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Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

Qué ver en HBO Max: 4 series similares a Rick and Morty

Si estás viendo la novena temporada de Rick and Morty y ya estás pensando en qué otras series similares puedes encontrar en la plataforma, a continuación te ahorramos el trabajo y te recomendamos cuatro producciones animadas.

                                                                    Rick & Morty. & Me

Si estás viendo la novena temporada de Rick and Morty y ya estás pensando en qué otras series similares podés encontrar en la plataforma, a continuación te ahorramos el trabajo y te recomendamos cuatro producciones animadas que podés ver.

The Venture Bros.

Episodios: 84.

Origen: Estados Unidos.

Cuenta las aventuras y desventuras de dos adolescentes, Hank Venture y Dean Venture: su «súper científico» padre, Thaddeus «Rusty» Venture; y el guardaespaldas de la familia, el agente del gobierno Brock Samson. La serie homenajea y parodia el estilo de las viejas series de acción de Hanna-Barbera, especialmente Jonny Quest.

Un show más: Las cintas perdidas

Episodios: 9.

Origen: Estados Unidos.

Mordecai y Rigby son los amigos que trabajan y viven en un parque local. De alguna manera, sus trabajos mundanos siempre se convierten en un caos surrealista, para disgusto de su jefe y sus compañeros. Desde colarse en el luau de un amigo hasta buscar el lugar más dulce para echarse una siesta, evitar el trabajo se convierte rápidamente en frustrar desastres surrealistas… de la forma más divertida y entretenida.

Smiling Friends

Episodios: 27.

Origen: Estados Unidos.

Las vivencias de los empleados de una empresa que se dedica a hacer felices a los demás, en un bizarro pero colorido mundo.

Efectos colaterales

Episodios: 10.

Origen: Estados Unidos.

Marshall y Frances, excompañeros de laboratorio, revelan una conspiración en la que están implicadas las grandes farmacéuticas y el gobierno para extraer un hongo que podría contener la solución para curar todas las enfermedades del mundo.

5 canciones fundamentales de la psicodelia

La psicodelia irrumpió en la música popular a mediados de los años 60 como una respuesta directa a los cambios culturales, sociales y químicos de la época.

Pink Floyd
Pink Floyd

La psicodelia irrumpió en la música popular a mediados de los años 60 como una respuesta directa a los cambios culturales, sociales y químicos de la época. Bandas que hasta entonces se movían dentro de estructuras convencionales, empezaron a experimentar con nuevas texturas sonoras, efectos de estudio y la incorporación de elementos electrónicos, con intención de trasladar a la música las sensaciones asociadas al consumo de sustancias como el LSD.

Esto no se limitó a un estilo o una escena en particular, sino que tuvo epicentros tanto en Londres como en San Francisco, y encontró en el estudio de grabación una herramienta tan importante como los propios instrumentos. De esa etapa surgieron discos y canciones que redefinieron los límites del rock y sentaron las bases de géneros que vendrían después.

5 canciones fundamentales de la psicodelia.

The Beatles – «Strawberry Fields Forever»

Editada como single doble junto a «Penny Lane» en febrero de 1967, «Strawberry Fields Forever» marcó un quiebre en la producción de The Beatles. Compuesta por John Lennon, la canción combinó dos tomas grabadas en tonalidades y tempos distintos, unidas mediante manipulación de velocidad de cinta, además de mellotron, instrumentos de viento y cuerdas procesadas.

Pink Floyd – «Echoes»

Incluida en el álbum Meddle (1971), «Echoes» es una composición de más de 23 minutos que ocupa la totalidad del lado B del disco. Construida a partir de un característico sonido de submarino generado con un piano procesado a través de un amplificador Leslie, la pieza atraviesa múltiples secciones instrumentales y vocales, y es considerada un punto de inflexión hacia el rock progresivo dentro de la obra de la banda.

