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Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

Scary Movie 6: qué películas va a parodiar y cuándo estrena

Scary Movie está de vuelta. Desde el estreno de Scary Movie 5 en 2013, la franquicia estaba en pausa. Ahora, más de 10 años después, el público está más que ansioso por conocer la propuesta de Scary Movie 6, el film que se estrenará a mediados de año y que aún no ha lanzado ningún tráiler oficial.

Las películas de terror que serán parodiadas

Si bien aún no se difundieron imágenes del film, el sitio Dread Central reveló cuáles serán algunos de los principales títulos contemporáneos que formarán parte de la nueva entrega. Y la selección apunta a éxitos recientes.

Entre ellos figura Sinners (2025), el musical de vampiros que se convirtió en la película más nominada en la historia de los Oscar. También aparecerá La hora de la desaparición (2025), uno de los films más celebrados del último año, cuya carga dramática y terrorífica promete material fértil para la parodia. No faltará tampoco el body horror de La sustancia (2024), así como fragmentos reconocibles de sagas populares como Un lugar tranquilo (2018) y Terrifier (2018).

La elección confirma que la nueva película, con dirección de Michael Tiddes, buscará dialogar con el terror más reciente y con fenómenos que el público tiene aún frescos en la memoria.

Scary Movie 3
Scary Movie 3. Foto: Dimension Films.

El regreso del elenco original y nuevas incorporaciones

En cuanto al reparto, la sexta entrega contará con el regreso de figuras históricas como Regina HallAnna FarisLochlyn MonroeDave SheridanCheri OteriChris Elliott y Jon Abrahams. Entre las nuevas incorporaciones se suman Damon Wayans Jr.Kim Wayans y Heidi Gardner, ampliando el universo cómico de la franquicia.

El film llegará a los cines el 12 de junio y el guionista Marlon Wayans adelantó a Entertainment Weekly que será una película “de igual oportunidad para ofender a todos». Y agregó: “Solo queremos hacer reír a todo el mundo, no nos importa si eres sensible. Incluso las personas sensibles necesitan reírse de sí mismas”.

Con su humor irreverente y espíritu provocadorScary Movie 6 busca recuperar la esencia que convirtió a la saga en uno de los fenómenos paródicos más taquilleros de los años 2000.

Los 6 mejores power trios de la historia

Hoy repasamos los mejores power trios de todos los tiempos, esos que marcaron épocas y cambiaron la música para siempre

Los 6 mejores power trios de la historia

The Police / Cream

Desde sus comienzos hace décadas atrás, el formato de trío conformado por guitarra, bajo y batería fue una de las fórmulas más concisas y potentes del rock. Aunque una mayor cantidad de instrumentos ofrece más posibilidades sonoras, reducirlos a únicamente tres obliga a cada intérprete a dar lo mejor de sí y que el sonido se mantenga compacto pero expansivo.

Las bandas que mejor supieron explotar esta estructura se convirtieron en referentes del cuarto arte, no solo por su virtuosismo individual, sino también por su química, presencia en vivo y capacidad de reinventar lo que un trío podía hacer. Por eso, hoy repasamos los mejores power trios de todos los tiempos, esos que marcaron épocas y cambiaron la música para siempre.

6. Motörhead

Formado en 1975 por Lemmy Kilmister (voz y bajo), Larry Wallis (guitarra) y Lucas Fox (batería), Motörhead fue, sin lugar a dudas, uno de los mejores power trios gracias a su estilo de hard rock brutal que anticipó el thrash metal. Su guitarra-bajo-batería se convirtió casi en sinónimo de velocidad, lo que volvió a la banda una referencia, especialmente después de que su mítico single “Ace of Spades” (1980) alcanzara altos puestos en Reino Unido.

5. The Police

Compuesto por Sting (voz y bajo), Andy Summers (guitarra) y Stewart Copeland (batería), The Police explotó desde finales de los 70 con una fusión de rock, reggae y new wave que asombró a propios y extraños. Su álbum Synchronicity (1983) fue número uno en múltiples países, y el sencillo “Every Breath You Take” se quedó con el Grammy de Canción del Año.

