La Radio del Coach de la Birra
#YConCervezaEsMejor
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Carlos Segura
Amante de la Pizza, la Cerveza
Fútbol y #Rocanrol
Libre pensador, Cervezariano
Libre pensador y libre bebedor
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toma y deja tomar, ley de la birra
Nash the Slash fue un hombre orquesta electrónico y el primer músico en crear su propio sello discográfico, Cut-Throat. Creando música que era una combinación inusual de música clásica, rock progresivo, punk rock e industrial (antes de que tuviera nombre), Nash cautivó al público con sus emocionantes espectáculos, su precisión musical y su dominio del violín eléctrico y la mandolina, los bucles de cinta y las cajas de ritmos controladas por pedales de efectos personalizados. Su rostro vendado y el aire de misterio que lo rodeaba no hicieron más que acrecentar su estatus de culto.
El documental «Nash the Slash Rises Again» se estrenará en 2025.
Estamos en posproducción de nuestro documental «¡Nash the Slash vuelve a la carga!». Se presentará en festivales este verano y estará disponible a finales de este año.
De The Beatles a Daft Punk, repasamos 4 discos que reclaman atención completa, sin cortes, sin interrupciones y sin saltos.
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Daft Punk – The Beatles
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En tiempos de playlists infinitas, donde el “shuffle” reina, hay discos que reclaman atención completa, sin cortes, sin interrupciones y sin saltos. Obras que no son solo una suma de canciones, sino un recorrido con principio, desarrollo y final.
Estos discos están diseñados para ser escuchados en orden, de principio a fin, como si cada track fuera una escena que solo cobra sentido al lado de la anterior.
4 discos que hay que escuchar sin saltearse canciones.
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Patti Smith – Horses
Más que un debut, Horseses una declaración artística feroz y sin filtros. Patti Smith no solo rompe las reglas del rock, las reescribe a su antojo. Su fusión de poesía beat, sensibilidad punk y una espiritualidad cruda convierten cada pista en una escena de una obra mayor. Pero el verdadero poder del disco no está en los singles, sino en el recorrido completo: desde la provocación libre de “Gloria” hasta la elegía íntima que le da cierre, Smith construye un viaje emocional que solo cobra sentido si se escucha en orden, sin saltos, sin interrupciones.
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Daft Punk – Discovery
Discoveryno es solo una colección de hits electrónicos: es una obra que transforma la pista de baile en una odisea emocional y retrofuturista. En él, cada tema pasa al siguiente con una frescura inédita, conectando el funk, el house y el pop con precisión matemática y corazón nostálgico. Desde el brillo inicial de “One More Time” hasta la reflexiva “Too Long”, Daft Punk traza una historia sobre la juventud, el amor y la tecnología.
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Kendrick Lamar – To Pimp a Butterfly
To Pimp a Butterfly es un manifiesto discursivo que se despliega como una película de identidad, resistencia y conciencia racial. Kendrick Lamarconstruye una obra en capas, donde cada pista responde a la anterior y prepara el terreno para la siguiente, tejiendo jazz, funk, soul y rap con una narrativa profundamente personal. La poesía que recita a lo largo del disco crece en fragmentos, tomando sentido completo solo al final, como una revelación.
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The Beatles – Abbey Road
Abbey Roadno es solo uno de los discos más emblemáticos de losBeatles: es su despedida definitiva en clave magistral. Aunque no fue el último en editarse, sí fue el último que grabaron juntos, y eso se siente en cada detalle. La primera mitad ofrece canciones independientes y memorables, pero es en el lado B donde ocurre la magia: una suite de melodías entrelazadas que se suceden sin pausas, creando una experiencia fluida, emotiva y definitiva. Escucharlo en orden y sin saltearse una canción no es una sugerencia, es una necesidad.
Morir de placer está recibiendo excelentes críticas que destacan su gran emotividad y su balance con la comedia.
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Michelle Williams y Jenny Slate en Morir de placer (2025)
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Morir de placeres uno de los recientes estrenos de Disney+. Se trata de una serie basada en hechos reales, cocreada y escrita por Kim Rosenstock & Elizabeth Meriwether. En un mundo en el que la sexualidad de las mujeres es cada vez más libre, elegida y vivenciada desde diferentes experiencias, Morir de placer es una serie actual así como emotiva, divertida y osada.
