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Carlos Segura

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Beetlejuice 2 ya tiene fecha de estreno en plataformas: Cuándo y dónde verla

Luego de un provechoso paso por los cines, Beetlejuice Beetlejuice llega al streaming. La secuela dirigida por Tim Burton, que se estrenó más de 30 años después de la original, acercó a nuevas generaciones al personaje y convocó a los fanáticos nostálgicos.

En su trayecto por las salas, la película estadounidense recaudó más de 450 millones de dólares a nivel mundial. Cabe destacar que contó con un presupuesto inicial de 100 millones. En cuanto al elenco, reunió a varias de las figuras protagónicas del film original e incluyó nuevas.

Michael Keaton, Winona Ryder, Catherine O’Hara, Justin Theroux, Monica Bellucci, Arthur Conti, Jenna Ortega y Willem Dafoe lideran el elenco del film que llegará a Max el 6 de diciembre. Si bien esta fecha está pautada para Estados Unidos, se espera que en Argentina también pueda estrenarse antes de fin de año.

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Beetlejuice Beetlejuice (2024)
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La sinopsis oficial de la película adelanta:

“Después de una tragedia familiar inesperada, tres generaciones de la familia Deetz regresan a su hogar en Winter River. Aún atormentada por Beetlejuice, la vida de Lydia da un vuelco cuando su rebelde hija adolescente, Astrid, descubre el misterioso modelo de la ciudad en el ático y el portal al Más Allá se abre accidentalmente. Con problemas en ambos reinos, es sólo cuestión de tiempo hasta que alguien diga el nombre de Beetlejuice tres veces y el travieso demonio regrese para desatar su propio tipo de caos”.

La llegada de Beetlejuice 2 a Max será un gran atractivo para la plataforma, ya que se trata de una de las películas más esperadas, con un importante éxito de taquilla y un contenido pensado para el público familiar.

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Los 5 mejores covers de Metallica

A lo largo de su carrera, Metallica ha experimentado de diversas maneras, con resultados tanto exitosos como polémicos. Aun así, la banda estadounidense logró consolidarse como una de las más icónicas del género, llegando incluso a cautivar a fanáticos de otros estilos musicales. Parte de ese éxito se debe a la habilidad de James Hetfield y compañía para reinterpretar canciones de otras bandas con su propio sello.

La realidad es que los covers siempre estuvieron presentes en la historia de Metallica, sobre todo durante sus primeras presentaciones en vivo, en The $5.98 EP: Garage Days Re-Revisited (1987) y en el festejado disco de 1998, Garage Inc., donde los miembros de la banda le rindieron homenaje a algunas de sus más grandes influencias.

Es por ese motivo que a continuación seleccionamos 5 grandes covers de Metallica.

“Whiskey in the Jar” – Thin Lizzy

La versión de Metallica de “Whiskey in the Jar” de Thin Lizzy tal vez sea una de las más populares de la banda. El cover se convirtió en un emblema de los canales de música a finales de los 90 y principios de los 2000, y le valió al grupo el Grammy a “Mejor Interpretación de Hard Rock”.

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“Die Die My Darling” – Misfits

La versión de Metallica de “Die Die My Darling” de Misfits fue incluida en Garage Inc. y, de alguna manera, mantiene la misma esencia que la canción original de 1984, pero con el toque distintivo del conjunto de thrash metal.

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“Stone Cold Crazy” – Queen

Si la versión original de “Stone Cold Crazy” de Queen ya era potente y estridente, la de Metallica eleva la apuesta, reemplazando las complejidades vocales de Freddie Mercury por mayor velocidad y distorsión en las guitarras.

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“Tuesday’s Gone” – Lynyrd Skynyrd

La versión de Metallica de “Tuesday’s Gone” de Lynyrd Skynyrd muestra un costado más acústico de la banda liderada por Hetfield. Para su reinvención de este clásico, Metallica contó con las colaboraciones de Pepper Keenan, Les Claypool, Jim Martin, Jerry Cantrell, Sean Kinney y John Popper.