4. Rush

El trío canadiense formado por Geddy Lee (bajo y voz), Alex Lifeson (guitarra) y Neil Peart (batería) es uno de los mejores power trios por llevar el rock progresivo al mainstream. Con álbumes como 2112 (1976) y Moving Pictures (1981), Rush vendió millones de discos y se convirtió en uno de los nombres más respetados en la historia del rock.

3. Nirvana

Aunque su carrera fue relativamente breve, el conjunto formado por Kurt Cobain (voz y guitarra), Krist Novoselic (bajo) y Dave Grohl (batería) redefinió el rock de los 90. Sus letras introspectivas y sonido crudo dejaron una marca imborrable en el cuarto arte, especialmente tras la salida de Nevermind (1991), el LP que los llevó a estar en boca de todos. Su sencillo “Smells Like Teen Spirit” rompió barreras y la banda se convirtió en referente del grunge, vendiendo más de 30 millones de copias solo con ese álbum.

2. The Jimi Hendrix Experience

Formada en 1966 por Jimi Hendrix (guitarra y voz), Noel Redding (bajo) y Mitch Mitchell (batería), esta agrupación supo quedar en la historia gracias a innovación y sonido. En solo tres años publicaron trabajos fundamentales como Are You Experienced? (1967) y Electric Ladyland (1968). Su técnica, la experimentación con el feedback, wah-wah y efectos, los posicionó como pioneros del hard rock y de la psicodelia.

1. Cream

El conjunto británico formado por Eric Clapton (guitarra y voz), Jack Bruce (bajo y voz) y Ginger Baker (batería) no compartió demasiado tiempo (nació en 1966 y se separó en 1968, con breves reencuentros en 1993 y 2005), pero en ese corto lapso de tiempo marcaron historia. Su tercer álbum, Wheels of Fire (1968), fue el primer doble álbum de rock en alcanzar el estatus de platino, mientras que tracks como “Sunshine of Your Love”, “White Room” y “Crossroads” redefinieron lo que un trío podía lograr en términos de volumen, virtuosismo y presencia.

3 bandas fundamentales para entender el rap metal

La posmodernidad llegó con la fusión de los géneros en el mundo del arte, algo que también derivó -en muchos casos- en la extinción de los mismos. En lo que respecta a la música, a mitad del siglo XX los artistas comenzaron a experimentar mezclando sus influencias de diferentes géneros -algo en lo que The Beatles hicieron un aporte paradigmático- y así nacieron nuevas sonoridades.

A mediados de los 80 nació la fusión entre el heavy metal y el hip hop, que se conoce como rap metal. Muchas bandas comenzaron a tomar elementos de estos géneros musicales que pueden presentarse como totalmente opuestos y que derivan de tradiciones muy diferentes, pero que tuvieron un fuerte impacto en la cultura popular.

Un ejemplo de vanguardia fue «Sabotage» de Beastie Boys, que vio la luz en 1994 y explotó la cultura de los samples utilizando el famoso riff del tema homónimo de Black Sabbath y parte de su base de batería para rapear sobre ello.

Así, el rap metal tiene diferentes manifestaciones: puede contener una base melódica metalera e incluir una sección rapeada, o, en cambio, las bases pueden derivar del hip hop aunque la interpretación sea cercana al heavy metal. Por el momento de su explosión, muchas de estas bandas gozaron de popularidad gracias a la fuerte presencia en canales de televisión musicales como MTV.

3 bandas fundamentales del rap metal.

Limp Bizkit

La banda se formó en 1994 pero recién en 1999 lograría un éxito masivo. Fred Durst es el vocalista y compositor, y su estilo como cantante está más ligado al hip hop, aunque no escatima en guturales cuando la canción lo requiere. Su estética también responde al mundo urbano, pero la base de guitarras y rítmica proviene del metal. Entre sus canciones clave se cuentan «Break Stuff», «Nookie» y la versión de «Behind Blue Eyes» de The Who.

P.O.D. (Payable on Death)

La banda formada en 1992 tiene una fuerte impronta cristiana y su estilo navega entre el nu metal, el metal alternativo y el grunge, aunque la interpretación vocal suele contener rap. En hits como «Youth of the Nation», el ritmo varía de una base hiphopera a patrones metaleros. Además, combina solos de guitarra más cercanos al heavy pero una letra de denuncia rapeada.

