La Radio del Coach de la Birra #YConCervezaEsMejor

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Navegar Autor

Carlos Segura

Amante de la Pizza, la Cerveza Fútbol y #Rocanrol Libre pensador, Cervezariano Libre pensador y libre bebedor #YconCervezaEsMejor toma y deja tomar, ley de la birra

Repeat

Rock/Punk

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Repeat regresa con su nuevo EP, «Celebrate»

El trío sueco REPEAT lanza el EP «Celebrate», y para los fanáticos de cierto sonido punk, esto es en realidad una razón para celebrar. Cinco canciones, nítidamente cortas, pesadas y con pesadez melancólica. Y sin embargo melódico y pegadizo.

REPEAT se mantiene en el medio tiempo y toca sus instrumentos tan ruidosamente que las voces se empujan un poco hacia un segundo plano. Sin embargo, la voz todavía tiene suficiente espacio para establecer acentos melódicos, junto con el bajo, por cierto, que se puede escuchar muy bien en la mezcla y se adapta a licks geniales, lo que hace que las cosas sean aún más emocionantes en general.

¿Referencias? El sonido me recuerda a los SEX PISTOLS, entre otras cosas porque la voz a veces insinúa ese cierto timbre de Johnny Rotten. Pero REPEAT también tiene préstamos del emopunk de finales de los 90 y principios de los noventa: resuena un poco de JIMMY EAT WORLD como una versión cruda de bricolaje. Pero REPEAT no es un espectáculo retro, sino tan independiente que el resultado suena como el aquí y ahora.

«Celebrate» definitivamente pertenece a la lista de compras para los amigos del punk rock pesado y melancólico: Bandcamp tiene el EP en vinilo. Y aquellos que viven en el norte de Alemania pronto podrán ver al trío en vivo.

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El EP captura la energía implacable de la banda, donde la intensidad y la precisión se encuentran con un matiz más oscuro. «Celebrate» también marca una nueva dirección para Repeat: más pesada, más aguda y dinámica, pero con la misma inmediatez cruda que siempre ha definido a la banda.

El tema central, «Framed», muestra a Repeat en su faceta más directa y explosiva, una canción cargada sobre la presión, la culpa y la lucha por liberarse. Más adelante en el EP, «Me & Paul Auster» destaca como algo más alienígena: una rima con tintes post-punk construida sobre la repetición y el absurdo existencial. La banda describe «Celebrate» como un título paradójico, a la vez irónico y sincero: «Celebrate trata sobre enfrentar todo el absurdo y la frustración que llevamos, pero también sobre negarnos a rendirnos.

Es un disco sobre aferrarse». Este otoño, Repeat llevará “Celebrate” de gira con conciertos en Suecia, Finlandia, Alemania y los Países Bajos, con el auténtico espíritu DIY y con la misma energía inquebrantable de siempre.

REPETIR en la gira de otoño / invierno 2025

REPETIR en la gira de otoño / invierno 2025

17.10 – Hollen, Seker Huus
18.10 – Hamburg, Rondenbarg/Wagenplatz
24.10 – Lübeck, VeB
19.12 – Meschede, Tröte

Don’t Tell John

Rock/Punk

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Don’t Tell John Regresa con un nuevo sencillo conmovedor “Again”

San Francisco, CA – 23 de septiembre de 2025 – La banda de rock del Área de la Bahía Don’t Tell John está de regreso con su último sencillo «Again», una canción inquietantemente poderosa que consolida la reputación del grupo como portadores de la antorcha de un nuevo género que muchos llaman Bloodline Rock & Soul. Conocidos por su mezcla característica de energía cruda, tono vintage y narración conmovedora, Don’t Tell John están liderando la carga en un sonido que se siente atemporal y urgentemente moderno. Durante el año pasado, la banda ha construido una notable serie de singles que muestran tanto el rango artístico como el impulso crítico. Desde la abrasadora «Hard Luck» y la catártica «I’m Done», ambas elogiadas por medios como Earmilk por su intensidad y honestidad, hasta la profundamente personal «Grandad» y la favorita de los fanáticos «Jake», Don’t Tell John han demostrado su capacidad para ofrecer canciones que resuenan tanto con el público como con los críticos. Cada lanzamiento se ha sentido como un nuevo capítulo, con cada canción basada en la anterior y reforzando la reputación de la banda como una de las voces independientes más emocionantes que surgieron del Área de la Bahía.