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“Turn the Page” – Bob Seger

Cuando Metallica lanzó su versión de “Turn the Page” de Bob Seger, se convirtió en un éxito rotundo. Al igual que “Tuesday’s Gone”, esta reinterpretación reveló otra faceta de la banda, atreviéndose a transformar la canción en una sentida balada de hard rock.

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Matthew Shadley Band

Classical/Instrumental – Electronic – Jazz

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The Matthew Shadley Band Presenta su tema «I’m Alright»

Un homenaje indie moderno al rock de los años 70, orientado a los riffs, con un ligero toque de rock sureño en la sección instrumental. Algo así como Black Crowes y Rolling Stones. 

La Matthew Shadley Band fue formada en 2003 por Matthew Shadley Brauer. Matt, un multiinstrumentista establecido en varias bandas del área de Cincinnati, se unió a su compañero guitarrista y ex compañero de la universidad Jason Scherrer con una sección rítmica temporal y la banda improvisada hizo su debut en octubre de 2003, tocando un set acústico en el 5º Festival Anual Harvest Moon celebrado en la histórica Southgate House en Newport, Kentucky. Brauer y Scherrer agregaron una sección rítmica más permanente y cambiaron a una presentación eléctrica con Brauer en la guitarra principal y la voz principal. Con Chuck Morgan en la batería, Jason Peter en los teclados y Tom Legg en el bajo, la banda evolucionó del folk-rock a un sonido de rock alternativo más melódico impulsado por la guitarra eléctrica. La banda fue comparada con música tan variada como los Beatles, Buffalo Springfield, los Jayhawks, los Black Crowes, Traffic, los Mother Hips y los Wallflowers. Después del lanzamiento de Five Easy Pieces en 2004, la banda mantuvo una apretada agenda encabezando salas y tocando a nivel regional hasta 2006 con Steve Tertel reemplazando a Tom Legg en el bajo. La banda grabó Underneath the Red Light, un álbum en vivo en el House of Blues Madison Theatre en enero de 2005. Se ganaron una reputación como «especialistas en espectáculos en vivo de Cincinnati» (Jan Perry – Cincinnati Post) y continuaron llegando a una audiencia creciente a través de la radiodifusión e Internet mientras tocaban en lugares y presentaciones más grandes, incluido el Midpoint Music Festival, el Roots and Rock Festival, 80’s Pop Rocks y el Festivus Maximus Festival.

La banda redujo su agenda en vivo y continuó trabajando en el estudio hasta 2006 con Brauer manejando las tareas del bajo luego de la partida de Tertel. La banda hizo una pausa más tarde ese año, mientras Brauer continuaba tocando la guitarra y los teclados en una variedad de bandas locales y trabajando como guitarrista de sesión y bajista. Regresó al estudio con material adicional y completó el álbum de larga duración Summer Stone en 2008. Después de una larga pausa, Brauer resucitó el nombre de la banda en 2020 durante la cuarentena nacional por COVID-19 y comenzó a escribir y grabar nueva música. En 2021 lanzó el sencillo «Oh, Karen», que fue escrito durante esas sesiones. En 2022, se lanzó el álbum Emerald. Desde entonces, el trabajo ha continuado con las habilidades de notables músicos de sesión y ex compañeros de banda. En 2023, Brauer lanzó el álbum 1970 Something bajo el nombre de Matthew Shadley Band. El álbum recibió elogios de la crítica en una variedad de blogs y publicaciones de música independiente. «Brauer y su talentoso grupo de músicos han elaborado un álbum que rinde homenaje al pasado al tiempo que establece firmemente su propio sonido único.

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Un hombre infiltrado: Cómo es la serie de Netflix basada en un famoso documental chileno

Netflix acaba de estrenar la divertida serie Un hombre infiltrado. Creada por Michael Schur, la producción estadounidense de 8 episodios está basada en el documental chileno El agente topo (2021) nominado al Oscar.