The Jimi Hendrix Experience – «Are You Experienced»

Publicado en 1967, el single homónimo del disco debut de The Jimi Hendrix Experience redefinió el uso de la guitarra eléctrica dentro del rock psicodélico. A través de efectos como el wah-wah, el fuzz y la grabación en reversa, Hendrix construyó un lenguaje sonoro propio que combinaba virtuosismo instrumental con exploración de texturas.

Jefferson Airplane – «White Rabbit»

Lanzada en 1967 dentro del álbum Surrealistic Pillow, «White Rabbit» fue escrita por Grace Slick y se convirtió en uno de los himnos de la contracultura de San Francisco. La canción, estructurada sobre un crescendo constante inspirado en el bolero, utiliza imágenes de Alicia en el país de las maravillas como metáfora de la experiencia psicodélica.

Tame Impala – «Let It Happen»

Publicada en 2015 como corte de apertura de Currents, «Let It Happen» representa la actualización de la psicodelia a través del ojo y las manos de Kevin Parker, líder de Tame Impala. La canción, de más de siete minutos de duración, cuenta con sintetizadores, samples y efectos de glitch con una base rítmica bailable, trasladando la tradición psicodélica de los años 60 al lenguaje de la producción electrónica moderna.

5 tapas de discos donde los artistas decidieron aparecer de espaldas

De Bruce Springsteen a Paul McCartney, repasamos cinco discos cuyas portadas muestran personas de espaldas.

Bruce Springsteen - Born in the USA (1984)
Bruce Springsteen – Born in the USA (1984)

Muchas bandas y artistas eligen aparecer en las portadas de sus álbumes como una forma de vincular su identidad con la del disco o, simplemente, de darse a conocer. Sin embargo, otros optan por alternativas menos convencionales, como aparecer de espaldas, una decisión claramente contestataria. A continuación,

5 discos cuyas portadas muestran personas de espaldas.

Paul McCartney – Back in the U.S. (2002)

Este álbum en vivo es uno de los más destacados de la carrera del ex Beatle. En la portada puede verse a Paul McCartney de espaldas, haciendo la seña de «OK» con la mano mientras sostiene una bandera estadounidense. El disco recopila actuaciones en distintas ciudades de Estados Unidos e incluye versiones en vivo de grandes éxitos de The Beatles y de su carrera solista.

Paul McCartney - Back in the U.S.
Paul McCartney – Back in the U.S.

Sublime – Sublime (1996)

El tercer disco de la banda de ska punk es uno de los más populares y, en parte, se debe a lo icónico de su portada. En ella se ve al cantante Bradley Nowell de espaldas, luciendo un tatuaje con letras góticas en el que se lee el nombre del grupo. El diseño fue obra de Opie Ortiz, quien ya había colaborado con la banda realizando distintos logos.

Sublime - Sublime
Sublime – Sublime

Bruce Springsteen – Born in the USA (1984)

Esta es una de las portadas más icónicas de la historia y fue obra de la fotógrafa de Rolling Stone, Annie Leibovitz. La imagen muestra a Bruce Springsteen de espaldas, vestido de rojo, blanco y azul, frente a un telón de fondo con franjas de la bandera estadounidense.

Además, hay una historia conmovedora detrás de la gorra que asoma del bolsillo trasero de Springsteen. Pertenecía al padre de Lance Larson, amigo de Bruce, y, tras su fallecimiento, Larson se la entregó al músico. The Boss decidió incluirla en la portada del disco como homenaje, después de prometerle a su amigo que su padre estaría presente hasta el final del proyecto.

Bruce Springsteen - Born in the USA
Bruce Springsteen – Born in the USA

Foo Fighters – There is Nothing Left to Lose (1999)

Este es uno disco clave dentro de la discografía de la banda y, desde la simpleza, su portada también contribuyó a su popularidad. En la misma vemos una foto en blanco y negro que retrata la nuca de una persona -aparentemente Dave Grohl- que lleva un tatuaje del logo de la banda. Se trata de una fotografía que tiene un tratamiento retro que le da un look rockero y despojado.

