La Radio del Coach de la Birra
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Carlos Segura
Amante de la Pizza, la Cerveza
Fútbol y #Rocanrol
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Libre pensador y libre bebedor
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toma y deja tomar, ley de la birra
Voces en mi cabeza es una canción de la artista venezolana de rock alternativo Gaby Domingo, lanzada el 26 de septiembre de 2025 como parte de su disco en proceso.
El tema nace desde un lugar profundamente personal, donde la ansiedad, la autoexigencia y la sensación de no ser suficiente se transforman en música.
La canción cuenta con la participación de la artista argentina PRISET, integrándose como parte del universo emocional del tema y ampliando su narrativa sonora desde otra voz dentro del mismo espacio musical.
Desde su inicio, la canción lo deja claro: “El fuego que llevo por dentro no va a ser suficiente…”
A lo largo del tema, se desarrolla una sensación constante de pensamiento interno, presión y sobrecarga emocional, que se traduce en un diálogo que no se detiene.
En palabras de Gaby Domingo:
“Yo hago la música desde un lugar donde quiero que la gente no se sienta sola. Yo creo que estos tipos de sentimientos hay que exponerlos también en las canciones, porque son cosas que no siempre se hablan en la música. Cuando yo escucho canciones así, pienso: ‘esta persona ha sentido lo mismo que yo’, y no me siento tan sola en el mundo.”
En el corazón del tema aparece una idea que se repite como eje emocional: “Hay voces en mi cabeza…”
Una frase que representa ese ruido interno constante, donde los pensamientos “gritan problemas” y “desatan tormentas”, reflejando el peso de la autoexigencia y el miedo a no cumplir con las propias expectativas.
Musicalmente, Voces en mi cabeza es rock alternativo intenso, con guitarras potentes y una carga emocional directa.
La producción estuvo a cargo de Adrik, mientras que las guitarras fueron interpretadas por Arnaldo Rodríguez y Jimmy Hernández. La portada fue creada por la ilustradora Samantha Durán. El proyecto cuenta además con un visual oficial disponible en YouTube.
Más allá de su sonido, la canción funciona como un espacio de conexión emocional: una forma de transformar pensamientos internos en algo que pueda ser compartido, entendido y acompañado por otras personas.
Voces en mi cabeza está disponible en Spotify, Apple Music y YouTube.
Los blockbusters explotaron en los años 80, con una renovación del cine estadounidense que apuntaba a llenar las salas y a captar a un público familiar con historias universales.
El señor de los anillos: El retorno del rey (2003)
Los blockbusters explotaron en los años 80, con una renovación del cine estadounidense que apuntaba a llenar las salas y a captar a un público familiar con historias universales que, en varios aspectos, se acercaban al Hollywood clásico y se alejaban de la “oscuridad” del Nuevo Hollywood de los años 70. La lógica de los tanques de esta industria continúa hasta la actualidad y, con diferentes matices y avances, ha seguido una fórmula que aún fascina al público.
Los 10 mejores blockbusters de los últimos 50 años, según Collider.
10. Avengers: Infinity War
2018 – Dir. Joe Russo, Anthony Russo
Las películas de superhéroes son los blockbusters de nuestro tiempo. Si bien actualmente atraviesan un momento crítico, el UCM supo entregar producciones que fueron verdaderos fenómenos, y Avengers: Infinity War es prueba de ello. Gracias a su virtuosismo audiovisual, sus entrañables personajes, las secuencias de lucha y el humor, este film logró enamorar a un público inconmensurable.
9. Misión imposible: Fallout
2018 – Dir. Christopher McQuarrie
Con un presupuesto de 170 millones de dólares, el film tuvo una recaudación mundial de más de 800 millones de dólares. Pero no solo se destacó por su éxito en taquilla, sino también por el nivel que alcanza dentro del género de acción, la interpretación de Tom Cruise y la propuesta emocionante que representa.