Linkin Park

Las tres bandas mencionadas pueden enmarcarse tanto en el rap metal como en el nu metal y Linkin Park es, posiblemente, la más representativa de este último. Uno de sus recursos principales para lograr un sonido propio fue la inclusión de teclados -algo que los acercó más al metal sinfónico-, aunque el aspecto más característico era la convivencia del rapeo de Mike Shinoda y las melodías del fallecido Chester Bennington (ahora reemplazado por Emily Armstrong).

5 personajes del cine que traumaron a los millennials

Casi todos son villanos, algunos más sanguinarios que otros; algunos son sobrenaturales y otros, de carne y hueso. Pero los cinco personajes de películas que repasamos a continuación tienen en común el haber traumado a las audiencias milenial que, aún hoy, ya como adultos, recuerdan con escalofríos a cada uno de ellos.

Tronchatoro – Matilda

Si nos muestran una gran torta de chocolate, es muy probable que pensemos en la película Matilda y en la directora Tronchatoro, una mujer temeraria que les hace la vida imposible a los alumnos del colegio al que asiste la protagonista. A través de inteligentes planos en contrapicado, un peinado bien tirante y un uniforme con reminiscencias militares, se construyó este personaje que no necesita ser sobrenatural para provocar terror y trauma en los espectadores —y, ciertamente, en los personajes del film—.

El hombre pálido – El laberinto del fauno

En la película de Guillermo del Toro, vemos a una niña enfrentarse a un ser fantástico que le encomienda una difícil tarea y, además, le da una importante lección en un momento convulso de la historia de España. Del Toro es un verdadero maestro a la hora de diseñar criaturas y, con El hombre pálido —un hombre que tiene los ojos en las palmas de las manos—, realmente alcanzó su punto máximo, haciendo de esta figura una presencia inquietante incluso para quienes no vieron la película.

La otra madre – Coraline

Dicen que los ojos son la ventana del alma pero, tanto en el personaje antes citado como en el que abordamos ahora, esta parte del cuerpo resulta la más perturbadora. Este personaje, La otra madre, es uno de los villanos de la historia: busca encerrar a la niña protagonista y colocarle botones en los ojos, tal como los que ella tiene. Con solo ese detalle, el personaje se construye como profundamente traumático.

Lord Voldemort – Harry Potter

Para quienes leyeron los libros antes que las películas, Voldemort ya era un personaje temible y escalofriante, tanto por sus acciones como en lo conceptual. El apodado “El Innombrable” es un villano implacable, sin arrepentimientos y con la muerte como objetivo, y cuando la obra fue adaptada al cine, su estética fue inquietante. Encarnado por Ralph Fiennes, este personaje resulta tan traumático en el papel como en la pantalla.

Regan MacNeil – El exorcista

Regan MacNeil no azotó las pesadillas solo de los millennials, sino también de generaciones anteriores y posteriores. El personaje de la niña poseída traumó incluso a la propia actriz que la interpretó, Linda Blair, y también a las audiencias, que quedaron mucho más atormentadas por ella que por cualquier otra criatura del cine de terror.

La ley de Las Vegas: la nueva comedia animada para adultos que llegó a Netflix

Para los amantes de la animación para adultos, Netflix acaba de estrenar la serie La ley de Las Vegas. Se trata de una propuesta provocadora, de comedia ácida y un cóctel de referencias a la cultura popular que fascinará a quienes disfrutaron de programas como Rick and Morty y Bojack Horseman.

Creada por Cullen Crawford, la historia sigue a Lincoln Gumb, un abogado que ejerce en Las Vegas y se enfrenta a casos insólitos en un entorno que desafía cualquier lógica. El personaje cuenta con la voz de Adam Scott, conocido por su trabajo en Severance. Tras la muerte de su madre, una figura destacada en el ámbito legal local, Lincoln intenta sostener una ética rígida en un contexto que la pone a prueba.

Un dúo improbable en una ciudad desbordada

El contrapunto llega con Sheila Flambe, una maga callejera que acompaña al protagonista en sus aventuras. El personaje tiene la voz de Janelle James (Abbott Elementary). La dinámica entre ambos sostiene gran parte del tono de la serie: él intenta aplicar la ley con seriedad; ella aporta caos y desparpajo. El elenco se completa con las voces de Aimee García, Stephen Root, Keith David, Shannon Gisela, George Wallace, Paget Brewster, entre otros.

