Gus Ormo Presenta su nuevo sencillo “GUS ORMO» se su nevo nuevo álbum «AGAPE”
El pianista y compositor venezolano Gus Ormo ha lanzado su nuevo álbum instrumental titulado “Ágape”, una producción minimalista centrada en el concepto del amor incondicional que destaca por el sencillo “Claroscuro”. El material discográfico, que incluye colaboraciones con destacados maestros de la música, ya se encuentra disponible en las principales plataformas de streaming global. Puedes seguir al artista en sus redes oficiales como @gus_ormo para más información.
A diferencia de sus trabajos anteriores, este lanzamiento destaca por ser un álbum instrumental enfocado en el piano, concebido como un viaje íntimo y profundo que busca conectar con las emociones esenciales del oyente bajo la premisa de que ni el amor ni la música necesitan palabras.
TBM Project Presenta su nuevo sencillo “Angels & Demons”
TBM Project fue fundado por Thorsten Behrs en 2023. Hasta entonces, solo habían producido temas instrumentales con influencias rockeras. Luego tuvo la idea de escribir una canción con voces. Fue entonces cuando recordó a su amigo de sus primeros días en la banda, nada menos que Henning Basse, que ya había alcanzado un éxito internacional considerable con Metallium, Gamma Ray y Firewind.
Tras «The Fallen Angel», «I’ll Don’t Take You Home Tonight» y «Humans» (que se lanzará el 5 de diciembre de 2025), el cuarto sencillo ya está en proceso y el álbum debut está previsto para finales de 2026.
Stefan «Church» Kirch ya ha demostrado su valía como bajista y, con suerte, también aparecerá en el álbum debut. Como es habitual en un proyecto, probablemente habrá uno o dos músicos invitados internacionales de vez en cuando. El objetivo es escribir muchas más canciones melódicas de heavy rock y metal y, quién sabe, quizás incluso interpretarlas en directo.
Alternative Rock / Alternative Metal / Modern Rock
FROZENROOM capturan la emoción de estar vivo en su nuevo álbum A Rush of Life
Tras casi dos décadas en la escena suiza de rock alternativo y metal, FROZENROOM lanzan A Rush of Life, un álbum de siete temas marcado por la amistad, el crecimiento musical y una pasión inquebrantable por hacer música juntos.
Abriendo con Euphoria, el disco captura de inmediato lo que hay en el corazón de A Rush of Life: la sensación de liberarse, dejar atrás la oscuridad y abrazar la intensidad de estar realmente vivo. Impulsado por un rock potente, texturas atmosféricas de sintetizador y melodías elevadas, el tema reúne matices profundos del sonido de FROZENROOM y prepara el escenario para un álbum construido sobre energía, emoción y contraste.
Desde su formación en 2007, FROZENROOM se ha hecho un hueco propio en el panorama del rock suizo. En lugar de seguir tendencias o limitarse a un solo género, el trío siempre ha abrazado el contraste. Las guitarras pesadas se encuentran con ganchos memorables, los arreglos intrincados chocan con composiciones auténticas, mientras que las influencias del rock, metal y pop se colan de forma natural en la música de la banda.
Esa apertura recorre A Rush of Life. Desde los pesados riHs y la energía himno de The Fire hasta la nostálgica atmósfera synth-pop de los 80 de Coming Home y el sonido potente pero atmosférico de Euphoria, el álbum se mueve con confianza entre mundos musicales diHerent sin perder su identidad.
Lo que ha permanecido sin cambios a lo largo de los años es la filosofía de la banda. FROZENROOM no escribe canciones por fórmula. En cambio, sus canciones crecen de forma orgánica tocando juntos, escuchando, reaccionando y confiando en el proceso creativo. Con el paso de los años, su enfoque ha cambiado de producir más música a crear música mejor. Menos presión. Más libertad. Más honestidad.
El resultado no es una reinvención, sino la versión más honesta de FROZENROOM hasta la fecha.
Más rica en sonido y más amplia en alcance musical que los lanzamientos anteriores, A Rush of Life equilibra euforia y pesadez, intensidad y vulnerabilidad. Sus siete canciones capturan momentos y emociones inherentes, pero comparten el mismo espíritu subyacente: el deseo de sentir, avanzar y abrazar la vida en todas sus contradicciones.
«Nos conocemos desde que éramos adolescentes, y de alguna manera seguimos aquí – escribiendo, tocando y creciendo juntos. Mirando atrás, es increíblemente gratificante darse cuenta de que nuestra música ha crecido junto a nosotros. A Rush of Life refleja dónde estamos hoy, tanto a nivel personal como musical. Probablemente sea el disco más abierto y honesto que hemos hecho nunca.»