Foo Fighters - There is Nothing Left to Lose
Foo Fighters – There is Nothing Left to Lose

Echo and the Bunnymen – Heaven Up Here (1981)

Para su segundo disco, la banda de post-punk optó por una imagen que representara el frío y la melancolía que caracterizan a sus canciones. La fotografía fue tomada por Brian Griffin en la costa de Gales durante la grabación del álbum y muestra a los cuatro integrantes del grupo abrigados, de espaldas y mirando hacia el horizonte mientras el sol se pone, las pequeñas olas llegan hasta ellos y las gaviotas invaden el cielo.

Echo and the Bunnymen - Heaven Up Here
Echo and the Bunnymen – Heaven Up Here

A 41 años de Live Aid: El concierto que dio origen al Día Mundial del Rock

Hoy se celebra el Día Mundial del Rock y repasamos la historia del show que le dio origen.

Freddie Mercury de Queen en el show en Live Aid
Freddie Mercury de Queen en el show en Live Aid

Hoy se celebra el Día Mundial del Rock en homenaje al famoso recital Live Aid, realizado hace exactamente 41 años a beneficio de países africanos como Somalia y Etiopía, ya que por entonces estaban atravesando una delicada crisis de hambruna. Dicho concierto todavía es recordado como el más masivo de la historia, pues se llevó a cabo en dos sedes de manera simultánea: el estadio Wembley de Londres (Inglaterra) y el estadio John F. Kennedy de Filadelfia (Estados Unidos).

En total, esa jornada tuvo una audiencia de 3 mil millones de espectadores y 16 horas de transmisión ininterrumpida a más de 72 países. El organizador de este recital fue Bob Geldof, cantante y compositor irlandés que consiguió reunir a artistas que estaban en el pico de su popularidad como Queen, Madonna, Paul McCartney, Elton John, Bob Dylan, Led Zeppelin, Mick Jagger, Tina Turner y Eric Clapton, entre muchos otros.

En vista de la preocupante situación que se vivía en el denominado «Cuerno de África», donde no era posible siquiera conseguir agua potable, Geldof fundó el movimiento Band Aid Trust con la finalidad de recaudar recursos para ayudar a sus habitantes. Aunque inicialmente pensó que no muchos se sumarían a esa propuesta, finalmente consiguió que se sumaran 50 artistas de primera línea.

Asimismo, dentro de los asistentes a esa jornada se encontraron figuras de la talla de Lady Diana y el Príncipe Carlos, quienes por entonces llevaban apenas tres años de casados. El Live Aid se convirtió en un recital tan mítico que inspiró años más tarde muchas iniciativas similares que se pusieron en marcha para colaborar con diferentes causas solidarias en todo el mundo.

Una de ellas fue la que lideró Michael Jackson tras escribir el tema «We Are The World», y otra el «Concierto para la ciudad de Nueva York» que realizó McCartney junto a muchos colegas para homenajear a las víctimas y los rescatistas del ataque a las torres gemelas en 2001.

Las 5 mejores películas de Sam Neill

El fallecimiento inesperado del actor neozelandés impactó al mundo del cine, que despide a una figura fundamental de la pantalla grande y la televisión desde su debut en la década de 1970.

Sam Neill
Sam Neill.

Sam Neill murió hoy a los 78 años. El fallecimiento inesperado del actor neozelandés impactó al mundo del cine, que despide a una figura fundamental de la pantalla grande y la televisión desde su debut en la década de 1970. A continuación, repasamos las cinco mejores películas de su extensa trayectoria.

Possession

1981 – Dir. Andrzej Zulawski

Neill demostró que podía formar parte tanto de los grandes éxitos de taquilla de Hollywood como de producciones de culto. En este film de terror que coprotagoniza junto a Isabelle Adjani, el actor interpreta a un hombre desconcertado ante los repentinos e inexplicables cambios en la conducta de su esposa, de quien se está divorciando. Si bien los mayores elogios suelen ser para Adjani, Neill resulta un excelente contrapeso para este drama psicológico y de horror.