La ley de Las Vegas es una comedia sin miedo a la incorrección y Las Vegas funciona como el escenario perfecto para que un protagonista acartonado tenga que enfrentarse a las situaciones más insólitas y así también cambiar su punto de vista sobre el derecho vs. la realidad.

Recepción de la crítica

En lo que respecta al recibimiento por parte de la crítica, la recepción fue mayormente positiva. Desde Variety celebran el humor filoso: «La densidad de chistes de La ley de Las Vegas, tan poco frecuente en la televisión estos días, la hace enormemente simpática. También lo hacen las interpretaciones vocales«. Por otro lado, NME destacó que: «La comedia legal animada de Netflix es cruda, tonta y muy divertida». Desde el mismo medio le dieron cuatro estrellas sobre cinco y la recomendaron enfáticamente: «Merece la pena embarcarse por los inventivos lugares a los que llega el creador Cullen Crawford».

En IGN señalaron similitudes con Rick and Morty y hasta con Los Simpson: «La ley de Las Vegas es una serie que es consciente de sí misma como programa de televisión, que marca el ritmo mientras lo lanza todo contra la pared… y la mayor parte se queda pegado». Sin embargo, no todas las miradas fueron entusiastas. The Hollywood Reporter cuestionó que la serie prioriza las referencias por encima de la construcción narrativa. Con su mezcla de sátira legal cultura popLa ley de Las Vegas busca un lugar dentro del competitivo terreno de la animación para adultos.

Man on the Run llegó a Prime Video: qué dijo Paul McCartney sobre la película

Man on the Run, el documental sobre la gesta de Wings, llegó a Prime Video. Tras una larga espera, el film que narra el giro musical de Paul McCartney después de la ruptura de The Beatles ya se encuentra disponible en streaming.

La película, dirigida por Morgan Neville, presenta material de archivo —incluyendo registros y música inédita— en el que aparecen John Lennon, Ringo Starr, George Harrison, Mick Jagger y otras figuras de la música. A esto se suman entrevistas y los testimonios del propio McCartney sobre cómo, junto a su esposa Linda, formó una banda distinta que no tardó en irrumpir en la escena de la música popular como una de las más relevantes de los años 70. De hecho, el título del documental remite al tercer disco del grupo, Band on the Run.

La sinopsis oficial describe al film como “un retrato íntimo del recorrido de Paul McCartney tras The Beatles junto a su esposa Linda y Wings. El documental, dirigido por Morgan Neville, ganador del Óscar, explora la reinvención de McCartney a través de imágenes de archivo inéditas que capturan tanto las dificultades como los triunfos de su redefinición en una nueva era musical”.

Paul McCartney en Man on the Run. Foto: Prime Video

La reseña de McCartney sobre el documental

Por su parte, Paul McCartney inauguró ayer su cuenta en Letterboxd y, además de listar sus películas favoritas, publicó su propia reseña sobre el documental: “Es una locura; como si una etapa de mi vida pasara ante mis ojos. Es maravilloso porque está lleno de distintas emociones y facetas. Una de las cosas más importantes para mí es ver tanto a Linda, lo cual es genial para mí y para los niños”.

Lo cierto es que la película no solo exhibe el costado más talentoso y fascinante del músico nacido en Liverpool, sino también sus aspectos más cotidianos y menos rockeros. Aun así, él y el director decidieron mostrar su personalidad completa. “Hay partes que dan vergüenza ajena. Incluso le pregunté a Morgan Neville si deberíamos quitar algunas; como cuando cantaba ‘Mary Had a Little Lamb’ con una nariz roja y la banda llevaba trajes ridículos. Pensé que quizá no lo necesitábamos. Pero me dijo que no, que funcionaba, y que los altibajos hacían que el final pareciera más merecido. Creo que tiene razón”.

Como cierre de su opinión sobre Man on the Run, McCartney reflexionó: “En general, es un éxito. La gran pregunta después de The Beatles era: ¿cómo seguir con eso? ¿No te molestas? Y si lo intentás, ¿cómo? Creo que lo hicimos de una manera particularmente alocada, y eso es lo bueno de la película: muestra cómo lo logramos”.