Casi dos décadas después de que empezaran a hacer música juntos, FROZENROOM suena tan curioso y hambriento como siempre. A Rush of Life no trata de mirar atrás. Se trata de estar presente: de la amistad, el crecimiento y la emoción que viene de sentirse realmente vivo.
PARA LANZAMIENTO INMEDIATO (VIERNES 28 DE AGOSTO), ANDY JANS-BROWN LANZA UN NUEVO SENCILLO INTO THE BLUE.
Hay momentos en la vida en los que quedamos atrapados dentro de nuestro propio clima. Una sola preocupación se expande hasta llenar todo el horizonte. Perdemos perspectiva. Olvidamos respirar. Luego, de vez en cuando, algo nos eleva lo suficiente por encima de las nubes para recordar que la tormenta nunca fue todo el cielo. La mayoría de nosotros hemos sentido esto al menos una vez volando.
La aeronave atraviesa las nubes, la turbulencia empieza a calmarse y, de repente, el mundo se abre. La señal del cinturón se apaga. La luz del sol entra por las ventanas de la cabina. Nada ha cambiado abajo, pero todo se siente diferente.
Es este cambio silencioso de perspectiva el que está en el corazón de Into the Blue, el nuevo sencillo del quinto álbum de estudio de Andy Jans-Brown, Airport Departure Lounge, con Cameron Spike-Porter que se lanzará el viernes 28 de agosto.
Construido en torno a la simple imagen de un pasajero que se eleva por encima del clima, Into the Blue se convierte en una meditación sobre esos raros momentos en los que la vida se reorganiza en silencio. Nada ha cambiado fuera, pero de alguna manera todo parece diferente.
Desde treinta mil pies, las ciudades brillan con una belleza inesperada, los problemas se reducen a lo reducido y la frontera entre el miedo y la libertad comienza a disolverse. La vista desde arriba nos recuerda que nuestras vidas suelen ser más grandes que las tormentas por las que pasamos.
Comienza con la frase: «Tengo un libro en el bolsillo, comprado en el aeropuerto, titulado ‘What Lies Ahead When There’s No Future'», la canción hace un guiño a la filosofía contemporánea mientras se niega a rendirse ante el pesimismo. A veces el horizonte siempre estuvo ahí. Simplemente olvidábamos levantar la vista.
Musicalmente, la canción refleja su propio ascenso. Impulsado por la batería propulsora de Grant Gerathy y las guitarras elevadas de Cameron Spike-Porter, Jans-Brown ofrece una de sus interpretaciones vocales más sentidas, equilibrando la vulnerabilidad desgastada con una resiliencia silenciosa. La canción finalmente se convierte en un exuberante solo de guitarra; un momento de liberación que se siente menos como una escapatoria que como una trascendencia, una catarsis ganada a través de la resistencia.
El arreglo captura la sensación de atravesar las nubes hacia un cielo abierto, mientras que sutiles cambios armónicos evitan continuamente lo esperado.
Como gran parte de Airport Departure Lounge, Into the Blue habita el espacio entre la salida y la llegada, el miedo y la maravilla, el duelo y el sentido. Nos recuerda que la perspectiva nunca es fija. A veces el mundo no se ha vuelto más ligero; simplemente hemos recordado una mejor forma de verlo.
Quizá cada viaje sea, al final, un viaje de vuelta hacia nosotros mismos. A través del gris vamos. Hacia el azul.
SOBRE ANDY JANS-BROWN
Andy Jans-Brown es un compositor, cineasta, dramaturgo y artista multidisciplinar australiano cuya obra explora los paisajes emocionales que nos conectan. A lo largo de una carrera de más de tres décadas, ha construido un cuerpo de trabajo distintivo definido por el lirismo poético, la narración cinematográfica y una profunda curiosidad por las fuerzas sociales y psicológicas que moldean la vida contemporánea.
Su quinto álbum de estudio, Airport Departure Lounge (junio de 2026), ha sido ampliamente elogiado por su reflexiva exploración de la incertidumbre, la esperanza y los espacios liminales entre la salida y la llegada. Sigue a los aclamados álbumes dobles Letting Go! (2012), Sunshine Avenue (2014), Hell is Light (2018) y Falling (2024), consolidando aún más a Jans-Brown como una de las voces independientes más distintivas de Australia.
Ha compartido escenario con artistas como Nick Cave and the Bad Seeds, Phil Jamieson, Portugal. The Man y The Preatures.