8. Matrix
1999 – Dir. Lana Wachowski, Lilly Wachowski
Dirigida por las hermanas Wachowski, esta película cerró el milenio en medio de teorías conspirativas sobre el dominio de las máquinas y el fin del mundo con la llegada del 2000. El film cuenta con el rol protagónico de Keanu Reeves, quien terminó de consagrarse en Hollywood con el papel de Neo. Matrix logró ser un verdadero éxito de taquilla —lo que impulsó tres secuelas— y se convirtió en una película de culto, con una gran comunidad de fanáticos en todo el mundo.
7. Terminator 2: El juicio final
1991 – Dir. James Cameron
Existen pocas buenas secuelas, y James Cameron puede preciarse de haber firmado una de ellas. La ciencia ficción y la acción se amalgaman en esta historia que nos sitúa frente a dos androides que se apoderan de un adolescente para que sea el salvador de la Tierra.
6. Titanic
1997 – Dir. James Cameron
Este es, posiblemente, el mayor hito de la década de los 90 en cuanto a fenómeno de taquilla y despliegue técnico, además de una de las historias de amor con dejos shakesperianos más amadas del cine. La película combina cine catástrofe, amor prohibido y una historia basada en hechos reales: una fórmula que difícilmente pudiera fallar y que, al día de hoy, continúa representando una de las historias de amor más impactantes de la cultura pop de las últimas décadas.
5. El caballero de la noche
2008 – Dir. Christopher Nolan
La segunda entrega de esta trilogía no solo logró un gran éxito de taquilla, sino también una alta valoración del público y la crítica. Protagonizada por Christian Bale y Heath Ledger, este film es una joya de acción que no deja de lado la profundidad psicológica ni la representación de las estructuras más oscuras de la política.
4. E.T.
1982 – Dir. Steven Spielberg
E.T. es una de las películas más importantes de la filmografía de Steven Spielberg. La historia de un extraterrestre que pasa un tiempo en la Tierra y logra entablar amistad con humanos se estrenó en 1982 y quedó en el corazón de los espectadores hasta la actualidad. En parte, esto se debe a su enfoque familiar y universal, acorde a la lógica de los blockbusters de los 80.
3. Indiana Jones y la última cruzada
1989 – Dir. Steven Spielberg
Esta película unió a Harrison Ford y Sean Connery en los roles de hijo y padre, y ambos mostraron una química notable frente a la cámara, además de encarnar una de las caras más mainstream de Hollywood. Como en toda la saga, la acción es la piedra angular, pero también presenta la particularidad de incorporar humor y emotividad.
2. Star Wars V: El imperio contraataca
1980 – Dir. Irvin Kershner
Si bien los fanáticos de Star Wars tienen dificultades para elegir la mejor entrega de la saga, El imperio contraataca se ubica en lo más alto. El film se despliega con gran precisión dentro del mundo de la ciencia ficción: cuenta conexcelentes secuencias de enfrentamiento y también con momentos más bien dramáticos, sobre todo en el vínculo entre Luke y Yoda, así como en la tensión que impone la figura de Darth Vader.
1. El señor de los anillos: El retorno del rey
2003 – Dir. Peter Jackson
La tercera parte de esta saga épica y fantástica obtuvo 11 nominaciones a los Oscar y resultó ganadora en todas las categorías en las que fue postulada, igualando así a Ben-Hur y Titanic. Entre los premios que obtuvo el film de Peter Jackson se cuentan Mejor guion adaptado, Mejor director y Mejor banda sonora. Además, se convirtió en la segunda secuela de la historia en alzarse con el Oscar a Mejor película, después de El padrino II.
Tom Rothman, presidente y director ejecutivo de Sony Motion Picture Group, dio a conocer su propuesta para que la gente vuelva a los cines.