De qué se trata

El profesor jubilado Charles siente que la vida ya no puede sorprenderlo. Ha pasado un año desde la muerte de su esposa, y él -que no logra despegarse de su rutina- está distanciado de su hija. Pero cuando ve el anuncio de una detective privada, se siente inspirado a correr el riesgo y embarcarse en una misión encubierta para resolver el misterio de una reliquia familiar robada“, reza la sinopsis oficial.

Quiénes actúan

El elenco está encabezado por Ted Danson (CheersThe Good Place y Bored to Death), quien interpreta al jubilado que cambiará la monotonía de su vida con esta misión secreta. Lo acompañan Mary Elizabeth Ellis, Stephanie Beatriz, Lilah Richcreek Estrada, Stephen McKinley Henderson, Sally Struthers, entre otros.

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Una adaptación novedosa

Esta versión novedosa de El agente topo echa mano a la comedia y, lejos del registro documental, sí aborda las diferentes formas de envejecer. Por eso observamos muchas de las rutinas clásicas de la tercera edad, tanto en el personaje principal como en los secundarios.

La importancia de encontrar un propósito en el fin de nuestras vidas es un tema potente dentro de la serie y sobre esto habló el creador con Tudum: “Yo no sabía casi nada sobre El agente topo, y lo sentí muy fuertemente. El héroe, Sergio, está tan maravillosamente forjado, tan real, es un ser humano adorable”.

Es una hermosa meditación sobre la vejez, un asunto sobre el que en este país somos terribles a la hora de confrontarlo, lidiar con él o discutirlo. Muestra la realidad de envejecer para la gente de un amplio espectro -algunos que lo llevan muy bien y otros no tanto- y eso realmente me cautivó”.

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Steven Spielberg y el disco que lo volvió fan de The Beatles

El arte de los Beatles lleva años influenciando a millones de personas alrededor de todo el mundo, no solo a músicos sino también a individuos de otras ramas del arte como puede ser el cine. Un ejemplo de ello es Steven Spielberg.

El director estuvo ligado a la música desde una edad muy temprana gracias a su madre, quien tocaba el piano. “Mi madre era concertista de piano, así que me crié con Chopin, Schumann, Schubert, Brahms y Beethoven. Iba a la escuela secundaria en Phoenix, Arizona. Estaba un poco atrasado”, le dijo el ganador del Oscar a Rolling Stone.

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El disco que lo convirtió en fan de los Fab Four

Sin embargo, su realidad cambió una vez que dejó la casa de sus padres y comenzó la universidad. Allí se encontró con uno de los discos más importantes del cuarteto británico.

Fue entonces cuando salió The White Album y no podía tener suficiente de los Beatles. Por primera vez comencé a entrar en lo que se consideraba normal para alguien de mi edad”, explicó Spielberg.

En otra oportunidad, afirmó:

No era fanático de los Beatles hasta que escuché The White Album y me convertí instantáneamente“.

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La canción punk más energizante según la ciencia

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La música despierta todo tipo de sentimientos y sensaciones en los oyentes, por lo que hace años que la ciencia estudia qué es lo que ciertas canciones o géneros provocan en las personas. A comienzos de 2020, la Universidad de California en Berkeley publicó un estudio en el que científicos analizaron las diferentes respuestas emocionales que provocan géneros como el rock, el folk, el punk, el jazz, la música clásica y el heavy metal.

El estudio se llevó a cabo gracias a la ayuda de 2.500 personas de Estados Unidos y China que calificaron unas 40 muestras de música basándose en 28 categorías diferentes de emoción. Esto dio como resultado que la experiencia subjetiva en distintas culturas puede representarse en al menos 13 sentimientos generales: diversión, alegría, erotismo, belleza, relajación, tristeza, ensoñación, triunfo, ansiedad, miedo, fastidio, desafío y sensación de entusiasmo.

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The Clash
The Clash.
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“Imagínense organizar una biblioteca musical enormemente ecléctica por emoción y capturar la combinación de sentimientos asociados con cada pista. Eso es esencialmente lo que hicimos con nuestro estudio”, dijo el autor principal Alan Cowen, estudiante de doctorado en neurociencia de la Universidad de California en Berkeley. Por su parte, Dacher Keltner, profesor de psicología, agregó: “Documentamos rigurosamente la mayor variedad de emociones que se sienten universalmente a través del lenguaje de la música”.