De qué se trata
La sinopsis reza:
“Cuando Molly (Michelle Williams) es diagnosticada de cáncer de mama metastásico en estadio IV, decide dejar a su esposo, Steve (Jay Duplass). A partir de entonces, comienza a explorar por primera vez en su vida la amplitud y complejidad de sus deseos sexuales. Molly encuentra el valor para lanzarse a esta aventura gracias a su incondicional amiga Nikki (Jenny Slate), una mujer cuya lealtad y cariño hacen que cualquiera quiera levantar el teléfono y llamar a esa amiga de inmediato”.
Quiénes actúan
La serie está protagonizada por Michelle Williams (como la protagonista, Molly), Jenny Slate (como su mejor amiga, Nikki), Jay Duplass (como el marido de Molly, Steve), Kelvin Yu, David Rasche, Esco Jouléy, Rob Delaney y Sissy Spacek.
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Póster de Morir de placer (2025)
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Qué dicen las críticas
Morir de placer está recibiendo excelentes críticas que destacan su gran emotividad, así como el balance con la comedia. En Collider dicen: “Consigue crear un viaje bastante agradable, lleno de tristeza, por supuesto, pero también de risas y alegría de vivir”. Por su parte, desde Mashable afirman: “Una combinación potente y lacrimógena que consigue aligerarse en un notable acto de equilibrio”.
Desde Entertainment Weekly advierten sobre la fuerza dramática de la serie: “Tiene las herramientas para dejarte satisfecho y completamente (emocionalmente) agotado“. Finalmente, en Micropsia Cine aportan: “Lo mejor de la serie pasa por su lado humorístico (…) recae en clichés poéticos más convencionales y/o trillados. Más allá de esos problemas, es muy buena”.
El podcast en el que se basa
La serie está basada en el podcast Dying For Sex perteneciente a Nikki Boyer, amiga de Molly. En este espacio, Molly (quien falleció en 2018) decidió compartir su historia de lucha y su experimentación sexual: “Mi exploración sexual fue una forma de decir: ‘No estoy lista para morir’”. Durante la enfermedad redescubrió su sexualidad apagada, se reconcilió con su madre y llegó a una gran conclusión que expresó en el último capítulo del podcast: “El regalo que me da la muerte es enamorarme de mí misma”.
Estas versiones no solo revelan lo que hay detrás del sonido, sino también lo que hay detrás del artista.
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La mayor parte del público ama el rock por el rugido de las guitarras eléctricas, esa descarga de adrenalina que pocos sonidos igualan. Pero, a veces, despojar una canción de su producción revela algo más profundo. Las versiones acústicas, sin adornos, ofrecen una mirada íntima al proceso creativo, mostrando inflexiones, letras descartadas y una vulnerabilidad que las versiones finales no siempre logran captar.
Estas versiones no solo revelan lo que hay detrás del sonido, sino también lo que hay detrás del artista. Cuando se apagan los amplificadores y solo queda una guitarra acústica y una voz, se abre una puerta a lo íntimo, a lo frágil y lo esencial. Es ahí donde muchas veces se devela el verdadero corazón de una canción, en su forma más simple.
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5 versiones acústicas de clásicos del rock que pasaron a la historia.
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Foo Fighters – “Everlong”
“Everlong” nació como una canción de amor o, más bien, de desamor. Dave Grohl la escribió inspirado por la inminente ruptura de una relación, y su versión acústica revela ese costado íntimo. Sin distorsión ni épica, el tema brilla como una confesión sincera: uno de los momentos más sensibles de Grohl, sin perder ni un gramo de fuerza.
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Oasis – “Where Did It All Go Wrong?”
A fines de los 90, el brillo de Oasis comenzaba a apagarse. En “Where Did It All Go Wrong?”, Noel Gallagher baja la guardia y deja entrever su crisis interna. La versión acústica revela que no canta sobre otro, sino sobre sí mismo: frustrado, decepcionado, consciente de que el sueño se le escurría entre los dedos.
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Nirvana – “All Apologies”
El MTV Unplugged de Nirvana parece una despedida anticipada. En “All Apologies”, Kurt Cobain deja ver su fragilidad con una interpretación rota pero sumamente honesta y natural. Su final, repitiendo “All in all is all we are” como un mantra junto a Grohl, suena más a adiós que a estribillo.