El cine y su exhibición, tal como lo conocíamos, atraviesan un momento complejo desde hace varios años. Mientras las plataformas de streaming se llevan gran parte de la atención del público y de los derechos de distribución, aún hay muchos trabajadores del séptimo arte que bregan por la conservación de las salas y los estrenos en ellas.
Sobre esto habló Tom Rothman, presidente y director ejecutivo de Sony Motion Picture Group, en el marco de la CinemaCon. Como forma de incentivar al público a acudir a los cines, propuso acortar los tráilers que se proyectan antes de la película elegida, así como también los spots publicitarios: “Dejen de depender de la publicidad”, expresó con contundencia.
Según su punto de vista, los espectadores “ni siquiera ven los tráilers” y, como ya conocen el mecanismo de exhibición, llegan más tarde para ahorrarse el tiempo de publicidades y teasers, lo que los convierte en “atracciones desperdiciadas”. Desde su conocimiento de la industria, Rothman sugirió: “Eliminen la publicidad interminable y acorten sustancialmente los largos pre-shows”.
Hay que ampliar los plazos de proyección
En la misma línea, el director de Sony instó a productores y distribuidores a que los films permanezcan más tiempo en cartelera y no estén tan rápidamente disponibles en plataformas de streaming. De este modo, el público volvería a elegir el cine como primera opción para los estrenos: “Hay que ampliar los plazos de proyección. Sí, incluso si eso significa que no se pueden proyectar todas las películas”, agregó.
En este sentido, vale señalar que, cuando se trata de ciertas películas, Netflix suele estrenarlas durante pocos días en cines y luego las incorpora rápidamente a su catálogo. Lo mismo sucede con los films producidos por Disney+ y Prime Video, mientras que otros estrenos ni siquiera pasan por salas y se lanzan de forma exclusiva en servicios de streaming.
En otro análisis sobre la actualidad del cine como industria y como arte, Rothman escribió en The New York Times acerca de la abundancia de secuelas, remakes y biopics que pueblan las salas por encima de historias originales y novedosas: “A pesar del éxito de las películas basadas en propiedades intelectuales ya existentes, la originalidad es esencial para el cine. Ni las salas ni el arte cinematográfico en sí pueden sobrevivir sin al menos algo de originalidad. Al fin y al cabo, no se puede hacer una secuela de la nada”.
Pocas sagas literarias han logrado llegar a niños y adolescentes como lo hizo Harry Potter, pero hay otras opciones si ya la leíste.
Harry Potter. Foto: Hansons / SWNS.
Pocas sagas literarias han logrado llegar a niños y adolescentes como lo hizo Harry Potter. La serie de libros escrita por J. K. Rowling fue un verdadero suceso a comienzos de los años 2000 y, hasta la actualidad, sigue captando nuevo público y generando diversas adaptaciones al cine y a la televisión. A continuación, tres libros para leer si te gustó Harry Potter.
Las crónicas de Narnia – C.S. Lewis
Al igual que Harry Potter, esta saga literaria también fue llevada al cine con gran éxito. La magia, los personajes fantásticos, la presencia de niños y las fuerzas del bien y del mal son elementos centrales en la historia de unos niños que, al jugar, cruzan a un mundo fantástico. A diferencia de la saga de Rowling, estos libros incorporan el aspecto de la realeza, ya que, a medida que crecen, se convierten en reyes y reinas de la tierra de Narnia. Aunque comparten la oposición entre espacios realistas y mágicos y la lucha con seres que poseen diferentes poderes, esta saga de siete libros también muestra similitudes con Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll.
Las crónicas de Narnia – C.S. Lewis
La escuela del bien y del mal – Soman Chainani
La primera entrega de esta saga se publicó en 2013, por lo que la influencia de Harry Potter es más que palpable. Al igual que en los libros de Rowling, asistimos a las peripecias de un grupo de jóvenes que asisten a una escuela para convertirse en villanos y héroes de cuentos de hadas. La magia también cumple un rol fundamental, así como el ambiente propio de los colegios y la rivalidad entre los personajes que representan el bien y el mal. La historia fue llevada a la pantalla de la mano de Netflix en 2022 y está protagonizada por Charlize Theron.