«Again» continúa esta trayectoria, llevando a los oyentes a un viaje catártico a través de la pérdida, la resiliencia y el renacimiento. «Esta canción trata sobre los ciclos que vivimos, las angustias, los momentos de duda y la elección de levantarse y comenzar de nuevo», explica el guitarrista y compositor Mark Larkin. «Es profundamente personal pero también universal. Todo el mundo sabe lo que se siente al caer y luchar para levantarse de nuevo».

Musicalmente, la canción muestra la dinámica característica de la banda: guitarras vintage arremolinadas, una sección rítmica que golpea como un tren de carga y la poderosa vocalista Veronica Larkin en el centro, su voz se mueve sin esfuerzo desde susurros íntimos hasta gritos volcánicos altísimos. Grabado en sus propios Stationhouse Studios, «Again» captura tanto el pulido de la producción moderna como la autenticidad cruda de una actuación en vivo. El ascenso de la banda durante el año pasado ha sido nada menos que notable. Con más de 10,000 oyentes mensuales en Spotify, miles de fanáticos comprometidos en Instagram y TikTok, y apariciones recientes en festivales junto a actos como The English Beat y Camper Van Beethoven, Don’t Tell John está demostrando ser una de las historias de éxito de base más emocionantes en la música independiente actual.

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«Again» estará disponible en todas las plataformas de streaming el 23 de septiembre de 2025.

Acerca de Don’t Tell John

Don’t Tell John es una banda de rock del Área de la Bahía de San Francisco que lleva el estandarte de Bloodline Rock & Soul, un género definido por el valor, la herencia y el corazón. Liderada por la poderosa vocalista Veronica Larkin, a menudo comparada con Janis Joplin y Chris Cornell, e impulsada por el compositor y guitarrista Mark Larkin, la banda combina texturas de rock clásico con intensidad grunge y profundidad conmovedora. Sus sencillos recientes «Hard Luck», «I’m Done», «Grandad» y «Jake» se han ganado la aclamación tanto de los fanáticos como de la prensa, con Earmilk elogiando su «intensidad volcánica y humeante» y el público describiéndolos como «un Soundgarden liderado por mujeres».

Con «Again», Don’t Tell John continúa su racha de canciones inolvidables y cargadas de emociones, reafirmando por qué se están convirtiendo rápidamente en una de las bandas independientes más convincentes de su generación.

Las 5 mejores canciones de Red Hot Chili Peppers según Indie Hoy

De «Under The Bridge» a «Give It Away», repasamos las 5 mejores canciones de Red Hot Chili Peppers.

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Las 5 mejores canciones de Red Hot Chili Peppers
Foto: Julian Schnabel.
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A lo largo de su carrera, Red Hot Chili Peppers ha mostrado diversas facetas. Algunas estuvieron marcadas por cambios en la formación de la banda, otras por mutaciones de estilo e incluso por una adaptación a la industria musical que los llevó a dejar de lado sus años más rabiosos y transgresores, tanto a nivel musical como lírico y performático.

La agrupación liderada por Anthony Kiedis mantiene una fuerte impronta funk, aunque también incursiona en el punk, el hard rock, el rap e, incluso, reserva espacios en sus álbumes para baladas crudas. La esencia californiana forma parte no solo de su sonido, sino también de sus letras y de la actitud de la banda, convirtiéndola en una de las más grandes de la historia del rock.

Las 5 mejores canciones de Red Hot Chili Peppers.

5. «Under The Bridge»

Esta es una de las baladas crudas mejor logradas por la banda. Con una letra pesimista que hace referencia a las experiencias de Kiedis con la heroína, la canción aborda la soledad, la cercanía con la muerte y la incomprensión de la frenética ciudad de Los Ángeles frente a la desolación. Con la voz y la guitarra eléctrica como protagonistas, este tema se convierte en un lamento que, hacia el final, estalla en una sección exuberante de coros y guitarras, funcionando como un clímax liberador.

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4. «The Zephyr Song»

Este es uno de los hits más destacados de By the Way (2002), con influencias del rock psicodélico que incluso se reflejaron en su exitoso videoclip. Con un estribillo pegadizo, melódico y luminoso, el tema cuenta con un característico solo de John Frusciante, quien también deja su impronta en las armonías vocales, uno de los elementos esenciales en las mejores canciones de la banda.

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3. «Parallel Universe»

Desde su costado más hard rock, la banda presenta esta canción enérgica, repleta de distorsiones y con una clara influencia del grunge, especialmente presente en el estribillo. El tema juega con las tensiones y dinámicas acumuladas durante las estrofas para estallar en un estribillo potente y contundente.