Una de las pistas estudiadas que más entusiasmo despertó es “Rock the Casbah”, el clásico de The Clash que fue lanzado como el segundo sencillo de Combat Rock, el quinto disco de Joe Strummer y compañía, para luego convertirse en un himno atemporal de la música. Por su parte, “Las cuatro estaciones” de Vivaldi hizo que la gente se sintiera energizada, “Let’s Stay Together” de Al Green evocaba sensualidad y “Somewhere over the Rainbow” de Israel Kamakawiwo’ole provocaba alegría.

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5 canciones inspiradas en ovnis y extraterrestres: Blink-182, David Bowie y más

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Los ovnis fascinan a la humanidad desde hace décadas, convirtiéndose en una fuente de misterio y especulación. A menudo descritos como luces titilantes o naves de formas imposibles surcando el cielo, estos fenómenos no solo despiertan curiosidad, sino que también inspiran un inagotable caudal de teorías y mitos.

Para algunos, son una prueba irrefutable de vida extraterrestre, mientras que para otros representan un desafío a las capacidades de observación de la ciencia. Los avistamientos, desde el famoso caso de Roswell en 1947 hasta los recientes informes desclasificados por gobiernos, lograron alimentar cientos de debates que oscilan entre lo científico y lo conspirativo.

Sin embargo, el impacto de los ovnis en la cultura también es incalculable. Con el paso de las décadas, el cine y la literatura tomaron al enigma extraterrestre, otorgándole una narrativa con toques de asombro, temor y esperanza. La música también lo hizo, brindando grandes canciones basadas en este fenómeno particular.

Desde Blink-182 a Massacre, a continuación te presentamos 5 canciones inspiradas en ovnis o extraterrestres.

“Aliens Exist” – Blink-182

Como su título adelanta, “Aliens Exist” es una canción que habla sobre la existencia de los aliens y su presencia entre nosotros. Tom DeLonge, guitarrista y vocalista del grupo, siempre estuvo obsesionado con el tema y está dedicado totalmente a la ufología.

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“Starman” – David Bowie

David Bowie lanzó “Starman”, un tema del álbum Ziggy Stardust que narra la llegada de un marciano para salvar a la humanidad del apocalipsis.

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“Spaceman” – The Killers

Lanzada como parte del álbum Day & Age (2008), “Spaceman” mezcla la narrativa fantástica de una abducción extraterrestre con una introspección emocional profundamente humana.

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“Zero Zero UFO” – Ramones

Las leyendas del punk hicieron una canción sobre el avistamiento de un ovni. “Si creen que es un montón de mentiras, yo lo vi con mis propios ojos”, canta Joey Ramone en la canción.

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“La nave” – Massacre

“La nave” es un viaje sonoro y lírico que encapsula la capacidad de la banda argentina para fusionar el surrealismo poético con un rock alternativo potente y cargado de emociones. La canción crea una atmósfera espacial, fantástica e hipnótica, que sugiere un viaje a través del cosmos.

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Jon Hamm y Jimmy Fallon recrean el videoclip de “With Arms Wide Open” de Creed

Jon Hamm y Jimmy Fallon deslumbraron a los espectadores de The Tonight Show con una divertida parodia del videoclip de “With Arms Wide Open” de Creed. Después de volver de una tanda publicitaria, Fallon le pregunta a su invitado: “¿Recuerdas cuando solíamos ser Creed?”. “Por supuesto que lo recuerdo, éramos el vocalista principal de la banda” responde Hamm, mientras Fallon añade: “Hicimos ese videoclip en el valle escocés…”.

Después de un flashback, Hamm aparece caracterizado como el vocalista Scott Stapp, recreando el look emblemático del video de “With Arms Wide Open”. Luego se suma Fallon, igualmente transformado en Stapp, y ambos empiezan a cantar a dúo esta canción icónica de finales de los 90.