A 30 años de Trainspotting: 5 razones por las que sigue siendo icónica

¿Qué hace que una película trascienda el paso del tiempo? A 30 años de su estreno, Trainspotting continúa siendo descubierta por nuevas generaciones, citada por cinéfilos y revisitada como una obra clave del cine de fin de siglo.

5 razones por las que Trainspotting sigue siendo icónica.

Los personajes

Se trata de una historia coral, en la que el protagonista es Mark Renton, un joven heroinómano interpretado por Ewan McGregor. Su vida se resume en pasar el tiempo sin ocupaciones —algo que se plasma en el concepto del título, que implica perder el tiempo mirando los trenes pasar— y también en la cofradía que tiene con sus amigos.

Sick BoySpud, Tommy y Begbie componen el elenco principal y cada uno de ellos representa un prototipo de los jóvenes hijos de la clase trabajadora de Edimburgo. El paso entre la adolescencia y la adultez, la hermandad que habilita el consumo y la idea de que serán todopoderosos por siempre son los pilares que sostienen a este grupo. Ese entramado coral también habilita el humor negro que equilibra las escenas más crudas.

La música

Si hay algo con lo que recordamos a Trainspotting instantáneamente, es con su banda sonora. El film cuenta con una recopilación de canciones de la época y otras en clave retro que cooperan en la construcción de una postura de los personajes ante la vida y el mundo. Blur, Iggy Pop, Brian Eno, Underworld, New Order y más integran este soundtrack en el que reina la música alternativa. La escena inicial con “Lust for Life” se convirtió en una de las aperturas más reconocibles del período.

La cultura de la época

La película se basa en la novela homónima de Irvine Welsh, publicada tres años antes del film, en 1993. Así, la historia se presenta como un reflejo de la cultura de drogas y anticapitalismo de los noventas y la realidad de los jóvenes sin una perspectiva hacia el futuro.

Por momentos, Trainspotting toma referencias directas e indirectas de La naranja mecánica (1971) para sumergirse en un mundo de padres automatizados o inexistentes y de jóvenes desenfrenados para quienes la vida no significaba nada. Un sentimiento propio del fin de milenio.

La innovación cinematográfica

Dirigida por Danny Boyle, la película logra atrapar al espectador desde el comienzo. Una de las razones es el frenetismo de la introducción, que se construye con un monólogo donde queda asentada la filosofía contra la que el protagonista se rebela. Este monólogo inicial de Renton establece el conflicto central mientras la cámara acompaña su huida por las calles de Edimburgo.

El montaje fragmentado, los recursos visuales y las secuencias que traducen la experiencia de la adicción al lenguaje cinematográfico marcaron tendencia. La propuesta estética influyó en buena parte del cine alternativo posterior.

El tono

El destino de casi todos los personajes es trágico: asistimos a sobredosismuertes traumáticas y abandono de la sociedad y la familia. Sin embargo, aun así, el director apela al humor negro y a escenas vitalizantes para el espectador.

Posiblemente sea este uno de los más grandes aciertos del film, aunque también es el que presenta una encrucijada: ¿es Trainspotting una romantización de las adicciones o una historia moralista sobre el uso de drogas? La ambigüedad es parte de toda su fuerza.

4 películas populares para ver en Netflix esta semana

El catálogo de Netflix ha recibido nuevas películas para entretener a diversos públicos. Dramas bélicos, thrillers políticos, documentales y más se sumaron a la oferta de la plataforma de la N y lograron llamar la atención del público.

4 películas populares para ver en Netflix.

Cortafuego

2026 – Dir. David Victori

Elenco: Belén Cuesta, Joaquín Furriel, Candela Martínez, Enric Auquer, Bernabé Fernández, Candela Martínez, Elena Silva.

Duración: 107 minutos.

Origen: España.

Un bosque, un incendio que no perdona y una desaparición que lo cambia todo. Lo que empezó como un fin de semana para cerrar heridas en familia se convierte en una pesadilla real.

El vínculo sueco

2026 – Dir. Thérèse Ahlbeck, Marcus Olsson

Elenco: Henrik Dorsin, Sissela Benn, Jonas Karlsson, Marianne Mörck, Jonas Malmsjö, Carl Jacobson, Johan Glans.

Duración: 102 minutos.

Origen: Suecia.