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2. «Give It Away»

Si tuviéramos que definir el estilo de Red Hot Chili Peppers a través de una sola canción, «Give It Away» sería la indicada. Incluida en el disco Blood Sugar Sex Magik (1991), la canción reúne la energía que caracteriza a la banda, el rapeo insolente de su cantante y una sección psicodélica creada mediante las guitarras. A pesar de su fórmula de hit, el tema conserva un espíritu de improvisación, reflejado en la fusión del funk con el hard rock.

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1. «Scar Tissue»

Una de las características que hace de Red Hot Chili Peppers una banda irresistible es el groove de sus canciones. En «Scar Tissue», este surge desde la batería y la guitarra de Frusciante, que construye melodías tan protagonistas como la voz. De hecho, la introducción de guitarra se ha convertido en uno de los sellos más reconocibles del tema, en el que Kiedis también ensaya su característico rapeo funk, incluso en esta power ballad que fue una de las canciones más famosas de finales de los 90.

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Los 3 mejores discos de Billy Idol

En la discografía de Idol, tres álbumes destacan por su impacto cultural y ventas, mientras que reflejan distintas etapas de su recorrido musical.

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Los 3 mejores discos de Billy Idol
Billy Idol.

Desde su salto del punk inglés como líder de Generation X hasta convertirse en ícono del rock de la década de los 80, Billy Idol construyó una exitosa carrera que lo llevó a la cima del cuarto arte gracias a su imagen explosiva, su estilo visual y su relación con el guitarrista Steve Stevens y el productor Keith Forsey.

A lo largo de los años, la música de William Michael Albert Broad (nombre real del artista) capturó la energía de géneros como el new wave y el hard rock con grandes resultados comerciales, fusionando riffs pegadizos con actitud rebelde.

En su discografía, tres álbumes destacan por su impacto cultural y ventas, mientras que reflejan distintas etapas de su recorrido musical. Por eso, hoy elegimos los 3 mejores discos del multipremiado cantautor británico.

3. Billy Idol (1982)

El álbum debut como solista de Idol estableció el sonido que iba a definir su carrera. Aunque vendió unas 615 mil copias según estimaciones, fue clave para posicionar su arte al otro lado del Atlántico, con temas emblemáticos como “White Wedding”, que alcanzó el top 40 en Billboard Rock, y “Hot in the City”, que fue número 23 en Hot 100.

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2. Charmed Life (1990)

Este cuarto LP mostró un Billy más emocional y orgánico que en sus obras anteriores. Su tema destacado, “Cradle of Love”, le valió un premio MTV. Charmed Life fue certificado platino en EE.UU., llegó al puesto 11 en Billboard 200, y también tuvo buena performance en Canadá, Europa y Australia con su mezcla de géneros tan variados como el jazz o el electro-blues.

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1. Rebel Yell (1983)

El segundo álbum de estudio fue el que catapultó al oriundo de la ciudad inglesa de Stanmore al estrellato. Contiene cuatro singles que se convirtieron en exitos: “Rebel Yell”, “Eyes Without a Face”, “Flesh for Fantasy” y “Catch My Fall”, los cuales recibieron una fuerte promoción en MTV.

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Nine Inch Nails se adentra en la pesadilla de la IA

La banda sonora de TRON: Ares muestra a Trent Reznor y Atticus Ross equilibrando la abstracción y la agresividad

 

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Trent Reznor suele mantener su faceta intelectual de compositor de bandas sonoras ganadoras de Óscar relativamente separada de su actividad principal como el frente Nine Inch Nails. Pero la banda sonora que él y su colaborador habitual Atticus Ross han creado para TRON: Ares es la primera vez que ha puesto la marca NIN en su trabajo cinematográfico. El nuevo álbum, el primero de Nine Inch Nails en cinco años, muestra a Reznor sumergido en todos sus temas favoritos: los sintetizadores de los ochenta, la violencia del rock industrial, el minimalismo del metal, las miniaturas de piano invernales, la segunda cara del álbum Low de David Bowie y el rincón más sudoroso del club gótico para todas las edades.