Jurassic Park

1993 – Dir. Steven Spielberg

Esta es la película más icónica de su carrera. Neill interpreta al doctor Alan Grant, un paleontólogo invitado a certificar la seguridad de las instalaciones de la Isla Nublar antes de su apertura al público. La estética de este personaje se convirtió en la imagen más representativa del actor y el éxito masivo del film lo catapultó a la popularidad global.

La lección de piano

1993 – Dir. Jane Campion

Aunque interpreta a un antagonista implacable, este título es uno de los más destacados de su filmografía. La película cuenta la historia de una mujer muda que llega a Nueva Zelanda para cumplir con un matrimonio arreglado, pero en su nuevo hogar entabla una intensa relación con otro hombre del lugar. Neill asume el rol del esposo, un colono posesivo y autoritario que completa el triángulo protagónico de este aclamado drama.

En la boca del miedo

1994 – Dir. John Carpenter

Otra de las grandes incursiones de Neill en el cine de terror es este título, en el que interpreta a John Trent, un investigador de fraudes de seguros que debe seguir el rastro de un exitoso escritor desaparecido a través de las pistas ocultas en sus propias novelas de horror.

La caza del Octubre Rojo

1990 – Dir. John McTiernan

En este thriller de suspenso y espionaje ambientado en la Guerra Fría, Neill comparte elenco con grandes figuras del cine como Sean Connery y Alec Baldwin. El actor interpreta al capitán de fragata Vasily Borodin, un papel que se convirtió en uno de los más reconocidos y celebrados de su filmografía.

El disco que Kiss lanzó como último recurso y terminó siendo un éxito

«Si este iba a ser nuestro último proyecto, salgamos con todo».

Kiss
Kiss.

A mediados de los 70, Kiss tenía un problema muy concreto: si bien llenaba recintos con sus fieles seguidores, no vendía muchos discos. La banda, formada en Nueva York en 1973 por Paul Stanley, Gene Simmons, Ace Frehley y Peter Criss, había construido su reputación sobre la base de sus actuaciones en vivo, caracterizadas por los ya históricos looks y maquillajes de los músicos, sangre falsa y explosiones que dejaban al público sin aliento. Pero, a la hora de trasladar esa energía al estudio, algo se perdía.

Sus tres primeros trabajos de estudio, Kiss (1974), Hotter Than Hell (1974) y Dressed to Kill (1975), apenas rozaron el top 100 del Billboard 200. «Nunca creí que ninguno de nuestros primeros tres discos capturó la intensidad de lo que la banda era«, reconoció Stanley. «Era un problema porque la gente venía a vernos y muchos de ellos no compraban nuestros álbumes«. El abismo entre lo que Kiss era sobre el escenario y el nivel de ventas de sus discos estaba hundiendo comercialmente a la banda.

Kiss
Kiss

Por eso, en 1975 el grupo tomó una decisión arriesgada: lanzar un álbum doble en vivo. «Alive! fue el último intento desesperado de una banda que no había despegado con los primeros tres discos», reconoció Simmons en una entrevista con MusicRadar en 2012. Y fue más lejos al agregar: «Decidimos lanzar no solo un LP en vivo, sino uno doble. Si este iba a ser nuestro último proyecto, salgamos con todo«.

Alive!, publicado el 10 de septiembre de 1975 y grabado principalmente en el Cobo Hall de Detroit, cambió todo. El disco vendió más de cuatro millones de copias solo en Estados Unidos y también salvó a su sello, Casablanca Records, que estaba al borde de la quiebra. El sencillo en vivo de «Rock and Roll All Nite» se convirtió en el primer gran éxito radial de Kiss, que al año siguiente publicó Destroyer, un LP producido por Bob Ezrin con grandes canciones como «Detroit Rock City».