La escuela del bien y del mal – Soman Chainani
La peor bruja – Jill Murphy
Publicada en 1974, esta novela se inclina más bien hacia la comedia. Pero, si los lectores buscan libros que narren el aprendizaje de jóvenes brujos dentro de una institución, es una opción infaltable. Si bien en el libro de Rowling el protagonista es un mago prodigio, estas novelas se centran en una bruja que no logra destacarse entre el resto.
Por otro lado, a diferencia de Harry Potter, estos libros están más orientados a niños y preadolescentes, ya que la trama, los personajes y los elementos que componen la narración no tienen la complejidad que proponen los libros de Rowling. Las obras de Murphy fueron adaptadas al cine y a la televisión en diversas oportunidades desde los años 80 hasta la actualidad.
Te recomendamos tres películas que llegaron recientemente a la plataforma y recibieron excelentes comentarios.
Rental Family (2025).
De lo estrenado en Disney+ hace algunos días, tanto series como películas, no todo recibió buenas críticas. Te recomendamos tres películas que llegaron recientemente a la plataforma y recibieron excelentes comentarios.
Pizza Movie
2026 – Dir: Nick Kocher, Brian McElhaney
Duración: 97 minutos.
Reparto: Gaten Matarazzo, Sean Giambrone, Peyton Elizabeth Lee, Marcus Scribner.
Mejores críticas: «Es el tipo de placer culpable bajo en calorías que ofrece suficientes ingredientes nuevos a una comida que ya has probado muchas veces» (Roger Ebert); «Un encantador retorno a las comedias de fumetas que lo inspiraron» (Collider); «Mantiene las carcajadas mezclando humor gonzo, asqueroso y meta» (The Film Stage).
Un grupo de universitarios baja al vestíbulo de su residencia a por una pizza. El único problema es que van puestos hasta las cejas de una droga casera, y el sencillo viaje de bajar dos pisos se convierte en una odisea transformadora que les vuela la cabeza.
Rental Family
2025 – Dir: Hikari
Duración: 103 minutos.
Reparto: Brendan Fraser, Mari Yamamoto, Takehiro Hira, Akira Emoto.
Mejores críticas: «Los momentos previsibles se suceden con jocosos estallidos de comedia y preciados destellos de entrañable autenticidad» (La Vanguardia); «Brendan Fraser consigue un estelar vehículo en la inteligente comedia de Hikari» (The Hollywood Reporter); «Resulta refrescante ver al reparto, mayoritariamente japonés, en una comedia muy especial que disfrutará toda la familia» (Deadline).
En el Tokio actual, un actor estadounidense lucha por encontrar un propósito en la vida hasta que consigue un trabajo inusual: trabajar para una agencia japonesa de familias de alquiler, interpretando papeles de suplente para desconocidos. A medida que se sumerge en el mundo de sus clientes, comienza a establecer vínculos genuinos que difuminan las líneas entre la actuación y la realidad. Al enfrentarse a las complejidades morales de su trabajo, redescubre el propósito, la pertenencia y la tranquila belleza de las relaciones humanas.
Mike y Nick y Nick y Alice
2026 – Dir: BenDavid Grabinski
Duración: 107 minutos.
Reparto: Vince Vaughn, James Marsden, Eiza González, Keith David y Jimmy Tatro.
Mejores críticas: “Es ingeniosa, veloz, tiene escenas de acción bien coreografiadas y por momentos es muy graciosa» (MicropsiaCine); “Vince Vaughn es doblemente problemático en una comedia de acción muy divertida” (Variety); «El doble de Vince Vaughn, el doble de diversión en una comedia de viajes en el tiempo hecha para ser emitida en streaming» (IndieWire).