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Eric Clapton – “Layla”
Ningún bluesman escapa al llamado de la guitarra acústica y Eric Clapton lo entendió en Unplugged, donde demostró su impronta sin la necesidad de amplificadores. Su versión íntima y resignada de “Layla”, sin solos ni épicos finales, transforma la canción original en una confesión madura y solitaria.
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The Beatles/George Harrison – “While My Guitar Gently Weeps”
Es difícil que una canción de los Beatles suene mal, pero “While My Guitar Gently Weeps” alcanza una profundidad única en su versión acústica. Sin solos ni adornos,George Harrison la transforma en una confesión melancólica, íntima y poderosa.
El director es Jonas Åkerlund, realizador sueco que inició su relación creativa con Metallica en 1999 con el video de «Whiskey In The Jar».
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Metallica.
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Metallica compartió el primer adelanto de su nuevo documental Metallica Saved My Life, una producción que pone en el centro del relato a quienes sostuvieron el legado de la banda durante más de 40 años: sus fanáticos. El director es Jonas Åkerlund, realizador sueco que inició su relación creativa con Metallica en 1999 con el video de “Whiskey In The Jar”.
La película, que todavía no está terminada, se estrenará en diferentes ciudades seleccionadas durante la etapa norteamericana de la actual gira mundial del grupo. Según la sinopsis, es un viaje íntimo que “explora el mundo de Metallica a través de la vida de sus fans”, recogiendo testimonios de seguidores de todo el planeta.
“Aunque todavía no está completamente terminado, queremos que VOS seas de los primeros en ver nuestro nuevo proyecto cinematográfico (…) Este documental explora nuestro mundo a través de las vidas de los fans que se han acompañado mutuamente en momentos de euforia, dolor, desafíos y victorias durante más de cuatro décadas”.
En el tráiler se destacan historias que evidencian la dimensión del vínculo entre la banda y su público. Desde un sobreviviente de una guerra civil que define a Metallica como “la banda sonora de mi vida”, hasta miembros de la subcultura metalera de Botsuana, quienes aseguran que su música les otorga un “corazón de león”.
Próximamente veremos muchas historias de cantantes en la pantalla grande. Las 5 biopics musicales más esperadas.
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The Beatles – Janis Joplin
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Se vienen años importantes para las biopics musicales. Luego del estreno de María -sobre la cantante de ópera María Callas- y las películas sobre Amy Winehouse, Bob Dylan y Bob Marley, próximamente seguiremos viendo más historias de cantantes en la pantalla grande. A continuación, repasamos las 5 biopics musicales más esperadas.
The Beatles
De qué se trata: Contará la historia de la banda y sus miembros desde la perspectiva de cada uno. Serán cuatro películas.
Quién la dirige: El director es Sam Mendes.
Quiénes actúan: Recientemente se anunció el elenco del film. Paul Mescal estará en la piel de Paul McCartney, Harris Dickinson será John Lennon, Joseph Quinn interpretará a George Harrison y Ringo Starr estará a cargo de Barry Keoghan.
Cuándo se estrena: Se espera que lleguen en algún momento de 2028.
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The Beatles
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Bruce Springsteen
De qué se trata: Deliver Me From Nowhere está basada en el libro homónimo de Warren Zanes y se sitúa a principios de los ’80 durante la grabación de Nebraska, uno de los discos peculiares de la carrera de Springsteen, quien estaba experimentando un éxito arrasador.
Quién la dirige: La película está dirigida por Scott Cooper.
Quiénes actúan: Está protagonizada por Jeremy Allen White en el rol del músico, mientras que Stephen Graham es el padre de Springsteen, Paul Walter Hauser es el técnico Mike Batlan y Odessa Young el posible interés amoroso del protagonista.
Cuándo se estrena: En algún momento de este 2025.
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Bruce Springsteen.
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Janis Joplin
De qué se trata: No hay una sinopsis oficial, pero la actriz protagónica dijo que se grabará en California, lugar que significó mucho para Joplin. “Desde las escaleras de San Francisco hasta las paredes de madera de Sunset Sound, el estado se convirtió en el escenario en el que exploró no solo el mundo de la música, sino también el mundo de su vibrante humanidad”, contó.