En su reinterpretación, la dupla logra una versión realmente sorprendente y graciosa en partes iguales. La aplicación excesiva de efectos y la creación mediante inteligencia artificial hace que el video sea tan divertido como incómodo, mientras el actor y el conductor cantan mirándose a los ojos.

a continuación.

Igor Ripari

Classical/Instrumental – Rock/Punk

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Igor Ripari, artista independiente y virtuoso guitarrista, da vida a su pasión por la música con su álbum It’s All About the Guitar.

¿Quién es Igor Ripari?

Igor Ripari es un guitarrista y productor musical afincado en Chicago cuya carrera abarca más de dos décadas de experiencia internacional. Originario de São Paulo, Brasil, su enfoque innovador combina precisión técnica, arte emotivo y técnicas de producción de vanguardia.

Como artista independiente, el trabajo de Igor muestra su versatilidad, desde electrizantes actuaciones en vivo hasta la creación de intrincadas pistas instrumentales como su destacado sencillo Turbulence. Igor también colabora como guitarrista «pistolero a sueldo» y se desempeña como gerente de producto en la industria de la música, ofreciendo experiencia en supervisión de proyectos y dirección creativa.

Sobre el álbum ¡Todo gira en torno a la guitarra!

Chicago, IL — El artista independiente y virtuoso guitarrista Igor Ripari anuncia con orgullo el lanzamiento de su muy esperado álbum, It’s All About the Guitar. Este proyecto instrumental es un sincero tributo a la pasión de toda la vida de Ripari por la guitarra y los artistas icónicos que lo inspiraron.

Mezclando riffs intrincados, ritmos dinámicos y solos melódicos, el álbum muestra la maestría técnica de Ripari y su emotiva narración. Con más de dos décadas de experiencia en música y producción, Ripari integra a la perfección elementos analógicos y digitales, creando una experiencia sonora única para los oyentes

«Este álbum es mi carta de amor a la guitarra», compartió Ripari. «Es una celebración del viaje, de los héroes que me influyeron y del poder de la música para conectar e inspirar.

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Sobre el solo Turbulence

Esta electrizante pista instrumental es un destacado de su álbum It’s All About the Guitar y un ejemplo perfecto de la capacidad de Ripari para mezclar la destreza técnica con la emoción cruda.

Repleto de riffs intrincados, solos altísimos y energía implacable, Turbulence captura el caos y la intensidad que su nombre sugiere. El uso innovador de Ripari de técnicas de producción modernas añade un toque contemporáneo a su estilo característico.

 «La turbulencia representa el viaje impredecible y estimulante de la vida y la música», explica Ripari. «Es un tema que traspasa los límites y rinde homenaje al poder de la guitarra».

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El sencillo ya está disponible en las principales plataformas, ofreciendo a los oyentes una emocionante experiencia auditiva que cautivará tanto a los entusiastas de la guitarra como a los amantes de la música instrumental.

It’s All About the Guitar ya está disponible en las principales plataformas de streaming

• Escucha It’s All About the Guitar en tu plataforma de streaming favorita.

• Para más información o consultas para entrevistas, póngase en contacto con nuestro equipo.

• Conozca más sobre el trabajo de Ripari a través de su sitio web.

Craig Erickson

Jazz – Pop – R&B/Soul

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Craig Erickson presenta su tema «What I Pray»

«What I Pray» es una mezcla de reggae, pop, rock y blues con un fuerte gancho y algunas letras oportunas. La canción fue escrita para compartir un mensaje positivo universal de esperanza para tiempos confusos y difíciles. Cuenta con un solo de guitarra conmovedor, un ritmo contagioso y fuertes coros.

El compositor, guitarrista y vocalista Craig Erickson ha trabajado con algunos de los mejores músicos en el negocio de la música, incluidos Glenn Hughes, Rob Wasserman, Chris Duarte, y ha tocado con miembros de The Dooble Brothers, Santana, Eric Gales, Walter Trout y muchos otros. Ha tenido muchas canciones en las principales películas y programas de televisión.

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