«En esta historia de la vida real poco conocida, un burócrata sueco se convierte en héroe al intentar salvar a judíos durante los días más oscuros de la Segunda Guerra Mundial», reza la sinopsis oficial de este film que se centra en la figura de Gösta Engzell, quien trabajaba como funcionario para el Ministerio de Asuntos Exteriores sueco y fue un héroe anónimo. Se trata de un thriller político intenso por los hechos reales que presenta y la revisión de la historia.

La reina del ajedrez

2026 – Dir. Rory Kennedy

Elenco: Tatev Abrahamyam, Harut Akopyan, Garry Kasparov, Judit Polgár, Sofia Polgár, Susan Polgar, Rachel Wolf.

Duración: 95 minutos.

Origen: Estados Unidos.

«La prodigio húngara del ajedrez Judit Polgár desafió al campeón Garry Kaspárov y a su controlador padre durante 15 años, rompiendo las barreras de género para hacerse hueco entre los grandes nombres de este juego», adelanta la sinopsis de este documental que retrata la vida y la carrera de la jugadora que ya se encuentra retirada, pero es considerada la mejor de la historia.

El mundo temblará

2025 – Dir. Lior Geller

Elenco: Oliver Jackson-Cohen, Jeremy Neumark Jones, Charlie MacGechan, Michael Epp, David Kross, Michael Fox, Danny Scheinmann, Adi Kvetner, Anton Lesser.

Duración: 109 minutos.

Origen: Reino Unido.

«La impactante historia real de Micha? Podchlebnik y Solomon Weiner, dos prisioneros que se convirtieron en los primeros en escapar del campo de exterminio de Chelmno en enero de 1942, y que valientemente dieron testimonio de los horrores perpetrados por el régimen alemán. De los más de 320.000 judíos enviados a Chelmno, solo sobrevivieron cuatro: dos de ellos fueron Weiner y Podchlebnik, que lo arriesgaron todo para sacar a la luz la verdad. Situado cerca de Lódz, Chelmno fue uno de los seis campos de exterminio creados exclusivamente para el asesinato en masa durante la Segunda Guerra Mundial».

Foo Fighters anuncia su nuevo disco y estrena canción

Foo Fighters anunció su nuevo álbum de estudio tituladoYour Favorite Toy, que verá la luz el próximo 24 de abril. Además, el grupo compartió la canción que da nombre al disco, el segundo adelanto luego de “Asking for a Friend”.

Your Favorite Toy será el duodécimo trabajo de estudio del conjunto y el primero con el baterista Ilan Rubin, quien asumió el puesto en 2025 tras la salida de Josh Freese. Coproducido por la banda junto a Oliver Roman, es el primer larga duración desde But Here We Are, publicado en 2023, poco más de un año después del fallecimiento del histórico baterista Taylor Hawkins.

El single “Your Favorite Toy” exhibe un pulso inquieto, una combinación de guitarras acústicas y eléctricas y un groove orientado al baile impulsado por Rubin. La voz de Dave Grohl, cubierta de distorsión, adopta un tono desafiante y mordaz que refuerza el carácter directo del tema.

Foo Fighters - Your Favorite Toy
Foo Fighters – Your Favorite Toy

En términos sonoros, retoma ciertos matices bailables explorados en Medicine at Midnight y los combina con la crudeza de But Here We AreEl resultado es una pieza enérgica, claramente concebida para los shows en vivo.

En un comunicado, Grohl explicó que la canción fue determinante para definir el rumbo del álbum. «‘Your Favorite Toy’ fue la clave que desbloqueó el tono y la dirección energética del nuevo disco. La encontramos después de más de un año experimentando con distintos sonidos y dinámicas. El día en que tomó forma supe que debíamos seguir ese camino”, señaló.

Según el músico, el tema funcionó como «la mecha» de un conjunto de canciones que terminaron de dar forma al proyecto. El lanzamiento del nuevo álbum estará acompañado por la gira «Take Cover», que contará con la participación de Queens of the Stone Age como invitados especiales y una serie de presentaciones en diferentes festivales.

«Your Favourite Toy» a continuación.