De las 24 canciones que componen el álbum, cuatro cuentan con la voz de Reznor. ‘As Alive As You Need Me to Be’ es puro oro negro de la vieja escuela de Nine Inch Nails —un tema oscuro y escabroso con Reznor rimando “infección” y “conexión” en un retorno ritual a sus grandes temas del poder, la sumisión y el control. El giro argumental es un coro de vocoder “yeah yeah yeah” que evoca a Daft Punk poniendo banda sonora a un rave en un cementerio. ‘I Know You Can Feel It’ suena como una loca canción grunge de los noventa devorando una triste canción trip-hop de los noventa, mientras Reznor entona un himno a la anticipación depredadora. La desoladoramente hermosa ‘Who Wants to Live Forever?’ establece su desolado gemido-canto sobre capas de hielo ambientales y cuenta con la encantadora y discreta colaboración a dúo de la artista española Judeline.Y termina el álbum con otro tema lleno de rabia y pesimismo, ‘Shadow of Me’. Temas igualmente intensos como ‘A Question of Trust’ y ‘Target Identified’ podrían haberse convertido en contribuciones igualmente destacadas al canon de NIN si Reznor les hubiera añadido voz. 

El resto del álbum es una fascinante colección de bandas sonoras cinematográficas. En los dos últimos lanzamientos de Nine Inch Nails, Ghosts V: Together y Ghosts VI: Locusts, ambos de 2020, Reznor se adentra en lo más profundo de la abstracción y la desolación sin ritmo, con resultados sorprendentemente convincentes. Gran parte de este material sigue la misma línea, a menudo impregnado de drones, zumbidos y ruidos de sintetizadores vintage que evocan el futurismo de ciencia ficción de principios de los ochenta que encarnó la primera película de TRON en 1982. Reznor también es productor ejecutivo de la nueva entrega de la franquicia, que trata sobre el primer encuentro de la humanidad con seres de inteligencia artificial, y se inclina por el carácter distópico y espeluznante de ese concepto con los títulos y las vibraciones de ‘Building Better Worlds’ y ‘Empathetic Trust’. Citando a uno de los compañeros de viaje de Reznor en el rock alternativo, seremos excelentes mascotas.

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Solo un masoquista se sentaría a escuchar más de una hora de este álbum de principio a fin —lo que significa que está perfectamente dirigido al público principal de Nine Inch Nails. Tomados de forma aislada, algunos de sus mejores momentos —como ‘Echoes’, que recuerda a Erik Satie convertido en Cylon, y ‘Infiltrator’— presentan una implosión seductora y llena de bajos, presentan interesantes giros en la tensión entre el hambre demasiado humana y la angustia androide con la que Reznor ha estado jugando durante décadas. Para el próximo verdadero disco de Nine Inch Nails, debería buscar un equilibrio más completo entre la agresividad y la abstracción. Quizás tengamos un nuevo Downward Spiral para nuestros tiempos.

DUPLEXIDAD

Pop-Rock/Punk

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DUPLEXITY lanza su nuevo sencillo ‘Mercy’

El aclamado dúo de hermanos de pop-rock DUPLEXITY se complace en anunciar el lanzamiento de su 13º sencillo, «Mercy», que debutó el 19 de septiembre de 2025.

LOS ÁNGELES, CA, ESTADOS UNIDOS, 18 de septiembre de 2025 – Esta evocadora canción, «Mercy», explora magistralmente las tumultuosas emociones de la traición y la pérdida, capturando la cruda experiencia de sentirse descartado por alguien en quien alguna vez confió profundamente. Mientras sumerge a los oyentes en la cruda honestidad de las letras, ‘Bathed my body hundreds of times, but I feel dirty, out of my mind’ transmite la lucha de tratar de limpiarse de los restos fantasmales de un amor que salió mal. Esta sincera exploración de la rabia y la resiliencia resuena profundamente, lo que la hace ideal para los oyentes que aprecian la narración poderosa.

El dúo, compuesto por los hermanos Savannah Judy y Luke Judy, comparte su deseo de conectarse con el público a través de una narración auténtica. «Con ‘Mercy’, queríamos canalizar los sentimientos de ira y resistencia al perdón que provienen de la angustia. ¡Es un reflejo de nuestras propias experiencias y del viaje universal de darnos cuenta de que no siempre tienes que mostrar misericordia cuando alguien te lastima!»

MERCY surgió de una reflexión de nuestras propias experiencias y del viaje universal de darnos cuenta de que no siempre tienes que mostrar misericordia cuando alguien te lastima».