Dos gángsters y la mujer a la que aman intentan sobrevivir a la noche más peligrosa de sus vidas, en la que está implicada una máquina del tiempo.
Era un momento en que el rock todavía convivía con otros géneros sin límites demasiado rígidos, y esa permeabilidad le hacía bien.
Queen en 1981 – Foto: Queen Productions Ltd
En 1976, el rock seguía siendo popular, sobre todo en la radio. Las canciones que competían en el Hot 100 de Billboard lo hacían en igualdad de condiciones con el pop, el soul y la música country, y no era raro encontrar baladas o piezas más enérgicas.
Ese año fue especialmente generoso con algunas bandas. Steve Miller Band, Peter Frampton y Fleetwood Mac colocaron tres canciones, cada uno, en posiciones altas del chart a lo largo de los meses. Wings, Aerosmith, Queen y Electric Light Orchestra también tuvieron presencia con varios de sus temas.
Era un momento en que el rock todavía convivía con otros géneros sin límites demasiado rígidos, y esa permeabilidad le hacía bien. A continuación, seleccionamos cinco canciones que definieron la radio en aquella época.
Peter Frampton – «Baby I Love Your Way» (N.º 12 Hot 100)
La canción había aparecido originalmente en el álbum homónimo de Frampton en 1975, pero fue la versión en vivo del doble álbum Frampton Comes Alive! la que la convirtió en un éxito de radio. La grabación en directo conservaba una calidez que la versión de estudio no terminaba de alcanzar. Frampton capturó en ella algo sencillo y difícil a la vez: una canción de amor que no incomoda ni aburre.
Kiss – «Beth» (N.º 7 Hot 100)
La historia detrás de «Beth» es tan improbable como su éxito. La canción comenzó como cara B de «Detroit Rock City» antes de que la discográfica decidiera darle vuelta al sencillo en agosto de 1976. El resultado fue el mayor éxito comercial en la historia de Kiss, ganador de un People’s Choice Award en 1977. Peter Criss la había escrito originalmente cuando integraba la banda Chelsea, con una letra diferente. La versión definitiva, con su arreglo orquestal y la voz desnuda del baterista, resultó ser la más improbable de las apuestas y la más rentable.
Boston – «More Than A Feeling» (N.º 5 Hot 100)
Tom Scholz tardó cinco años en terminar esta canción. Ese dato, que podría leerse como una anécdota obsesiva, explica en parte por qué «More Than a Feeling» suena tan bien construida. Fue una de las piezas que Scholz presentó para conseguirle a Boston su contrato discográfico, y al llegar a la radio en 1976 funcionó de inmediato.
Wings – «Silly Love Songs» (N.º 1 Hot 100)
Paul McCartney escribió esta canción como respuesta a quienes lo criticaban por componer «canciones de amor superficiales». La ironía del tema funcionó a la perfección: «Silly Love Songs» llegó al número uno del Hot 100 y se convirtió en el single n°27 de McCartney en alcanzar esa posición a lo largo de su carrera.
Queen – «Somebody to Love» (N.º 13 Hot 100)
Queen llevaba varios años sorprendiendo con cada nuevo giro creativo y «Somebody to Love» no fue la excepción. Freddie Mercury, inspirado por Aretha Franklin, construyó junto a Brian May y Roger Taylor un arreglo coral en el que las tres voces fueron superpuestas mediante técnicas de capas hasta simular la presencia de un coro de góspel completo.
El cantante dejó de lado los matices más ásperos característicos de Cobain y se inclinó por una interpretación más melódica.
Alice Cooper.
“Smells Like Teen Spirit” sigue resistiendo el paso del tiempo. La canción de Nirvana, que se volvió un himno de la banda y del grunge en general, continúa sonando en las radios, aparece en películas y también sigue siendo versionada, incluso por grandes figuras del rock. De hecho, fue Alice Cooper quien ofreció una versión de la canción incluida en Nevermind, en el marco del festival Coopstock.