Foo Fighters – Your Favorite Toy:
01. Caught In The Echo
02. Of All People
03. Window
04. Your Favorite Toy
05. If You Only Knew
06. Spit Shine
07. Unconditional
08. Child Actor
09. Amen, Caveman
10. Asking For A Friend

10 canciones icónicas de bandas que no fueron cantadas por su vocalista principal

La identidad de una banda está marcada por muchos factores, pero uno de los más determinantes es la voz de su cantante. Aunque algunos grupos logran reinventarse con un cambio de vocalista, en la mayoría de los casos, la voz principal se convierte en el sello que define su éxito. Sin embargo, existen excepciones memorables: canciones interpretadas por integrantes que no son los vocalistas principales.

10 temas icónicos de bandas que no fueron cantados por su cantante habitual.

The Police – «On Any Other Day»

Esta canción de The Police no está cantada por Sting y es una de las tres compuestas e interpretadas por el baterista Stewart Copeland. Si bien Sting no asumió la voz principal, sí aportó los coros.

Weezer – «Cold Dark World»

Cuando en 2008 Weezer lanzó su Red Album, estaba claro que la banda apostaba a la experimentación. Aunque Rivers Cuomo es el vocalista principal, en la segunda mitad del disco decidió ceder protagonismo y dejar que cada miembro interpretara una canción. “Cold Dark World” fue una de ellas y estuvo a cargo del bajista Scott Shriner.

Nirvana – «Marigold»

Dave Grohl comenzó a desarrollarse como cantante con Foo Fighters, aunque durante sus años en Nirvana ocupó el puesto de baterista y también aportó en los coros. Para el lanzamiento de In Utero, la banda incluyó en el lado B una canción llamada “Marigold” que, para sorpresa de los fans, estaba interpretada por Grohl.

Queen – «’39»

Este tema de estilo folk fue escrito e interpretado por Brian May, guitarrista de la banda. Si bien Queen tenía como sello distintivo la potente e inconfundible voz de Freddie Mercury, en esta oportunidad cedió la voz principal a May, quien demostró tener un estilo propio y completamente diferente al de su compañero.

The Beach Boys – «Sail On, Sailor»

El origen de esta canción no está claro en lo que respecta a sus compositores. Si bien sería una idea original de Van Dyke Parks y Brian Wilson, también participaron Jack Rieley, Tandyn Almer y Ray Kennedy, aunque Wilson se negó a participar de la grabación. Así, el tema está interpretado por Blondie Chaplin, quien fue parte de la banda durante un breve período.

The Rolling Stones – «Happy»

Keith Richards es conocido por ser uno de los más grandes guitarristas del rock and roll, pero también se ha animado al canto, tanto en discos solistas como en algunas canciones de The Rolling Stones. Este es el caso de «Happy», que también está compuesta por él y se volvió una de las más icónicas de Richards, la cual interpreta en vivo con frecuencia.

Foo Fighters – «Cold Day in the Sun»

Además de haber sido un baterista excepcional con Foo Fighters, el fallecido Taylor Hawkins fue un destacado cantante y lo demostró en proyectos paralelos, tales como NHC, The Coattail Riders, en sus discos solistas e incluso en los shows en vivo de Foo Fighters. De hecho, en el disco acústico In Your Honor interpretó «Cold Day in the Sun», canción que también compuso.

Red Hot Chili Peppers – «Pea»

Este es uno de los temas más curiosos de One Hot Minute (1995), ya que no solo está cantado por el bajista Flea, sino que además está instrumentado únicamente con bajo y voz. Se trata de una suerte de blues paródico, de menos de dos minutos de duración, en el que el bajista se define como un guisante y despliega una larga lista de insultos.

Blur – «Coffee And TV»

Este tema fue compuesto por el guitarrista Graham Coxon -habla de su lucha contra el alcoholismo- y también fue él quien lo interpretó en la grabación, en lugar de Damon Albarn, vocalista de la banda, que solo aportó coros. La canción es una de las más exitosas del disco 13, gracias también a su original videoclip, y mostró la faceta de Coxon como cantante.

Pink Floyd – «Have a Cigar»

El tema incluido en Wish You Were Here, disco de cinco canciones dividido de manera equitativa entre David Gilmour y Roger Waters, no fue interpretado por ninguno de los dos. Para esta canción, que inicia el lado B del álbum, contaron con la participación del cantante estadounidense Roy Harper.