In 2018, Jans-Brown released Hell is Light, an ambitious project combining a double album with a feature film exploring addiction, recovery and redemption in coastal Australia. The film received Best Film, Best Director and Best Original Soundtrack at the 2019 Pinnacle Film Awards before screening at the Blow-Up International Arthouse Film Festival in Chicago.
Junto a su práctica creativa, Jans-Brown es un actor, creador teatral y educador artístico consumado. Desde 2023, es gerente de proyectos para One Vision Productions, mentorizando a jóvenes de las Primeras Naciones para crear música y películas originales que fomenten el orgullo cultural, la resiliencia y la autoexpresión.
Ya sea escribiendo canciones, dirigiendo películas o creando teatro, la obra de Andy Jans-Brown explora los espacios tranquilos donde la perspectiva cambia y las personas se reencuentran. En lugar de ofrecer certezas, su obra invita a la curiosidad; confiar en que la belleza, el significado, la complejidad y la conexión a menudo se revelan no cuando finalmente tenemos todas las respuestas, sino cuando nos dispuestos a mirar con los ojos abiertos.
Aunque puede que no descubramos un mundo nuevo. Quizá encontremos el camino de vuelta a este.
De mente. Es un track de Punk-Rock, Alternativo en español con guitarras al frente y una letra que cuestiona las divisiones sociales actuales. su sonido va en la línea de proyectos viscerales y melódicos como, Las pelotas, La vela puerca o No te va gustar, entre otros.
Jerestop es un proyecto de rock en español que comenzó de forma independiente pero que gradualmente fue formando un equipo creativo profesional, colaborando con músicos, productores e ingenieros vinculados a la escena musical argentina.
Originally from Buenos Aires, Jeremías discovered writing during his teenage years as a therapeutic tool for channeling and transforming his emotions. Through this creative process, some of his writings naturally evolved into songs, marking the start of his musical journey. His passion led him to experiment with various genres—such as alternative rock, grunge, and punk—reflected in projects like, Parada Obligatoria (2009–2011) in La Plata, where he explored the essence of classic rock, and R.I.P. (Rock Independiente Patagónico) in Neuquén (2015–2020), which focused on a more visceral, rebellious sound.
En 2021, inició su carrera en solitario bajo el nombre artístico Jerestop, abrazando nuevos sonidos y texturas musicales que combinan elementos de rock experimental con matices indie y electrónicos. Su evolución artística ha sido una búsqueda constante de innovación, consolidándole como un creador versátil con un estilo distintivo y auténtico.
Sus tres primeras producciones se crearon en la ciudad de Neuquén antes de trasladarse a Canadá, donde reside actualmente.
Paul Hodes and The Blue Buddha Band Presenta su nuevo sencillo “Swimmin’ With The Sharks”
Valley Entertainment y Big Round Music anuncian el lanzamiento del vídeo lírico y el sencillo «Swimmin’ With The Sharks» en el álbum «The Heartland» de Paul Hodes y The Blue Buddha Band. La canción fue escrita, producida y grabada por Hodes, un excongresista de Estados Unidos. La letra apunta directamente a la corrupción en la política actual, con un estilo irónico, animado y guiado por la guitarra, que recuerda a clásicos del rock y escritores como Warren Zevon y Bob Dylan. El vídeo, disponible en el canal de YouTube Valley Entertainment
destaca a figuras destacadas en la jerarquía política y no se corta con rodeos. Como exmiembro del Congreso por New Hampshire, Hodes sabe perfectamente de qué canta. La canción es una pasada y justo a tiempo para la temporada electoral de Estados Unidos.
James Wesley Haymer Presenta su nuevo sencillo “Coming and Going”
Si Tom Petty y Keith Richards tuvieran un bebé, lo llamarían «Coming and Going». Una canción de rock arrogante y desgastada por la carretera, construida en torno al dilema de siempre: ¿es mejor el mal amor que no tener amor alguno?
Tiene ese groove suelto y vivido, un poco de suciedad en los bordes y un gancho que parece que ha estado yendo de copiloto por una autopista de dos carriles durante años. El narrador sabe que este amor es un problema, pero alejarse podría doler aún más.
«Entrando y saliendo» es para cualquiera que alguna vez haya sabido que debía irse, pero que se quedó de todos modos.
James Wesley Haymer nació en Nueva York y, cuando tenía doce años, su familia se subió al descapotable Cadillac y se dirigió a la soleada California, donde formó Silverspoon, producido por el mánager de gira de los Beatles, Mal Evans. Un año después, el grupo contribuyó a la banda sonora de Helter Skelter, la película de Charles Manson, grabando cuatro canciones de los Beatles.