Savannah Judy audiencias a través de una narración auténtica. «Con ‘Mercy’, queríamos canalizar los sentimientos de ira y resistencia al perdón que provienen de la angustia. ¡Es un reflejo de nuestras propias experiencias y del viaje universal de darnos cuenta de que no siempre tienes que mostrar misericordia cuando alguien te lástima!»

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Los oyentes pueden esperar el sonido característico de DUPLEXITY en «Mercy», con instrumentación dinámica y voces apasionadas que elevan la intensidad emocional de la canción. Como los fanáticos esperan, la capacidad del dúo para tejer narrativas poderosas en su música asegura que «Mercy» resonará con cualquiera que haya enfrentado pruebas similares del corazón.

Además del lanzamiento del sencillo, los fanáticos pueden esperar un conmovedor video musical que representa visualmente los temas de la canción, mejorando aún más la conexión emocional con los espectadores. El video estará disponible en todas las plataformas principales después del lanzamiento del sencillo. «Mercy» está disponible para pre-guardar ahora en Spotify, lo que garantiza que los fanáticos puedan experimentar esta nueva y convincente canción en el momento en que se lance en Spotify, Apple Music y todas las plataformas de transmisión. DUPLEXITY invita a los fans a unirse a ellos para una serie de fiestas virtuales de escucha, donde actuarán, compartirán ideas sobre la creación de «Mercy» y participarán en una sesión de preguntas y respuestas en vivo. Los detalles sobre cómo unirse a cada sesión especial se pueden encontrar en las páginas sociales y el sitio web de DUPLEXITY.

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Acerca de DUPLEXITY:

DUPLEXITY es un dúo dinámico de pop-rock conocido por su emotiva narración y su sonido impactante. Provenientes de Los Ángeles, CA, han capturado los corazones de muchos con sus temas identificables y sus auténticas actuaciones en vivo. DUPLEXITY se ha ganado seguidores dedicados desde su formación en 2023, desde Sunset Strip en Los Ángeles hasta Nueva York, House Of Blues y, más recientemente, abriendo para Benson Boone en el escenario SXSW Future of Music de Rolling Stone.

Steve Creep and the Wildcards

Rock/Punk

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Steve Creep and the Wildcards Presentan el sencillo «45»

Steve Creep and the Wildcards muestran un lado más sentimental con «45» Inmediatamente después de su tercer sencillo, Revolution Radio, la banda regresa con una dinámica diferente en su cuarto sencillo para «45», una historia real sobre un amigo de la escuela secundaria que se quitó la vida cuando era adolescente. La canción recorre las emociones de la culpa de los sobrevivientes, el resentimiento y el afrontamiento de la pérdida mientras intentan seguir adelante.

La fórmula de melodías pegadizas y guitarras en capas recordará a cualquiera que esté familiarizado con el sonido de la banda, pero a medida que la canción pasa por una variedad de estados de ánimo, incluido un interludio de armonía de guitarra doble (a la Thin Lizzy) entre versos y una modulación a medida que la canción toma un giro sonoro en la segunda mitad. El estado de ánimo se siente como un cruce entre Runaway Train de Soul Asylum y Hard Luck Woman de Kiss, combinando guitarras acústicas con capas eléctricas y una pista de batería de rock que mantiene el ritmo de la canción.

Esta canción seguramente captará los oídos de la radio que ha apoyado a Wind Me Up, Bottles And Cans y Revolution Radio, que colectivamente han obtenido más de 300 mil transmisiones hasta la fecha, además de recibir una recepción acogedora en más de 50 estaciones de radio por Internet en todo el mundo, junto con algunas reproducciones de radio FM.

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Mezzo Pazzo

Pop – Rock/Punk

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Mezzo Pazzo Presentan el sencillo » SpiritZ Dance»

SpiritZ Dance  es la canción principal del nuevo álbum CTRL+Z

Mezzo Pazzo es un cuarteto de rock arraigado en el área de La Louvière y Mons. La banda se formó en 2020 alrededor de Angel, el excantante y guitarrista de [Inc.Ognito]. Para marcar su llegada, grabaron un álbum debut en Rec’n’Roll Studio (Bruselas). Este primer capítulo es posiblemente la forma más representativa de mostrar todas las facetas de su musicalidad. Dicho esto, después de dos años desafiantes, están de vuelta con una nueva alineación y el anuncio de nuevas pistas que aparecerán en un próximo álbum programado para 2025.