Este evento benéfico celebró el fin de semana su edición número 28 y Cooper decidió deleitar al público con este cover, aunque con su impronta. Lo acompañó su banda, conformada por Ryan Roxie, Glen Sobel, Chuck Garric, Tommy Henriksen y Nita Strauss, quienes respetaron la canción al pie de la letra; sin embargo, en lo que respecta a la interpretación vocal, el cantante estadounidense no optó por una “imitación” de Kurt Cobain, sino por una versión más ligada al rock clásico.
En esta versión, el cantante dejó de lado los matices más ásperos característicos de Cobain y se inclinó por una interpretación más melódica, aunque igual de potente, lo cual hizo que el público lo acompañara con un gran pogo. Por su parte, el festival Coopstock contó con una grilla conformada por John Oates, el guitarrista de Kiss Tommy Thayer y Roger Clyne & The Peacemakers.
La razón por la que a Kurt Cobain no le gustaba «Smells Like Teen Spirit»
A pesar de ser uno de sus más grandes éxitos, Kurt Cobain nunca tomó demasiado en serio esta canción y mucho menos cuando se convirtió en un símbolo de todo lo que el líder odiaba acerca del ascenso de la banda hacia la no deseada fama. En 1994, le bridó una entrevista a la revista Rolling Stone y confesó que nunca había querido cantar, solo tocar la guitarra y componer sus propias canciones. Allí mismo, contó el motivo por el que le tenía cierto desprecio a la popular canción y a los fans que llegaron con ella.
«Todos se enfocaron tanto en esa canción. La gente la oyó en MTV un millón de veces, está metida en sus cerebros. Pero creo que hay muchas otras canciones que escribí que son igual de buenas, o incluso mejores, como ‘Drain You’. Definitivamente es tan buena como ‘Teen Spirit’, amo la letra y nunca me canso de tocarla. Aunque, tal vez, si fuera tan famosa como ‘Teen Spirit’, no me gustaría tanto […] Apenas puedo soportar tocar ‘Teen Spirit’. Me dan ganas de tirar mi guitarra e irme. No puedo fingir que disfruto tocarla».
Esta nueva versión está incluida en la banda sonora de la película Mile End Kicks.
Avril Lavigne versiona «Ironic» de Alanis Morissette.
Avril Lavigne lanzó su propia versión del clásico «Ironic» de Alanis Morissette, incluida en la banda sonora de la película Mile End Kicks. La grabación respeta la instrumentación original del tema y aporta la impronta vocal característica de Lavigne.
La comedia romántica cuenta con Barbie Ferreira, conocida por su papel en Euphoria, como Grace Pine, una joven crítica musical que se muda a Montreal en 2011 con el propósito de escribir una novela sobre Jagged Little Pill, el disco seminal que Morissette publicó en 1995. El elenco se completa con Devon Bostick y Stanley Simons.
La elección de Lavigne para esta versión no es casual. Ambas artistas comparten no solo la nacionalidad canadiense sino también una historia en común con esa canción: en 2005, Lavigne fue convocada como invitada sorpresa en el show de Morissette en el House of Blues de Los Ángeles, donde interpretaron «Ironic».
La noticia llega en un momento de bastante actividad para Morissette, quien tiene prevista una gira por el Reino Unido e Irlanda para este año, con presentaciones en Cork, Exeter, Woodstock, Glasgow y Londres, entre otras ciudades. La artista también fue confirmada como el reemplazo de Neil Young en el festival State Fayre de Chelmsford, después de la cancelación de la gira del músico.
Este personaje fue creado en 1983 de la mano de Roger Slifer y Keith Giffen, y nació como una parodia de los antihéroes.
Stan Lee.
En el mes de junio, los cines recibirán a Supergirl, la nueva película de Craig Gillespie que se centrará en el oscuro origen de Kara Zor-El antes de llegar a la Tierra. Ya se ha conocido el primer adelanto, parte de la premisa y también el conjunto de personajes que aparecerán en el film. Y los fans de Stan Lee notaron un detalle muy peculiar.