Tras la disolución de la banda, él y el teclista de Silverspoon, Blair Aaronson, formaron Two Guys from Van Nuys, un dúo al estilo Dylan que era habitual en el café Bla Bla en Studio City y que había tenido grabaciones con Dave Mason y Mike Love de los Beach Boys.
Por insistencia del exmiembro de Silverspoon, Chas Sandford, él y su familia se mudaron a la zona de Nashville y compraron una antigua granja de finales del siglo XIX. Construyó un pequeño estudio casero donde escribió y grabó cuatro álbumes en solitario: See You Around, Field Recordings, Boomtown y Timing is Everything. Su nuevo álbum, Still Moving se publicó en 2024 y se puede encontrar en jameswesleyhaymer.com
MP GREY CON WILL HETHO «Drift & Sway» – Una banda sonora para Dejando ir
Con «Drift & Sway», MP Grey abre un nuevo capítulo sonoro. El sencillo mezcla indie y pop relajado con voces llenas de alma, alcance cinematográfico y ecos sutiles de los años 80. El resultado es una canción moderna y cuidadosamente producida que evoca instantáneamente imágenes vívidas mientras crea espacio para pausarse y respirar.
En su corazón reside la sensación de dejar atrás la vida cotidiana por un momento. Con una mochila ligera y un corazón aún más ligero, el viaje conduce al exterior, hacia la luz del sol en el mar y el ritmo de las olas. Las obligaciones, los plazos y todos los lazos invisibles que nos frenan van perdiendo poco a poco su agarre. «Drift & Swing» narra una partida consciente, un arraigo interior y la experiencia sanadora de dejarse llevar por el momento de nuevo.
Musicalmente, MP Grey traduce este estado mental en un sonido relajado y memorable. Ganchos distintivos, una línea vocal clara y una instrumentación finamente equilibrada llevan su inconfundible sello distintivo. La pista se queda inmediatamente con el oyente sin forzarse nunca a pasar al primer plano: accesible y contemporánea, pero lo suficientemente profunda como para revelar nuevos matices en cada escucha.
Esta vez, Will Hetho aporta un color vocal distintivo a la canción. Su voz se sitúa en un registro medio y se caracteriza por una modulación pronunciada, creando en ocasiones la impresión de que se mueve ligeramente fuera de las líneas armónicas esperadas. Es precisamente esta tensión, combinada con su expresión llena de alma, lo que hace que su voz sea tan cautivadora. Aunque muchos de los lanzamientos anteriores de MP Grey han estado moldeados por la fuerza bruta de la voz de Rudiger, «Drift & Sway» provoca escalofríos de una manera diferente y más sutil.
La interpretación emocional y distintiva de Will Hetho da a la canción un carácter fresco y hace que su actuación sea especialmente cautivadora.
«Drift & Sway» crea imágenes como una cámara Polaroid moderna: los colores cálidos y la sensación nostálgica de décadas pasadas se encuentran con una producción contemporánea. Un pasaje rítmico que recuerda claramente la famosa pausa de batería del clásico de Phil Collins de 1981 «In the Air Tonight» ofrece un momento de reconocimiento juguetón, un guiño musical a uno de los artistas definitorios de esa época.
El saxofón también aporta un toque de estilo ochentero. En lugar de ocupar el protagonismo con un solo extendido, ofrece acentos breves y cuidadosamente colocados. Estas intervenciones rompen el flujo constante de la canción y añaden otra capa de emoción instrumental a su atmósfera relajada.
Detrás de MP Grey está el compositor y productor alemán Martin Polle, cuya música se sitúa deliberadamente a la izquierda del mainstream: melódica, reflexiva y discretamente poderosa. Su historia musical comenzó a la sombra de un Berlín dividido. Formado clásicamente en piano desde niño, más tarde tocó en bandas de rock y comenzó a escribir canciones propias. En su estudio, Polle mezcla Indie Pop, Rock Alternativo y AC Pop con texturas impulsadas por sintetizadores y ocasionales influencias folk.
Con su álbum debut de 2020, «Merged Time», reunió composiciones escritas a lo largo de tres décadas. Desde entonces, ha lanzado numerosos sencillos, ha recibido cobertura en blogs musicales internacionales, ha recibido difusión en emisoras de radio independientes y ha construido una audiencia creciente en todo el mundo. «Drift & Sway» continúa este camino mientras aporta un soplo de aire fresco al sonido de MP Grey. Por encima de todo, la canción habla del arte de soltar – no como un drift sin rumbo, sino como una decisión consciente de seguir el ritmo de las olas y, paso a paso, encontrar el camino de vuelta a uno mismo.
