Mick Jagger.

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“Sympathy For The Devil“ es una de las canciones más representativas de The Rolling Stones. El tema, que aparece en múltiples películas y series, pertenece al álbum Beggars Banquet (1968) y su referencia al Diablo ha despertado varias interpretaciones. La inspiración de Mick Jagger para componer la letra habría surgido de The Master and Margarita, libro de Mikhail Bulgakov que Marianne Faithfull le regaló cuando aún eran pareja. El libro caracteriza al Diablo como un hombre de gustos caros y rico.

El título original de la canción era “The Devil Is My Name”, pero Jagger mencionó: “Las canciones pueden evolucionar y ‘Sympathy For The Devil’ es un ejemplo, comenzó de una manera, la escribí de una manera y luego comenzamos a alterar el ritmo. Se transformó en algo totalmente nuevo y resultó muy emocionante. Comenzó como una melodía folk y evolucionó hacia un estilo de samba. Una buena canción puede transformarse en cualquier cosa. Tiene numerosas referencias históricas y una gran carga poética” (vía Song Facts).

Por su parte, Keith Richards habló del significado filosófico del hit y dijo: “‘Sympathy’ es una canción que inspira. Se trata de mirar al Diablo a la cara. Él está ahí todo el tiempo. He tenido un contacto cercano con Lucifer, me lo he encontrado varias veces. La gente tiende a enterrar al mal y pretende que se resuelva solo”. Además, reveló que puede aplicarse a diferentes épocas, pero “cuando esa canción fue escrita era un tiempo de confusión. Fue el primer caos internacional luego de la Segunda Guerra Mundial. Y la confusión no es una aliada del amor y la paz. Es una canción que dice ‘No te olvides de él. Si lo confrontas, se queda sin trabajo’”.

                                                            Little Richard / Jimi Hendrix

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Jimi Hendrix se convirtió en uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos, a pesar de su temprano fallecimiento. Fue a través de su carrera solista que se ganó el podio dominando el instrumento, pero previo a ello fue músico sesionista de estrellas de rock and roll y gospel como The Isley Brothers.

Entre los músicos para los que tocó se cuenta Little Richard, con quien estuvo hasta mediados de 1965. En lo que respecta a la relación entre los músicos, durante mucho tiempo circuló el rumor de que Richard echó a Hendrix por sus comportamientos tanto arriba como abajo del escenario. Fue Robert Penniman, hermano de Richard, quien confirmó esta historia.

“Tenía el hábito de llegar tarde y de eclipsar al artista principal, dos cosas que un guitarrista sesionista no debería hacer nunca”, expresó en una entrevista recogida por Listverse. Lo cierto es que Hendrix se comportaba como una estrella aunque aún no lo era.

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Penniman describió la falta de compromiso del guitarrista: “Era muy buen guitarrista pero nunca llegaba a tiempo. Siempre llegaba tarde al colectivo, coqueteaba con chicas y cosas como esas”. Luego de su tiempo con Little Richard, Hendrix pasó a tocar con Curtis Knight and The Squires, aunque consiguió rápidamente el éxito con The Jimi Hendrix Experience.

Estos resquemores habrían quedado en el pasado, pues Richard declaró ser un fan de Hendrix a pesar de haberlo despedido. “Tenía la perseverancia de ir hacia adelante. No le importaba quedar como un loco”, aseguró en un documental de 1973.

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La mayor parte del público ama el rock por el rugido de las guitarras eléctricas, esa descarga de adrenalina que pocos sonidos igualan. Pero, a veces, despojar una canción de su producción revela algo más profundo. Las versiones acústicas, sin adornos, ofrecen una mirada íntima al proceso creativo, mostrando inflexiones, letras descartadas y una vulnerabilidad que las versiones finales no siempre logran captar.

Estas versiones no solo revelan lo que hay detrás del sonido, sino también lo que hay detrás del artista. Cuando se apagan los amplificadores y solo queda una guitarra acústica y una voz, se abre una puerta a lo íntimo, a lo frágil y lo esencial. Es ahí donde muchas veces se devela el verdadero corazón de una canción, en su forma más simple.

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5 versiones acústicas de clásicos del rock que pasaron a la historia.

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Foo Fighters – “Everlong”

“Everlong” nació como una canción de amor o, más bien, de desamor. Dave Grohl la escribió inspirado por la inminente ruptura de una relación, y su versión acústica revela ese costado íntimo. Sin distorsión ni épica, el tema brilla como una confesión sincera: uno de los momentos más sensibles de Grohl, sin perder ni un gramo de fuerza.

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Oasis – “Where Did It All Go Wrong?”

A fines de los 90, el brillo de Oasis comenzaba a apagarse. En “Where Did It All Go Wrong?”, Noel Gallagher baja la guardia y deja entrever su crisis interna. La versión acústica revela que no canta sobre otro, sino sobre sí mismo: frustrado, decepcionado, consciente de que el sueño se le escurría entre los dedos.

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Nirvana – “All Apologies”

El MTV Unplugged de Nirvana parece una despedida anticipada. En “All Apologies”, Kurt Cobain deja ver su fragilidad con una interpretación rota pero sumamente honesta y natural. Su final, repitiendo “All in all is all we are” como un mantra junto a Grohl, suena más a adiós que a estribillo.

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Eric Clapton – “Layla”

Ningún bluesman escapa al llamado de la guitarra acústica y Eric Clapton lo entendió en Unplugged, donde demostró su impronta sin la necesidad de amplificadores. Su versión íntima y resignada de “Layla”, sin solos ni épicos finales, transforma la canción original en una confesión madura y solitaria.

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The Beatles/George Harrison – “While My Guitar Gently Weeps”

Es difícil que una canción de los Beatles suene mal, pero “While My Guitar Gently Weeps” alcanza una profundidad única en su versión acústica. Sin solos ni adornos, George Harrison la transforma en una confesión melancólica, íntima y poderosa.