La banda extrae su energía y esencia central de la música de los años 70 a 90, al tiempo que incorpora influencias clásicas, de banda sonora y de rock más alternativo. Con dos guitarras, un bajo, una batería y cuatro voces, y a pesar de la pesadez de algunos riffs, la melodía siempre tiene prioridad en el sonido de Mezzo Pazzo. En última instancia, es en el escenario donde la banda revela su verdadera identidad.

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«SpiritZ Dance» el videoclip

Spiders on drugs

Rock/Punk

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Spiders on Drugs Presentan el tema «Playing Nice»

«Playing Nice» es una pista de indie pop atmosférico sobre perder señales, perder el tiempo y finalmente negarse a seguirle el juego. Con versos de ensueño, un coro inquietantemente emocional y un sutil impulso hacia adelante, la canción combina vulnerabilidad con fuerza silenciosa. Para los fanáticos del indie pop introspectivo con profundidad lírica y producción temperamental. Encaja bien en listas de reproducción con pop alternativo emocional, dream pop o indie liderado por mujeres.

Spiders on Drugs es una banda que desafía el género y fusiona emociones crudas con letras afiladas, actitud audaz y honestidad inquebrantable. Arraigados en el rock alternativo pero sin miedo a aventurarse en paisajes sonoros punk, indie y cinematográficos, su música es a la vez confrontativa y vulnerable, una voz para aquellos que se sienten fuera de sintonía con el mundo.

Spiders on Drugs ofrece canciones que exploran cuestiones existenciales, desilusión social, traición, caos interno y supervivencia emocional, a menudo desde una perspectiva claramente femenina. Spiders on Drugs se formó a partir de una frustración compartida con las tendencias superficiales y un hambre de expresión más profunda. Su nombre, en parte humor, en parte amenaza, refleja la mezcla de absurdo y amenaza de la banda. Líricamente ricos y emocionalmente intensos, caminan por la cuerda floja entre la rebelión y la reflexión, el caos y el control.

Con seguidores leales y crecientes, la banda se ha labrado un espacio para los forasteros, los que dicen la verdad y aquellos que se niegan a tocar bien. Esta no es música para los débiles de corazón. Es para los que piensan demasiado, los inadaptados, los que ya han tenido suficiente, y aún así siguen adelante.

Playing Nice es una canción de indie pop introspectiva e introspectiva que explora la tensión entre la autosupresión y el anhelo de liberarse. Construida alrededor de guitarras de ensueño, texturas en capas y voces cargadas de emociones, la canción captura los momentos tranquilos de realización: las señales que perdemos, los patrones que repetimos y la voz que finalmente dice «no más».

Líricamente, traza un viaje a través de la duda, la retrospectiva y el despertar. Cada verso revela una nueva capa de conflicto interno, mientras que el coro se convierte en una negativa catártica a seguir jugando con las reglas de otra persona. El arreglo equilibra la profundidad atmosférica con un pulso constante, creando un paisaje sonoro que se siente íntimo y expansivo.

Esta canción, parte del álbum debut Rexistilence, señala una nueva dirección en nuestro próximo álbum programado para su lanzamiento a finales de este año.

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Westwell

Folk/Acoustic – Pop – Rock/Punk

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Westwell presentan el tema «Ten Feet Tall» 

Ten Feet Tall es un himno a una relación de padre e hijo y al paso del tiempo y de los roles de generación en generación.

Westwell is a band born of deep roots and shared vision. Formed by singer-songwriters James and Gus Corsellis, a father and son duo, alongside producer and multi-instrumentalist Jamie Biles, the group writes and records from their studio tucked away in the Oxfordshire countryside. What began as a quiet collaboration has steadily grown into something far-reaching.

Su música combina una composición reflexiva con un sonido rico y melódico moldeado por el indie y el folk-rock. Se inspiran en artistas como The National, Fleet Foxes, Bon Iver y Jason Isbell, al tiempo que se hacen eco de la profundidad emocional de poetas como WH Auden, Raymond Carver y Mary Oliver. Westwell elige el camino menos transitado, empujando los límites creativos mientras se mantiene firme en la honestidad y el oficio.

Desde que lanzaron su primera canción a fines de 2023, han llamado la atención tanto por su composición como por su diseño de sonido.

Con varios lanzamientos que ya llegan a un público amplio y el apoyo temprano de BBC Introducing, se han labrado un espacio que se siente silenciosamente seguro. Con nueva música en camino, Westwell continúa ofreciendo canciones que se sienten familiares y silenciosamente nuevas, moldeadas por la experiencia y contadas con cuidado.
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