Quién la dirige: No se sabe.
Quiénes actúan: La elegida para interpretarla es Shailene Woodley.
Cuándo se estrena: No se sabe.
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Janis Joplin
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Michael Jackson
De qué se trata: Michael profundizará en el legado de la superestrella fallecida en 2009 a los 50 años, a través de algunas de sus recreaciones más emblemáticas.
Quién la dirige: La película está dirigida por Antoine Fuqua.
Quiénes actúan: El encargado de interpretarlo es Jaafar Jackson, sobrino del cantante y bailarín. El elenco se completa con Colman Domingo y Nia Long como los padres de Michael Jackson, Kat Graham como Diana Ross, Kendrick Sampson como Quincy Jones, Miles Teller, Laura Harrier, Jessica Sula y Liv Symone.
Cuándo se estrena: Se iba a estrenar el 3 de octubre, pero ahora la producción planea dividir la historia en dos películas.
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Michael Jackson.
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Carole King
De qué se trata: Beautiful estará basada en el musical Beautiful: The Carole King Musical.
Quién la dirige: Lisa Cholodenko, también responsable de The Kids Are All Right.
Quiénes actúan: Daisy Edgar-Jones había sido la elegida para interpretarla, pero luego se anunció que no lo haría. Aún no hay una actriz definida.
Cuándo se estrena: La llegada de Beautiful podría demorarse ya que hubo severos cambios en la producción.
A lo largo de los años, diferentes figuras ofrecieron sus versiones de “Across the Universe”, aportando algo distintivo del track original.
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The Beatles.
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“Across the Universe” es una de las tantas joyas que se pueden encontrar dentro del catálogo de The Beatles. Escrita por John Lennon en 1967 e incluida en el álbum LetIt Be (1970), la pista estuvo inspirada en la meditación trascendental y un momento de introspección personal.
Con una melodía sencilla cargada de imágenes cósmicas y espirituales, la canción captura la esencia poética de Lennon con frases como “Words are flowing out like endless rain into a paper cup” (“Las palabras fluyen como lluvia sin fin en una taza de papel”).
A lo largo de los años, diferentes figuras del cuarto arte ofrecieron sus propias versiones de “Across the Universe”, cada una aportando su impronta y algo distintivo del track original. Por eso, a continuación te invitamos a descubrir algunos de los mejores covers de esta obra de los Beatles.
De The Office a Happy Days, a continuación repasamos 4 sitcoms que bajaron el nivel cuando perdieron a sus protagonistas.
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The Office
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La fórmula del éxito de una sitcom tiene varios condimentos y uno de los más importantes es su reparto. Sería muy difícil imaginar a Friends sin Jennifer Aniston (Rachel) o a Seinfeld sin Jerry Seinfeld (Jerry). No solo es el personaje o el talento del actor, sino también la forma en la que se relaciona con el resto. Por eso, cuando alguna pieza fundamental falta en una sitcom, puede ser la caída definitiva de la misma. A continuación, 4 sitcoms que bajaron el nivel cuando perdieron a sus protagonistas.
The Office
Steve Carelles, indudablemente, el centro de la versión estadounidense de The Office. El actor interpreta a Michael Scott, un jefe poco ortodoxo y poco adepto al trabajo que dispara los momentos más absurdos y los chistes más inesperados. Carell fue parte de siete temporadas de la serie (en total hubo nueve). Luego de su salida, la producción no volvió a ser la misma, a pesar de que desde el guion buscaron todo tipo de artilugios para suplir su ausencia.
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Two and a Half Men
Más allá de la incorrección política que representaba Charlie Sheen fuera y dentro de la pantalla, su personaje fue el centro de Two and a Half Men. Sheen fue parte de ocho temporadas y, luego de que su personaje muera, fue reemplazado por Ashton Kutcher, quien nunca logró estar a la altura.
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That ‘70s Show
Topher Grace interpretó a Eric Forman, uno de los personajes que mantenía unido al grupo. De hecho, gran parte de la sitcom tiene lugar en el sótano de sus padres. Por eso, cuando el actor dejó la producción para dedicarse al cine y aceptar un papel en Spiderman 3, la sitcom tuvo una caída importante.
