelve incluso más épica y majestuosa la composición original.

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3. Paul Di’Anno

La versión de “Kashmir” interpretada por Paul Di’Anno, exvocalista de Iron Maiden, ofrece una perspectiva distinta del clásico de Led Zeppelin. Esta interpretación imprime su característico estilo vocal, más crudo y directo, contrastando con la atmósfera etérea del tema original.

The Beatles: Revoltuion

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“Revolution” no fue una canción más de The Beatles, fue un manifiesto. Compuesta por John Lennon durante el retiro espiritual de la banda en Rishikesh (India) en 1968, fue su respuesta directa a los crecientes llamados a la violencia que sacudían Estados Unidos y Europa en plena efervescencia política.

La versión más conocida, lanzada como lado B del exitoso single “Hey Jude”, fue grabada después de una versión más lenta (“Revolution 1”), incluida más tarde en el Álbum blanco. Pero fue esta relectura urgente, ruidosa y empapada en feedback la que marcó el tono del mensaje: un Lennon más enfático, directo, casi incendiario pero no violento.

“No cuenten conmigo si se trata de violencia. No me esperen en las barricadas a menos que sea con flores”, declaró Lennon en 1980. Ese “no cuenten conmigo” -si se trata de violencia- resume el núcleo de la canción. Lennon no se oponía al cambio, sino a los métodos con los que algunos proponían alcanzarlo.

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¿De qué trata “Revolution”?

Desde la India, reflexionando sobre el estado del mundo y la guerra de Vietnam, Lennon comenzó a sentir la necesidad urgente de expresar su mirada. “Quería decir lo que pensaba sobre la revolución”, explicó años después. “No podíamos seguir callando sobre Vietnam. Quería que Los Beatles dijeran algo”.

Su propuesta original, más contemplativa y dubitativa, fue rechazada como single por Paul McCartney, quien la consideró demasiado lenta. Lennon, sintiéndose desafiado, respondió con una nueva toma: más rápida, más confrontativa. Con el respaldo de George Harrison, Lennon presentó una versión más visceral.

El resultado fue uno de los temas más distorsionados del catálogo beatle. Las guitarras, saturadas intencionalmente al máximo, fueron conectadas directamente a la consola de Abbey Road, lo que provocó quejas del equipo técnico. Pero como lo explicó el productor George Martin: “Esa era la idea: llevarlo hasta el límite. Y lo hicimos”.