Como personaje secundario de esta película aparecerá Lobo, que era el predilecto del escritor de cómics, tal como dijo en 2012: “Mi favorito es Lobo». Este personaje fue creado en 1983 de la mano de Roger Slifer y Keith Giffen, y nació como una parodia de los antihéroes que comenzaron a poblar los cómics en aquel momento.
Si bien es un personaje interesante, solo apareció en la segunda temporada de Krypton —la serie precuela de Superman— y este será su debut en la pantalla grande en un film de live action. Dadas sus características físicas, el elegido para interpretarlo ha sido Jason Momoa, quien en 2023 dijo en diálogo con Fandango: “Lobo fue siempre mi favorito y estaría dispuesto a encarnarlo si se abre la oportunidad”.
Jason Momoa como Lobo.
Cómo es Lobo
En lo que respecta al origen del personaje, desde la web oficial de DC explican: «Lobo nació en el planeta utópico de Czarnia. Por desgracia para ellos, la idea de un mundo perfecto para este pendenciero malhablado era un mundo cubierto de moretones y sangre. Aniquiló a toda su civilización y se convirtió en el último de su pueblo«.
En cuanto a sus características morales y físicas, suman: «Lobo vela por sus propios intereses ante todo y siempre tiene un plan para sacar provecho a costa de los demás. Aunque le gusta usar armas, en realidad no las necesita. Su superfuerza hace que sus puños sean perfectos para golpear. Si a eso le sumamos sus avanzados poderes curativos y su insaciable sed de sangre, se ha convertido en un enemigo increíblemente difícil de detener, a menos que logres engañarlo para que haga un trato».
Supergirl se estrenará el 26 de junio de 2026 y está protagonizada por Milly Alcock, quien interpreta a la heroína. También se suman al elenco Matthias Schoenaerts, Eve Ridley, David Krumholtz y Emily Beecham. Se trata de uno de los tanques más esperados de este año y ha generado gran expectativa en torno a la renovación de los films de superhéroes.
A continuación, 4 películas de drama, comedia y romance.
Eddington de Ari Aster.
El catálogo de HBO Max se renueva constantemente, pero hay títulos que logran destacarse por encima del resto. A continuación, 4 películas de drama, comedia y romance que acaban de llegar y tenés que ver.
Eddington
2025 – Dir: Ari Aster
Duración: 150 minutos.
Reparto: Joaquin Phoenix, Pedro Pascal, Emma Stone, Austin Butler, Deirdre O’Connell, Micheal Ward.
En esta sátira de Ari Aster, la animosidad entre el sheriff y el alcalde de un pequeño pueblo enfrenta a sus habitantes en la pandemia de 2020.
Algo viejo, algo nuevo, algo prestado
2024 – Dir: Hernán Rosselli
Duración: 106 minutos.
Reparto: Javier Abril, Maribel Felpeto, Alejandra Cánepa, Hugo Felpeto, Leandro Menéndez.
Tras la muerte de su padre, la joven Maribel Felpeto queda a cargo de la compleja empresa familiar: un negocio de apuestas clandestinas.
Exterminio: El templo de los huesos
2026 – Dir: Nia DaCosta
Duración: 110 minutos.
Reparto: Jack O’Connell, Alfie Williams, Ralph Fiennes, Erin Kellyman, Chi Lewis-Parry.
En esta segunda parte, mientras Spike intenta sobrevivir junto a un culto satánico, el Dr. Kelson conduce un experimento audaz y disruptivo.
Stan Olszewski, un guardia de seguridad, frustra un intento de robo en la residencia de Cynthia Rand. Se desarrolla una intensa amistad a partir de textos humorísticos nocturnos. Su vínculo cada vez más profundo sacude la vida de ambos.