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Happy Days
Ron Howard interpretó a Richie Cunningham, el hijo menor de la familia protagónica de la sitcom, durante siete temporadas. Si bien el show tuvo 11 entregas, su personaje fue clave para la trama y el desarrollo humorístico. Su ausencia no fue definitiva para el final, pero sí implicó una importante baja en la calidad y audencia.
Netflix acaba de estrenar una nueva serie animada que se está llevando los aplausos del público y la crítica.
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Devil May Cry, serie animé de Netflix.
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Netflix acaba de estrenar una nueva serie animada que se está llevando los aplausos del público y la crítica. Se trata de Devil May Cry, una creación de Adi Shankar con animación de Studio Mir, basada en la popular saga de videojuegos desarrollados por Capcom y creados por Hideki Kamiya.
Sinopsis
La trama de Devil May Cry indica: “Fuerzas siniestras acechan en el portal entre los reinos humano y demoníaco. En medio de todo esto se encuentra Dante, un cazador de demonios a sueldo, inconsciente de que el destino de ambos mundos pende de su cuello“.
Reparto
Johnny Yong Bosch (Bleach: Thousand-Year Blood War) es Dante.
Scout Taylor-Compton (The Runaways) es Mary.
Hoon Lee (Banshee, Warrior) es White Rabbit.
Kevin Conroy es VP Baines.
Chris Coppola (Beowulf) es Enzo.
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Críticas
Devil May Cry está recibiendo excelentes críticas por parte de la prensa. “No está exenta de defectos, como el horrendo uso de CG, los chistes malos y los personajes predecibles. Aun así, Adi Shankar y Studio Mir crean una divertida adaptación de un videojuego” escribieron en IGN. Para Collider, “es una de las mejores series de animación de 2025 y una de las mejores del año en general“.
Desde Den of Geek afirmaron que es “una serie que resulta tan agradable y apetecible para los recién llegados como para los fans veteranos“. Por su parte, AV Club consideró que “es una divertida carta de amor a las cualidades que lo hicieron popular, así como a los sonidos de la época en que surgió”.
El tráiler de Devil May Cry a continuación y el video de “Afterlife”, canción de Evanescence incluida en la banda sonora de la serie.
Walken es atormentado por una frase que pronunció en Saturday Night Live y que está vinculada con esta banda.
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Christopher Walken.
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No es normal que una banda de rock termine sintiéndose culpable por afectar la vida de una estrella de Hollywood, pero eso es exactamente lo que le pasó a Blue Öyster Cult con Christopher Walken. Desde hace décadas el actor es atormentado por una frase que pronunció en un sketch de Saturday Night Live, al punto de que la propia banda llegó a compadecerse.
Todo comenzó en el año 2000, cuando Walken fue anfitrión del programa nocturno. Entre los segmentos de esa noche participó en un falso documental inspirado en Behind the Music de VH1, que mostraba la grabación del clásico “(Don’t Fear) The Reaper” de Blue Öyster Cult.
En el sketch, Will Ferrell interpretó a Gene Frenkel, un percusionista ficticio obsesionado con hacer sonar su campana por encima de todo. Walken, en el papel de un productor, alentaba sin descanso al músico con la frase: “¿Adivinen qué? Tengo fiebre y la única receta es más campana”.
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Esta escena se convirtió en una de las más memorables de la historia del programa. Sin embargo, nadie imaginó que esa simple broma seguiría a Walken por el resto de su vida. Según Ferrell, el actor llegó a decirle que ese sketch había “arruinado su vida”, aunque nunca supo si lo decía en broma o en serio.
Por su parte, Blue Öyster Cult también quedó atada al chiste. Su guitarrista, Buck Dharma, reconoció en 2020 que la banda no solo tuvo que aceptar la nueva asociación con la campana, sino que incluso comenzaron a tocarla en vivo después del éxito del sketch. Lo más irónico es que, en la grabación original de la canción, el sonido de la campana era apenas perceptible.
“La gente solía llevar campanas a los conciertos… y hay una razón por la que los percusionistas cobran, porque realmente saben tocar la campana (…) Nunca la tocábamos en vivo, pero después del sketch nos sentimos obligados a hacerlo. Así que ahora lo hacemos”, declaró Dharma.