NERVED Presenta su nuevo sencillo “Don’t Lie” featuring Richard Sjunnesson
«Don’t Lie (Revisited)» es la canción de apertura del álbum Kompromat de NERVED. La canción se lanzó originalmente como el primer sencillo cuando la banda celebró su 20º aniversario.
La versión original apareció en Finally Nerved en 2008 y llevó a Janne Stark a escribir que «NERVED puede escribir canciones que hacen que el papel pintado se rize» en la revista Sweden Rock.
Con su título autoexplicativo, la canción trata uno de los pecados capitales que pocas personas logran evitar. Un tema que sigue siendo tan relevante como siempre.
«Don’t Lie (Revisited)» lleva al oyente en un típico viaje de NERVED, donde guitarras masivas y ritmos potentes se encuentran con la electrónica y coros llenos de alma. Petra Kvännås domina la canción con una interpretación vocal que la sitúa firmemente entre las mejores voces del hard rock y metal.
Richard Sjunnesson, de The Unguided y anteriormente Sonic Syndicate, añade sus inconfundibles gruñidos, igual que hizo en la versión de «Electric» de NERVED, que ha superado el millón de reproducciones en Spotify.
La producción reúne a algunos de los mejores creadores de sonido de Suecia. Los fans de Rammstein, Heart, Clawfinger y Within Temptation se sentirán como en casa.
NERVED está formado por músicos experimentados con raíces en un amplio espectro de la escena musical sueca, reuniendo décadas de experiencia de bandas y colaboraciones como Devilicious, Stillborn, Mary Beats Jane, The Guild y The Hardrock Choir, así como conexiones que llegan al ámbito pop internacional a través de colaboraciones vinculadas a Max Martin.
RobMurphy Presenta su nuevo sencillo «Who Did You Think I Was?»
**Rob Murphy lanza la canción de rock con riffs «Who Did You Think I Was?»
Publicada el 28 de agosto de 2026** en el Reino Unido y criada en Cork, Irlanda, el guitarrista y compositor afincado en Salford Rob Murphy toma el foco con su nuevo tema «Who Did You Think I Was?», que sale el 28 de agosto de 2026. Co-creada con el productor y mezclador Sefi Carmel, la canción se inspira en el rock clásico y el blues rock que le atrajeron a la guitarra en 1988, mientras avanza hacia un matiz alternativo más oscuro.
Tras años en bandas irlandesas, bandas de versiones del Reino Unido, conciertos y un reinicio durante la época del confinamiento, este lanzamiento marca otro paso en un capítulo en solitario que comenzó tarde pero con los pies en la tierra. «¿Quién pensabas que era?» es un tema de blues rock impulsado por ri6 sobre la duplicidad—el momento en que te das cuenta de que la gente no es quien dice ser. Construido sobre líneas de guitarra duras, ganchos agudos y la perspectiva directa de Murphy, desarrolla la voz que reveló en «Arms Around the World», su canción de protesta rock para el planeta, publicada el 10 de julio de 2026.
Donde esa canción se alejaba hacia una visión del mundo, esta se centra en la traición personal y las máscaras que la gente lleva, preguntando con una sonrisa y un aguijón: ¿quién pensabas que era? El camino de Murphy—desde coger una guitarra en 1988, hasta su primera banda en 1998, y encontrar su propio sonido durante el Covid—recorre esta canción. Cuando los conciertos desaparecieron y las versiones se detuvieron, la escritura se convirtió en su vía de escape y conexión, dándole espacio para aclarar lo que quería decir y hasta dónde estaba dispuesto a llegar. «¿Quién pensabas que era?» es el sonido de esa elección: canciones honestas, guitarras potentes y una negativa a interpretar un papel que no encaja.
Donde esa canción se alejaba hacia una visión del mundo, esta se centra en la traición personal y las máscaras que la gente lleva, preguntando con una sonrisa y un aguijón: ¿quién pensabas que era? El camino de Murphy—desde coger una guitarra en 1988, hasta su primera banda en 1998, y encontrar su propio sonido durante el Covid—recorre esta canción. Cuando los conciertos desaparecieron y las versiones se detuvieron, la escritura se convirtió en su vía de escape y conexión, dándole espacio para aclarar lo que quería decir y hasta dónde estaba dispuesto a llegar. «¿Quién pensabas que era?» es el sonido de esa elección: canciones honestas, guitarras potentes y una negativa a interpretar un papel que no encaja.
